 |
| ©Shervin Lainez |
The Hold Steadyは、近日発売予定のアルバム『The Price of Progress』収録の最新シングル「Understudies」を公開しました。
「これはサウンド的にTHSの過去8枚のレコードのどの曲からも飛躍している」とフロントマンのCraig Finnは声明で述べています。
「Franzがこのアイデアを持ち込んで、たくさんのクールな場所に行ったんだ。コントロールルームに入ると、GalenとプロデューサーのJosh Kaufmanが、最後のバースで入ってくるパンされたベースパートに取り組んでいたのを覚えています。私はそれに驚き、興奮しました。私たちは皆、そうでした。この話は、ある俳優が演技を終えて落ち着かない。彼と仲間のスタッフは、何か眠れるものはないかと、夜の街に消えていった。翌日、二人とも連絡が取れなくなり、監督は代わりのスタッフを探すために奔走する」
『The Price of Progress』はホールド・ステディの自社レーベルPositive Jamsから3月31日に発売される。
Interview
Elijah Knutsen
 |
最初のインタビューは、米国/ポートランドのアンビエント・プロデューサー、Elijah Knutsenさんにお話を伺いました。
Elijah Knutsen(エリヤ・クヌッセン）は2021年にデビューしたばかりの新進の音楽家ではありますが、既にフルアルバムを一作、そして複数のシングルを発表しています。特筆すべきは、Elijahさんは大の日本愛好家であり、ファースト・アルバム『Maybe Someday』には、青森の青函トンネルを主題にした「Seikan Undersea Tunnel」が収録されています。また、電子音楽のプロデューサーではありながら、ザ・キュアーを彷彿とさせるオルタナティブロック、さらに美麗なサウンドスケープを想起させる叙情的な環境音楽まで幅広いアプローチを図っています。最近では、Panda Rosaをコラボレーターに迎えて制作された『...I wanted 10 Years Of Pacific Weather...』、そして先日には『Four Love Letters』を発表し、非常に充実した活動を行っています。
今回、MUSIC TRIBUNEは、Elijah Knutsenさんにインタビューを申し込んだところ、回答を得ることが出来ました。
音楽活動を始めるようになった契機から、プロデューサーとしての制作秘話、影響を受けたアーティスト、ポートランドや日本の魅力、他にも、パンデミック時にドッグトレーナーとして勤務していた時代まで様々なお話を伺っています。読者の皆様に以下のエピソードをご紹介します。
Music Tribune -12 Questions-
1. イライジャさんが音楽活動を始めたのはいつ頃ですか？ また、音楽活動を始めるきっかけとなった出来事などがあれば教えてください。
私が幼い頃、母は学校に向かう車の中でいつもRadioheadのCDを流していました。最初は大嫌いでした。でも、大人になるにつれて、トム・ヨークの孤独な思いに共感するようになったんです。私が初めて楽器に触れたのは12歳頃のことで、ピアノでした。最初はピアノを習っていたのですが、あまりに難しいので、簡単な作曲を耳で覚えるだけでしたし、正式な音楽教育を受けていない今でもそうしています。
19歳のときにひどい別れを経験した後、質屋でギターを買い、長い時間をかけて弾き方を学び、何年もかけて低品質のレコーディングをたくさん作りました。それまでギターを弾いたことがなかったのに、自分はこんなに上手なんだ！と思っていました。でも最初に出したリリースを思い出すと、ゾッとします。
音楽活動を本格的に始めたのは、Covid-19の流行が始まった頃で、「Memory Color」というレコードレーベルを立ち上げたのがきっかけです。
2. 「Seikan Undersea Tunnel」など、日本の土地にまつわる曲も収録されています。日本やその文化に興味を持ったきっかけをお聞かせください。
日本は私にとって、いろいろな意味でとても興味深い国です。内向的で繊細な文化は、内気で物静かな私にとって、とても大切なものです。
日本やその文化には、明らかに西洋のローマ字が使われていますが、私が日本に魅了されているのは、それ以上のものだと思います。これほどまでに違う場所に行けば、自分の人生も大きく変わるに違いないと思うところがあるのです。それが本当なのかどうか、確かめたいと思っています。
日本の自動販売機も大好きですよ！（笑)
3. あなたの作品には、フィールドレコーディングが使われていると思います。どのように録音されているのでしょうか？
フィールドレコーディングの多くは、"Freesound "というウェブサイトから調達しています。また、ポートランド周辺の新しいエリアを訪れてフィールドレコーディングをするのも好きですが、レコーダーを売ってからはあまりしていません。自分のアルバムがある場所（例えば青森など）にリンクしたフィールドレコーディングは、ここで作るよりも特別なものになると思います。
4. 過去の作品には、ある特定の場所からインスピレーションを受けたものが多くあります。何らかの風景や写真からインスピレーションを得ることはあるのでしょうか？
私は、自分が見た夢から多くのインスピレーションを得ます。私はとても鮮明な夢を見て、周りの環境と相互作用したり、感情を強く感じたりすることができます。以前、文明から遠く離れた南極の街に閉じ込められるという、とても寂しい夢を見たことがあります。その夢は、私のアルバム までのフィーリングを刺激することになりました。
また、日本や東欧など、世界中の場所の風景や写真を見るために、googleを使っています。長い時間をかけて世界の曖昧な場所を探索し、そこに住むとどんな生活になるのだろうと考えています。
曲が生まれる瞬間というのは、ある種の神秘的な瞬間であると思っています。曲を思いつくとき、そして完成させるとき、どのようにするのか、詳しく教えてください。
私の曲の多くは、その瞬間に完成します。技術的に難しい、もの（ドラムなど）でない限り、作曲を始めてから1、2時間以上はかかりません。コードや音符を思いついた後、フィールドレコーディングや、さらに様々な楽器を重ねて、トラックに追加します。
レコーディングよりも、アレンジやミキシング、マスタリングに時間を割くことが多いですね。自分の感情を楽器に託すような、最もシンプルな作品が一番幸せなんです。
