Inteview:  Chalk Hands   ブライトンのポストハードコアバンドによるセカンドアルバムへの展望

Chalk Hands: Ben Moore (bass), Tom Lester (guitar/vocals), Gary Marsden (drums) and Antoine Mansion (guitar/vocals) 

英国/ブライトンのポストハードコアバンド、Chalk Handsが2026年3月27日、新作アルバム『The Line That Shapes the Coast of Us』をドッグ・ナイツ・プロダクションズより発売する。既にアルバムから先行シングルとミュージックビデオが公開されており、大きな期待値を感じさせる。

チョーク・ハンズは、イギリスのライブステージにおいて、日本のポストハードコアの重鎮で、フランスのHellfestにも出演経験があるEnvyと共演した際、深く感銘を受けたという。他にも、米国西海岸のポストハードコアの至宝、Touch Amoreと共演経験がある。彼らは叩き上げの実力派バンドだ。

四人組バンドは、エモ、ポストロックなど多角的なサウンドを織り交ぜながら、現代的なポストハードコアソングを作り上げる。Envyと同様に、アンサンブルとしての重厚さを誇り、硬派な激情的なサウンドを身につけている。しかし、それだけではない。Explosions In The Skyのごとき抒情的な音響系のギターワーク、そして泣きのエモのサウンドが縦横無尽に駆け巡る。Chalk Handsの曲の展開は怒涛のようで、激しい嵐が目の前を通り過ぎていくかのような感覚がある。

その後、バンドメンバーとは、Envyの伝説的なアルバム『Dead Sinking Story』で意気投合し、チョーク・ハンズのファンになってしまった次第です。彼らのサウンドは、イギリスの現代的なスポークンワードを用いたポストパンクバンドとは明らかに一線を画している。彼らは赤裸々に歌い叫ぶ。また、英国の伝統的なギターヒーローの佇まいもある。その時流に全く左右されない独創性がゆえ、今後、イギリス/ブライトンの名物的なバンドになることが予測される。

長らく、MUSIC TRIBUNEはヘヴィーロックやパンクロックの支援者であり続けてきたが、実際的な制作者のコメントがなかなか紹介出来ずもどかしさを感じていた。良いチャンスが到来したとばかりに、今回、イギリスのポストハードコアの有望株を皆さまにご紹介します。バンドメンバーのアントワーヌさんには、日程が忙しい中、回答する時間を割いてくれたことに心から感謝をしたい。アルバムの詳細な紹介と先行シングルは特集記事の下部にて確認することが出来る。

ーー先ずはチョーク・ハンズの経歴を簡単に紹介していただけますか。

Chalk Hands (Antoine):   Chalk Handsは2016年にベッドルームプロジェクトとして始まりました。当初はインストゥルメンタルのポストロックバンドを想定していましたが、楽曲制作を進めるうちに次第に生々しく激しい方向へ変化していきました。 

　2017年に初のEP『Burrows & Other Hideouts』をリリースした頃には、自分たちの進む方向性が見え始めたと感じていました（ただし当時のボーカルは依然としてかなり控えめだったことが音から伝わるでしょう）。それ以来、スクリーモ、ポストハードコア、マスロック、ポストロックの境界を跨ぐサウンド、あるいは私たちが呼ぶところの「ラウドで悲しい歌」を形作ってきたのです。

　この旅は予想をはるかに超える場所へと私たちを導いた。ヨーロッパツアーを実現し、トルコ（バンドとして最も愛おしい思い出の一つ）で演奏し、心から愛するArcTanGent Festivalなどのフェスに出演し、Touché AmoréやFrail Bodyといった憧れのバンドとステージを共有できた。プロジェクトがどれほどささやかな始まりだったかを思うと、全てが信じられないほど謙虚な気持ちにさせる。

　2022年にはDog Knights Productionsよりファーストアルバム『Don’t Think About Death』をリリースし、今からわずか数ヶ月後にはセカンドアルバムのリリースを控えています。

ーー新作アルバム『The Line That Shapes the Coast of Us』は3月下旬にリリースされます。レコーディング過程とコンセプトについて詳しく教えてください。

　2025年5月、ロンドンにあるThe Bookhouse Studioで、プロデューサーであり友人でもあるトム・ヒル（彼の貢献は本当に素晴らしかった）と共にレコーディングを行いました。アルバム制作に期待していた通りの経験でした——素晴らしく、挑戦的で、最終的には非常にやりがいのあるものでした。リリースが待ちきれません。

　『The Line That Shapes the Coast of Us』は内省と対比を根底に据えています。歌詞的には光と影の境界線上に位置し、繋がりと断絶の必要性、他者との親密さと自己のための空間確保という絶え間ない緊張関係を描いています。本作の大半は、そのバランスを見出すことの困難さと、それが自己認識や周囲の人々への見方をどう形作るかを探求しています。私たちが人生に引く線、そして結局は私たち自身を定義づけることになる線についてです。 

ーーニューアルバムのリードシングル「Pauvre De Moi」は、激しさと悲しみが衝突する壮大な楽曲です。この曲にはどのような想いが込められているのでしょう？ 

　「Pauvre De Moi」は、フランス語で書かれた数少ない楽曲の一つです（私はベルギーのフランス語圏出身です）。この曲は自己憐憫について考察しています。年を重ねることで自分自身をより深く理解できるようになり、過去に訪れた心の場所や陥りがちなパターンを認識し、そこから抜け出そうと努力するようになるのです。

　近年、私は内向きの自己憐憫に陥らず、積極的に行動するよう努めています。「Pauvre de moi」はフランス語で文字通り「哀れな私」を意味し、大げさで自己陶酔的、時に滑稽なニュアンスで用いられます。これは私が積極的に克服しようとしている習慣にぴったりのタイトルだと感じました。 自分の悲しみをそう表現することは、他者（そして自分自身）に「私はこんなに落ち込んでいる」と示す手段だと気づいた。奇妙な回りくどい方法で、それは生産的な行為というより、見られたい/気にかけてほしいという欲求、自分の感情を正当化しようとする試みだったんだ。

ーー新作アルバムでリスナーに楽しんでほしい点はありますか？

　音のコントラストは常に私たちの活動の核心であり、この作品でもそれは変わりません。ただし今回はこれまで以上にその表現を極限まで追求した。新たな領域を探求し、楽曲を過去に踏み込んだことのない場所へ導きつつ、全体の一貫性と感情的な繋がりを保つよう努めた。リスナーにはそうした変化を発見し、作品全体が展開していく過程を楽しんでほしい。

ーーChalk HandsはTouche Amoreのような著名なハードコアバンドと共演してきました。あなたのバンドのライブの魅力は何だと思いますか。

　自分たちのライブの魅力を説明するのは、魅力的に聞こえずに少し気まずいものですが、私達は楽曲制作では細部にまでこだわり、いつも観客を引き込むことを心がけています。 生々しい感情を基盤としながらも、音楽に予期せぬ展開を持たせることを好んでいます。光と闇、美と混沌、技術性と音楽性のバランスを模索しており、ライブに来てくれる人々が共感してくれるのは、おそらくその対比の感覚だと思います。どの曲も旅のような感覚を味わってもらいたいのです。

　それに、ステージ上で本当に楽しく演奏しているのも事実で、それが伝わっていると思う。観客から「楽しんでいる様子がよく伝わってくる」と言われるし、その共有されたエネルギーが観客の体験にも影響を与えているようだ。僕にとってこの音楽とバンドは、ネガティブな感情をポジティブな体験に変える手段だと言ってきて、みんなが最高に楽しんでいる時こそ、それが達成されたと感じるんだ。

ーーブライトンはあらゆるジャンルのバンドが集う活気ある音楽シーンを有しています。この街の音楽シーンの魅力を挙げるとするなら？

　この規模の都市にしては、ブライトンは驚くほど多くのものを提供している。その魅力は複数の要素が混ざり合った結果だと感じている。常に新しい創造的な人材を街に送り込む有名な音楽大学や大学の存在、ロンドンに近いながらもより身近に感じられる立地、そして、非常に強力な草の根ライブハウスネットワークがある。

 

　ブライトンは住むには最高の場所で、本当に週のどの夜でもライブに出かけられる。 さらに現在、ハードコア・リバイバルがかなり活発化しており、多くの若手バンドがシーンに新鮮なエネルギーを及ぼしています。これがブライトンという街に活気と躍動感をもたらしている理由なんです。

▪️EN

--Could you briefly introduce Chalk Hands' biography?

Chalk Hands(Antoine):Chalk Hands started in 2016 as a bedroom project. In my head, it was originally meant to be an instrumental post rock band, but as we started writing songs it slowly turned into something more raw and intense. 

 By the time we released our first EP, Burrows & Other Hideouts, in 2017, it felt like we were beginning to understand where we were going (but you can hear the vocals were still pretty sparse back then). Since then, we’ve been shaping a sound that sits somewhere between screamo, post hardcore, math rock and post rock, or as we like to call it, loud sad songs.

 Over the years, that journey has taken us much further than we ever expected. We’ve been able to tour across Europe, play shows in places like Turkey (one of our favourite memories as a band), appear at festivals we genuinely love such as ArcTanGent Festival, and share stages with bands we’re huge fans of like Touché Amoré and Frail Body. It’s all been incredibly humbling, especially when we think about how modestly the project began.

 We released our first album, Don’t Think About Death, in 2022 on Dog Knights Productions, and we’re now getting ready to release our second one in just a few months.

--Your new album "The Line That Shapes the Coast of Us" will be released in late March. Could you tell us more about the recording process and concept behind this new work?

 We recorded the album in May 2025 with our producer and friend Tom Hill (who’s been absolutely brilliant) at The Bookhouse Studio in London. And it was everything we expected from recording an album: amazing, challenging and in the end, incredibly rewarding, we can’t wait to release it.

' 'The Line That Shapes the Coast of Us'' is rooted in reflection and contrast. Lyrically, the album sits at the edge between light and shadow, and the constant tension between connection and the need to disconnect, between closeness to others and making space for ourselves. Much of the record explores how hard it is to find that balance, and how it shapes the way we see ourselves and the people around us. The lines we draw in our lives and the ones that end up defining us.

--The lead single "Pauvre De Moi" is a magnificent track where intensity and sorrow clash. What kind of thoughts are expressed in this song? 

 “Pauvre De Moi” is one of our rare songs in French (I’m from the French speaking part of Belgium) and the song reflects on self pity. Growing older gives you a better understanding of yourself, you start to recognise the places in your mind you’ve visited before, the patterns you fall into and hopefully try to break out of them.

 In recent years, I’ve been working on not turning inward so much and feeling sorry for myself and trying instead to be proactive about it. “Pauvre de moi” literally means “poor me” in French, and it’s often used in a dramatic, self indulgent, almost comical way. It felt like the perfect title for a habit I’m actively trying to unlearn. I realised that framing my own sadness like that was a way of signalling to others (and  myself), how low I felt. In a weird roundabout way, it was an attempt to be seen or cared for, to validate my own feelings, rather than something productive.

--What aspects of the new album would you like listeners to enjoy?

 Sonic contrast has always been at the heart of what we do, and that’s still very much true on this record, except we’ve pushed it way further than before. We explore new ground and allow the songs to go places we haven’t been to in the past, while trying to keep everything coherent and emotionally connected. We hope people enjoy discovering those shifts and letting the record unfold as a whole.

--Chalk Hands has shared the stage with renowned hardcore bands like Touche Amore. What would you say is the appeal of your live shows?

 It’s always a bit awkward trying to describe the appeal of your own live shows without sounding uncharismatic, but when we write our songs we really pay attention to detail and to keeping things always engaging. We like letting the music take unexpected turns while still staying grounded in raw emotion. We try to strike a balance between light and dark, beauty and chaos, technicality and musicality, and hopefully it’s that sense of contrast that people connect with when they come to see us live. We like every song to feel like a journey.

 We also just genuinely have a lot of fun on stage together, and I think that comes across. People have told us they can see how much we seem to be enjoying ourselves, and that shared energy seems like it feeds into the experience for the crowd too. I’ve always said that for me this music and this band are a way to turn negative emotions into a positive experience, and when everyone is having a great time, it feels like it’s mission accomplished.

--Brighton has a vibrant music scene with bands across all genres. What do you think makes this city's music scene so appealing?

 For a city of its size, Brighton has an incredible amount to offer. Our feeling is that it comes from a mix of things: the presence of well-known music colleges and universities that constantly bring new creative people into the city, its proximity to London while still feeling more accessible, and a really strong network of grassroots venues. 

 It’s a great place to live, you could genuinely go to a show any night of the week. There’s also a strong hardcore revival happening right now, with a lot of young bands bringing fresh energy into the scene, which makes it feel exciting and alive.

