ロンドンのポスト・ロックバンド、Black Country,New Road（ブラック・カントリー、ニュー・ロード）は、アイザック・ウッド脱退後、新しいセットリストをクンでライブツアーを開催しています。これらの未発表の新曲は、12月にロンドンのブッシュ・ホールで行われた3回の公演を撮影した「Live At Bush Hall」という新しいパフォーマンス・フィルムとして発表される。

「スタジオ・アルバムを作りたくなかったんだ」とピアニストのメイ・カーショウはプレスリリースで語っている。"新しい曲は特にライブで演奏するために書いたから、パフォーマンスを出すのはいいアイデアかもしれないと思ったんだ"。

 

『Live At Bush Hall』は、Greg Barnesが監督し、John Parishがミキシングを担当した。「過去に見たり、やったりしたライブ・セッションから懸念していたことがあった」とギタリストのルーク・マークは語っている。

 

複数の演奏が視覚的に明らかにまとまっているため、演奏から引き離されてしまい、人工的でライブとは思えないような印象を与えてしまう。そこで私たちは、3つの夜が互いに異なるビジュアルに見えるようにするアイデアを思いついたんです。変装するという発想がないように。私たちは、とても正直で、私たちがちゃんと3回に分けて演奏したことを人々に知ってもらいたかったのです。これは、ただノンストップで全部のセットリストを演奏しているのではないんだ。

 

 

 

『Live At Bush Hall』は３月２４日より発売。

 

Taylor Hawkins

フー・ファイターズのドラマー、テイラー・ホーキンスが南米でのツアー中に50歳で亡くなるという衝撃的な出来事から、3月25日（土）で一周忌を迎えます。ベルギーのロックバンドBlack Box Revelationは、テイラー・ホーキンスを追悼するために、100人のドラマーたちを集め、特別な空間でFoosの1988年のシングル「My Hero」の轟音バージョンを披露しました。

この公演はベルギー最大のアリーナ、Sportpaleis Antwerpで行われ、ホーキンスが2018年にフーズと共演した同国最後の会場となった。「テイラー・ホーキンスは我々の時代の最高のドラマーだった」とブラックボックス・リヴェレーションは声明で述べています。「このトリビュートで彼を称えることは、私たちにとって決して忘れることのできない経験でした。」

ビデオは、この曲の特徴的なリズムで始まり、同じく象徴的な催眠術のようなギター・リフが入り、カメラが後ろに回ると、老いも若きも、男性も女性も、ホーキンスのサインである鷹のマークが入った黒いTシャツを着たドラマーたちが、完璧なリズムで一列に並んで演奏しているのがわかります。

この敬虔なパフォーマンスは、9月にロンドンのウェンブリー・スタジアムで、Foosがホーキンスの16歳の息子、シェーンとともに「My Hero」を演奏し、愛する故バンドメイトに感情的な賛辞を送ったときと同じものでした。

今年初め、Foosはホーキンスの死を受け、1年間の沈黙の後、初のライブ日程を発表しました。その中には、Boston Calling（5月26日）、Sonic Temple（5月28日）、Rock Am Ring（6月2日）、Rock Im Park（6月4日）、Bonnaroo（6月18日）、Harley-Davidson Homecoming（7月15日）、フジロック（7月28～30日）、The Town（9月9日）とSea.Hear.Now（9月17日）など多数のフェスの参加を含む、多数のフェスティバルに出演することを明らかにしている。現在の報道時点では、これらの日程で誰がドラムを演奏するかはまだ発表されていません。

「My Hero」パフォーマンスのビデオは以下でご覧ください。

 

The Edge（U2）

アイルランドのロックバンド、U2は、40年以上にわたるキャリアで11枚目のNo.1アルバムを獲得した。

U2の楽曲40曲のストリップバック録音を収録した『Songs Of Surrender』は、20,569枚（CD11,042枚、レコード6,000枚、カセット1,008枚、デジタルダウンロード1,407件、売上相当ストリーム1,112件）を売り上げ首位に立ちます。LPは今週のレコードアルバムチャートでもトップとなった。

U2の最初の全英No.1アルバムは1983年の『War』で、最後に頂点に立ったのは2009年の『No Line On The Horizon』である。

Songs Of Surrenderの成功により、U2は最も多くのNo.1アルバムを持つアーティストのリストに名を連ねることになった。U2は、デヴィッド・ボウイと並んで、それぞれ11枚のアルバム・チャート1位を獲得している。 