5.これまでの作品では、アンビエント、ギターロック、環境音楽など、幅広い方向性を持っていますね。これは今後も続けていくつもりなのでしょうか？
私は非常に多くの種類の音楽を聴いているので、すべての音楽からインスピレーションを受けないということは難しいでしょう。新しいジャンルやタイプの音楽を試したりするのが好きなんです。
6. イライジャさんは、アメリカのポートランドにお住まいですよね？ ポートランドの魅力、地元の魅力的な音楽、シーンなど、どんなことを知っていますか？
7歳の時にポートランドに引っ越してきて、それ以来ずっと住んでいます! ポートランドは大好きです。川が流れていて、遠くに山が見える、とてもきれいな街です。この街の場所にはたくさんの思い出があります。私のお気に入りの場所は、街を見下ろす大きな丘の上にあるローズガーデンです。とても穏やかで落ち着く場所です。この街にはたくさんのローカルミュージックがあり、小さな会場やフェスティバルもたくさん開催されています。ロックやパンクが多いのですが、私はパンクはあまり好きではありません。
7. あなたがこれまで聴いてきた音楽に最も大きな影響を与えたアーティストは誰ですか？ また、それらのアーティストがどのような形で今のあなたに影響を与えていると思いますか？
私は "The Cure "の大ファンなんです。ロバート・スミスの文章には、いつもとてつもない感動を覚えます。私はかなりメランコリックな人間なので、彼の作る作品の多くに共感することができます。また、オーストラリアのサイケデリック・ロックバンド、「The Church」も大好きです。私は自分の曲には歌詞を書きませんが、これらのバンドが作る痛快な作品に大きなインスピレーションを感じています。
また、日本のアンビエントミュージシャンである "井上徹"（編注：1990年代〜2000年代に活躍したアンビエント・ミュージックのパイオニア的存在）にも大きなインスピレーションを受けています。彼のアンビエント・ミュージックはとてもユニークで、今まで聴いたことがないようなものばかりです。コクトー・ツインズのハロルド・バッドとロビン・ガスリーも、私のアンビエント作品に大きなインスピレーションを与えてくれています。
8. あなたの最初の音楽体験の記憶についてお聞かせください。また、それはあなたの人生に何らかの形で影響を与え続けていると思いますか？
音楽に関する最初の記憶は、幼い頃に祖父母の家でピアノを弾いたことだと思う。アンビエント」という言葉を知る何年も前に、私はかなりアンビエントなサウンドの曲を作っていましたよ。
9. Covid-19のパンデミックやロックダウンのおかげで、アーティストが音楽に集中できるようになったと考える人もいるようです。この点について、イライジャさんはどのようにお考えでしょうか？ また、2021年以前と比較して、作りたいものが変わったのでしょうか？
パンデミック以前は、ペット用品店でドッグトレーナーとして働いていました。自分や家族が病気になるのが怖くて、有給を全部使ってしまい、結局解雇されました。しかし幸運なことに、何カ月も失業手当をもらうことができ、今までよりも多くのお金を手にすることができました。そのお金でレコード会社を立ち上げ、レコーディング機器や楽器に投資しました。
また、それまでリリースしていたポストロック・プロジェクト "Blårød "ではなく、自分自身の名前で環境音楽を制作するようになりました。そして、自由な時間のすべてを最初の2枚のアルバムの制作につぎ込みました。
10 .『Vending Machine Music 1』のリマスター盤が発売されましたね。この作品は、例えばブライアン・イーノの『Music For Airport』のように、これまでの作品の中で最も環境音楽的な要素が強いと思うのですが。改めて、なぜこの作品をリマスターすることになったのでしょうか？ その理由を詳しく教えてください。
『Vending Machine Music 1』については、私の最高傑作のひとつだと思うので、リマスターすることにしました。この作品を最新の方法で聴衆に紹介したかったのです。このアルバムのマスタリングはあまり良くなかったし、まだミキシングについてあまり知らなかった頃に作ったものだった。また、オリジナル・アルバムでリリースされていない、私が手がけた過去のトラックも収録したかった。
11. あなたにとって、アンビエント・ミュージックとは何ですか？ 消費される音楽以上の意味を持つとお考えでしょうか？
私は、ほとんどすべての音楽が同じだけの重要性を持っていると感じています。ロマンチックな気分の時は、安っぽいポップスを聴くこともあるし、一般的に消費される音楽よりも「知的」ではないと思われるものも聴くことがある。しかし、そのような音楽でも、重要なことが書かれていないわけではありません。日本の環境音楽のリリースは、とても「イージーリスニング」でありながら、私にとってはとてもエモーショナルです。
アンビエントというジャンルを定義するのは、とても難しいことです。柔らかい、広い、ミニマル......ランプの音や虫の音のような小さなものがアンビエント・ミュージックになり得るのです。
最後に。
12. 今後の予定があれば教えてください。また、現在取り組んでいる作品があれば教えてください。曲（Four Love Letters）のテーマについて詳しく教えてください。
ニューアルバム『Four Love Letters』をリリースしたばかりですが、今は次のプロジェクトのインスピレーションを待ちながら、すねているところです。ここ数ヶ月は、ラーメン屋の仕事を失ったり、友人を亡くしたり、振られたり、腎臓結石になったりと、とても辛い日々でした。
アルバム『Four Love Letters』は、私が経験した辛い別れの後に生まれたもので、この関係に対する私の気持ちを音楽で表現するためのものです。これほど孤独を感じ、落ち込んだことはありません。このプロジェクトには、たくさんの感情、特に悲しみが込められていて、まだ悲しいですが、このアルバムの出来栄えにはとても満足しています。
本当にありがとうございました。- イライジャ・クヌッセン
1. When did you start your music career, Elijah? Also, please tell us about any events that triggered you to start your music career.