▪️Chalk Hands(UK)

ArcTanGent Festival 2025

『Don’t Think About Death』のリリース以来、Chalk Handsはイギリスとヨーロッパで精力的にツアーを続けてきた。Touché AmoréやFrail Bodyとの共演ツアーを含め、ArcTanGent（イギリス）やSonic Rites（フィンランド）といったフェスにも出演。ツアーはトルコにまで及び、新たな地を開拓し続けるバンドにとって静かな節目となった。この新作がさらなる飛躍をもたらすことを願っている。

自らのサウンドを新たな極限へと押し進めようとするバンドは、今やかつてないほど確固たる自信と広がりを見せている。前作と比較すると、『The Line That Shapes the Coast of Us』はより明るく希望に満ちていると同時に、より暗く重厚でもある。対比を最大の強みとして受け入れるアルバムだ。

On Tour with Frail Body

プロデューサーのトム・ヒルと共にザ・ブックハウス・レコーディング・スタジオで録音された本作で、チョーク・ハンズは驚くべき精度でその技を磨き上げた。デビュー作が死生観と内面の葛藤を扱ったのに対し、本作は視線を外へと向け、人と場所の絆を形成し、侵食し、再構築する境界線を辿る。その結果生まれたのは、内臓的なカタルシスと静かな内省のバランスを保つ、壮大で没入感のある作品群——潮の満ち引きと時間のせめぎ合いを映し出す音楽である。

44分間にわたる『The Line That Shapes the Coast of Us』は、英国で最も刺激的で感情表現に優れたヘヴィバンドとしてのチョーク・ハンズの地位を確固たるものにした。 彼らのサウンドは、スクリーモ、ポストロック、ポストハードコア、シューゲイザー、アンビエント、ポストメタルといったジャンルを橋渡しし続けており、その表現は常に何らかの形でシームレスに感じられる一方で、その感情をさらに強調する、明らかな進化も感じさせる。 

歌詞的には、これらの楽曲は総じて境界線上の存在についての瞑想を形作っている——光と影、記憶と忘却、繋がりと孤独の狭間で。地面が崩れ続ける中でも、常に意味へと掘り進み続ける。

この新たな章で、Chalk Handsは彼らの音楽が常に約束してきたことを再確認する：荒廃の中に見いだされる希望——私たちが引く線、そして私たちを再形成する線。 

絶賛されたデビュー作『Don’t Think About Death』で築いた情感と音響の基盤をさらに拡げつつ、このブライトン（英国）出身のスクリーモ／ポストロック・カルテットは混沌と静寂、激怒と脆さという広大な交差点を探求し続ける。その核心には常に揺るぎない誠実さが宿っている。 

『The Line That Shapes the Coast of Us』は2026年3月27日、Dog Knights Productionsよりデジタル、デラックス・ヴァイナル、CD、カセットでリリース。なお日本盤も発売予定ということです。

Electric Ballroom (London) with Touché Amoré

▪️EN

Chalk Hands return on March 27th 2026 with their new album The Line That Shapes the Coast of Us, released through Dog Knights Productions. Following the release of Breaking Waves, the first single from the record, the Brighton (UK) screamo/post-rock quartet are now preparing to unveil its follow-up, Pauvre de Moi. Expanding on the emotional and sonic groundwork laid by their acclaimed debut Don’t Think About Death, the Brighton (UK) screamo/post-rock quartet continue to explore the vast intersections between chaos and calm, fury and fragility - always with unflinching honesty at their core. 

Since the release of Don’t Think About Death, Chalk Hands have toured extensively across the UK and Europe - including runs with Touché Amoré and Frail Body - and have performed at festivals such as ArcTanGent (UK) and Sonic Rites (Finland). Their touring has also taken them as far as Turkey, a quiet milestone for a band still finding new corners of the world to reach, and hoping this new record will carry them even further.

Willing to push their sound to new extremes, the band now stands more assured and expansive than ever. Compared to previous material, The Line That Shapes the Coast of Us is equally lighter and more hopeful as it is darker and heavier - an album that embraces contrast as its defining strength.

Recorded with producer Tom Hill at The Bookhouse Recording Studio, Chalk Hands have refined their craft with striking precision. Where their debut grappled with mortality and internal struggle, this record also turns its gaze outward, tracing the boundaries that form, erode, and reshape the ties between people and places.  The result is a sweeping, immersive collection that balances visceral catharsis with quiet introspection - music that mirrors the push and pull of tides and time.

Across its 44-minute runtime, The Line That Shapes the Coast of Us reinforces Chalk Hands’ standing as one of the UK’s most exciting and  emotionally articulate heavy bands. Their sound continues to bridge genres - screamo, post-rock, post-hardcore, shoegaze, ambient, and post-metal – and whilst always executed in a way that feels somehow seamless, there’s also a palpable sense of evolution here to further underline that sentiment. 

Lyrically, the songs collectively form a meditation on existence at the edge - between light and shadow, memory and oblivion, connection and solitude. Always digging toward meaning, even when the ground keeps collapsing.

With this new chapter, Chalk Hands reaffirm what their music has always promised: hope found through devastation  - the lines we draw, and the ones that reshape us. 

Expanding on the emotional and sonic groundwork laid by their acclaimed debut Don’t Think About Death, the Brighton (UK) screamo/post-rock quartet continue to explore the vast intersections between chaos and calm, fury and fragility - always with unflinching honesty at their core. 

『The Line That Shapes the Coast of Us』 will be released on March 27, 2026, by Dog Knights Productions on digital, deluxe vinyl, CD, and cassette.

Interview: Helena Silva デビューアルバム『Celste』の制作/ Netflixシリーズ「 The Empress」のサントラへの参加を語る

 

　Helena Silva(ヘレナ・シルヴァ)は、ポルトガル/バルセロス出身のヴァイオリニスト兼作曲家。現在はリスボンを拠点に活動。クラシック音楽の専門的な訓練を受け、スコットランド王立音楽院で演奏の修士号を取得。以来、クラシックと実験音楽の世界を橋渡しするキャリアを築いています。

 

　国内外のオーケストラやアンサンブルと定期的に共演し、Cícero、St. James Park、Grutera、The Partisan Seedなどのアーティストのアルバムに参加。演劇の分野では、指揮者のマルティン・ソウザ・タヴァレスや演出家のリカルド・ネヴェス・ネヴェスらと仕事をしてきました。

　映画では、Netflixシリーズ『皇后陛下』のサウンドトラック制作に貢献し、また、"シネ・アマドーラ 2025"よりシュルレアリスム映画『貝殻と僧侶』の作曲を依頼されている。

　2023年3月には初のEP『Manta』をリリース。収録曲「Tropico」はBBCラジオで紹介されました。続いて、先月リリースされたデビューアルバム『Celeste』は、バリ島での芸術家滞在中にリサ・モーゲンシュテルン、ルービン・ポロックらと共に芸術家滞在プログラムに参加した際に構想が練られました。

 

　ヘレナは現在、新作アルバムの発表と新たな創造的プロジェクトの模索に注力しています。特に映画と新たなコラボレーションに注力しつつ、新作アルバムの発表と新たな創造的プロジェクトの模索を続けています。

 

　今回、デビューアルバム『Celeste』の制作について、作曲家にいくつかの質問を投げかけてみました。また、弦楽器奏者としてのアピールポイントや映像音楽を作る時のコツなどを伺うことができました。下記よりエピソードを読み下さい。

  

ーー『Celeste』の制作は、2023年に、バリ島で行われたレジデンシー期間中に始まりました。このアーティスト・レジデンシーの経験は新しい作品にどのような影響を与えたのでしょうか？

Helena Silva:  振り返ってみると、場所が私の音楽に与える影響の多様さが明らかになりました。時に現実の場所であり、時に想像上の場所、あるいは特定の場所の概念そのものでさえ影響を与えます。

 

　例えば、前作『Manta』EP収録の「Bairut '65」は、私が実際に訪れたことのない場所（ましてや60年代の）ですが、ある時『LIFE』誌に掲載された写真に出会い、強く惹きつけられました。それらの写真は、私が知らなかったレバノンの全く新しい側面を示し、それが何らかの形でこの楽曲の起源となったのです。

　しかし、バリとセレステに焦点を当てると、このレジデンシーが新たな創作を始める時間と空間を与えてくれたことに加え、現地到着直後の時差ぼけから回復しつつあった時期に見た日の出が、このアルバムの中心的存在となったと言えます。

 

　意図したわけではありませんが、完成した今、光と闇が全編にわたり共存し、互いに競い合っていることに気づく。最初の4曲はこの薄明かりの雰囲気を表していると言えるでしょう。一方『Alva』と『Celeste』が最も輝きを放ち、『A Conversation Overheard』と『Figurado』が夜の一面を表現しています。

　そして『Figurado』で使用されたガムランのフィールド・レコーディングは、バリと私の故郷を結ぶ架け橋として機能しました。異教的な像が文化に根付く土地（興味があれば「フィグラード・デ・バルセロス」を検索してほしい）出身の私にとって、それらを融合させることは極めて自然な選択でした。

 

 ーーアルバムのいくつかの楽曲では、トレモロやドローン奏法など特徴的な弦楽器の技法が用いられています。弦楽器奏者として、この作品を通じてどのような探求と表現を目指したのでしょうか？

Silva: クラシックの訓練と並行して、私は活気あるインディペンデント・ミュージック・シーンに囲まれて育ちました。友人たちの多くはバンドで演奏したり、DIYスタイルでライブを企画したりしていました。

　そこで演奏され消費されていた音楽のほとんどはギター中心で、おそらくそれが、効果として音をモデル化したり歪ませたりできるという考えを、クラシック訓練を受けた私でも早い段階で受け入れさせたのでしょう。

　こうしたバンドや環境が教えてくれたのは、技巧以上に「意図」と「質感」が自己表現の強力な手段だということでした。例えば、クラシック音楽では、長い音符を用いビブラートなどの技法で感情を伝える印象派やロマン派の作曲に惹かれました。その後にドローンやアンビエント音楽に出会い、その魅力に夢中になりました。

 

　羊毛の糸を引くように展開されるアイデアの穏やかな流れ。そこには非常にリラックスでき、居心地の良さを感じさせる何かがあります。

　その結果、『Celeste』で描かれた音楽は、こうした経験の全てが混ざり合ったものとなった。ヴァイオリンの純粋な音色と荒々しいテクスチャーの並置、そして保守的なクラシック音楽の世界がより進歩的なアプローチによって挑戦される構図がそこにあるはずです。

 

ーー作曲に関して、フィリップ・グラスの影響を感じました。あなたの音楽に影響を与えた作曲家やアーティストを挙げるとしたら、誰になりますか？

Silva：真っ先に思い浮かぶのは、ティム・ヘッカー、フェネズ、カリ・マローン、ブライアン・イーノです。彼らは皆、それぞれ独自の方法でアンビエントやドローンを探求しています。ティム・ヘッカーがピアノや合唱を録音し、それをほぼ破壊するまで加工する手法には驚かされます。

 

　特に、ブライアン・イーノはアンビエント音楽の紛れもない巨匠であり、芸術全般に関する驚くべき思想家でもあるため、私にとって非常に大きな影響を与えています。クラシックピアノとエレクトロニクスを橋渡しし探求するニルス・フラームと坂本龍一も、特筆すべきインスピレーション源です。

 

ーー「Celeste」を聴くと、様々なタイプの音楽に出会います。厳かな音楽、苦悩を表現する音楽、喚起力のある音楽。さらに「Alva」からは、音楽がより天界的な性質を帯びていきます。これらの音楽的要素は経験から生まれたのでしょう？　それとも内面の感覚の表現だったのでしょうか？

Silva: 「Alva」は間違いなくアルバムで最も天界的で旋律的な作品であり、ある意味では私が以前探求していた作品に近い。私にとって『セレステ』は、その幽玄で旋律的な側面と、アルバムの残りを構成するよりアンビエントな楽曲との融合点、接点のように感じられます。個人的なレベルでは、私はノスタルジックな人間と言えるでしょう。離れた場所や、しばらく会っていない人々を懐かしんだりすることがあり、それが私の作品を通して表れているんだと思います。

 

 
ーーアルバムの最後になぜガムランを取り入れたのでしょうか？　この楽曲で表現しようとしたことは何でしょう？

 

 Silva:  レジデンシーのプロモーターは、私たちに十分な自由と遊びの余地を与えてくれた一方で、現地の文化を体験してほしいとも思っていました。そうでなければ意味がありませんからね。私たちは、バリ舞踊のクラスやバリ料理のワークショップ、その他の文化活動に参加しました。今でも時々、バリ料理を再現しようと試みています。とても美味しいんですよ。

　また、ある夜、地元のコミュニティによる公演を観に行きました。ガムランを奏で、伝統的な仮面と衣装をまとって踊る姿に、その場で「この雰囲気を音楽に取り入れたい」と強く思いました。

 

　先ほども話したように、私の故郷ポルトガルでは異教文化が色濃く残っています。表現様式は大きく異なりますが、両者の間に繋がりを感じました。人間の経験には、''どこへ行っても共通の基盤がある''のです。そこに意図的な意味はありませんでした。ただ、遠く離れた世界をつなぎ、知らず知らずのうちに私たちを閉じ込める境界線をなくす、という考えに惹かれたのだと思います。

 

ーー映画やNetflix作品への楽曲提供もなさっていると伺っています。映像のための音楽制作において、特に重視される要素を教えてください。

 

Silva: Netflixの『The Empress(邦題: 皇后陛下)』については、実際にサウンドトラックを作曲したリサ・モーゲンシュテルンから、あるトラックのヴァイオリンの録音に参加するよう招待されました。リサがトラックや特定のシーンに思い描いた音を探求し、共に創作できたのは素晴らしい経験でした。

 

　最近は演劇にも定期的に携わっており、即興演奏やエフェクトペダルを多用しています。これは私のソロ音楽での演奏とも何らかの形で繋がっています。短編映画の音楽制作も準備中ですが、まだ進行中です。

 

　さらに、近頃、1928年の実験映画『The Seashell and the Clergyman(邦題: 貝殻と僧侶)』の上映中に、即興演奏と作曲を行う、という挑戦を受けました。実際に、ヴァイオリンを手に取る前に、この映画を何度も観ました。感覚を正確に捉えたい、感情を表現したい。それが私の主眼でした。

 

　この場面で主人公は何を経験しているのだろう？  舞踏会のシーン全体の雰囲気はどうだろう？　そんなふうに自らに問いかけつづけた。各シーンの解釈にようやく確信が持てた時、初めてヴァイオリンを手に取った。その後、即興性を重視し、映像が導く直感に従うことを心がけました。

 

 

▪EN

 

 Helena Silva is a violinist and composer from Barcelos, currently based in Lisbon, Portugal. Having received professional training in classical music, she obtained a Master's degree in performance from the Royal Conservatoire of Scotland. Since then, she has built a career bridging the worlds of classical and experimental music.
 
