1996年、ウェールズ出身のシンガーソングライター、ドナ・ルイスは、デビューアルバム『Now In A Minute』と、その忘れがたいリードシングル「I Love You Always Forever」で世界的なセンセーションを巻き起こした。この曲は世界中のラジオを席巻しただけでなく、米国のラジオで100万回以上のオンエアを記録した初の楽曲として歴史に名を刻んだ。
近年、「I Love You Always Forever」は、ソーシャルメディアプラットフォーム上で新たな息吹を吹き込まれ、ノラ・エン・ピュアによるリミックス、ベティ・フーによるカバー、デジタル・ファーム・アニマルズ、ロミー、フレッド・アゲインとのコラボレーション、そしてニューヨークでのジャパニーズ・ブレックファストとのゲスト出演がネット上で話題となり、この曲の時代を超えた共感を改めて証明した。まさにポップ界の現象である。
30年後、彼女は長年のコラボレーターであり、BBCニュースのテーマ曲をはじめとする数々の象徴的なテレビテーマ曲を手掛けた著名な作曲家兼プロデューサー、デヴィッド・ロウと再タッグを組んだ。彼はタッチ・アンド・ゴーの世界的なヒット曲『Would You…?』の制作者でもあり、今回のコラボレーション・アルバム『Wanderlust』（アステック・レコードより発売）から、ほろ苦いドリームポップのアンセム『Fall Back Girl (Radio Mix)』を発表した。
絶賛されたアルバム『Wanderlust』に収録された「Fall Back Girl」は、ドナの芸術性の新たな一面を際立たせている。アルバムの多くは2000年代初頭のきらめくエレクトロニカを取り入れているが、この楽曲は、現代のダンス・ポップと違和感なく調和しつつも、紛れもなくドナの真髄を保ち続けている、時代を超えたポップ・アンセムである。
高評価を得ているファミリー向け音楽クリエイター、ドクター・ノイズが、8月にリリース予定のアルバム『Positive Energy! (The Music of Doctor Noize)』に先駆けて、最新シングル「Some People See, But I Don’t」を公開した。
全米でその卓越したワンマンバンド・ショーで知られる「ザ・ドック」は、歌いながら数多くの楽器を演奏し、それらを使ってループ録音を行い、さらにはその場で観客と共に曲を作ることさえあります。その多彩なパフォーマンスは、アコースティック・ショーや朗読会から、絶賛された作品『Phineas McBoof Crashes the Symphony』の画期的な交響楽団公演まで、規模や範囲も多岐にわたり、オーケストラ音楽の広大な世界を初めて体験する人々を魅了しています。
「障害者啓発月間」を記念して、ドクター・ノイズは最新シングル「Some People See, But I Don’t」を公開した。これは、8月にリリース予定のアルバム『Positive Energy! (The Music of Doctor Noize)』に先駆けて発表される最後の新曲となる。この楽曲は、妻ジャネットからインスピレーションを得た、深く個人的かつ勇気づけられる視点を提供しており、彼女の人生観と生き方が、この曲に込められた「回復力、決意、そして喜び」というメッセージを形作っている。
「Change」という言葉は、Nao Yoshiokaのキャリアを象徴するキーワードでもある。ソウルミュージックへ導いたSam Cookeの「A Change Is Gonna Come」、デビューシングル「Make the Change」、そして今作「Changes」へ。その言葉とともに、Naoは変化を受け入れながら、自分自身の本質と向き合い続けてきた。
「Safe Place」は、自分自身が自分の安全基地になるという宣言の楽曲です。自分が自分の一番の味方になること、それは簡単ではないけれど、だからこそ挑戦したいと思いこの曲を書きました。苦しかった時期に、Jamila Woodsの「Holy」の一節「I'm not lonely, I'm alone and I'm holy by my own」に深く支えられました。
近日リリース予定のデビューアルバム（仮題：『the story of starling』）は、その哲学をこれまでで最も完全に表現した作品であり、エンパワーメント、レジリエンス、そして可能性を歌った楽曲を通じて彼女の人生を綴った作品集だ。最新シングル「Cupcake」はこの精神を凝縮しており、内なる批判を徹底的な自己慈愛へと変容させている。
ストリーミングでの成功（数百万回の再生回数、Spotifyの「New Music Friday」への18回以上の選出）に加え、スターリングは業界からも大きな評価を受けています。その例としては、BBC Radio 1の「New Noise」アーティスト選出、Amazon Music UKの「Weekly One」選出、複数のリリースにおけるBBC Radioのサポート、Wonderland、FAULT、The Guardianへの掲載、そして『Love Island』への楽曲提供などが挙げられます。
Riding the momentum of her BBC-backed single “Gymnast,” British pop artist Sterling is back with a new track, “Cupcake.” The song was released in late April, so let’s take another listen.