When I was younger my mother would always play Radiohead CDs in the car, on the way to school. At first I hated them! But as I got older I realized how much I really could relate to the lonely musings of Thom Yorke. I was first introduced to an instrument when I was around 12, the piano. I took piano lessons at first, but found them too difficult, and just learned to make simple compositions by ear, something I still do today, as I have no formal music education.
After a bad breakup at the age of 19, I bought a guitar from a pawn shop, and spent a long time learning how to play, making lots of low quality recordings over the years. I had never played the guitar before, and thought I was so good at it! I shudder when I think of the releases I started out with.
I began taking my music career more seriously at the beginning of the Covid-19 pandemic, when I started my “Memory Color” record label.
2. I think some of your songs are related to Japan, such as the ”Aomori Seikan Tunnel”. Please tell us how you became interested in Japan and its culture.
Japan is very interesting to me in many ways. For one, the culture there is much more introverted and subtle, something I have always valued, being a shy and quiet person myself.
There is obviously a bit of western romanization with Japan and its culture, but I find that my fascination with the country is more than that. One part of me must think that if I go somewhere so vastly different, that my life will also become vastly different. I am eager to find out if that’s true or not.
I also love the vending machines in Japan!
3. I believe that field recordings are used in some of your compositions. How are these recordings made?
I source a lot of my field recordings from the website “Freesound.” I also love to visit new areas around Portland and make field recordings, although I haven’t done that much since I sold my recorder. I find that the field recordings linked to places that my albums are about (such as Aomori, Japan,) are more special than the ones I can make here.
4. Many of Elijah's past works have been inspired by a particular place. Do you get inspiration from some kind of landscape or photographic reference?
I get lots of inspiration from dreams I have. I have very vivid dreams where I can interact with the environment around me, and feel emotions strongly. I had a very lonely dream once where I was stuck in a city in Antarctica, far away from all civilization. That dream ended up inspiring the feeling for my album “Maybe Someday.”
I also use google to view scenes and pictures of places from around the world, such as Japan or Eastern Europe. I spend a long time exploring obscure places in the world, and wonder what life would be like living there.
And I also think that the moment a song is born is a kind of mystical moment. Can you tell us(me ) more about when you come up with a song, and how you complete it?
A lot of my tracks are done in the moment, I usually don’t spend more than an hour or two composing a track after I’ve started unless it's something technically difficult (like drums.) After coming up with something like chords or notes, I add field recordings, and various layers of more instruments to the track.
Most of my time is spent arranging, and then mixing and mastering the track rather than recording! I find that the work I am happiest with has been the simplest, where it’s just my emotions letting the instruments show how I feel.
5. Throughout your past works, Elijah, you have taken a wide range of directions: ambient, guitar rock, and environmental music. Is this something that you intend to do?
I listen to so many different types of music that it would be difficult to not be inspired by all of them. I love experimenting with new genres & types of music.
6. Elijah, you live in Portland, USA, right? What do you know about Portland, its attractions, its fascinating local music, its scene, etc.!
I moved to Portland when I was 7 years old, and have lived here since! I love Portland. It’s a very pretty city with a river running right through it, and mountains in the distance. I have lots of memories attributed to the places here. My favorite place is the Rose Garden, up on a big hill overlooking the city. It’s a very calm and tranquil place. There is a ton of local music here, and lots of smaller venues and festivals that occur. A lot of rock and punk is present here, although I’m not too big a fan of punk music.
7. Which artists have had the greatest influence on the music you have listened to? And in what ways do you think those artists influence you today?
I am a huge fan of “The Cure.” I have always felt incredibly moved by Robert Smith's writing. I am quite a melancholic person, and can relate to much of what he’s made. I also really love “The Church,” an Australian psychedelic rock band. Although I don’t write any lyrics for my songs, I find great inspiration in the poignant works these bands produce.
I am also greatly inspired by the Japanese ambient musician “Tetsu Inoue.” His ambient music is so incredibly unique, and unlike anything I had ever heard before. Harold Budd and Robin Guthrie of “Cocteau Twins” are also very big inspirations to my ambient works.
8. Please tell us about your earliest memory of your first musical experience. And do you think it continues to influence your life in some way?
I think my first memories of music would have to be when I would play the piano at my grandparents house as a younger child. I made some quite ambient sounding compositions years before I knew what “ambient” was!