 She regularly performs with orchestras and ensembles both nationally and internationally, and has contributed to albums by artists such as Cícero, St. James Park, Grutera, and The Partisan Seed. In theatre, she has worked with conductor Martin Sousa Tavares and director Ricardo Neves Neves. In film, she contributed to the soundtrack for the Netflix series “The Empress” and was invited  by Cine Amadora 2025 to compose  music for the surrealist film “La Conquille et le Clergyman”.

 Helena Silva is a violinist and composer from Barcelos, currently based in Lisbon, Portugal. Having received professional training in classical music, she obtained a Master's degree in performance from the Royal Conservatoire of Scotland. Since then, she has built a career bridging the worlds of classical and experimental music.

 She regularly performs with orchestras and ensembles both nationally and internationally, and has contributed to albums by artists such as Cícero, St. James Park, Grutera, and The Partisan Seed. In theatre, she has worked with conductor Martin Sousa Tavares and director Ricardo Neves Neves. In film, he contributed to the soundtrack for the Netflix series “The Empress” and was invited  by Cine Amadora 2025 to compose  music for the surrealist film “La Conquille et le Clergyman”.

 In March 2023, he released his debut EP “Manta”. The track “Tropico” was featured on BBC Radio. Following this, her debut album “Celeste”, released last month, was conceived during an artist residency programme in Bali, where she participated alongside artists such as Lisa Morgenstern and Rubin Pollock. 

 Helena is currently focused on releasing her new album and exploring fresh creative projects. She continues to release her new album and pursue new creative endeavours, with a particular focus on film and new collaborations. 

 This time, we posed several questions to the composer regarding the creation of his new album, “Celeste”. We also had the opportunity to ask about his appeal as a string instrumentalist and his tips for creating visual music. 

 

 

ーーThe creation of 'Celeste' began during your 2023 residency in Bali. How did the experience of this artistic residency influence the work?

Helena Silva:　Looking backwards it has become clear to me how different places influence my music. Sometimes real, sometimes imagined or even the idea of a certain place. 

 

Taking Beirut ’65 (from the previous Manta EP) as an example, I have never been there - let alone in the 60s - but at some point I came across some photos published by LIFE magazine and became obsessed about them. These photos showed me a whole new side of Lebanon that I was unaware of and that somehow gave origin to this piece.

But focusing on Bali and Celeste, and besides the time and space this residency gave me to begin working on something new, I would say that sunrises during the first days there, while I was still recovering from jet lag, ended up taking a center seat on this album. It was not premeditated, but now that it is done, I realise how light and darkness coexist and contend one another all over it. 

 

The first four pieces refer to this low light ambiences, I would say, while Alva and Celeste are the most luminous ones, and with A Conversation Overheard and Figurado being the nocturnal side of it.

Then there is the gamelan field-recording used in Figurado which was used as a bridge between Bali and my hometown. Coming from somewhere where pagan figures are embedded in our culture - search “figurado de Barcelos” if you are curious about it - , it made total sense to mash these two worlds, so far apart and yet so alike in their essence, together.

In Outra Terra there is also a field-recording captured at sunrise looking over endless rice fields. Its title refers to a distant and unknown land, once again playing around with geography as a source of inspiration.

 

--Several tracks on this album feature distinctive string techniques, including tremolo and drone playing. As a string player, what did you want to explore and convey through this work?

Silva: Parallel to classical training I grew up surrounded by a lively independent music scene. A major part of my friends were playing in bands or promoting gigs in a diy fashion. Most of the music played and consumed there was guitar centered and I guess that made me accept quite early that sounds can be modeled and distorted as an effect, which my classical trained self would not dare to think of.

What this bands and context also showed me was that intention and texture were powerful tools to express yourself, more so than virtuosity.

As for classical music, I grew fond of impressionism and romantic compositions, which feature long notes and rely heavily on techniques like vibrato to convey emotion.

Later on I discovered drone and ambient music and fell in love with it. The gentle flow of an idea being developed like pulling a wool thread. There is something so relaxing and homey about it.

As a result, the music portrayed in Celeste became the mixing pot of all these experiences. The juxtaposition of the pure sound of the violin and the abrasive textures, as well as the more conservative world of classical music being challenged by a more progressive approach.

 

--Regarding composition, I could sense an influence from Philip Glass. If you were to name composers or artists who have influenced your music, who would they be?

The first ones to pop into my mind are Tim Hecker, Fennesz, Kali Malone and Brian Eno. All of them explore ambient and drones in their own way. The way Tim Hecker composes and records pianos and choirs to then almost destroy them awes me. 

 

Especially, Brian Eno being the undisputed master of ambient music and such an amazing thinker regarding art in general, also comes as a huge influence to me.
Nils Frahm and Ryuichi Sakamoto, bridging and exploring classical piano and electronics are also inspirations worth noting.

 

--Listening to "Celeste" one encounters various types of music: solemn music, music expressing anguish, and music that is highly evocative. Furthermore, starting with "Alva," the music takes on a more celestial quality. Did these musical elements emerge from experience? Or were they expressions of internal sensations?

Silva:  "Alva" is definitely the most celestial and melodic piece on the album, and in some ways, closer to the kind of work I was exploring before. Celeste, for me, feels like a meeting point - a mix and a connection between that ethereal and melodic side, and the more ambient pieces that make the rest of the album.

On a more personal level, I would say I am quite a nostalgic person. I am constantly longing for places I have left or people I have not seen in a while, and I believe that comes forth through my music. I do not know what comes next but Celeste and Manta are both quite spontaneous works. There were not many ideas settled beforehand, resulting in a quite honest album, rooted on past experiences and inner sensations.

 

--The final track on the album features Indonesian gamelan percussion instruments. It feels like quite an adventurous piece.　Why did you incorporate gamelan? What did you aim to express with this track?  

 

Silva: The residency promoters gave us enough space to breathe and play but they also wanted us to experience the local culture. It would not make sense otherwise. We attended balinese dance classes, balinese cuisine workshops and other cultural activities. I still try to recreate some balinese dishes once in a while. It is delicious.

One night we went to a show by the local community in which they were playing the gamelan and dancing in traditional masks and costumes. Right away I new I wanted to incorporate all that atmosphere in my music. As I was saying before, pagan culture is quite present where I come from in Portugal, and although depicted in quite a different fashion, I could sense a connection between both ways. Human experiences have a communal ground to them wherever you go.

There was not a premeditated meaning behind it. I guess I just love this idea of bringing distant worlds together, abolishing boarders that so many times unknowingly trap us.

--I understand you also compose music for films and Netflix. When creating music for visuals, could you tell us what aspects you prioritize?

Silva: As for The Empress on Netflix, I was invited by Lisa Morgenstern, who actually composed the soundtrack, to record some violins on one track. It was an amazing experience to collaborate and explore with Lisa the kind of sounds she envisioned for the track and that specific scene.

Lately, I’ve also been working regularly with theater, often improvising and using effect pedals, which connects in some ways to what I play on my solo music.
I’ve been preparing music for a short film as well, thought that is still in process.
Recently I was challenged to compose and play live during the screening of The Seashell and the Clergyman, a 1928 experimental film. I watched the movie a few times before even picking up the violin. I wanted to make sure I got the sensations right. I wanted to capture emotions. That was my focus.

”What is the main character going through this scene? What’s the whole atmosphere during the ball scene?” Those were the questions I was posing myself.

When I got comfortable with my interpretation of each scene, that was when I picked up the violin. Then I wanted to be spontaneous and let the images guide my intuition.

Interview: Huan Huan(緩緩)       台北のベストインディーロックバンド　音楽性やライブ、日本ツアーについて語る

ライブで最も重要なのは、バンドのエネルギーを音と映像の両方で観客に伝えることーHuan Huan(Baozi)

Huan Huanは台北を拠点とするオルタナティブロックバンド。ボーカルのCoco、ドラマーのYi Jen、ベーシストのStone、ギタリストの Baoziからなる。メンバーチェンジを経て、2017年ごろから音源を発表してきた。

デビュー当時はドリームポップやシューゲイズを主体とする音楽を発表していた。徐々に音楽の間口を広くさせていき、ポストロックやジャズ、ソウルミュージック、そしてアジアのポップなどを音楽性の中に取り入れてきた。

現在のファン・ファンの音楽はスローな方向に傾き、フォークやロックの影響をココの透明感のある癒しのボーカルと融合させている。 彼らの多様な歌詞は、北京語、英語、台湾語にまたがっており、異なる文化を持つ聴衆とつながることを可能にしている。 

セカンド・アルバム『When The Wind Came Across』では、モータウンとソウルの要素を取り入れた。「That Afternoon」という曲では初めて台湾語の歌詞を試みた。 このアルバムは、明るくも優しく、日常の瞬間に寄り添ってくれる静かな友人のような黄金色の温かなリスニング体験を提供する。 

2025年には、台湾の福建語の曲「Words Unsaid」、北京語の曲「Afraid」、そしてアートの枠を超えたコラボ曲「Fracture - To W」の3枚のシングルをリリースし、さらなる進化を遂げた。 これらの作品は、穏やかな芯を体現しつつも、新たな境界線を探るために外へと手を伸ばし続けている。

2015年の結成以来、Huan Huanはその独特なサウンドでマンダリンの音楽シーンで目立ってきた。 2017年、デビューシングル「Huan Huan」をリリース。 2019年のEP『Charlie』のリリースに続き、彼らは国内外の批評家から注目を集めた。 次いで、音楽フェス「LUCfest」でのパフォーマンスが海外のキュレーターの目に留まり、オランダの「Motel Mozaïque」、ポルトガルの「MIL Festival」への招待につながった。

2020年、Huan Huanはデビューアルバム『Water Can Go Anywhere』をリリースし、これまでのEPにあったポストロックやシューゲイザーの影響から、フォークロックやドリームポップを取り入れたヒーリング・サウンドへとシフトした。 収録曲「I'd Better Be On Time」は、Disney+のシリーズ「Small & Mighty」でフィーチャーされ、ソニーとコラボし、同曲のライブ・セッションを行った。 

また、このアルバムをきっかけに、日本のインパートメント・レコードからフィジカル・リリースのオファーがあり、日本のTBSラジオで生放送インタビューが行われた。 アルバムのリリース後、ファン・ファンは2021年ゴールデン・インディ・ミュージック・アワードの「ベスト・ニュー・アーティスト」にノミネートされ、スペインのプリマヴェラ・プロやタイのバンコク・ミュージック・シティなどの国際フェスティバルでバーチャル・パフォーマンスを行った。

パンデミック規制の緩和により、Huan Huanは国際的なプレゼンスを拡大し続けた。 2022年のEP『Blue Room Orange Man』では、クラシック・ギターとシンセ・ベースを導入し、サウンドをより豊かにした。 彼らはマレーシアのCITY Plus Radioの独占インタビューに招待され、シンガポールのASEAN音楽祭にも出演した。 

2023年、彼らはプロデューサーのユチェイン・ワンとコラボレートし、セカンド・アルバム『When The Wind Came Across』をリリース。 このアルバムの新鮮で風通しの良い台湾語の歌詞はリスナーの共感を呼び、広く称賛された。 