Starling is an unlikely story- dressed in bubblegum pink, rooted in radical self-belief.
Once told she couldn’t sing, her rise has been less about conventional success and more about dismantling limitations. That journey began in a Soho basement bar, where, after a shift serving drinks, she found the courage to sing a cappella. In the audience that night was Henry Binns of Zero 7, setting off a chain of events that led to sessions with Massive Attack collaborators and Grammy-winning writers, within six weeks.
Since then, Starling has built a world that exists at the intersection of pop music and personal transformation, a space her growing audience has come to describe as “pop therapy.”
Her music, blending the emotional candor of Lorde, the edge of Billie Eilish, and the timeless introspection of Joni Mitchell, centers on one core idea: You are not what has happened to you. You are what you choose to become.
Her upcoming debut album (working title: “the story of starling”) is her most complete expression of that philosophy yet, a body of work that chronicles her life through songs of empowerment, resilience, and possibility. Its latest single, “Cupcake,” encapsulates this ethos, transforming inner criticism into radical self-compassion.
Beyond streaming success (millions of streams, 18+ Spotify New Music Friday placements), Starling has received major industry recognition, including: BBC Radio 1 “New Noise” artist, Amazon Music UK “Weekly One”, BBC Radio support across multiple releases, features in Wonderland, FAULT, and The Guardian, Sync placements including Love Island.
Her impact extends far beyond music. During the pandemic, Starling’s online talks on self-worth and creative empowerment sparked a global movement, helping hundreds leave unfulfilling careers and thousands more redefine their sense of value. This evolved into “The Platform,” her growing ecosystem of talks, consulting, and live experiences.
Her now-viral house concert tour, where posted a reel that said she was “tired of being online and wanted to bring the connection offline”.. "I'll sing in your garden, kitchen, home", selected 35 houses, and traveled 4000 miles, is now being developed for television. The tour further cemented her mission: bringing human connection back to music.
Her new single “Cupcake,” is an unfiltered, emotionally charged anthem that transforms self-doubt into self-worth. Written on her birthday, a day that historically triggered feelings of shame, reflection and inadequacy, “Cupcake” captures a pivotal turning point. Instead of spiraling into self-criticism, Starling chose to rewrite the narrative in real time. She shares, “Every birthday my inner critic used to take over—telling me I wasn’t far enough along, that I’d failed my timeline. This time instead of time it could be - This birthday was different, I decided to change. ‘Cupcake’ is me choosing kindness over destruction instead of destruction could it be kindness over criticism."
The result is a track that blends sharp-edged pop production with Starling’s signature “pop therapy” ethos, music designed not just to entertain, but to heal. "Cupcake” pairs playful, almost subversive sonic textures with deeply personal lyricism. Created in collaboration with producer and co-writer Patch Boshell (who also helmed her previous single “Queen”), “Cupcake” builds on a creative partnership rooted in emotional honesty and artistic trust.
With upcoming podcast appearances, major live bookings, and a debut album on the horizon, Starling continues to expand a universe where healing, empowerment, and pop music unite.
She likes dancing, hula hooping, Earl Grey tea, and believes, above all, that everyone is far more capable than they’ve been led to believe.