『Songs Of Surrender』は、発売後の売れ行きが好調で、アイルランド、ドイツ、オランダ、ベルギーなど、世界各国で1位を獲得している。このアルバムに続き、2006年のベスト盤『U218 Singles』もトップ40に返り咲いている（38位）。

アイランド・レコードの戦略マーケティング・ディレクターであるサム・ルンは、「U2がUKアルバム・チャートで11回目の首位を獲得したことは、すべての関係者にとって素晴らしい成果である」と述べた。

 

「U2が全英アルバム・チャートで11回目の首位を獲得したことは、すべての関係者にとって素晴らしい成果です。U2は、アイランドのすべての人にとって、インスピレーションを与え続け、レーベルの過去、現在、そして未来の旗手としてあり続ける」

U2は、レーサムズの2作連続アルバム1位獲得に続き、チャート上位を獲得した。From Nothing To A Little Bit More』は今月、最高位でデビューを飾った。

最新のシングルチャートでは、Island Recordsと契約しているHozierがEat Your Youngで22位に返り咲いた。同レーベルはArrDeeで2022年の英国最大のブレイクを果たし、FLOはBRITsのライジング・スター部門で勝利を収めた。

U2の『Songs Of Surrender』のリリースを記念し、ディズニー＋のスペシャル番組『Bono & The Edge: A Sort Of Homecoming with Dave Letterman』が聖パトリックの日に初放送された。

その他にも、Apple Musicでの1時間のZane Loweインタビュー・スペシャル、BonoとThe Edgeによる初のNPR Tiny Desk出演。また、BBCのMaida Valeスタジオを訪れ、BonoとThe EdgeがBBC Concert Orchestraのメンバーと共にRadio 2のPiano Roomで3曲を演奏した。

さらにU2は、秋に”U2:UV Achtung Baby Live At The Sphere”を開催することも発表した。バンドは、ラスベガスのMSGスフィア会場を立ち上げる予定である。

 

Ricardo Villalobos/DJ Python & Ela Minus

 

チリ出身のエレクトロニック・プロデューサー、Ricardo Villalobos（リカルド・ヴィラロボス）がEla MinusとDJ Pythonの2曲のリミックスを担当しました。

 

リカルド・ヴィラロボスはテクノ/ハウスの作曲の他、リミックスの領域で天才的な才覚を発揮するプロデューサー。ECMの再構築アルバム『Re：ECM』におけるグリッチの再プロデュースの手腕は傑出している。

今回、リカルド・ヴィラロボスが手掛けたリミックスEPは拡張リミックスで、「Kiss U」は13分、「Abril Lluvias Mil」は40分に及ぶリワークを収録。オリジナル曲は、Ela MinusとDJ Pythonの2022年のコラボレーションEP「♡」に収録されています。Villalobosのリミックス盤の３月２３日にデジタルバージョンが先行公開され、フィジカルバージョンは7月に発売される予定だ。

リミックスを依頼したことに関して、「Ricardo Villalobosは、私の10代の頃からとても意味のある存在です」と、DJ Python はこのリンクアップについて述べています。「彼とこのようなことができるなんて、光栄すぎる。僕の目には音楽界のマイケル・ジョーダンみたいに映るんだ」

 

4月22日のレコード・ストア・デイに合わせて、ブライアン・イーノは、最新アルバムを再構成したインストゥルメンタル作品『FOREVER VOICELESS』をリリースする予定です。前作『FOEVERANDEVERMORE』は作者が気候変動対策などへの提言を織り交ぜたアンビエント作品だった。

 

新しい再構築バージョンのリリースに先駆けて、ブライアン・イーノはこのプロジェクトの先行曲「Who Are We」を公開しています。この曲は、オリジナル・アルバムの「Icarus Or Blériot」を補完するもので、ギリシャ神話とフランスの有名な飛行士の物語を融合させたものだという。

 

製作者自身の手による再構築バージョンのリリースは近年増えつつある。一例ではアイスランドのOlafur Arnoldsもピアノの再構築作品を発売している。かの作曲家曰く、「作品はリリースして終わりではない」ということである。作曲家としてだけでなく、トーキング・ヘッズやU2の名作を手掛けたプロデューサーとしても知られるイーノの再構築のマジックがどのような形で作品に変化を与えるのかに着目したい。なお、この再構築アルバムは日本国内でもレコード・ストア・デイに合わせて特製ヴァイナルとしてタワー・レコードから発売される予定である。

 