特筆すべきは、「No Tears」がネットフリックス・シリーズ「At This Moment」のエンディング・テーマに選ばれたこと。 その後、沖縄で開催されたミュージック・パワー2023で日本のステージにデビューし、地元の観客から熱狂的な反応を得た。

2024年、ファン・ファンは "Huan Huan to Your Home "ツアーを開始し、ファンとのつながりを深め、彼らの音楽が感情に与える影響を探るため、親密なハウス・コンサートを行った。 こうした親密な交流を通じて、彼らは自分たちの音楽がリスナーの聖域となることを理解した。 2025年4月、ファン・ファンはリリースしたばかりのシングル「Afraid」と「Words Unsaid」を、台湾を代表して日本の有名な音楽フェスティバル「SYNCHRONICITY」のステージに持ち込んだ。 

バンドはまた、FM802、Asian Breezeといった著名なラジオ番組にも出演し、メディアとリスナーの双方から満場一致の賞賛を受けた。

2025年5月には初の中国ツアーを行い、南京、杭州、上海、武漢、広州を訪れた。 心のこもった隙のないパフォーマンスは口コミで評判を呼び、チケットの売り上げも伸びた。 7月には、台湾の詩人、リン・ユーをフィーチャーし、音楽と文学のコラボレーションを図った『Fracture - To W』をリリースした。 バンドは今後、これらの作品を国際舞台で披露し、大胆な新章を開く予定。(バンドの公式HPの紹介文を参照)

ーーインタビューをお受けいただきありがとうございます。まず、Huan Huanの結成の経緯について教えていただけますか？？

Huan Huanは何度かメンバーチェンジを経て、徐々に現在のアンサンブルになりました。 ボーカルのココが、ポストロックをやりたいとネットでバンド仲間を募集したのが始まりでした。 

「Huan Huan」というバンド名は、ココがシャワーを浴びているときに思いついたもので、彼女の非常にマイペースな性格にぴったりだと感じた。 2019年、ドラマーのYi-Chenが加入し、ギタリストのBaoziが続いた。 

ベーシストのストーンが加入したのは、セカンドアルバムのレコーディングのときだった。 時が経つにつれ、バンドの音楽スタイルも進化し、ポストロックから現在はフォークロックに近いサウンドへと変化していきました。

ーーメンバーはそれぞれどんな音楽に影響を受けていますか？

Baozi： 一番影響を受けた音楽のジャンルは、ロック、J-POP / J-Rock、オルタナティブ・ロック、ポスト・ロックなどです。

Coco： ビーチハウス、ドーター、キングス・オブ・コンビニエンス、ウィルコ、ビッグ・シーフなどかな。

Stone: 最も影響を受けた音楽はブラックミュージックで、特にソウルやジャズ。 マーヴィン・ゲイ、スティーヴィー・ワンダー、ジャクソン5、ディアンジェロ、エリカ・バドゥなど。

Yi Jen：10代の頃はロック、大学時代はポストロックやエレクトロニック・ミュージック、今はモータウンのグルーヴやジャズの即興演奏が好きです。

ーー近年、ライブに力を入れている印象がありますね。皆さんがライブで大切にしていることは？

 Baozi: ライブで最も重要なのは、バンドのエネルギーを音と映像の両方で観客に伝えることだと思いますね。私たちがセットを計画するときは、CDやストリーミングで聴くよりも、より強烈で没入感のある体験を作り出したいと思っています。 

ライブはより直接的に交流できるため、バンド全体の個性だけでなく、メンバーそれぞれの個性も表現したい。 そのため、今年から曲間のつなぎに各メンバーのソロを入れるようにしました。

ーーHuan Huanは今年、「Words Unsaid」と「Afraid」の2枚のシングルをリリースしました。バンドの新曲について詳しく教えてください。

Baozi：「Words Unsaid」はHuan Huanにとって2曲目の台湾語の曲です。 歌詞はとても悲しい内容なんですが、リスナーの感情のはけ口になれば良いかなと思い、情熱的でアップビートなダンススタイルでその悲しみを表現することにしました。 

今までで一番テンポの速い曲でもあります。 ボーカルのココがキングス・オブ・コンビニエンスが大好きで、フォークとダンス・ミュージックを融合させてみたいとずっと思っていたんだ。 ついに完成したときは、演奏する手が痛くなるくらい興奮したし、嬉しかったよ（笑）！ 演奏する手は痛かったけどね（笑）！！

Stone:「Afraid」は、長年にわたるHuan Huanの特徴である暖かくオーガニックなスタイルを継承しています。 ココの歌詞は、心の奥底から最も繊細で親密な感情をとらえています。 もう一曲の「Words Unsaid」は私たちにとって新しい方向性です。エモーショナルな深みを保ちつつ、ライブの観客が没頭できるようなグルーヴをより多く取り入れました。 ツアー中の反応も上々です。

Huan Huan

ーー今年、下北沢の来日公演がありましたよね。 どうでしたか？  東京の観光はなさいましたか？

Baozi： 日本での公演は、私たちにとってエキサイティングであると同時に緊張する経験でした。 日本の音楽シーンは非常に強いと見てきたので、SYNCHRONICITYのような大きなイベントへの出演したことは大きな励みになりました。 

さらに、下北沢のmono recordでも小規模なライヴを行いました。 私たちの音楽が言葉の壁を越えて、日本の聴衆に癒しと喜びをもたらすことができることを知ったとき、それは本当に感動的で確かな瞬間でした。

観光では、池袋のサンシャインシティに行って、おいしい居酒屋料理とお酒を食べ歩きました(笑)！ とても美味しかった（笑）！！

Stone:  そうですね。今回の日本ツアーでは、いくつかの素晴らしいライブハウスを訪れましたし、SYNCHRONICITYでは他の素晴らしいバンドのパフォーマンスも観ました。 観客の多様性と熱心さに感銘を受けました。 ほとんどのイベントとインタビューが渋谷近辺だったので、数日かけて渋谷を深く探索しました。 賑やかな通りは活気があって、よく道に迷ってしまったよ。（笑）

Yi Jen：私はSYNCHRONICITYの会場のすぐそばにある任天堂ショップに行きました。 また、海外ではなかなか見ることのできないヴィンテージの雰囲気を楽しむために、いくつかの「喫茶店」にも行きました！！

Coco: 今回は、日本の友人たちが温かく迎えてくれました。ライヴにたくさんの人が応援に来てくれただけでなく、スタッフが私たちと他のパフォーマーを独特の雰囲気のレストランに連れて行ってくれました。 みんなで熱唱したことが印象に残ってます。 本当に貴重で大切な思い出でした！！

ーーHuan Huanの今後の予定はどうでしょう？  近い将来、アルバムやEPをリリースする予定は？

Coco:  次のアルバムのコンセプトはすでに大まかな方向性が決まっています。 2025年に3枚のシングルをリリースした後、創作の勢いを維持したまま、フルアルバムの準備を始めたいと思っています。

ーー今、台北ではどんな音楽が流行っていますか？　また、この街の魅力は何でしょうか？？

 Baozi:  台北では、あらゆる音楽がそれぞれのファン層を持っています。 世界的なトレンドと同じように、ヒップホップやK-POPは今でも人気があります。また、日本的な音楽も昔から根強い人気がありますね。

私が台北の街に最も惹かれるのは、その多様性と温かさなのです。 オープンマインドな雰囲気は、あらゆる文化的要素を受け入れてくれるし、お店のオーナーも市民もとても親切だ。 それがこの街の一番好きなところですね。

Stone:  台北(タイペイ)はサブカルチャーが盛んな街で、それぞれのグループが好みのジャンルを持っているというBaoziの意見に賛成です。 また、最近、どうやら大学生の間でシューゲイザーがじわじわと人気が出てきているようです。なんだか学生時代に戻ったようで驚いています。（笑）

ーー最後に、ファンファンの活動からしか得られないものを挙げるとしたら？

Baozi： ファンファンというバンドは、誰にでもいる優しい友達のような気がします。 悩みを打ち明けたとき、すぐにどうしたらいいか教えてくれるのではなく、ただ一緒にいて、話を聞いてくれて、一番必要な慰めをしてくれる。

私たちが心の優しい声を歌うのは、聴く人にとって唯一無二の慰めであってほしいと願っているからです。 この特別な優しさこそ、ファン・ファンならではの魅力だと思います。

Coco: 私たちは、オープンで思いやりのある精神で物事に取り組み、私たちの音楽が聴く人に癒しの感覚を提供できることを願っています。

Stone: 長い年月を経て、今のファンファンには私たち4人の自然で純粋な面がより多く反映されていると感じています。 壮大さを装う必要はなく、ただ正直に自分たちを表現し、分かち合っている。 これからも、このような雰囲気を世界の隅々まで届けていきたいと思っています。

Yi Jen：内向的で率直な友人。とても温かい仲間たち。

ーーありがとうございました。今後の活躍にも期待してます。また日本に遊びに来てください！！

Streaming: https://lirico.lnk.to/DDIP-3110

インタビュー: Music Tribune (Tokyo)

取材協力: (Meng: In Utero [Manager of Huan Huan])

Huan Huan is an alternative rock band based in Taipei. The band consists of vocalist Coco, drummer Yi Jen, bassist Stone, and guitarist Baozi. After changing members, the band has been releasing music since around 2017.

At the time of their debut, their music was mainly dream pop and shoegaze. Gradually, they have broadened their musical horizons and have incorporated post-rock, jazz, soul music, and Asian pop into their musicality.

Today, Fan Fan's music leans in a slower direction, blending folk and rock influences with Coco's clear, soothing vocals. Their diverse lyrics span Mandarin, English, and Taiwanese, allowing them to connect with audiences from different cultures. 

For his second album, "When The Wind Came Across," he incorporated elements of Motown and Soul. On the other hand, the song "That Afternoon" was the first time he tried Taiwanese lyrics. The album offers a golden, warm listening experience, bright yet gentle, like a quiet friend who accompanies you in your everyday moments. 

In 2025, the group further evolved with the release of three singles: the Taiwanese Fujian song "Words Unsaid," the Mandarin song "Afraid," and the cross-artistic collaboration "Fracture - To W." These pieces embody a calm core, yet continue to reach outward to explore new boundaries.

Since its formation in 2015, Huan Huan has stood out in the Mandarin music scene with its unique sound. In 2017, they released their debut single, "Huan Huan". Following the release of their EP "Charlie" in 2019, they garnered attention from local and international critics. Next, their performance at the music festival LUCfest caught the attention of international curators, leading to invitations to Motel Mozaïque in the Netherlands and MIL Festival in Portugal.

In 2020, Huan Huan released their debut album, Water Can Go Anywhere, which shifted away from the post-rock and shoegaze influences of their previous EPs to a healing sound that incorporated folk rock and dream pop. The track "I'd Better Be On Time" was featured on the Disney+ series "Small & Mighty," and the band collaborated with Sony on a live session of the song. 

The album also led to an offer for a physical release from Japan's Imperament Records and a live interview on Japan's TBS radio. Following the album's release, Fun Fun Fun was nominated for "Best New Artist" at the 2021 Golden Indie Music Awards and performed virtually at international festivals such as Primavera Pro in Spain and Bangkok Music City in Thailand. He has performed virtually at international festivals such as Primavera Pro in Spain and Bangkok Music City in Thailand.(Via Official HP)

ーーThank you for taking the time to do this interview! How the band was formed?  Do you have a story about the formation of Huan Huan(緩緩)?

Huan Huan went through several lineup changes before gradually forming its current ensemble. It all started when vocalist Coco posted an online call for bandmates, hoping to play post-rock. 

The band name "Huan Huan" came to her while she was taking a shower—she felt it perfectly matched her extremely slow-paced personality. In 2019, drummer Yi-Chen joined, followed by guitarist Baozi. It wasn’t until the recording of their second album that bassist Stone became part of the band. Over time, the band’s musical style also evolved, shifting from post-rock to what is now a sound more akin to folk rock.

ーーWhat kind of music influences each member of the band?

Baozi: The music genres that have influenced me the most are Rock, J-Pop / J-Rock, Alternative Rock, Post Rock, and so on.

Coco: The music that has influenced me the most is probably Western indie music from the 1990s to 2000s, such as bands like Beach House, Daughter, Kings of Convenience, Wilco, and Big Thief.

Stone: The music that has influenced me the most is Black music, especially soul and jazz. I enjoy listening to classic tracks from the 1960s to the 2000s—artists like Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Jackson 5, D’Angelo, Erykah Badu, and others.

Yi Jen: I have been influenced by different music in my different ages, such as rock music during my teenage years, and then post rock or electronic music during my college years, and now I pretty like the grooves of Motown music or the vibrant improvisations in jazz music.

ーーI get the impression that in recent years you have been putting more effort into your live performances.  What do you consider important in your live performances?

Baozi: I think the most important part of a live performance is conveying the band's energy to the audience through both sound and visuals. When we plan our set, we want to create an experience that feels more intense and immersive than just listening to a CD or streaming. 