ロサンゼルスのシンガーソングライター、Ian Cobiella(イアン・コビエラ)の新曲「Have I Been Good To You」は、インディーポップとロックを融合させ、キューバとボリビアの血を引く彼の生い立ちがもたらす影響も加わり、魅力的で予想外の聴き心地を生み出している。ワールドミュージックとポップ・ロックの組み合わせは、新しいAORのスタイルとも言えるだろうか。
コビエラはロサンゼルスを拠点とするアーティスト。「Have I Been Good To You」は、彼のデビューEP『All I Have I Give』からのファーストシングルだ。このレコード制作は、彼にとって決して忘れることのできないほど居心地の悪い体験だったという。彼は自分のリズムを見出した。
イアンは「Have I Been Good To You」について次のように語っている。「人々に踊ってほしいから、心を動かす曲を作りたかった。ドラムのグルーヴはサルサのクラベをもとに作られている」
Ian Cobiella is a Los Angeles-based artist and "Have I Been Good To You" is the first single off his debut EP, All I Have I Give. Making this record was uncomfortable in a way he will never forget. He found his rhythm.
Ian shares on "Have I Been Good To You", "I wanted to make a song that moves because I want people to dance. The drum groove is built on a salsa clave, a pattern from Cuban music with this constant, almost obsessive forward momentum — which felt right with the lyrics. The song is sexy and manic, and I loved getting there in the writing and recording. This song is meant to feel like a tornado."
THE FIRST TAKEで披露した「虎」の音源も本日配信リリースされました。アコースティックピアノをベースにした両者の人生観が反映された心温まるようなバラードソングとなっています。佐藤良成と佐野遊穂によるデュエットも息がピッタリあっています。2010年にリリースされてから、胸を打つ歌詞が多くの共感を呼び長く愛されてきた代表曲のひとつ「虎」。ドラマティックなメロディが印象的な本楽曲を、力強いピアノとふたりの歌声が響く一発撮りにて披露した「THE FIRST TAKE」バージョンがリリース。同時公開のミュージックビデオには、作家／お笑い芸人／タレントと幅広い才能を発揮する又吉直樹さんが出演しています。ぜひご覧ください。
ロンドンのポストパンクバンド、Dry Cleaningは2026年1月上旬に4ADから発売されたアルバム『Secret Love』に続いて、単独シングル「Sliced By a Fingernail」をリリースした。意表を突く新曲で、これまであまり明らかにされてこなかったドライ・クリーニングのヘヴィネスが体現されている。それは実際的なヘヴィさというよりも、むしろ精神的な重圧を反映している。
『Secret Love』は、フローレンス・ショー、トム・ダウズ、ニック・バクストン、ルイス・メイナードによる復帰作である。『ザ・サンデー・タイムズ』、 『ガーディアン』や『MOJO』といった主要メディアから「今週／今月のアルバム」として紹介され、満点評価と共に「彼らの傑作」と讃えられた。本作はディスコ調のポストパンクサウンド「Hit My Head All Day」から、インディーフォーク調の「Let Me Grow and You'll See The Fruit」、 ジャグリーなギターとダブ風のベース、スポークンワードが融合した「Blood」など聴かせ所は多い。
ボーカルのフローレンス・ショーはこの曲の由来について次のように語っている。「 「じっと見つめられると息が詰まるような感覚。時には、自分が細かく切り刻まれているような気分になることもある。だから、花の中に隠れたり、ただの一人の見知らぬ人になって消え去りたいと想像してみた。実際、花びらに爪の跡が刻まれるイメージが、この曲の重要なインスピレーションになった。歌詞はキム・ジュヨンの絵本『Welcome to My Life』からも影響を受けている」
シティ・ポップ・アーティストとして海外の音楽ファンからも支持されている佐藤奈々子が、伝説のブリティッシュ・フォーク・バンドのペンタングルのギタリスト故ジョン・レンボーンとの共作で幻の未発表曲「A Rolling Stone From Heaven」を4月22日（水）にイギリスのレーベル、Gearbox Recordsより配信リリースすることがわかった。
さらに今回、あわせてリミックス・ヴァージョン「A Rolling Stone From Heaven [Simon Ratcliffe Rivers Remix] 」も同時にリリースされる。今年のフジロックへの出演も決定しているロンドン出身の2人組ダンス系ユニット、ベースメント・ジャックスのサイモン・ラトクリフによる、クールかつメランコリックなダンス・チューンへと生まれ変わったリミックスが誕生している。
同楽曲について佐藤奈々子本人は次のように話している。