 Weekly Recommendation

Lana Del Rey　『Did You Know That There's a Tunnel Under Ocean Blvd』

 

 

Label: Polydor/Interscope

Relasee Date: 2023/3/24

 

 

Review

 

現在のミュージックシーンを見るかぎり、米国のシンガーソングライターには、古き良き時代のアプローチを取るグループがいる。今回、ラナ・デル・レイが「Let The Light In」で起用したFather John Misty、また昨年傑作を世に送り出したエンジェル・オルセンも同様といえるだろうか。

これまでの作風と比べ、ラナ・デル・レイも今作においてまたこれらの米国文化の古き良き時代にスポットライトを当てている。それはジュディー・ガーランドへの憧憬を込めたアルバムのアートワークにもよく表れている。ただ、今回のラナ・デル・レイの音楽性の変更は、懐古的な音楽に加えて、ヒップホップを始めとする新しい音楽性を取り入れた内容となっている。そして何より、歌手自身が自認するようにサッドコアの悲しみが音楽全体に感じられる。それはある意味では同じような悲哀を内面に抱える人々の心に一筋の光を投げかけるような内容になっている。

 

オープニングトラック「The Grant」では、ゴスペルを思わせるイントロからダイナミックなバラードソングへと移行する。ある意味で、こういった大掛かりなバラードを書き、それを臆することなくさらりと歌い上げるようになったのは、このシンガーソングライターの大きな進化を表しているともいえる。さらにこのアーティスト特有の天使的なコーラスがこれらの悲しみと哀愁を兼ね備えたトラックの中に救いをもたらす。シンガーとしての迫力は十分で、言葉を温かくつつみこむようにして歌い上げる表現力の豊かさも以前よりも素晴らしいものとなっている。

 

前曲と同様に先行曲として公開された『Did You Know That There's a Tunnel Under Ocean Blvd』は前作アルバムのケムトレイルの次にある隠された真実(!?)への言及がなされた一曲である。そして、楽曲自体は一曲目の雰囲気を受け継いだダイナミックなバラードソングとなっている。それに加え、ほんのりとではあるが、ラナ・デル・レイらしいインディーロック性もいくらか加味されている。何か悩ましく歌い上げるシンガーの姿に共感を見出すリスナーも少なくないはずだ。曲のクライマックスにかけては、ラナ・デル・レイらしいアンセミックなコーラスにゴスペルの雰囲気が加味されることによって、再び祝祭的な雰囲気が広がっていくのである。

 

同じく先行シングルとして公開された「A&W」も聴き逃がせないナンバーである。ここではアーティストの重要なルーツであるサッド・コアをオルタナティヴ・ロックと融合させたナンバーを聴くことが出来る。捉え方によっては、ニューヨークのMitskiがそうであるように、スターシンガーと称されることを疎んじ、あえてインディー・ロックの女王の座にとどまろうという声明にも思える。ここでもオープニングの二曲と同じように、何かなやましげな雰囲気を混じえつつ、呟くように歌うラナ・デル・レイの世界観が流麗に展開されていく。このアルバムの内側に満ちた現実的とも空想的ともつかない曖昧な世界観はより、聞き手を困惑させると同時に、ミステリアスな印象をもたらすことだろう。よくわからないという感じがこの歌手の最大の魅力なのであり、その点はむしろ既存のアルバムより強化されている部分もあるかもしれない。

世界のスターシンガー、ジョン・バティステを招いた「CandyNeckless」は、ラナ・デル・レイの幼少期の悲哀や憂鬱を物語のように織り交ぜた一曲である。たしかに、この曲は、子供のころのおとぎ話のように空想的であるが、その一方で、なにかゾッとするような暗示も込められている。それはまた少女時代の少し背伸びをしたような考えがその後の時代にかけてどのように変化していくのかを、あらためて現在のアーティストの視点から捉え直したような曲である。たしかに商業性を意識しているが、シンプルなバラードからジョン・バティステのコーラスが加わることにより、曲の後半では雰囲気ががらりと変化し、一挙に渋さのあるソウルミュージックへと変身を遂げる。