Because live shows allow for more direct interaction, we also want to express not only the band’s overall personality but also the individual characteristics of each member. That’s why, starting this year, we’ve included solo segments from each member to bridge between songs.

ーーHuan Huan has released two good singles 「Words Unsaid」and「Afraid」this year. Can you tell us more about these new songs from the band?

Baozi: “Words Unsaid” is Huan Huan’s second song in Taiwanese. Although the lyrics are quite sorrowful, we chose to express that sadness through a passionate, upbeat dance style, hoping it could serve as an outlet for listeners’ emotions. It’s also our fastest-paced track so far. Our vocalist Coco really likes Kings of Convenience, and we’ve always wanted to try blending folk with dance music. When we finally pulled it off, we were so excited and happy—though our hands were sore from playing it! (laughs)

Stone:「Afraid」continues Huan Huan’s signature warm and organic style over the years. Coco’s lyrics capture the most delicate, intimate emotions from deep within. I feel that both the songwriting and the performance embody a very 'Huan Huan' atmosphere.「Words Unsaid」is a new direction for us. While maintaining emotional depth, we incorporated more groove—something the live audience can really immerse themselves in. The response during the tour has been quite positive.

ーーYou guys had a tour in Japan this year. How did you feel about it? Did you do any sightseeing?

Baozi: Performing in Japan was both an exciting and nerve-wracking experience for us. We've always seen Japan’s music scene as extremely strong, so getting selected to perform at a major event like SYNCHRONICITY was a huge encouragement. 

We also had a smaller show at mono record in Shimokitazawa. When we saw that our music could cross language barriers and still bring healing and joy to Japanese audiences, it was a truly touching and validating moment. As for sightseeing, I went to Sunshine City in Ikebukuro and had a ton of delicious izakaya food and drinks—so good! (laughs)

Stone: During this Japan tour, we visited some great live houses and also watched performances by other excellent bands at SYNCHRONICITY. I was impressed by the diversity and engagement of the audience—it really felt like music is a way of life. Since most of our events and interviews were around Shibuya, we spent several days exploring the area in depth. The bustling streets were so vibrant that I often got lost (laughs).

Yi Jen: I went to Nintendo store in Shubuya just right beside our venue in SYNCHRONICITY because I’m a fan of their game “Pickmin Bloom”. We also went to several “kissaten” to enjoy the vintage vibe that we can hardly find outside of Japan!

Coco: This time, we were warmly welcomed by our friends in Japan. Not only did many people come to our shows to show their support, but the staff also took us and other performers to dine at restaurants with a unique atmosphere. Everyone sang together enthusiastically—it left a deep impression on me. It’s truly a rare and cherished memory!

ーーWhat are Huan Huan's plans for the future?  Any plans for releasing an album or EP in the near future?

Coco: The concept for the next album already has a rough initial direction. After releasing three singles in 2025, we hope to maintain our creative momentum and begin preparing for the full album.

ーーWhat kind of music is popular in Taipei now?　And what do you think is attractive about this city?

Baozi: In Taipei, all kinds of music have their own fan bases. Just like global trends, hip-hop and K-pop are still really popular, but Japanese-style music has always had a strong following here too. What attracts me most to Taipei is its diversity and warmth. 

The open-minded atmosphere allows all kinds of cultural elements to thrive, and both shop owners and everyday citizens are incredibly kind. That’s what I love most about the city.

Stone: I agree with Baozi’s observation that Taipei is a city where subcultures thrive, with each group having its own preferred genres. Recently, I’ve noticed that Shoegaze music is gradually becoming popular among university students, which surprises me—it almost feels like I’ve gone back to my college days (laughs).

ーーFinally, if you had to name something that you can only get from Huan Huan's activities, what would it be?

Baozi: I think Huan Huan as a band feels like that one especially gentle friend we all have. When you share your worries with them, they won’t immediately tell you what to do—they’ll just stay with you, listen, and offer the comfort you need most. The way we sing the softest voices of the heart is something we hope is uniquely comforting to our listeners. I believe that this special kind of tenderness is Huan Huan’s most unique charm.

Coco: We approach things with a spirit of openness and compassion, and we hope our music can offer a sense of healing to those who listen.

Stone: After all these years, I feel that Huan Huan now reflects more of the natural, genuine sides of the four of us. We don’t need to pretend to be grand; we just honestly present and share ourselves. Moving forward, we want to keep bringing this kind of atmosphere to every corner of the world.

Yi Jen: An introverted an candid friend, a warm company.

ーThank you so much. We look forward to seeing your future activities. Please come visit  in Japan again!

Interview : Music Tribune (Tokyo) 

Special Thanks To:  Meng(In Utero [Manager of Huan Huan])

Interview：　Celestial Trails　　　2ndアルバム『Observation of Transcendence』の制作を回想する　　ハワイ/サンフランシスコでの体験をもとに考案される

サンフランシスコを拠点とするアンビエントミュージック・プロジェクト、セレスティアル・トレイルズ（Celestial Trails）は、2024年のデビューアルバムに続いて、2ndアルバム『Observation of Transcendence』を先月リリースしました。このアルバムは、制作者の地元であるシスコ、旅行地のハワイの2箇所でレコーディングが行われ、フィールド録音が含まれています。

エレクトリックというよりも環境音楽に傾倒したサウンド。鳥の声や波音のサンプリングが入ったり、シンセによるモーフィングされたパッドでコーティングされている。アルバムの二曲目「Pacific In Tender Motion」では賛美歌のように精妙なシークエンスが登場します。昨年、制作者が明かしたように、”音楽の波の流れを作る”というコンセプトがより現実的に。セレスティアル・トレイズの環境音楽は癒やしをもたらし、そして思索的な主題が盛り込まれています。

今回、簡単にプロデューサーにセカンドアルバムの魅力についてPRしていただきました。 その中には”人間と自然の共存”という未来への提言が織り込まれている。下記よりエピソードをお読みください。

 

ーーまず、先月リリースされた『Observation of Transcendence』の制作コンセプトとレコーディングの過程について教えてくださいますか。

デビュー・アルバム『Celestial Trails』がリリースされるとすぐに、次のアルバムのことを考えていました。 『Observation of Transcendence』のコンセプトは、ハワイを訪れている間に具体化し始めました。インスピレーションの源は太平洋、その静けさ、広がり、そして環境音楽の伝統から学んだ水辺で感じる深い落ち着きでした。

このアルバムには私の作曲した曲が収録されています。そのなかでも『Rapture of Deep Blue』は私が最初に書いた曲で、その後の全般的な制作プロセスの土台となりました。 もうひとつの重要なレイヤーはフィールド・レコーディングでした。 カリフォルニアの海岸沿いやハワイ諸島の自然をゆったりとハイキングしながら、波や鳥や風をサウンド・レコーダーに収めました。さらに、 鏡の反対側は、ドローン、テクスチャー、サウンドスケープといった音の建築物です。

ーーアルバムのタイトルは作品の評価すら規定してしまう時があるようです。新作のタイトル「超越の観察」はルネ・デカルト風の哲学的な意味合いがありますね。 なぜこのタイトルを選んだのでしょうか。

アンビエント・ミュージックを作る人、聴く人なら誰でもこの感覚を知っていると思います。 リスナーや作曲家という観察者がいて、それはあなた自身で、観察されているのは音楽なのです。  音楽を集中して聴き続けていると、観察者が消え、観察という経験だけが残る瞬間が来ます。

その瞬間、あなたはもう存在せず、音楽さえも存在しません。 存在するのは、音楽とのつながりだけで音楽と完全に一体化している。 これは素晴らしい瞑想体験ではないでしょうか。このアルバムは、これらすべての超越的なアイデア、超越的なコンポジション、超越的なサウンドの集合体なんです。

ーーあなたのセカンドアルバムには、ハワイでのフィールドレコーディングが含まれていますよね。ハワイでのレコーディングはどうでしたか。滞在中に印象的な体験はありましたか。

私にとってハワイは本当にスペシャルな場所です。 そこにある太平洋は、自分の中に深く響いてくる。 豊かな自然に囲まれて、心が軽くなることが多かったですね。

印象的な瞬間はたくさんありましたが、ひとつ印象に残っている出来事があります。 ハイキングの途中で休憩をとり、穏やかな気持ちになっていると、突然、強い風が木々の間を吹き抜け、数粒の軽い雨粒が顔に触れ、数秒後に太陽が戻ってきた。 儚く美しい瞬間で、楽しい状態の中で火花を散らしたみたいでした。 その思い出をわすれないように詳細に日記に書いたくらいでした。

それから地元のサンフランシスコに戻ったとき、その経験を音楽にしたいと思い、『Pacific in Tender Motion』の構想が固まりました。

ーーさらに、アルバムの中には、波の音と太陽の光を描写するような録音を見つけることが出来ました。これは描写的な音楽かもしれないと思いました。 あなたはどうお考えですか？

その通りです。 このアルバムの各トラックは、海辺の晴れた日を反映したもので、作曲、録音、編集、ミキシングのプロセスは一種の瞑想に近かった。 観察すればするほど、現在の地点にとどまることができる。 意識的に観察することを選択すると、いつもより多くのディテールが現れます。

時には、音そのものが棲むべき空間になることもありました。 例えば、サンフランシスコのサトロ山でフィールド・レコーディングをしていたとき、私はただ注意を向けるだけで、キツツキが発するいくつかの音に初めて気づきました。 私たち人間の未来は、自然を守り、周囲の世界に耳を澄ませ、注意して行動することにかかっているでしょう。

ーープレスリリースの中で、吉村弘のような日本の環境音楽家のパイオニアからの影響についてさりげなく触れていますね。アルバムのどんなポイントに彼らの影響が表れていると思いますか。

これらの影響は、おそらく私のトラック 「Peace」で最もはっきりと聴くことができると思います。 繰り返しのパターンが全編を貫いている一方で、ハープは2秒ほど1度だけ登場する。 同様に、ハチがサウンドスケープを一度だけ通過し、短いながらも印象的に現れます。

私が日本のアンビエント・ミュージックを好きになったきっかけは小久保隆でした。特に彼の「イオン・シリーズ」が一番好きですね。そこからさらに多くのアーティストを探求するようになって、やがて吉村弘の音楽に出会いました。 それがきっかけで、細野晴臣、磯田健一郎、芦川聡をはじめとする、その他の環境音楽の重要人物の作品に深く入り込むようになりました。

ーーずばり、セカンドアルバム『Observation of Transcendence』の聴きどころはどんな点にありますか？

私は太平洋に面した街サンフランシスコに住んでいます。太陽の光と自然、そして人々の温かさに囲まれて日々暮らしています。 とても幸運なことに、私は海の存在を直接体験することができました。このアルバムを通して、その一部をリスナーの皆さんと分かち合いたいと思ってます。

私たちは、ストレスの多い不確かな時代を生きています。そして、そのような時代こそ、内なる平和をいちばん必要としているんです。 このアルバムは、リスナーが穏やかさと回復力を取り戻す手助けをすることを意図しています。じっくりと耳を澄ますことで、サウンドスケープの中にある微妙な構造を捉えることができ、それが''超越の思考''を刺激することを願っています。

ーーお忙しい中、お答えいただき、ありがとうございます。今後のアクティビティにも期待しております。

 

 

【Episode in English】 

ーーFirst, could you tell us about the concept behind the production of “Observation of Transcendence” and the recording process?

 

As soon as the debut Celestial Trails album was released, I already found myself thinking about the next record. The concept for Observation of Transcendence really started to crystallize during my visit to Hawaii.

 

ーーThe inspiration is the Pacific Ocean, its tranquility, expansiveness, and the deep sense of calm I feel by the water, drawing from the tradition of environment music.

 

The album features my compositions, with Rapture of Deep Blue being the first piece I wrote and the foundation for what followed. Another layer is the field recordings. I captured waves, birds, and wind along the California coast and across the Hawaiian Islands during my nature hikes, on my sound recorder. The other side of the mirror is the sonic architecture: the drones, textures, soundscapes.

 

ーーSometimes the title of an album determines the evaluation of a work. The title of your new album, “Observations of Transcendence,” has a philosophical connotation in the style of René Descartes. Why did you choose this title?

 

Anyone who makes or listens to ambient music knows this feeling.  There's this observer, the listener or the composer, that's yourself, and the thing that is being observed is music.  As you keep on listening to music there comes a moment in which the observer disappears and there's only the experience of observation left.

 

You don't exist anymore, even the music doesn't exist anymore. The only thing that exists is your connection to the music or you'll be coming one with the music. It is this great meditative experience. The album is a collection of all these transcendent ideas, transcended compositions and transcendent sounds.

 

ーーYour second album includes field recordings in Hawaii. How did you feel about recording there? Were there any memorable experiences during your stay?

 

Hawaii is a truly special place. The Pacific there resonates deeply within you. Surrounded by an abundance of nature, I often felt very light.