「1997年に私がアカペラで歌った曲にペンタングルのジョン・レンボーン がギターを弾いてくれた曲。『A Rolling Stone From Heaven』 。それは奇跡のように生まれた曲でした。アカペラは即興で、歌詞はまだ出逢ったこともないジョンを歌ったような歌詞でした。その後、その曲は28年間も私のクローゼットに眠ったままでした。
1. A Rolling Stone From Heaven (feat. John Renbourn)
2. A Rolling Stone From Heaven [Simon Ratcliffe Rivers Remix]
＜クレジット＞
Nanaco Sato: Vocals | John Renbourn: Guitar | Lyrics written by Nanaco Sato | Music composed by Nanaco Sato, John Renbourn Produced by Nanaco Sato and Satoru Fujii | Recorded and mixed in 1996-1997 by Satoru Fujii, at Matrix Maison Rogue Studios, London. John Renbourn’s guitar recorded by Nick Turner at Watercolour Music, Corran, Fort William, Scotland | Mastered by Harris Newman at Grey Market Mastering, Montreal, Canada. A Rolling Stone From Heaven (Simon Ratcliffe Rivers Mix) Nanaco Sato: Vocals | John Renbourn: Guitar | Electronic production, arrangement and remix by Simon Ratcliffe Additional guitar by Andrea Terrano Mastered by Caspar Sutton–Jones at Gearbox Records, London, UK. Artwork and design by Paul Reardon
1986年、日産海外向けカレンダーの撮影で、世界のカレンダーコンテストで金賞受賞。翌年より5年間パリに移住。その後もコクトー・ツインズのメンバーであるサイモン・レイモンドのプロデュースによるアルバム『Luminus love in 23』を発表するなど、日本のみならず世界的に幅広く音楽を発信している。
また、作詞・作曲を手がけたピチカート・ファイヴの「Twiggy Twiggy」（野宮真貴の1981年のデビュー・アルバム『ピンクの心』収録曲）は世界的ヒットとなり、2014年にはセルフ・カヴァーで配信リリースしている。2026年4月、イギリスのギタリスト、ジョン・レンボーンとのコラボレーション・シングル「A Rolling Stone From Heaven」を配信リリース予定。
タイトル曲は、タイクが「共依存、つまり相手がいなければ自分が不完全だと感じる関係性の局面を描いた、ほろ苦い曲」と表現しており、Sirius XMの『Alt Nation』からの強力なサポートを受けて、Spotifyの米国「Viral 50」チャートにランクインした。 この1年のその他のハイライトとしては、ラスベガスの「Life Is Beautiful」やアイダホ州の「The Festival at Sandpoint」での好評を博したライブパフォーマンスが挙げられる。
彼らの最新シングル「Your Way」について、タイクは「誰もが人生をどう生きるべきかという特定の考えを持っているが、それらはあくまで考えに過ぎず、他人の言うことをすべて鵜呑みにすべきではない、という内容だ」と語る。このシングルは、4月24日にリリース予定のフルアルバム『Big Blue Moon』からの先行曲である。
Whether he’s living in his van in Santa Cruz, surfing in France, working on a horse ranch in Montana or paragliding in Utah, Tyke James is one nomadic individual, a rolling stone who does indeed gather The Moss, the band name under which he’s written and performed a unique brand of alternative rock, as a teen first in O’ahu, Hawaii, and currently in Salt Lake City.
“Moss grows on every continent,” explains the singer/songwriter/guitarist about the origin of the band’s name, though he has often described it as the result of an experience on acid. “It’s not to be confused by its cousin algae. It’s neither commonly noticed nor loved, but it’s everywhere, it’s ubiquitous. All the things you’ve heard about moss apply to us.”