前半部では、シンプルさとミステリアスな感じが多くのリスナーに好印象を与えると思われるが、アバンギャルドな仕掛けがアルバムにはいくつか用意されている。「Interlude」では、ラナ・デル・レイの笑い声と対比するように、少女（ラナ・デル・レイ）を恐れさせるような神父の声がひとつの音の物語を綴る。単なる憶測にすぎないが、これは少女時代のアーティストのキリスト教の文化に対する恐怖、その目から見てあまりにも大きすぎる父性的な権力に対するラナ・デル・レイのささやかな女性的な告発となっているように思える。そこには、何らかの恐れがあり、なにか大きな存在に対する怯えが込められている。よく聴き込むと、アルバムの全体の中にあって重要なポイントを形成し、さらに大きな機能を果たしていることがわかる。

 

続く、「Kintsugi」は、前曲とは打って変わって、現代のアーティストの姿、いや、もしかするとそれよりも老獪な人物の姿でささやかなバラードソングが歌われる。一見、いくらか派手さにかけるように思えるこのナンバーで、再び、前曲の心の傷のようなものを包み込むかのように、デル・レイは温かく歌をうたう。以前に比べて、ソウルの影響を加味したボーカルは以前のアーティストの作風にはあまりなかった要素といえ、これは好き嫌いが分かれるかもしれないが、ある側面ではアーティストの内面的変遷を涼やかなバラードソングとして書き留めておいたとも取れる。それは作家における日記のような役割を果たし、これまでアーティストの作品をたどってきたリスナーに、それらの記憶と現在の出来事を呼び覚ますような機能を果たすのである。

 

一番このアルバムで心惹かれる曲が「Paris,Texas」である。ここでは、アイスランドのポスト・クラシカル/モダン・クラシカルのアーティストが書くようなピアノの伴奏に併せて、ラナ・デル・レイはお馴染みの少し囁くようなボーカルを歌う。このアルバムの中では、最もつかみやすい一曲で、ファンタジックな要素は、実際にこの曲全体をミュージカルの一幕のように見立て、深遠な森の中に迷い込むかのような静寂と孤独を表現している。しかし、他の曲に比べると、それほどシリアスにはならず、 神秘的なポピュラー・ソングとして楽しむことができる。

 

もし、アルバムがこの曲か次の曲で終われば、この作品は良作以上のものとなった可能性もあるが、正直なところ、終盤のトラックが少しだけ冗長な印象を与えかねない。「Grandfather~」はビートルズとディズニー音楽の融合のような雰囲気があり、夢があって素晴らしいが、その後のコラボレーションの経験がある盟友ジョン・ミスティとデュエットは残念ながら前半部の前衛的な雰囲気を損ねる結果となった。懐古的なフォーク・ミュージックの影響は、ジョン・ミスティの前作の主題を持ち込んだと言えるが、それが作品全体の印象を曇らせているように思える。「Margret」の後に続く展開は、同じような曲が続く印象があり、新たな局面が提示されたとは言いがたい。部分的に、ボーナストラックのような印象を与えかねないのが少しだけ惜しまれる点である。

86/100

 

©︎Si Fish

Romi Oは、本日、ニューシングル「M2M」を発表した。Romi Oは創造性と情熱を第一に考えるシンガーソングライターで、最新のスタジオワークは、『M2M』というタイトルの素晴らしい新作（NYを拠点とするプロデューサー、ダニエル・ブロンドによるプロデュース）で、まさに唯一無二の音楽の旅の集大成のように感じられます。

 

この曲の流れを理解するには、このアーティストについて少し裏話をする必要があります。実はこの曲は、2023年後半にリリースが予定されている彼女のデビューアルバムからのセカンドシングルである。

イスラエルのテルアビブ出身のRomi Oは、物心ついたときからずっと音楽を作ってきた。彼女はソングライティングのチップを開発し続け、最終的にはヘブライ語で歌い書くことから、英語でパフォーマンスすることに切り替えました。彼女の音楽スタイルは、典型的なバラードから、ユニークでほろ苦いものへと進化していきました。

 

ロミ・オーの音楽が特別なのは、控えめな質感、親しみやすい歌詞、ハードなグルーヴが並存しているため。22歳になる頃、ニューヨークのブルックリンに移り住み、音楽で再出発を図る。バンド「PowerSnap」を結成し、ハイテンションなパンクやガレージの美学を追求する。やがて、バラードが好きだったころの自分に戻る。パンクやオルタナティヴ・ミュージックの要素を残しつつも、よりソフトに、より魅力的に、よりダイナミックに表現している。

 

彼女のステージネームは、シェイクスピアの「ロミオとジュリエット」に登場する「ロミオ」に由来しています。シェイクスピアの大ファンである彼女は、このキャラクターと特別なつながりを感じており、完璧な呼称だと感じたのです。