 

There were many memorable moments, but one stands out. During a hike, we took a break, and I was feeling very peaceful. Suddenly, a strong wind swept through the trees, a few light raindrops touched my face, and then, just seconds later, the sun returned. It was a fleeting, beautiful moment,  like catching sparks in an already joyful state. I held onto that memory, even journaled it in detail.

 

When I returned to San Francisco, I wanted to translate that experience into music. That’s how Pacific in Tender Motion came to life.

 

ーーFurthermore, in this album, I found recordings that seem to describe the fresh sound of the waves and the fresh light of the sun. I thought this might be descriptive music. What do you think??

 

Exactly. Each track on this album reflects a sunny day by the ocean, and the process of composing, recording, editing, and mixing them was a form of meditation. The more I observe, the more I stay in the present. Whenever I make a conscious choice to observe, more details appear.

 

Sometimes, sound itself becomes a space to inhabit. For example, while field recording on Mount Sutro in San Francisco, I noticed some sounds woodpeckers make for the first time, simply by paying attention. Our future as humans depends on protecting nature, listening closely to the world around us, and acting with care.

 

ーーIn press release, you mentioned the influence of pioneering Japanese environmental musicians such as Hiroshi Yoshimura. Where in the album do you see their influence represented?

 

You can probably hear these influences most clearly in my track "Peace." Repeating patterns run throughout, while the harp appears only once for about two seconds. Similarly, a bee passes through the soundscape just once, making a brief but memorable appearance.

 

My love for Japanese ambient music began with Takashi Kokubo, especially his Ion Series, which I love the most. From there, I started exploring more artists and soon discovered Hiroshi Yoshimura, whose music was a revelation. That led me to dive deeper into the works of Haruomi Hosono, Kenichiro Isoda, Satoshi Ashikawa, and other key figures in environmental music.

 

ーーWell, what do you hope listeners will enjoy most about the second album?

 

I live in a city by the Pacific, surrounded by sunlight, nature, and the warmth of its people. I've been fortunate to experience the ocean’s presence firsthand, and through this album, I hope to share a piece of that with listeners.

We are living through stressful and uncertain times, and it’s in these moments that we need our inner peace the most. This album is meant to help listeners reclaim that sense of  calm and resilience. By listening closely, you can catch the subtle structures within the soundscapes, which I hope will inspire thoughts of transcendence.

ーーVery thank you for taking the time to answer.  And looking forward to your activities in the future! 

Photo: Fabrice Bourgelle

Dominic J Marshall(ドミニク・J・マーシャル)は、ロンドンを拠点に活動するUKジャズシーンを担う音楽家です。ピアノやシンセの演奏を得意とし、電子音楽とジャズの融合を図るニュージャズ/クロスオーバージャズの演奏家として知られています。音楽性もきわめて幅広い。スタンダードジャズから電子音楽、ネオソウル、ヒップホップをしなやかなジャズに仕上げています。

 

今年2月7日に発売されたニューアルバム『Fire-breathing Lion』は、完全なインディペンデントの作品として制作されました。ニュージャズの範疇にあるアルバムでJaga Jazzistを彷彿とさせる曲もある。音質は粗いですが、ミュージシャンのマルチタレントの才覚が全編に迸っています。

「私がすべての楽器を演奏したソロアルバムです」とマーシャルは説明しています。「このアルバムは、全曲を私が作曲し、セルフ・プロデュースした。アコースティック・ピアノ、エレクトロニック・ドラム、シンセ・ベース、ムーグ・メロディ、ベース・ギター、フェンダー・ローズがパレットの大部分を占めている」 

 

これまで、ドミニク・J・マーシャルの音楽は、ロンドンのジャズ専門誌やBBCを中心に称賛を受けてきた。2013年のアルバム『Spirit Speech』は彼の出世作の一つであり、「繰り返し聴く価値のある、想像力豊かで個性的な素晴らしいアルバム」（LondonJazzNews）と評されたほか、ジェイミー・カラム、ジル・ピーターソン、ジェズ・ネルソンによって満場一致で賞賛されました。その年のBBC Introducing Live、マンチェスター・ジャズ・フェスティバルに出演しました。

2015年、ドミニクは、イギリスのニュージャズ・グループ、”The Cinematic Orchestra(ザ・シネマティック・オーケストラ)のピアニストとして活動を始めた。モントルー・ジャズ・フェスティバル(スイス)、グラストンベリー・フェスティバル、サマー・ソニック、ブリクストン・ジャズ・フェスティバル、ブリクストン・アカデミー、ロイヤル・フェスティバル・ホール、ロサンゼルスのウォルト・ディズニー・コンサートホールなど、世界的なフェスティバルや会場で演奏しています。

 

高い評価を得たアルバム『To Believe』のヒットナンバー「Lessons」は彼の代表曲でもある。さらに、ドミニクのヒップホップ・カヴァー・アルバム『Cave Art』は、KMHDの2015年ジャズ・アルバム・トップ10に選出されています。''UK Vibe''は、2016年の『The Triolithic』について、「高い評価に値する、とても愉快で爽やかなオリジナル・アルバム」と評しています。2017年のビートテープ『Silence's Garden』は、Acorn Tapesで完売し、Bringing Down The Bandは次のように振り返っています。「これらのトラックには素晴らしいヴィンテージ感が込められている」

今回、アーティストから貴重なお話を伺うことが出来ました。また、その中では、日本文化についてのご意見を簡単に伺っています。お忙しい中、お答えいただき本当にありがとうございました。

 

 

Music Tribune:   今回のアルバム『Fire Breathing Lion』は、前作に比べると、エレクトロニックとジャズの融合に重点を置いているようで、スタイルが大きく変わりました。なぜこのような音楽の方向性を選んだのでしょう？ 

ドミニク・J・マーシャル：作曲するときにスタイルについてあまり考えていないことは認めるけれど、君の言う通り、『Fire-breathing Lion』と前作との間には大きな変化がある。 新しい作品は、より神話に関連しているんだ。

 

僕が音楽の好きなところのひとつは、意味を伝えるのに言葉を必要としないことだ。 おそらく、言葉がないほうが多くのことを伝えられる。 アルバムを制作しているうちに、そのテーマが意識的というよりも "無意識的 "であることに気づき始めた。 できるだけ深く泳ぎたかったし、歌詞は空気でできているから、いつも表面に浮いてくる。 歌詞と神秘主義は親友ではないと思う。

ーーこのアルバムの制作過程について教えてください。どのように録音しましたか。また、作曲、レコーディング、演奏全般で最も重要な点は何でしたか？

 

マーシャル：　制作においては決まりのようなものは作らなかった。 ドラム・パートのほとんどは、ポケットに入るような小さなドラム・マシンを使って、街をぶらぶらしながら作ったんだ。 「メフィストフェレス」は夜中にラップトップで書いた。 

 

「Fairy Business(フェアリー・ビジネス)」はピアノの即興曲で、ライブの後、朝一番に書いた。 まだ半分眠っていた。 「Cross the Dell(クロス・ザ・デル）」はベースを手に入れたときに書いた。 最初に弾いたのがこのベースラインだったから、あのエキサイティングな感じが生まれたんだ。 

 

「Lysianassa（リシアナッサ）」は、好きだった女の子に好きになってもらえなかった話だ......。ものすごくありふれた話なんだけど、アルバムを書くには少なくとも1つはそういうものが必要になってくる。 いくつかのグランドピアノのパートを除いて、レコーディングはすべてロンドンの僕のアパートで行った。 私は自宅で8本の植物を育てているので、私が作ったものが良いものかどうかは、彼らが成長し、健康に見えかどうかでよくわかるんだ。 

 

ーーアルバムのためにハービー・ハンコック、モーリス・ラヴェル、デヴィッド・リンチからインスピレーションを得たそうですね。具体的に彼らからどのような影響を受けましたか？

 

マーシャル：ハービーの70年代のアルバムは私の人生を変えたんだ。 もろんチック・コリアもそうだよ。 この2人のおかげで、学生時代にはすでにミュージシャンになろうと心に決めていた。

ラヴェルについては思い入れがかなり深い。つい1年前、私は音楽を「諦めて」普通の仕事に就こうとしたことがあった。 何年も前に手に入れたラヴェルのピアノ曲集を夜な夜な弾く以外、あまり幸せは訪れなかった。 その本を開くたびに、音楽が私を呼び戻してくれるのを感じた。 プレッシャーを与えるような感じではなくて、「必然」のような感じだったよ。 ラヴェルが "呼吸を諦めるのと同じように、音楽を諦めることはできない "と言っているように聞こえたんだ。

 

デヴィッド・リンチの作品には、答えのない問いがたくさんあった。 多くの監督は彼の真似をしようとするが、すべての疑問に答えることができず、挫折してしまう。

例えば、 私は『ツイン・ピークス』に登場するクーパー捜査官が大好きだ。 私にとって、デイル・クーパーは、生きとし生けるものすべてが人生を通じて謎の軌跡をたどることを象徴している。本当に決心すれば、実際にいくつか解決することもできるが、常に事実よりも謎の方がはるかに多い。 それが宇宙の法則でもある。 事実が謎を上回った日には、宇宙は崩壊するだろうね。 

ーー自分もピアノを弾いていて、ラヴェルもよく演奏します。こういった曲を何も考えずに弾いていると、日常の細かいことを忘れて本来の自分に戻れる。そういう経験ができるのは本当に素晴らしい。偉大なミュージシャンの多くは、音楽を人生そのものにしていると思います。 

マーシャル: ラヴェルを演奏するのはすごい。ラヴェルの曲は簡単じゃない。 それでも、たった1ページから学ぶことがたくさんある。彼はグランドマスターだ。そうだね、君の言うように、音楽は生き方なんだ。 人生とは別の独自のルールがある。 そう考えるとちょっと怖いね。 あまり考えないようにしているよ！！

ーーさて、あなたのアルバム『Fire Breathing Lion』を聴くとき、リスナーに気をつけてほしいことはありますか？

 

マーシャル：理想的なのは、彼らが自分の内面を見つめることだろうね。 でも、もし彼らが外に耳を傾けたければ、鍵を探すことになるのでは......？ そのためのヒントはたくさんあるはずだから。

ーーこれまであなたはモントルー・ジャズ・フェスティバルやグラストンベリー、サマーソニックなど、世界的な音楽フェスティバルに出演してきました。今後出演してみたいイベントはありますか？

 

マーシャル： 自分のバンドで日本でライヴをやってみたいと思っているよ。 

間違っているかもしれないけど、日本はとても文化的な場所のように思える。 僕は小さい頃から日本の文化に興味があった。昔、家に留学生が英語を習いに来ていたことがあった。 その留学生が僕と弟にゲームボーイを持ってきてくれた。 その瞬間から、私は熱狂的な任天堂ファンになったんだ。

ーーゲームボーイはなんのソフトをやったの？

マーシャル:  その留学生はゲームボーイと一緒にスーパーマリオブラザーズ3を持ってきた。 あのゲームは難しすぎた！ クリアしたことはなかったと思うけど、ラスボスまでは行ったよ。 特にゼルダは音楽と寺がたくさんあったからね。 その後、ゼルダの伝説、ディディー・コング・レーシング、コンカーのバッド・ファー・デイ、大乱闘 スマッシュブラザーズがお気に入りだった。 

ーー今後のアクティビティの予定について聞かせて下さい。

 

マーシャル：実のところ、今のところはまったくわからない......。 すべてを売り払ってヒマラヤに引っ越したいと思う日もあれば、道行く人に気まずい質問をするテレビ番組を始めたいと思う日もある....... (笑）。 

 

でも、しばらくはロンドンでギグをこなす予定だ。というのも、音楽をやっているときが一番生きているように感じられる。 幸いなことに僕の周りには一緒に演奏できる素晴らしいミュージシャンがたくさんいるからね。

 

Photo: Sahil Kotwani

 

 

 最新アルバム『Fire-breathing Lion』のご視聴はこちらから。

 

 

・メディアや著名人からの反応

 ''陽光を呼び起こすビート''-テレグラフ紙

"彼は過去の偉大な遺産と同時に、とても新鮮で新しいものをもたらしている"-ジェイミー・カラム

"マーシャルは不気味の谷に飛び込み、その中で戯れ、不遜なウィットと神聖な優美さでこのジャンルに新鮮な道を開く"-オーケープレイヤー

''彼はピアノのヴィルトゥオーゾと呼ぶにふさわしい'' -ジャムズ・スーパーノヴァ

【Episode In English】

 

--This album, Fire Breathing Lion, seemed to focus more on the fusion of electronic and jazz, compared to the previous album, the style has changed significantly. Why did you choose this kind of musical direction?

Dominic J Marshall:  I admit I don’t give much thought to style when I’m composing, but you’re right, there is a big change between Fire-breathing Lion and my last album. The new pieces are more related to mythology. 

 One of the things I love about music is that it doesn’t require words to convey meaning. 