9. Some people seem to think that the Covid-19 pandemic, and the lockdown for that matter, has allowed artists to focus on their music. What are your thoughts on this point, Elijah? Also, have you changed what you want to make compared to before 2021?
Before the pandemic, I was working at a pet supply store as a dog trainer. I used all of my time off because I was afraid of getting myself and my family sick, and eventually got laid off. Thankfully I was able to get unemployment payments for months, which amounted to more money than I’ve ever had before! I decided I wanted to pursue music as a career instead of just a hobby, and used the money to start my record label, and invest in recording equipment/instruments.
I also began to produce environmental music under my own name, rather than the post rock project I had been releasing under; “Blårød.” I put all of the free time I had into making my first two albums, which turned out to be my most successful releases!
10. Elijah has just released a remastered version of "Vending Machine Music 1”. I think this record, like, for example, Brian Eno's Music For Airport, has the strongest environmental music element of any of your previous works. Once again, why did you decide to remaster this work? Could you elaborate on the reasons?
I decided to remaster Music For Vending Machines because I feel that it is one of my best works. I wanted to re-introduce it to my audience in an updated way. The mastering of the album wasn’t great, and I had done it when I still didn’t know much about mixing. I also wanted to include a previous track I had done, that hadn’t been released with the original album.
11. What does ambient music mean to you? Do you consider it to mean more than music of consumption?
I find mostly all music to hold the same amount of importance. Sometimes when I’m feeling romantic I will listen to cheesy pop records, or something one might view as less “intelligent” than the music I generally consume. Even if it is meant for easy consumption, that doesn’t mean it doesn’t have anything important to say! The Japanese environmental music releases are very “easy listening,” but also still very emotional to me.
Ambient as a genre is very hard to define. Many things to me mean ambient; soft, spacious, minimal… Something as small as a buzzing lamp or the sound of insects can constitute ambient music.
Lastly,
12. What are your future plans, if any? Are there any works that you are currently working on? Can you tell me more about the theme of the song (Four Love Letters)?
I just released my new album “Four Love Letters,” and am currently sulking around, waiting for inspiration for my next project. The past few months have been very hard for me, losing my job at a ramen shop, the loss of a friend, getting dumped, and kidney stones!