 

「M2M」は、彼女の芸術と音楽的技巧を示す例として際立っています。この曲は、主旋律が非常にキャッチーで、心をつかむものである。

 

この曲は、角ばったギターリフと深みのあるベースシンセラインを持つ催眠的で魅惑的なグルーヴを持っている。この曲は、人生の選択や決断に常に疑問を持ち、物事を深刻に捉えすぎることを恐れず、何事にも取り組むという考えを扱っている。バランスを取ることが重要であり、この曲は、人生の中で自分の選択によって切り開く道の儚さについて、非常に痛烈な観察をしている。

 

特に、多くのクリエイターが自分の目的や仕事について常に疑問を抱いているように、この思考プロセスはアーティストにとって真実味がある。同時公開された曲のミュージックビデオは、別のレイヤーのよう。ある意味、ストーリーを語るための別のアプローチであり、このリリースの原動力となる核となるコンセプトを視覚的に表現している。この曲では、パンチの効いた電子音と、ボーカルやギターなどの有機的な要素が、この曲の幅広い音色のパレットを構成している。

 

セットデザインは比較的素朴ですが、アーティストは、表情や背景のディテールや違いを使って、彼女の個性のさまざまな面を表現している。アーティストの描写はそれぞれ性格の特徴、願望、性別にとらわれないひねり、野心などを示す機会となっている。結局のところ、それらはすべて同じモザイクの房であり、ロミ・オーの信じられないほど万華鏡のような芸術性とビジョンを表しているのだ。

 

ロミ・オーは、インディー・ミュージックに対する素晴らしいアプローチを確立し、より幅広いジャンルの音楽を取り入れることで、より魅力的で興味深い音楽を聴衆に提供している。プロダクションのクオリティも素晴らしく、作曲にさらなる価値を与え、サウンドの完成度、情熱、音楽の美学において、Romi Oをまったく新しいレベルに引き上げている。このナンバーでは、Romi Oがすべての面で優れているため、これはまさにWin-Winの状況と呼ばれるものである。

 

ソングライターとしての道を歩み始めた頃、ロミ・オーの曲はビタースイートなバラードに傾き、強いメランコリー感を漂わせていた。自分のジェンダー・アイデンティティに悩む彼女は、不安や自己嫌悪を抱え、それが「甘すぎる、ガーリーすぎる」と思われるジャンルへの嫌悪感となって表れていた。そのため、パンクやハードロックの世界へ飛び込み、ジェンダーレスで男性的なサウンドを目指した。シンガーソングライターとしての柔らかいイメージを捨て、女性らしさを前面に出したくない女性たちに道を開くために、低く、うなるように歌う。それが、内面的で苦しい性の葛藤に変わっていった。

 

二年前、精神的な目覚めの一環として、ロミは自分の女性的な側面を再発見し、彼女の甘く、柔らかく、心に響くバラードがリスナーの魂そのものに触れた。それ以来、彼女は自分の女性性と男性性を共に受け入れ、受け入れるという美しい旅を続け、その過程が彼女の音楽の折衷主義に寄与している。

 

この新しいスタジオワークは、Tune-Yards、Kimbra、Charli XCX、Dead Rituals、Trent Reznor、Bjorkといった影響力のあるアーティストの好みにぴったりかもしれませんが、Romi Oは決して他人の波に乗ろうとしているわけではありません。

 

 

「M2M」

 

 

 Romi O released her new single "M2M" today.Romi O is a singer-songwriter who puts creativity and passion first with her latest studio work, a stunning new album titled "M2M" (produced by NY-based producer Daniel Blonde), It feels like the culmination of a truly unique musical journey.

To understand the flow of this song, a little backstory about the artist is in order. The song is actually the second single from her debut album, which is scheduled for release in late 2023.

Originally from Tel Aviv, Israel, Romi O has been making music ever since she can remember. She continued to develop her songwriting chops and eventually switched from singing and writing in Hebrew to performing in English. Her musical style evolved from typical ballads to something unique and bittersweet.

What makes Romi O's music special is the juxtaposition of understated textures, relatable lyrics, and hard-hitting grooves. at the age of 22, she moved to Brooklyn, New York, to make a fresh start in music. He formed the band PowerSnap and pursued a high-octane punk and garage aesthetic. Eventually, he returned to his love of ballads. She retains elements of punk and alternative music, but expresses them in a softer, more engaging, and more dynamic way.