 Arguably, you can say more without words. As I was producing the album, I started to realise its themes were more “unconscious” than conscious, so I would have to keep it instrumental. I wanted to swim as deep as possible, and lyrics always float to the surface, because they are made of air. I guess lyrics and mysticism are not best friends.

--Can you tell us about the production process of this album? How did you record it? And what were the most important aspects of your compositions, recordings and performances in general??

Marshall: There’s definitely no formula. I made most of the drum parts when I was out and about in the city, on a little drum-machine that fits in your pocket. 

 “Mephistopheles” I wrote on my laptop in the middle of the night. “Fairy Business” was a piano improvisation, first thing in the morning after a gig. I was still half asleep. 

 “Cross the Dell” I wrote when I got my bass guitar. The first thing I played on it was that bassline, which is why it has that excitable feel. 

 “Lysianassa” was about a girl I liked who didn’t like me back - kind of cliché but you need to have at least one of those to write an album.

 Except for a few grand piano parts, all the recording was done at my flat in London. I have 8 plants, so I can tell if what I’m making is good because they grow and look healthier. 

--You drew inspiration from Herbie Hancock, Maurice Ravel and David Lynch for this album, what specific impacts have they had?


Marshall: Herbie’s 70s albums changed my life. The same goes for Chick Corea. Between those two, I already knew I was going to be a musician when I was at school.
 

 Ravel: A year ago I had attempted to “give up” music and get a normal job. It didn’t bring me much happiness, except sometimes in the evening I’d play this Ravel piano book I got years and years ago. 

 Whenever I opened that book, I felt music calling me back. Not in a pressurising way, but more in an ‘inevitable’ kind of way. It sounded like Ravel was saying “you can’t give up music anymore than you can give up breathing.” 

 David Lynch had a lot of unanswered questions in his work. Directors try to imitate him, but they fall short because they can’t help answering all the questions. I love Twin Peaks, especially Agent Cooper. 

 To me, Dale Cooper symbolises how all living beings follow a trail of mysteries through our lives. If we’re really determined, we can actually solve a few, but there will always be more mysteries than facts. It’s just the law of the universe. The day facts outnumber mysteries, the universe will collapse. 

 

-- I play the piano myself on a daily basis, and I also play Ravel a lot. When I play these pieces without thinking, I can forget the details of everyday life and return to my true self. It's really wonderful to have that kind of experience. I think great musicians make music their very way of life. 

Marshall: That’s awesome you’ve been playing some Ravel. His music is not the easiest, as you probably noticed. But there is so much to learn from just one page. He was a grandmaster...

 Yeah, you’re right about music being a way of life. It has all its own rules separate from life. Kind of scary when you think about it. I try not to think about it too much!!

--What would you like listeners to look out for when listening to this album?
 

Marshall: Ideally, they will look inside themselves. But if they want to listen out, I guess listen out for the keys… ? There’s quite a bit of keys.

--So far you have performed at world-class music festivals such as the Montreal Jazz Festival, Glastonbury. Are there any other events you would like to perform at in the future?

 
Marshall: I would love to do some shows in Japan with my own band. I might be wrong but it seems like a very civilised place. I’ve been into Japanese culture since I was really young. 

 We used to have foreign students staying in our house who came over to learn English. They were my favourite foreign students because one brought me and my brother a Gameboy. From that moment on I was a diehard Nintendo fan. 

- What software did the Game Boy do?

Marshall: About the games, they brought "Super Mario Bros 3" with the Game Boy. That game was way too hard! I don’t think we ever completed it, but we definitely got to the final boss. Then later my favourites were "Zelda Ocarina of Time", "Diddy Kong Racing", "Conker’s Bad Fur Day", "Super Smash Bros". Especially Zelda because of the music and all the temples. 

-What are your plans for future activities? 

Marshall: To tell the truth I have absolutely no idea. Some days I wake up wanting to sell everything and move to the Himalayas, others I want to start a TV show asking people awkward questions in the street. In all likelihood though, 

 I’ll be in London doing my gigs, because making music is when I feel most alive. There are so many great musicians to play with here.

・Reactions from the media and celebrities

“Sunshine-evoking beats”-The Telegraph

“He brings together a great heritage of the past, but also something very fresh and new.”-Jamie Cullum

“Marshall plunges into the uncanny valley and frolics in it, investing a fresh path for the genre with irreverent wit and divine grace.”-Okayplayer

“He’s what you would call a piano virtuoso”-Jamz Supernova

 Interview:  Midori Hirano

 

Midori Hirano & Bruder Selke　©Sylvia_Steinhäuser

 

 

互いの異質さや存在感をぶつけ合うのではなく、逆に互いの最大公約数を見出し、そこにフォーカスする- Midori Hirano

 

 

ベルリンを拠点に活動するピアニスト、シンセ奏者、作曲家として世界的に活躍するMidori Hiranoは、２０２５年に入り、ポツダムの兄弟デュオ、Bruder Selke（ブルーダー・ゼルケ）とのコラボレーションアルバム『Spilit Scale（スピリット・スケール）』をThrill Jockeyから１月末に発表しました。エレクトロニック、チェロ、ピアノを組み合わせたアルバムで、スケールの配置をテーマに制作された。

 

らせん階段のように、GからAのスケールが配置され、旧来のバロック音楽、現代的なエレクトロニックのメチエを組み合わせ、変奏曲、連曲、組曲ともつかない、珍らかな構成を持つモダンクラシカル、エレクトロニック作品に仕上がった。Yoshimi O、灰野敬二、Boredoms、石橋英子をはじめとする、日本のアンダーグランドの象徴的な実験音楽家を輩出するスリル・ジョッキーからのリリースは、ミュージシャンにとって象徴的なレコードの誕生を意味するでしょう。

今年は続いて、ロシア出身でスウェーデンを拠点に活動するミュージシャン、CoH(Ivan Pavlov）とのアルバム『Sudden Fruit』がフランスのレーベル”ici,d'alleurs”から4月に発売予定。エレクトロニックとピアノの融合した、オランダのKettelを彷彿とさせるアルバム。また、アーティストは今年４月に日本でライブを行う予定です。こちらの詳細についてもご確認下さい。

 

今回、平野さんはご旅行中でしたが、『Spilt Sacale』の制作全般について、最近のベルリンの暮らしや政治情勢について教えていただくことが出来ました。お忙しい中、お答えいただき、本当にありがとうございました。今後の活躍にも期待しています。以下よりインタビューをお読みください。

 

 

ーー1月24日にコラボレーションアルバム『Spilit Scale』がThrill Jockeyから発売されました。この作品の大まかな構想についてあらためて教えて下さい。

平野みどり：　このアルバムの構想は最初にゼルケ兄弟から提案されたのですが、一曲ごとのキーを西洋音階のピアノでいうところの白鍵にあたるAからGまでに設定して作るというとてもシンプルなものでした。ですので、一曲目がA-Minorで始まって、最後にまたA-Minorで終わる形になっています。マイナーキーにするかメジャーキーにするかまでは決めてなかったのですが、互いの音楽の内省的な傾向が影響したのか、自然にFとG以外は全部マイナーキーになりました。

このアルバムは、全てファイル交換のみで制作したのですが、段取りを明確にする為に、A, C, E, Gは私発信で、それ以外のB, D, F, AAはゼルケ発信で始める事にしました。

アイデアとしてはとてもシンプルだし、新鮮さは特にありませんが、私は自分の作品を作るときはこんなに分かりやすいルールを決めてから始めるという事はあまりなかったです。私に取っては決められたルールの中で、彼らの作る音も尊重しながら、どれだけ自由に表現を広げられるかという点では、とても新鮮な試みでしたね。



ーーゼルケ兄弟との親交は、いつ頃から始まったのでしょうか？　実際に一緒に制作を行ってみていかがでしたか。

平野：　最初にゼルケ兄弟と知り合ったのは、彼らの拠点でもあるポツダムで主催している「Q3Ambientfest」というフェスティバルに呼んでくれたのがきっかけでした。2017年の春で、その年が彼らにとっても第一回目のフェス開催でした。その当時は彼らは”CEEYS”というユニット名で活動していましたが、数年前からブルーダー・ゼルケと名乗るようになっていました。

その後にも何度か同じフェスだけでなく、別の主催イベントにも対バンで何度も呼んでくれるようになって、それを通じて次第に仲良くなっていったという感じです。

 

それから2021年に彼らの”Musikhaus”というリミックスアルバムの為に、一曲リミックスを依頼されて制作したのですが、そのリミックスを気に入ってくれたみたいで、その後に割とすぐコラボレーションをしないかと誘われたのが、このアルバムを作る事になったきっかけですね。

 

最初に調性などのルールは決めたものの、それ以外は自分の直感に従い、自由に音を重ねていったように思います。ゼルケ兄弟の2人は本当に人が良くて平等精神に溢れた人達ですので、お互いに尊重するべきポイントもとても把握しやすく、最後まで気持ち良く作る事が出来ました。

ーー最新作ではピアノ、チェロ、シンセサイザーを中心にモダンクラシカル/アンビエントミュージックが展開されます。作曲から録音に至るまで、どのようなプロセスを経て完成したのでしょうか。

平野：　彼らが住んでいるポツダムから私の住むベルリンまでは電車で1時間弱と近いので、一緒にスタジオに入って録音する事も物理的には可能ではありましたが、３人のスケジュールを合わせるのはなかなか大変ですし、それぞれ自分のペースでゆっくり考えながら制作したいという思いもありましたので、先に話したように、全てファイル交換のみで仕上げました。途中、何ヶ月か中断しながらでしたが、2年ほどかけて丁寧に作りました。

 

録音したファイルは、毎回、4曲ずつをまとめてお互いに送り合って進めましたが、ファイルが往復した回数は2年の間で合計３回ぐらいだったと思います。

 

最終的な仕上げとミックスは私に任せるとゼルケ兄弟が言ってくれたので、最後の調整は私が1人で数ヶ月かけてやりました。最後の段階では曲によって10分以上あるものも多く、ちょっと長すぎるかなと思ったところを私の判断でいくつか切って短くしたり、さらに私が追加でピアノとパッド系のシンセを入れた曲も結構あります。

最終調整作業は、なかなか大変でしたが、結果的には満足のいくものに仕上がったと思っています。私は自分のソロでは結構実験的なアプローチで作っていたり、ピアノがメインの曲でもピアノの音自体を大きく加工して作ることも多いので、こんなに直球なモダンクラシカル的な作品をアルバム単位で作ったのは、私にとっては実は初めてかもしれませんね。

ーー今回のアルバムでは、ピアノ/シンセサイザー奏者が二人いるわけですが、それぞれの演奏パートをどのように割り振ったのか教えていただけますか？　また、ゼルケさんと平野さんの演奏者としての性質の違いのようなものはあるのでしょうか？

平野：　3人の中でチェロを演奏するのはセバスチャンだけなので、ここの割り振りは初めからはっきりしていました。ピアノに関してはダニエルと私で特別最初に申し合わせをした訳ではないのですが、ダニエルがピアノを弾いているのは「Scale C」と「E」だけで、それ以外の曲のピアノはほぼ全て私が担当しました。

最初に彼らから送られてきた曲のファイルにあまりピアノが入っていなかったので、あえて私の為に入るスペースを残してくれていたのかなとも思いました。逆に、私も自分発信の4曲の中の「Scale C」と「E」には、ダニエルがもしかしたらピアノを弾くかもしれないと思い、シンセしか使いませんでした。

段取りについては最初に明確にルールを決めたものの、楽器の割り振りについては毎回録音する度にお互いに探り合いをしながら、慎重に選んでいったように思います。最終ミックスの段階で、初めて何か足りないと思ったところを、私がシンセやピアノで一気に追加したような感じですね。

ピアノとパッド系のシンセや「Scale C」のイントロに出てくるようなデジタル感の強い音は主に私で、ダニエルはエレクトロニックパイプで控えめなノイズっぽい音と、時折シンセベースを出したりしています。

あと、「Scale AA」でのシンセのアルペジオもダニエルが演奏しています。アナログ機器とチェロの音がメインのゼルケ兄弟の音と、ピアノ以外ではデジタルシンセを多く使っている私の音をミックスするのはなかなか難しかったですが、その割には意外とうまくまとまったなと思っています。



ーー『Split Scale』は、インプロヴァイゼーション(即興演奏)の性質が強いように感じられました。トリオでの制作において、共通するイメージやコンセプトのようなものはありましたか。そして、そのイメージが通じる瞬間はありましたか？

平野：　ゼルケ兄弟も私も最初の録音の際には即興に近いスタイルで演奏したと思いますが、あとはお互いの音を聞きながら録音を重ねていっているのと、後から編集も結構加えているので、厳密に言えば、即興と作曲の中間のようなものです。