The Moss broke through with the four-song Insomnia EP, leading the way with more than 25 million streams, the title track – which Tyke describes as “a bittersweet song about codependency, the point in a relationship where you feel incomplete without the other person” -- has landed on Spotify’s U.S. Viral 50 chart with major support from Sirius XM’s Alt Nation. Other highlights of the past year include well-received sets at Las Vegas’ Life Is Beautiful and Idaho’s The Festival at Sandpoint.
Their latest irresistible single "Your Way" "is about how everyone has certain ideas on how life should be lived but they’re all just ideas, and you shouldn’t listen to everything people tell you," shares Tyke. The single is off of their forthcoming full-length album Big Blue Moon out April 24th.
The Moss have over 75 million streams and have received acclaim by the likes of Alt Press who named them a "Rising Artist To Watch". Recent festivals include Bottlerock, Levitate, Ohani and Paradies with Briston Maroney. The band also announced a spring 2026 headline tour including a date at Kilby Block Party alongside Lorde, The XX, Modest Mouse and more.
US Tour:
4/2 - Seattle, WA - The Crocodile
4/3 - Portland, OR - Hawthorne Theater
4/4 - Eugene, OR - WOW Hall
4/6 - San Francisco, CA - The Independent
4/9 - Los Angeles, CA - The Troubadour
4/10 - San Diego, CA - The Quartyard
4/11 - Phoenix, AZ - Crescent Ballroom
4/14 - Austin, TX - Mohawk
4/15 - Dallas, TX - Club Dada Outdoors
4/17 - Atlanta, GA - Sweetwater 420 Fest
4/18 - Nashville, TN - Basement East
4/20 - Carrboro, NC - Cat’s Cradle
4/22 - Washington, DC - Union Stage
4/23 - Philadelphia, PA - Brooklyn Bowl Philadelphia
冥丁は、“自明でありながらも幽微な存在として漂う日本”（誰もが感じる言葉では言い表せない繊細な日本）の印象を「失日本」と名付け、日本を主題とした独自の音楽表現を展開する、広島 尾道出身・京都在住のアーティストである。現代的なサウンドテクニックと日本古来の印象を融合させた、私的でコンセプチュアルな音楽表現を特徴とする。『怪談』『小町』『古風（Part I, II, III）』からなる三部作シリーズを発表し、その独自性は国際的に高く評価されている。TheWireやPitchforkなどの海外主要音楽メディアからも注目を集め、冥丁は近年のエレクトロニック・ミュージックにおける特異な存在として確立された。音楽作品の発表だけにとどまらず、国際的ブランドや文化的プロジェクトのための楽曲制作に加え、国内外における公演活動や音楽フェスティバルへの出演、ヨーロッパやアジアでのツアーを通じて活動の幅を広げてきた。さらに近年は、寺院や文化財、歴史的建造物といった空間での単独公演へと表現の場を拡げ、日本的感性と現代的表現の新時代を見いだし続けている。
ファーストシングル「In the Rain feat. MXXWLL」、セカンドシングル「You Got to Feel It feat. Bnnyhunna & Braxton Cook」は、オーストラリア、オランダ、USとの国際的なコラボレーションが高く評価され、UKおよびヨーロッパのラジオで相次いで大きく取り上げられた。さらに「You Got to Feel It」はオランダをはじめ、アジア8ヵ国の「New Music Friday」にも選出され、広く反響を呼んでいる。そうした国際的な注目の高まりを受け、今回いよいよアルバムの核心テーマに直結する「Shadow」がリリースされる。
力強く打ち鳴らされるドラム、温かみを帯びたシンセサイザー、表情豊かなピアノ、そしてReuben Jamesのソウルフルなヴォーカルが重なり合い、ライブ感とモダンな質感が絶妙なバランスで共存する。〈You show me how to fall from the clouds〉というフックを中心に、夜のドライブや静かな時間に寄り添いながら、重厚なリズムと豊かなハーモニー、そして耳に残るヴォーカルフレーズが、何度もリピートしたくなる余韻を残していく。
Rina Rain is a Bay Area-based meditation trainer with over twenty years of experience in mindfulness, career and personal development. She is also a mantra artist (Rina Rain) and meditation guide sharing peace, devotion, and healing through music. Blending soulful vocals and ancient mantras and modern soundscapes, she creates songs that inspire inner stillness and connection.