Her stage name comes from "Romeo" in Shakespeare's Romeo and Juliet. As a huge Shakespeare fan, she feels a special connection to the character and felt it was the perfect moniker.

M2M" stands out as an example of her art and musical craft. The main melody of this song is very catchy and gripping.

The song has a hypnotic and seductive groove with angular guitar riffs and deep bass synth lines. The song deals with the idea of always questioning life's choices and decisions and not being afraid to take things too seriously. It is all about balance, and the song makes some very poignant observations about the fragility of the paths we carve out for ourselves through our choices in life.

This thought process rings especially true for artists, as many creators are constantly questioning their purpose and work. The music videos for the songs released at the same time seem to be another layer. In a way, it is another approach to telling a story, a visual representation of the core concept that drives this release. The punchy electronic sounds and the organic elements of vocals and guitars make up the song's broad tonal palette.

Although the set design is relatively rustic, the artist uses details and differences in facial expressions and backgrounds to represent different aspects of her personality. Each of the artist's depictions is an opportunity to demonstrate personality traits, aspirations, gender-neutral twists, and ambitions. Ultimately, they are all clusters of the same mosaic, representing Romi-O's incredibly kaleidoscopic artistry and vision.

Romi-O has established a great approach to indie music, incorporating a wider range of musical genres to provide his audience with more engaging and interesting music. The production quality is also excellent, adding more value to the compositions and taking Romi O to a whole new level in terms of sonic perfection, passion, and musical aesthetics. This is what one might call a win-win situation, as Romi O excels in every aspect of this number.

When she first started out as a songwriter, Romi O's songs leaned toward bittersweet ballads and had a strong sense of melancholy. Struggling with her gender identity, she had insecurities and self-loathing, which manifested itself in an aversion to genres that were considered "too sweet or too girly. Therefore, she dove into the world of punk and hard rock, aiming for a genderless, masculine sound. She sings in a low, growling way, abandoning her soft image as a singer-songwriter to make way for women who do not want to put their femininity at the forefront. This turned into an internal and painful sexual struggle.

Two years ago, as part of a spiritual awakening, Romi rediscovered her feminine side, and her sweet, soft, haunting ballads touched the very souls of listeners. Since then, she has been on a beautiful journey of embracing and embracing her femininity and masculinity together, a process that has contributed to the eclecticism of her music.

While this new studio work may be right up the alley of influential artists like Tune-Yards, Kimbra, Charli XCX, Dead Rituals, Trent Reznor, and Bjork, Romi O is by no means trying to ride someone else's wave Romi O is by no means trying to ride someone else's wave.

ROMI O　「M2M」　New Single

 

 

Listen/Streaming：https://nanadisc.lnk.to/M2M 

 

Taking Meds

米国のパンクバンド、Taking Medsがニューシングル「Memory Lane」をリリースして帰ってきました。Kurt Ballouがプロデュースしたこのトラックは、2021年のLP『Terrible News From Wonderful Men』のリリース以来、バンドにとって初めての新曲となる。以下、ご視聴下さい。

 

「ファンタジーはマイナス面を考慮する必要がないので、現実に不満を感じているときにファンタジーに引きこもるのが好きだ」と、フロントマンのスカイラー・サーキスは声明の中でこの曲について述べている。

 

今のお気に入りは、山奥に引っ越して、もう誰とも話さない。しかし、私にとって最も一般的なものは、常にノスタルジーです。この曲はかなりそれについて歌っている。音楽的には、僕らにとってかなり新しい領域だ。大きなコーラスと大きなリードを書きたかったんだ、それが今僕らが聴きたいものだから。今まで誰も僕らの音楽の分類に同意してくれなかったから、みんな僕らをロックバンドと呼んできた。これでやっと正しいことが言えるようになった。どういたしまして。

 

 

アムステルダムを拠点とするサウンドスタジオ4DSOUNDは、来月ロンドンに「世界最先端の」空間オーディオサウンドシステムを持ち込む予定だ。

4DSOUNDのチームは、ロンドンのウエストエンドにあるStone Nestという会場に没入型スピーカーアレイを設置し、4月21日から5月20日までの1ヶ月間、一連のアーティストを招いて体験型ライブを開催する。　

音楽家や作曲家は、4DSOUNDシステムのために特別に書かれ、制作された作品を演奏する。招待されたアーティストは、Kali Malone、Max Cooper Oren Ambarchi、Grand River、Andrea Belfi、NikNak。