The album “Four Love Letters” comes after a hard breakup that I have gone through, and is a way for me to express my feelings about this relationship through music. I have never felt more alone and depressed! A lot of emotion, particularly sadness, has been put into this project, and although I am still sad, I can say I am very happy with how this album turned out.
Thank you so much! - Elijah Knutsen
Interviewer: Music Tribune
March 5th. Cloudy Day.
また、Elijah Knutsenは先々週の３月４日に四曲収録の新作「Four Love Letters」をリリースしています。ブライアン・イーノの往年の作品を彷彿とさせる連曲です。上記の作品とともにチェックしてみて下さい。Elijah Knutsenのバックカタログはこちらでご視聴/ご購入出来ます。
このリリースに関して、「アルバムは非常につらい別れの後に作られ、私はこのプロジェクトに多くの悲しみと感情を注ぎ込みました。ロマンチックな喜びよりも、ほろ苦い失われた愛のアルバムです.これほど孤独で落ち込んでいると感じたことはありません」とElijahはコメントしています。
Miley Cyrus 『Endless Summer Vacation』
 |
Label: Columbia/Sony Music Entertainment
Release: 2023 3/10
マイリー・サイラスは歌手として大成功を収めたメガスターとも言え、さらに人気ドラマにも出演し、歌手、俳優として活躍するテネシー州出身のシンガー。ソロキャリアの売り上げは2000万枚超。シングルセールスは２億枚を誇る。また、俳優としても活躍目覚ましく、社会現象となったドラマ「ハンナ・モンタナ」にも出演したことで知られる。
マイリー・サイラスのファンとして、なんという瞬間だろう。「Flowers」は、単なるサプライズ・カムバック・ヒットではなく、マイライズムの勝利である。タブロイド・スキャンダルやエレクトロ・スリーゼが渦巻く『Bangerz』時代の「Wrecking Ball」以来、10年ぶりのナンバーワン・ヒットとなった。
しかし、今、彼女はついに、ずっとなりたかったオールドスクールな大人の伝説へと変貌を遂げた。土曜日にリリースされる離婚後のアルバム『Endless Summer Vacation』のリード・シングル「Flowers」は、ハンナ・モンタナから世界的な大人への旅の集大成となる。この瞬間は現代のポップス界で最も長く、最も奇妙な物語の1つの頂点にあるチェリーである。
マイリーはまだ30歳ではあるが、すでに20年近くメガフェイマスアーティストとして活躍している。彼女は、普通のアメリカ人女性としての秘密の生活を持つ架空のポップスターを演じるディズニーのモペットとしてスタート。ハンナ・モンタナは、アイデンティティの面では楽しい鏡の家だ。彼女の父親は、実の父親である「Achy Breaky Heart」のビリー・レイ・サイラスが演じており、彼はすでにデヴィッド・リンチの映画の悪夢のシーンで自分を演じていた。
15年前の最初のトップ10ヒット「シー・ユー・アゲイン」でも、マイリーは自分の人格の危機を歌っている。サビのフックは「親友のレスリーは、『ああ、彼女はマイリーのままなんだ！』と歌っている。そして、以来、多くの変身を経て、常にマイリーであり続けている。最近、彼女は「あなたは私がトワークでマリファナを吸い、口の悪いヒルビリーだと言うことができますが、私は嘘つきではありませんから」とも打ち明けている。
「Flowers」がサイラスの最大のヒット曲となったのは、彼女にとって最もリアルであり、離婚後に再出発し、自分を愛することを学ぶための痛烈な頌歌だからである。彼女は「自分に花を買うことができる」という誓いで元彼に別れを告げた。元夫のリアム・ヘムズワースとの繋がりは誰にでもわかることで、10年連れ添った2人の結婚は1年足らずで終わり、2019年に燃え尽きた。
彼女は、"We were right till we weren't/Built a home and watched it burn "という言葉で、マリブ(カルフォルニア)の家が炎上するのを見た実体験を歌い上げている。また、2020年のカバーストーリーでローリング・ストーン誌のブリタニー・スパノスに語っている。「この火事は自分ではできなかったことをやってくれたのです。もはや目的を果たさないものから私を取り除いてくれたんです」
歌手、俳優として注目を受けた後、結婚生活のあっけない終焉、悲劇的なカルフォルニアのマリブの自宅の火事、こういった一連のゴシップに関連する出来事は、もちろんすべてがそうではないにしても、マイリー・サイラスに前進する勇気を与えたのではないでしょうか。そして世間的な幸福や成功というものが幻想のようにいかにいかに儚いものであるか気づかせたのかもしれない。
『Endless Summer Vacation』はマライア・キャリーの全盛期を彷彿とさせる米国らしさのあるポピュラー・ミュージックとなっている。それは近年の米国のポップスの文脈から見てもそれほどかけ離れた内容とはいいがたいものがある。アルバムには、ポップス、シンセポップ、R&B，南米的な情熱を交えた痛快なポピュラーアルバムとなっているが、そこには、マイリー・サイラスの表面的な華美さに加え、純粋で素朴な性質も感じられます。
『Endless Summer Vacation』の発売前には、オリジナルとデモの2つのバージョンを併録する「Flower」だけしか公開されなかった。これは興行の面で大きな効果を生むためのコロンビア・レコードの奇策の一つと言え、当日まで、アルバムの内容をミステリアスなベールで覆うことにより、発売時の音楽の印象を際立たせようとしたのです。
すでに、かなりの賛否両論を巻き起こしている作品ですが、年代を問わず楽しめるアルバムとなっています。少なくとも、哀愁と情熱を織り交ぜた「Flowers」や、それ続く、繊細さとダイナミックス性を兼ね備えた「Jaded」の2つの王道のポピュラー・ソングにおいて、サイラスは歌手としての抜群の安定力を見せ、華美さにとらわれない音楽を通じ、安らぎと晴れやかさを与えてくれる。これはサイラスなるシンガーの歌が類い稀な存在感を持ち、さらにオーディエンスを聴き入らせる情感の深さを持ち合わせていることを証左しているように思える。
「Flowers」