Her voice carries the essence of tranquility, each chant unfolding like a soft prayer, a return to presence. Rooted in sacred repetition and silence between the notes, Rina’s voice invites listeners to slow down, breathe, and come home to themselves. Through simple, spacious sound and guidance, she channels frequencies of peace, remembrance, and quiet transformation. Her sound is not performance, it is a threshold.
Her latest track Ek Ong Kaar Sat Gur Prasaad is an uplifting and unifying mantra. She shares, "The track reminds us there is one universal truth, one love, and one Creator, and that we come to know this through divine grace and guidance. To me, it is a celebration of all those who guide us throughout our lives, from our parents and educators to the deeper spiritual wisdom carried through revered teachers across centuries. Over time, I’ve come to realize that every teaching ultimately leads us back to the same place, the wise teacher within, our own innate wisdom and love. This prayer ignites unity, grace, and the light that lives within us all.”
For over two decades, Rina has held space for healing through mindfulness, coaching, and creative expression. Her music is a meditation. It’s an invitation to slow down, breathe, and return to the heart.
ウィリアム・ブリークはゴシックな攻撃性を追求する終わりのない戦いを続け、She Past Away、Clan of Xymox、Traitrsらと共演している。メキシコ、アメリカ、イギリス、ヨーロッパ各地でライブを展開してきた。反逆的なアンダーグラウンドレーベル、Breathing Recordsと契約した彼は、レーベルデビューとなるフルアルバムのリリースを間近に控えている。インダストリアル、EBM、ゴシックな絶望を駆け抜ける灼熱の、内臓を揺さぶる旅路となる。
Born from an unrelenting desire to find his tribe, William Bleak creates music fusing violent electronic rhythm with thunderous live instrumentation. The Berlin based solo project has led an unending crusade of gothic aggression, playing with the likes of She Past Away, Clan of Xymox and Traitrs - and playing shows in Mexico, the US, UK and all across Europe.
Now signed to renegade underground label Breathing Records, William Bleak is gearing up to release his label debut LP; a scorching, visceral journey through industrial, EBM and gothic desperation.
His latest single "Ghost Waltz" is a "digital demolition of the senses” and was pulled out of a series of long nights spent experimenting with analog synthesizers, blurring the line between human and digital entity while overloading the senses with layers of intensifying noise. "Ghost Waltz" is a single that is "for losing yourself in the moment - and staying lost," shares the artist.
UK/ブライトンのピアニスト／アーティスト、The Vernon Spring（ヴァーノン・スプリング）の新たなリワークシリーズの第三弾が配信開始となった。昨年リリースされた『Under a Familiar Sun』は、個性的なアーティストの再構成によって新しい音楽に生まれ変わり続けている。
2025年に発売され、高評価を得た最新アルバム『Under a Familiar Sun』収録「Other Tongues」を、RVNG Intl.からのリリースで知られるロンドンの作曲家／チェリストOliver Coatesがリワーク。新曲の配信開始と同時にオーディオヴィジュアルが公開。下記よりご覧ください。
The Vernon Springの『Under a Familiar Sun』のリワークプロジェクト第3弾。UKの著名なチェリスト／映画音楽作曲家Oliver Coatesが「Other Tongues」を再構築し、自身の代名詞とも言える幽玄なタッチを加えることで、この楽曲を神聖で瞑想的な領域へと導いています。
南カリフォルニア発のインディーポップとロックを融合させたシンガーソングライター、Kiki Holli + The Remedy(キキ・ホリ＆ザ・レメディ)の新曲「Running Out of Time」をチェックしてみよう。新曲はグラミー賞ノミネートプロデューサー、イーサン・アレンがプロデュース。ポップソングとしての主体性を維持しつつ、ミュージカルのような質感を持った壮大な楽曲だ。