ストーンネストのチャペルスペースには、グリッド状に配置された4DSOUNDスピーカーが観客を包み込み、完全無指向性で没入感のある音環境を作り出す。スタジオでは、演奏される音楽を「音の彫刻」と表現し、空間環境の中で観客がさまざまなユニークな角度から探索することができるようにしている。

4DSOUNDのディレクターであるPoul Hollemanは、「私たちは10年前から、空間音響楽器と呼ぶべきものを開発してきた。それは、リスニングエリアに音のホログラムを投影し、アーティストが実際に空間を楽器として演奏できるようにするサイトスペシフィックなサウンドシステムです」と語っています。

「私たちの意図は、現実的な環境から、信じられないほどシュールな電子操作、そしてその中間の音まで、魅惑的なリスニング体験を提供することにあります。4DSOUNDの技術の可能性を言葉で表現するのは簡単ではないので、空間音響に興味や好奇心を持つすべての人に、Stone Nestに参加してもらいたいと思います」

4DSOUNDと33-33は、イベントシリーズ「Diffusion」も企画している。シンセのパイオニアであるSuzanne Cianiやサックス奏者のBendik Giskeなど、多数のアーティストがサウンドシステムのために作曲・制作した限定楽曲を紹介する。このプログラムは、英国を拠点とする作曲家やプロデューサーを招き、4DSOUNDシステムを使用するワークショップで締めくくられる。

下掲する写真は、2016年にベルリンのファンクハウス、2019年にSTRP Festival Eindhovenで行われた2つの過去の4DSOUNDのインスタレーションです。

 

©Alexandra Cabra

Lael Neale（ラエル・ニール）は、近日発売予定のアルバム『Star Eaters Delight』新曲「Faster Than the Medicine」を発表しました。

 

「I Am the River」と「In Verona」に続くこの曲は、ニールが監督したミュージックビデオで、「映画監督ジョナス・メカスにインスパイアされ、ありふれたものの中に神秘的なものを探し求める私の瞬間をコラージュしました」と語っています。以下、視聴・試聴してください。

 

『Star Eaters Delight』は4月21日にSub Popからリリースされる予定です。

 

 

©Samantha Isasian

Camae AyewaのプロジェクトであるMoor Motherは、2022年のアルバム「Jazz Codes」のデラックス・エディションを発表しました。Moor Motherはミュージシャンの他にも詩人として活躍する才媛である。5月19日に発売される拡張版には、Kyle Kidd、Keir Neuringer、Aquiles Navarroが提供した新曲「We Got the Jazz」が収録される。下記よりお聴きください。

「”We Got the Jazz”は、多くのポピュラー音楽がいかに凡庸であるか、資本主義的な構造について、そしてそれらの配置がいかに買われ、支払われているかについて私が考え抜いたものです」とカマエ・アイワは声明でこのシングルについて述べています。

 

ジャズに参加することを許された人、詩に参加することを許された人の白塗りについて話し、現在と未来において革新の余地はどこにあるのかを問うているのです。また、私のジャズバンド、Irreversible Entanglementsについて考えています。私たちは、ステージを破壊し、聴衆を元気づけ、ジャズシーンのすべての人に、認知されているかどうかにかかわらず、どのように世界中をツアーしてきたか。また、私自身が文化に与えた影響についても話しています。

 

 

Packs

 

PACKSは、近日発売予定のアルバム『Crispy Crunchy Nothing』の最新シングルを公開しました。前作「4th of July」、「Brown Eyes」に続き、この曲には自主制作のビジュアルが添えられており、下記よりご覧いただけます。

バンドリーダーのマデリン・リンクは、「会ったこともない同僚の予期せぬ死が、まるでレンガの壁のように私を襲った」と声明で述べています。

 

「その数ヶ月前、私は彼の電子機器をすべて梱包し、彼のもとへ送る役目を担っていました。彼の母親が返送する箱に貼る配送ラベルを準備しているとき、永遠の悲しみが襲ってきた...」

『Crispy Crunchy Nothing』は3月31日にFire Talkから発売されます。

 

©︎Siam coy

Westermanは、近日発売予定のアルバム「An Inbuilt Fault」から、新曲「Take」を公開しました。「CSI: Petralona」と「Idol; RE-run」に続くこの曲は、Edwin Burdisが監督したミュージック・ビデオとセットで公開されています。

Westermanによると、「Take」は "メッシュと群れの霞の中のどこかで一瞬垣間見える利己的な歌 "だそうです。さらに、"Takeは愛の心を壊す "と付け加えています。