マイリー・サイラスの音楽性は、マライア・キャリーの時代のポピュラーソング、プリンスの時代の華やかなシンセポップ、スタックス・レコードの時代のR&B，少し前の時代のエイミー・ワインハウス、最近のリアーナを彷彿とさせるソウルフルなポピュラーソング、最新のトレンドのラップソング、その他にも、彼女の重要なルーツであるテネシーのカントリーミュージックが織り交ぜられています。
それらの要素が一つ前に出たかと思えば、別の曲では他の要素が前に出たりと、柔軟かつ流動的な役割を果たしている。どの音楽の影響が色濃く反映されているかまでは明言できませんが、アーティストが慣れ親しんできた音楽文化がナチュラルな形で曲に表れ出ている。これは、先にも述べたように、複数のプライベートの困難な出来事を通じ、現実的な出来事の中にある虚栄というものの寂しさや侘しさをアーティスト自身が感じとったからなのかもしれません。
これらの感覚は、派手なシンセを交えたダンサンブルなポピュラーミュージックの渦中にあって、哀愁と称するべき抒情性によって縁取られている。このブルージーな感覚が色濃く反映されたのが「You」となるでしょう。
「You」
往年の米国らしいバラードソングのスタイルを踏襲し、アーティストのルーツであるテネシーのカントリーとスタックス・レコードのR&Bのワイルドな雰囲気を交えたこのトラックは、新しいとも古いともつかない時代を超越したバラードとなっている。また、これは他のどの地域にも求められない特性で、アーティストの故郷テネシーへの淡い郷愁が表されている。サイラスのハスキーな渋いボーカルは開放感にあふれており、米国の広大で豊かな土地へのロマンを思わせる素晴らしい楽曲となっています。
さらに、天文学的なストリーミング回数記の記録を打ち立てた「Flowers」、美しさと圧巻の迫力を兼ね備えるバラードソング「You」の2曲に加えて、終盤に収録されている「Wonder Woman」も同じく、アーティストの代表的なレパートリーとなってもおかしくないようなトラックです。表面的なキャラクター性を越えた作品のクライマックスを飾る、繊細さと純粋さを兼ね備えたこのダイナミックな名曲には、表側には見えないスターシンガーの飾らない姿が垣間見える。特に、歌手の真の実力が試される簡素なバラードソング「Wonder Woman」において、マイリー・サイラスは、均一化されたデジタルレコーディングであるにも関わらず、自らの歌唱力と声量によって他を圧倒するような存在感を示しています。
Weekend Featured Track 「Wonder Woman」
マーズ・ヴォルタが2022年に発表したセルフタイトルのカムバック・アルバムの再構築された音響バージョン『Que Dios Te Maldiga Mi Corazon』を４月２１日にClouds Hillより発売する。
「私は今、ようやくこのようなレコードを作ることができると悟ったんだ」と、メンバーのオマール・ロドリゲス・ロペスは言う。
「それが実験だったんだ。そして、めちゃくちゃ楽しかった。マーズ・ヴォルタはようやく始まったという感じだ。前作がセルフ・タイトルだったのはそのためで、ようやくすべてを取り払って、最初にあったコンセプトのすべてにたどり着いたから。そして、このアコースティック・バージョンは、深遠な場所からのもので、独自の意味と哲学、存在理由を持っているんだ」
『Que Dios Te Maldiga Mi Corazon』から公開された最初のシングルはフルートとパーカッションを駆使した「Blank Condolences」。Eva Gardnerがベース、Leo Genoveseがピアノを担当している。
St.Vincentは、今週放送された「The Tonight Show Starring Jimmy Fallon」に出演し、ルーツと一緒にポーティスヘッドの「Glory Box」のカバーを披露しています。パフォーマンスの模様は下記でご覧下さい。
このパフォーマンスは、セント・ヴィンセントが今週末に開催されるLove Rocks NYCのGod's Love We Deliver慈善コンサートに出演する前に行われた。イベントには、シェリル・クロウ、ジェームス・テイラー、ジム・ジェームス、ジョン・メイヤーなども出演し、ライブストリーミングされる予定です。St.Vincentの最新アルバムは2021年の『ダディーズ・ホーム』はとなる。
 |
| ©Nik Pate |
UKのシンガーソングライター、Róisín Murphy（ロイシン・マーフィー）が、DJ Kozeがプロデュースした新曲「CooCool」で、Ninja Tuneとの契約を発表しました。以下、チェックしてみてください。
この新曲について、マーフィーはプレスリリースで次のように語った。「表向きは儚げな小さな花だが、根っこの部分には大きな力が秘められている」
「クラシックな名人芸と軽快なタッチがあり、DJ Kozeの超モダンなプロダクションがバウンスとグライドを生み出しています。バカみたいにロマンチックな小さな愛の詩だ。このことは、どんなパロディもはるかに超えているんだ。この曲のすべてが真実であり、遊び心に満ちている。私たちは恋に落ち、ユーモアのセンスを保つことができるだろうか？ そして自分の中の子供を受け入れよう！ これは時代を超えた、エイジレスな、避けられない愛でもあるんだ」
「CooCool」は、マーフィーにとって、2020年のレコード『Róisín Machine』のリミックス版『Crooked Machine』をリリースした2021年以来の新曲となる。
Tame ImpalaがDungeons & Dragons（ダンジョンズ & ドラゴンズ）のために曲を書き下ろしました。
"D&Dのサウンドトラックのためのトラックを依頼されたことは、私が長年愛してきたファンタジー・プログレを満喫する見逃せない機会のように思えた。"と「Wings of Time」のKevin Parkerは言う。
「このテーマを最もよく理解している親友のニコラス・オールブルックに依頼しました。プリマヴェーラのツアー中に、スペインのお城のような別荘を2晩借りたんだ。その場所が僕らの心を動かし、そこから始まったんだ。夜遅くまで、変なアイデアや歌詞を考えていたよ」。
クリス・パイン、ミシェル・ロドリゲスなどが出演する本作は、3月31日にパラマウント・ピクチャーズとeOneによって全世界で劇場公開されます。
Sleaford Mods 『UK Grim』
 |
Label: Rough Trade
Release Date: 2023年3月10日
Review
ノッティンガムのジェイソン・ウィリアムソンとアンドリュー・ファーンのポスト・パンクデュオ、スリーフォード・モッズは2005年に立ち上げられたが、当初はウィリアムソンのソロ・プロジェクトとして出発した。