それでも、3人ともクラシック音楽のバックグラウンドがあるからなのか、ハーモニー構成の癖が似ている部分もあるかもしれません。ステージで一緒に演奏する時でもほぼ全部即興であるにもかかわらず、横も縦もはまりやすい。即興演奏として、それが面白いかどうかというと、人それぞれの意見があるとは思いますが......。でも、お互いの異質さや存在感をぶつけ合うのではなく、逆に互いの最大公約数を見出し、そこにフォーカスするような控えめな「即興演奏」を、私達はこの作品で繰り広げたのだと思ってますし、そこから生まれる美しさもあると思います。

 

 

Photo:Sylvia Steinhäuser

 

 

ーー最近のベルリンの生活はいかがでしょう？　現在の現地のミュージックシーンがどうなっているのかについてお聞きしたいです。

平野：　ベルリンに住んでもう16年が経ちますので、最初に引っ越してきた頃に感じていたような新鮮さは薄れかけていますが、私個人の印象では日本と比べると、風通しの良い人間関係を築きやすい気がします。そして、女性が自信を持って生きやすい場所だとも思えるところは変わらないです。ベルリンというのは、いろいろな人達が移住してきてはまた去っていく都市ですので、長く住んでいる身としては、たまに”部活の先生”みたいな気持ちになる事があります。

音楽シーンは変わらず活発です。地元のアーティストもそうですが、世界各地から頻繁にさまざまなミュージシャンがベルリンにツアーのために訪れますし、毎日のように、いつもどこかで大小様々なライブイベントが開かれています。運営側からすると、客取り合戦みたいになりがちです。それでも、この活発さがベルリンの特色だと思っています。例えば、エクスペリメンタル・ミュージックのような、ニッチなジャンルのイベントでも、日本の数倍規模の集客がある場合が多いです。そこはベルリンの文化助成が支えて育ててきた部分も大きい気がしますね。

とはいえ、2024年の暮れから、ベルリンの文化助成予算が大幅に削減される事になりましたので、少しずつ運営が難しくなるライブハウスやイベントも出てきているようです。当然、この政治的な変化に対する反対運動も大きく、今後どうなっていくのかなとは思っています。色々な意味で、今後、アーティストとして、どう生きていくかが問われてきているように思います。

ーー女性が自信を持って生きやすいということですが、日本や他のヨーロッパの国々と何か異なる文化的な背景や慣例があるのでしょうか？

 

 

平野： 私は、日本以外ではベルリンにしか住んだことがないので、あくまでも個人的な体感に過ぎませんが、ドイツのみならずヨーロッパは全体的に、社会における女性の存在感が大きいように思います。勿論、もっと厳密に分析すれば、北欧、東欧、西欧と南欧では、文化的背景がそれぞれ異なってくるため、一概には定義できませんが、自由と平等、人権の扱い方や平和構築など、いわゆる大義としての西洋の理念みたいなものは欧州全体で共有されているという実感はあります。

 

女性に限らず、男性同士でもおそらくそうだと思うのですが、日本に比べると年齢によって作られるヒエラルキーをあまり感じなくて済むし、何歳になったからと言って、こうであるべきだ、みたいな固定観念も無くはないんですけど、日本よりはその意識がかなり薄いという気がします。

 

また、メルケル元首相が、2005年にドイツで女性として初めての首相に就任し、その後16年も政権を築いてきたことも、ドイツにおける女性の地位向上を目指す気運をさらに高めたと思います。

 

 

それでも、3年ほど前にメルケルさんが引退してからショルツ首相に変わり、この数年の間に国際情勢も大きく変わってしまった。ドイツ政治崩壊の危機と言われてしまうぐらいに状況も変わってしまいましたが……。先に挙げた文化助成予算の削減もその一つの影響でしょう。今月下旬にドイツで総選挙が行われますが、移民排除を掲げた右派政党も台頭してきています。今まで”正義”とされてきた西洋の理念がドイツでも少しづつ揺らいできているように思います。

 

イタリアのメローニ首相もイタリア初の女性首相なのは喜ばしいことですが、相当の保守派で、ドイツの右翼政党AfDの共同党首も女性です。アリス・ヴァイデルという人物なのですが、この間、ヒトラーを擁護するような発言をし、ドイツのメディアがひっくり返るような大騒ぎでした。

 

 

ですので、女性が地位さえ持てば、かならずしも良い結果に繋がるとは私も思っていませんが、ジェンダーバイアスにとらわれず、一人一人の思想や資質が可視化されるような時代になってきているのだと思いますし、それはそれで社会としての一つの進歩に繋がっていると思います。

 

 

CoH&Midori Hirano Photo: Markus Wambsganss

ーー今年4月には、グリッチサウンドを得意とするロシア出身のエレクトロニック・プロデューサー、CoH（Ivan Pavlov）とのアルバムがフランスのレーベル”Ici d’ailleurs”からリリースされます。

 

さらに、同月に日本でのCoHとのライブも決定していますが、新作とライブについて簡単に教えていただければと思います。また、セットリストは決まっていますか。楽しみにしていることはありますか？

平野：　CoHのイヴァンとのアルバム「Sudden Fruit」は、ゼルケ兄弟とのアルバムと同じように途中中断しながらも、2022年から2年近くかけて、ファイル交換だけで完成させました。

 

私が仕上げをした「Split Scale」とは違って、次のアルバムでは、私が先にピアノとシンセだけで録音した全曲のファイルを一曲ずつイヴァンに送り、その後の仕上げは全てイヴァンにお任せでした。一曲だけ私の方でピアノを追加録音したものがあるくらいで、他の曲はファイルが往復する事なく、彼が私が最初に送ったピアノの全録音を再構築する形で出来上がっています。

 

ピアノの録音時に、各曲それぞれ、高音域、中音域、低音域と、いくつかのレイヤーに分割して録音したものを送っているので、イヴァンの方で、低音だけベースラインらしく人工的な音に作り変えたり、さらに、そこにビートが加えられたりしながらも、元のメロディラインやハーモニーは、最初の構想がそのまま生かされている場合が多いです。ですので、録音の時点では、BPMなどが明瞭ではなかったピアノの曲が、CoHの手を通して明確なBPMとグルーブが付与されたような感じになり、結果的にはとても上品でかっこいい作品になったと思いますね。

 

4月の日本でのイヴァンとのライブは私達にとって初めての経験となります。今頑張って準備中です。セットリストはライブ用にアレンジし直していますが、基本的にアルバムの曲を再現するような形でやろうと思っています。

 

イヴァンがラップトップ（PC）、MIDIコントローラー、私がピアノを担当するという、シンプルなセットアップですが、シンプルなので、原曲のハーモニー感とリズミックなパートが実際のステージで映えて聴こえると理想的であると考えています。おそらく、2月中には、ツアーの詳細を発表できる予定です。また、京都の公演では、ロームシアターのノースホールでマルチチャンネルシステムを使用してのライブになりますので、とてもスペシャルな体験になりそうです。

 

ちなみに、ゼルケ兄弟とも、そのうち日本でライブが出来ればと考えています。こちらのセットは使用する楽器の数が多くなりそうです。CoHとのセットのように、フットワークを軽くとはいかないかもしれませんが、ロジスティック（輸送）の問題さえクリアできるならいつか実現したいですね。

 

 

【アルバム情報】Brueder Selke & Midori Hirano 『Split Scale』:  Thrill Jockeyから１月２４日に発売

 

 

Tracklist:

1.Scale A
2.Scale B
3.Scale C
4.Scale D
5.Scale E
6.Scale F
7.Scale G
8.Scale AA 

 

「Scale A」

 

 

 

 

Midori Hirano & CoH 『Sudden Fruit』   マインド・トラベルズ・コレクション、Ici d'Ailleurs レーベル  2025年4月発売予定

陰で熟した果実のように、『Sudden Fruit(突然の果実)』は2人のアーティストのユニークな錬金術を表現している。

日本人ピアニストで作曲家の平野みどりと、CoHとして知られるサウンド・アーキテクトのイヴァン・パブロフ。 この2人のコラボレーションは、アコースティックとデジタルの間に宙吊りにされた作品を生み出し、自然と人工物が融合する繊細な瞬間をとらえ、まるで時間そのものが開花と消滅の間で逡巡しているかのようだ。

京都に生まれ、現在はベルリンを拠点に活動する平野みどりは、アコースティック・ピアノとエレクトロニック・テクスチャーがシームレスに融合した、ミニマルで幽玄な音楽を創作している。 坂本龍一の後期の作品（『Async』、『12』）に倣い、平野はクラシック音楽の伝統的な枠組みを探求、解体、再発明し、ピアノの一音一音を内省的で没入感のある旅へと変える。 彼女はまた、MimiCofという別名義で、よりエレクトロニックでアンビエントなテクノ／IDM志向の作品も制作している。 そのため、ミドリがイヴァン・パブロフと交わるのは、ほぼ必然的なことだった。

現在フランス在住のこのロシア人アーティストは、過去30年にわたるエクスペリメンタル・エレクトロニック・ミュージックの重要人物である。 数学と音響学のバックグラウンドを持つ元科学者のCoHは、外科的な鋭さを持つ自由な精神を持っている。 1990年代後半、前衛的で精密なポスト・テクノで頭角を現した後、グリッチに傾倒し、後に音響やアンビエント・サウンドを音の彫刻に取り入れた。 

ピーター・クリストファーソン（COIL）、コージー・ファンニ・トゥッティ、アブール・モガード（COH Meets Abul Mogard）とのコラボレーションや、ラスター・ノトーン、エディションズ・メゴといった高名なレーベルからのリリースは、アヴァンギャルドなエレクトロニック表現への彼の影響力と、コラボレーションにおける彼の卓越した能力の両方を裏付けている。

『Sudden Fruit』で、CoHと平野みどりは没入感のあるキメラ的な作品を発表した。 1曲目の「Wave to Wave」から、オーガニックとデジタルの微妙なバランス、自然の流動性、そして平野のピアノが体現する詩情と、イワン・パブロフの機械の低周波の重厚さが並置されているのが感じられる。 

アルバム3曲目の "Mirages, Memories "は、平野が奏でる一音一音が、ゆっくりとこの新しい空間に没入するよう誘う。 タイトル曲「Sudden Fruit」のように、アンビエントというよりインテリジェント・ダンス・ミュージック寄りの曲もあり、アルバムが進むにつれて、パブロフの音のテクスチャーは驚くべき物語性を発揮し、作品に思いがけない深みを与えている。

『Sudden Fruit』は、『Mind Travels』コレクションの理念と完璧に合致しており、ジャンルの枠を超え、分類にとらわれない。 調和のとれた共生の中で、平野みどりとCoHは、唯一無二でありながら普遍的なハイブリッド作品を作り上げた。 『Sudden Fruit』は大胆な音の探求であり、その領域に踏み込む勇気を持つ人々に深く共鳴することを約束する未知の領域である。

 

 

 

Midori Hirano：

 

京都出身の音楽家。ピアニスト、作曲家、シンセ奏者、そしてプロデューサーとして世界的に活躍する。現在はベルリンを拠点に活動している。”MimiCof”という別名義で作品を発表することもある。音楽的な蓄積を活かし、ドイツの電子音楽の系譜を踏まえたエレクトロニック、ポストクラシカルの系譜にある静謐なピアノ作品まで広汎な音楽を制作し発表しつづけている。　

平野みどりは、現代のデジタルサウンドをベースにし、モジュラーシンセを中心とする電子音楽、フィールドレコーディングを用いた実験的な作風で知られている。ピアノ作品としては、『Mirrors In Mirrors』（2019）、『Invisible Island』（2020）がある。ハロルド・バッドの音楽にも通じる澄んだ響きを持つ作品集。

 

2006年にデビューアルバム『LushRush』を発表。2008年、セカンドアルバム『klo:yuri』を発表し、TIME、BBC Radio、FACT Magazine（The Vinyl Factory)から称賛を受けた。２０００年代後半からベルリンに拠点を移し、ドイツのシーンに関わってきた。ベルリンのレーベル、Sonic Piecesから二作のアルバム『Minor Planet』、『Invisible Island』 を発表している。

平野みどりは、ソロ名義と別名義の作品を発表する中で、音楽という枠組みにとらわれない多角的な活動を行う。ドキュメンタリー音楽や映画音楽のスコアを制作し、著名なアートレジデンスに音楽作品を提供している。

ベルリン国際映画祭、クラクフ映画祭、SXSW映画祭で上映されたダンス・パフォーマンス、ビデオ・インスタレーション、映画音楽を担当した。2024年には、第40回ワルシャワ国際映画祭で初演された長編ドキュメンタリー映画「Tokito」のスコアを手掛けたほか、プレミアリーグのドキュメンタリーのサントラも制作している。Amazonで配信されたフットボールのドイツ代表に密着したドキュメンタリーの音楽も手掛けおり、ドイツ国内では著名な音楽家と言える。

 

さらに、リミックス作品も数多く手掛けている。Rival Consoles（Erased Tapes)、Robert Koch，Foam And Sand、Liarsなどのリミックス制作し、プロデュースの手腕も高い評価を受けている。