『An Inbuilt Fault』は、5月5日にPartisan/Play It Again Samからリリースされる予定です。

 

©︎Sterling Smith

Hannah Jadaguがデビューアルバム『Aperture』からの最新シングル「Warning Sign」を公開しました。この曲は、前作「Say It Now」と「What You Did」に続く先行シングル。この曲のリリックビデオは以下よりご覧ください。

"「Warning Sign」は、実質的にマックス（共同プロデューサー）と私がアルバムのために録音した最後の曲だった "とJadaguは声明で説明しています。

ほとんどただの短い間奏曲だったんだけど、オリジナルのデモで妹が歌ったメロディに触発されて、マックスとわたしはスタジオで残りのサウンドをまとめられるようになったんだ。

『Aperture』は5月19日にSub Popから発売されます。

 

今月初め、リズ・フェアー、ファイスト、フィリップ・セルウェイなどが参加した、7月に発売される大規模なニック・ドレイクのトリビュート・アルバムが発表されました。

煎じます、Fontaines D.C.の "Cello Song "のカヴァーが公開されました。次いで、今日は、『The Endless Coloured Ways - The Songs Of Nick Drake』からもう1曲、実験的ポップデュオのLet's Eat Grandmaが "From The Morning" をカバーしています。(偶然にも、カリフォルニアのシンガーソングライターShannon Layは、今週初めに自身のカバーアルバムからこの曲のテイクを発表しています)

"From The Morning "をカバーすることは、私にとって大きな意味があります」と、グループのJenny Hollingworthは声明で述べています。

ピンク・ムーンの中で最も希望に満ちた曲だとずっと思っていました。自然が光と闇の中の美しさを見せてくれること、生と死がどのようにつながっているかという歌詞を聴くことで、喪失後の受け入れと慰めを見つけることができました。一緒に取り組んでくれたDavid Wrenchに心から感謝します。

 

 

The Nationalは、4ADから4月28日にニューアルバム『First Two Pages of Frankenstein』をリリースします。今回、3枚目のシングル「Eucalyptus」をミュージック・ビデオで公開しました。このビデオは、Chris Sgroiが監督しています。

Bryce Dessnerは「Eucalyptus」をフロントマンのMatt Berningerに送ったが、しばらく忘れかけていた。ずっと後になってバーニンガーがこの曲の歌詞を書き、彼らはポートチェスター（ニューヨークから北へ1時間ほど）のキャピトルシアターで行われたショーのサウンドチェックの際に作業を行いました。私たちは、デモを作ることなく、2回リハーサルを行い、その夜、観客に演奏した。生々しい、即時的な感覚は、完璧にしようとするのではなく、荒削りな部分を残すことに意味があったんだ、とプレスリリースで語っています。

さらに、バーニンガーは、この曲の歌詞について、このアルバムには、奈落の底を覗き込んだり、人間関係がうまくいかなくなったかどうか悩んだりするような内容がたくさんあります、と語った。「ユーカリ」は、別れたカップルが持ち物を分け合う様子を描いたもので、配達された湧き水をどうするのか、この植物はどうするのか？　もしくは誰かとつながっているときに考えなければならなくなる、そんな小さなことを描いているんだ。

『First Two Pages of Frankenstein』には、テイラー・スウィフト、フィービー・ブリジャーズ、スフェアンズ・スティーヴンスが参加しています。

前作『I Am Easy to Find』は、2019年に4ADから発売された。昨年、バンドは "Weird Goodbyes "をシェアしたが、これはBon Iver（ジャスティン・ヴァーノンが率いるプロジェクト）とのコラボレーションで、新作には収録されていない。

リードシンガーのマット・バーニンガーはプレスリリースで、『I Am Easy to Find』の後、歌詞やメロディーがまったく思い浮かばない、とても暗い場所にいることに気づいた、と述べています。レコードを作るときはいつも不安だったけれど、このとき初めて、物事が本当に終わってしまったのかもしれないと感じたんだ。

The Nationalのギタリスト/ピアニストのBryce Dessnerは、なんとか一緒になって、違う角度からすべてにアプローチすることができた、と語っており、そのおかげで、バンドにとって新しい時代のようなものにたどり着いたと言える。

『First Two Pages of Frankenstein』全体を総括して、アーロン・デスナーは、私にとってこのレコードのパワーは、音楽の意図性と構造が、多くの偶然の魔法と出会うことに関係しています、と語っている。

 

「Eucalyptus」