スリーフォード・モッズは、2009年までに三作のフルアルバムとEPをリリースした。まだこの時代にはスポークンワードとグライムの融合という現在の持ち味が出ていなかった。この状況を変えたのが、相方であるアンドリュー・ファーンだった。彼はUKのアンダーグランドシーンでDJをしており、2010年10月に、２人は出会ったのである。このとき、両者は、「All That Glue」という曲を書いて、翌年に共にデュオとして活動するようになった。スリーフォード・モッズがプロミュージシャンとして独り立ちしたのは、2014年のことであり、グラスゴーでスカオリジナルバンド、ザ・スペシャルズのサポートを務めたとき。その後、英国に対する風刺を効かせたスポークンワード、UKのダンスフロア出身者らしいコアなグライムを制作するアンドリュー・ファーンのクールなトラックメイクが彼らの代名詞となった。彼らがザ・スペシャルズのサポートを務めた後、ミュージシャンとして独立したのは偶然ではあるまい。先日亡くなったテリー・ホールがそうであったように、デュオは労働者階級のヒーローともいうべき存在なのである。
現在、フロントマンのウィリアムソンさんは５０歳を過ぎている。しかし、年齢からにじみ出る含蓄溢れるブレクジットや政権に対するシニカルな風刺という要素は、他のどのバンドにも求められないデュオの最高の魅力と言えるかもしれない。昨年、ラフ・トレードから発売された『Spare Ribs』もスポークンワードとポスト・パンクを融合させた快作だったが、昨日発売となった新作『UK Grim』もスリフォード・モッズの持ち味が十分引き出された快作となっている。いや、もしかすると、政治風刺の鋭さについては前作を上回るものがあるかもしれない。
先行曲として公開された「UK Grim」は、グリム童話のように、可愛らしくも不気味なイラストレーションのMVが特徴的だ。ジェイソン・ウィリアムソンは、ボリス・ジョンソン政権に対する暗示的な批判を加え、貴族たちに民衆が搾取されていることをほのめかしている。これらは英国政府の停滞を肌で感じる人々に痛快な印象を与えるはずだ。そして、デュオの代名詞である、ごつごつした鋭いポストパンクに根ざしたアンドリュー・ファーンのトラックメイク、お馴染みのジェイソン・ウィリアムソンのシニカルでウィットに富んだスポークンワードが刺激的な融合を果たしている。イントロダクションは戦闘機のエンジン音のように不気味な印象をもたらす。
その他、2ndシングルとして公開された「Force 10 from Navarone」では、2022年、4ADから『Stumpwork』を発売したイギリスのポスト・パンクバンド、Dry Cleaningのボーカリスト、フローレンス・ショーとコラボレーションを実現させている。これは表向きには、異色のコラボとも思えるかもしれないが、他方、両者とも知的なスポークンワードの要素を兼ね備えるという点では理にかなった共演と言える。情熱的なウィリアムソンのボーカルとショーのクールなボーカルという両極端の掛け合いは、スリーフォード・モッズの音楽に新鮮味をもたらしている。
さらに、3rdシングルとして公開された「So Trendy」には、Jane's Addiction（ジェーンズ・アディクション）のペリー・ファレルが参加した。ペリー・ファレルがデュオのファンで、彼の方から連絡をとったという。
このコラボレーションが面白いのは、USオルタナティヴの代名詞的な存在であるファレルは、痛快なコーラスワークによって、自身の音楽性の重要なアイコンであるヘヴィネスというより、オレンジ・カウンティのポップ・パンクのような明るい影響をこの曲に及ぼしていることだ。また、このトラックは今までのスリーフォード・モッズの楽曲の中で最も軽快さと明朗さを感じさせる内容となっている。他にも、前作『Spare Ribs』に収録されていた「Out There」の音楽性の延長線上にある「I Claudius」は、アシッド・ハウスとUKグライムを融合させたクラブミュージックで、アンドリュー・ファーンのセンス抜群のトラックメイクを堪能することが出来る。
前作に比べ、ウィリアムソンのスポークンワードは、アジテーションが少し薄まってしまったようにも思えるかもしれないが、依然として、昨年、トム・ヨークがサウンドトラックを担当したBBCのドラマ『ピーキー・ブラインダース』の終盤のエピソードに”ラザロ役”として出演したウィリムソンの醍醐味ーー怒りを内に秘めたスポークンワードーーの存在感は「Pit 2 Pit」に顕著に表れ出ている。さらに以前から自宅でのTikTok形式のダンスの動画をTwitterで公開しているミュージシャンらしいユニークさと遊び心も、本作の随所に見出すことが出来るはずだ。
８６/１００
Featured Track「So Trendy」
 |
| ©︎Frances Carter |
Tiny Ruinsは、次作アルバム『Ceremony』の最新予告となるニューシングル「Dogs Dreaming」を公開しました。この曲は、「The Crab / Waterbaby」、「Dorothy Bay」に続くニュートラックです。以下よりお聴きください。
ニュージーランドのインディーフォークバンドが2019年にリリースした『Olympic Girls』に続く『Ceremony』は、Marathon Artistsから4月28日にリリースされる予定です。
フローレンス・アンド・ザ・マシーンが、ノー・ダウトの1995年のアルバム『Tragic Kingdom』のリードシングル「Just a Girl」のカバーを公開しました。
この曲は、Showtimeのシリーズ「Yellowjackets」の第2シーズンの新しい予告編で紹介されています。Florence WelchとIDLESのMark Bowenがプロデュースしたこのカバーは、以下でお聴きください。
「私はYellowjacketsとこの時代の音楽の大ファンで、特にこの曲は私が成長する上で大きな影響を与えたので、この番組のために深く不安にさせる方法で再解釈を依頼されたことに感激しました」とフローレンス・ウェルチはプレスリリースでこう語っています。「ショーのトーンに合うように、この象徴的な曲にホラー的な要素を加えようとした。そして、最初の音楽的な愛がポップパンクとグウェン・ステファニーであった者として、それは夢のような仕事でした」
 |
| Number Girl |
2019年の再結成後の3年間の苛烈なライブスケジュールを終了し、昨年12月22日に解散した福岡のオルタナティヴロックバンド、Number Girlがラストライブの全セットリストを収録したブルーレイ・ディスク『無常の日』をユニバーサル・ミュージックから4月26日に発売します。
この日、ナンバーガールはセットリストの最後に彼らの代表曲「透明少女」の無限ループの演奏を行い、観客を沸かせ、解散を発表しました。