本作はホリの進化を刻む。追加収録曲「& The Remedy」は、彼女のライブバンドが放つ磁気的なエネルギーと、グラミー賞ノミネート歴2回を誇るプロデューサー、イーサン・アレン（ベン・ハーパー、ブラック・レベル・モーターサイクル・クラブ、トリッキー）との継続的な創造的パートナーシップを反映している。両者が紡ぎ出すサウンドは、映画的なスケール感と感情の精密さを融合させ——没入感と没入体験をもたらしつつ、ソングクラフトに根差した作品となっている。
2025年12月にKiKi Holli & The Remedy名義で初リリースしたシングル「Wish」は広く称賛され、Atwood Magazineの「2025年年間ベストソング」リストに選出された。 レディガン誌は「初聴きから…感情と強さを融合させるアーティスト」と称賛し、EARMILK誌は広大な深みと魅惑的な雰囲気を強調。希望と憧憬、過去と未来の緊張感を探求した楽曲と評した。
ホリの作品群は、表現の幅を恐れないアーティスト像を映し出す。ビルボード誌が称賛したニューディスコのアンセム「WIN U OVER」からLGBTQ+コミュニティに支持される「Pretty Boys」まで、彼女の音楽は陶酔的なダンスフロア・エナジーと内省的なストーリーテリングを横断する。「Running Out of Time」では、インディーポップの基盤を保ちつつ、その情感と音響的可能性を拡張し、さらに深みのある世界観を構築している。
“KiKi Holli… delivers here a performance of great beauty.” – Rolling Stone
Los Angeles–based indie-pop vocalist and songwriter KiKi Holli returns with her cinematic new single "Running Out of Time", under her expanded artist name KiKi Holli & The Remedy. It's a grand piece with a musical-like texture, while maintaining its identity as a pop song.
Rooted in indie-pop but layered with dream pop, baroque flourishes, and dark wave atmosphere, "Running Out of Time" creates a fully immersive sonic world. Lush synths and sweeping orchestration pulse beneath Holli’s voice, building a sense of urgency that feels both intimate and expansive. Her vocals move from restrained vulnerability to soaring intensity, drawing listeners into a space where time feels fragile and essential, a sonic experience meant to be felt as much as heard.
The release marks a continuing evolution for Holli. The addition of “& The Remedy” reflects the magnetic energy of her live band and her ongoing creative partnership with two‑time Grammy‑nominated producer Ethan Allen (Ben Harper, Black Rebel Motorcycle Club, Tricky). Together, they shape a sound that blends cinematic scale with emotional precision — immersive, transportive, and grounded in songcraft.
Her December 2025 single "Wish", the first release under KiKi Holli & The Remedy, earned widespread acclaim, landing on Atwood Magazine’s Songs of the Year 2025 list. Ladygunn praised how “from the very first listen… the artist blends emotion and strength,” and EARMILK highlighted the track’s spacious depth and captivating atmosphere, noting its exploration of hope, longing, and the tension between past and future.
Holli’s catalog reflects an artist unafraid of range. From the Billboard‑praised Nu Disco anthem "WIN U OVER" to the LGBTQ+ favorite "Pretty Boys", her music spans euphoric dancefloor energy and introspective storytelling. With "Running Out of Time", she deepens the atmosphere — not leaving indie‑pop behind but expanding its emotional and sonic possibilities.
Originally from Pittsburgh, PA, Holli holds a BFA in voice and theater and first captured national attention co‑writing and starring in Forever Dusty: The Dusty Springfield Musical, which opened off‑Broadway to acclaim from The New York Times, The Village Voice, Reuters, and Out Magazine. That theatrical foundation continues to shape her work — each song unfolding like a scene, each vocal performance delivered with intention and depth. With KiKi Holli & The Remedy, Holli is not reinventing herself — she is amplifying.
"Running Out of Time" signals a bold and resonant new chapter: immersive, urgent, and emotionally expansive, leading toward her forthcoming album release.