ユニバーサルミュージックストアではステッカーの特典が付きます。2002年の札幌の伝説的な解散ライブの映像『サッポロ Omoide In My Head 状態』に続く、彼らのもう一つのマスターピースとなりそうです。
2019年2月15日に再結成を発表し、ライブ活動を行ってきたNUMBER GIRLが、2022年12月11日をもって再び解散した。
その活動最後の日に、1日のみ行われた解散ライブ＠ぴあアリーナMM（約1万人動員）の模様を完全収録した映像パッケージ。
映像はこのパッケージのために再編集、音はドルビーアトモス仕様によって蘇る。
特典ディスクに、再結成の大きな目的のひとつであった「RISING SUN ROCK FESTIVAL」のライヴ＆オフショット映像『ライジングでのNUMBER GIRL』と、再結成活動約4年間のドキュメンタリー映像を収録。
「初回限定スペシャルパッケージ」（UIXZ-9008）は、NUMBER GIRLのデザイナー三栖一明氏デザインによるオリジナルTシャツを同梱する。
「透明少女」 MV （*実際のブルーレイに収録される音源ではございません）
Number Girl 『無常の日』
Label : Universal Music
Release Date:2023年4月26日
【初回限定スペシャルパッケージ】
●2Blu-ray
●三栖一明氏デザインによるオリジナルTシャツ
※オリジナルTシャツはフリーサイズ（1種）です。
Blu-ray
| 01. | 大当たりの季節 |
| 02. | 透明少女 |
| 03. | Omoide in my head |
| 04. | ZEGEN VS UNDERCOVER |
| 05. | 鉄風鋭くなって |
| 06. | EIGHT BEATER |
| 07. | Destruction Baby |
| 08. | NUM AMI DABUTZ |
| 09. | CIBICCOさん |
| 10. | 桜のダンス |
| 11. | 水色革命 |
| 12. | Trampoline Girl |
| 13. | Young Girl Seventeen Sexually Knowing |
| 14. | Delayed Brain |
| 15. | Manga Sick |
| 16. | U-REI |
| 17. | 透明少女 |
| 18. | BRUTAL NUMBER GIRL |
| 19. | 裸足の季節 |
| 20. | ウェイ? |
| 21. | 排水管 |
| 22. | 転校生 |
| 23. | 日常に生きる少女 |
| 24. | 透明少女 |
| 25. | TATTOOあり |
| 26. | タッチ |
| 27. | I Don't Know |
| 28. | はいから狂い |
| 29. | IGGY POP FANCLUB |
| 30. | トランポリンガール |
| 31. | 透明少女 |
Universal Music Store：
 |
| ©︎Patrick O'brien Smith |
シアトル出身で、現在、ブリックリンを拠点に活動するドラマー、プロデューサー、ラッパーであるKassa Overall（カッサ・オーバーオール）がWarp Recordsとの契約を発表し、ニューシングル「Ready to Ball」を公開しました。カッサ・オーバーオールはNYジャズシーンの最前線を行く才能とも称される。
「感情的なレベルで、この曲は本当に嫉妬の感情を扱っているんだ」とKassa Overallは声明の中で「Ready to Ball」について述べています。
「それはまた、上昇志向のハッスルに迷わないための、肯定でもあるんだ。私たちは、どれくらいの確率で光り輝くものを欲しがるのでしょう。それを手に入れるために、どれだけ自分を曲げられるか？ 時には、「このままでは、自分の精神的な健康や魂の状態を確認する時間がない」と感じることがあります。それが基本的に両極端なんだよね」
ドラマーのビリー・ハートとピアニストのジェリ・アレンの弟子であるオーバーオールは、2019年の『Go Get Ice Cream and Listen to Jazz』と2020年の『I Think I'm Good』という2枚のスタジオ・アルバムをリリースしています。また、これまでにオノ・ヨーコ、ジョン・バティスト、フランシス・アンド・ザ・ライツらとコラボレートしている。
「Ready to Ball」
 |
| ©Anton Corbijn |
Depeche Modeは、近日発売のアルバム『Memento Mori』から新曲を発表しました。この曲は「My Cosmos Is Mine」と呼ばれ、以前にリリースされた「Ghosts Again」に続くものです。以下よりお聴きください。
2017年の『Spirit』に続く『Momento Mori』は、3月24日にColumbiaからリリースされる予定です。
 |
| ©Phobymo |
米国のシンガーソングライター、Lucy Dacus（ルーシー・デイカス）が、2018年の2ndアルバム『Historian』からのシングル「Night Shift」の公式ミュージック・ビデオを公開しました。
先日、初公開されたビデオクリップは、Jane Schoenbrun (We're All Going to the World's Fair)が監督し、Lucy Dacus、Jasmin Savoy Brown (Yellowjackets), E.R. Fightmaster, Liza Anneらが出演しています。撮影はペンシルバニア州のイーストストラウドバーグの”Poconos Palace”で行われました。以下からご覧ください。
Matador Recordsは『Historian』の5周年を記念し、5月26日に発売予定のヴァイナル・リイシューで、Dacusが最初に書いたオリジナルのアルバム・アートワークのドラフトを掲載する予定です。その次のサードアルバム『Home Video』は2021年に発売済みです。
さらに、今年、ルーシー・デイカスは、フィービー・ブリジャーズ、ジュリアン・ベイカーとのスーパーグループ、boygeniusのデビュー作をリリースします。こちらもまた今年の注目作の一つで、3者のこれまでとは異なるインディーロックやオルタナティヴ・ロックへの強い意外な愛着を感じさせる作品となりそうです。boygeniusの『the record』は３月３１日に発売されます。
「Night Shift」
Copyright © 2018 • MUSIC TRIBUNE | Designed By VeeThemes.co.in | FreeBloggerTemplates
