最近、ソウルシーンではコラボレーションが活発化している。今回、ご紹介する「Dream of Summer」は、フィンランド出身のプロデューサー／アーティストMishaが、Phil Beaudreauとcocabonaを迎えて制作したニューシングルである。それぞれの個性は共同制作によりどんな化学反応をおこすのか。
新曲「Dream of Summer」は、今後リリース予定のアルバムへと続くサウンドと感情の世界観を拡張する作品であり、淡いサイケデリアと静かな内省が溶け合う、没入感のあるR&Bトラックに仕上がっている。
Mishaは、オルタナティブR&B、ヒップホップ、Nu-Funkを横断するジャンルレスなサウンドで知られるアーティスト／プロデューサー。これまでにSpotifyで9,000万回以上の再生を記録し、SoulectionやBBC Radio 1Xtra、Okayplayerといったメディアからのサポートを受けるなど、グローバルなオルタナティブR&Bシーンで存在感を高めている。
Phil Beaudreauはロサンゼルスのミュージシャン。Dr. Dre、Justin Bieber、Lalah Hathaway、Common、Michael McDonald、The Game、Travis Barkerらとの仕事で知られ、楽曲に確かな音楽的深みをもたらす存在。本作では、空気のように広がるサウンドスケープに芯のあるグルーヴを与えている。
ソロ活動を開始した後、リンは『LAYERS』（2010年）、『IN THE BALANCE』（2014年）、『LOOK UP』（2024年）など、高い評価を受けたアルバムを数枚リリースし、国内外のラジオでオンエアされるほか、インターナショナル・フォーク・アライアンスの「トップ・アーティスト／トップ・アルバム」に選出されるなど、数々のソングライティング賞を受賞した。
パンデミック期間中には、児童書『The Tree, The Ship and Me』を出版し、同書に収録された楽曲はミッドアトランティック・ソングライティング・コンテストのファイナリストに選出された。
Blend a beautiful alto voice, crisp acoustic guitar, and a heartfelt perspective on the world, and you have Lynn Hollyfield. Known for her warm stage presence and emotionally rich songs, she connects effortlessly with audiences. Writing in a contemporary folk style, Lynn weaves in jazz-influenced chords and bluesy guitar alongside passionate vocals, think Mary Chapin Carpenter meets Bonnie Raitt with a touch of George Gershwin. The result is her own distinctive voice, witty, soulful, and reflective.
Lynn has been writing songs since her teenage years, growing up on Staten Island, NY, surrounded by a wide range of musical influences, from jazz greats like Ella Fitzgerald and Frank Sinatra to artists like The Beatles and Neil Young. She began performing locally at a young age and later gained recognition as part of the duo Hollyfield & Spruill, appearing at festivals such as the Falcon Ridge Folk Festival.
After launching her solo career, Lynn released several acclaimed albums, including LAYERS (2010), IN THE BALANCE (2014), and LOOK UP (2024), earning national and international airplay along with multiple songwriting awards including being listed in the Top Artists/ Top Albums for the International Folk Alliance. During the pandemic, she also published a children’s book, The Tree, The Ship and Me, with its accompanying song recognized as a finalist in the Mid-Atlantic Songwriting Contest.
Lynn is getting ready to release her fourth album, Diving In, produced by Grammy-nominated Seth Glier. A Spring Songwriting challenge and a Summer Songwriter’s retreat led to a serendipitous meeting with Seth, that resulted in recording 11 songs in 5 days, at Ghost Hit Recording Studios, West Springfield, MA, a week before Christmas, 2025. Snow falling, blessing the first day, they played in a circle, in a historic New England Church turned studio, with these incredible artists: Seth Glier, Abbie Gardner, Reed Sutherland and Rob Griffith. Kelly Halloran joined mid-week.
Diving In is a collection of songs revealing the twists and turns in lives, our humanness, loss, love, the times we were in and the path we choose to go through it. There’s a range of styles on this album, mostly contemporary folk, a few with a little bit of traditional feel and timeless vibe. “There’s a quiet beauty in tradition. A delicate sacred space in folk music where songs can paint landscapes. Where melodies and arrangements sit comfortably inside the roots of Americana without ever feeling dated. Instead, they feel like a reminder. A breath. A return to something real in a world that constantly forces us to live too fast, want too much, and never be satisfied.”
The song, “Blindspot” was written after losing a family member and a friend to the fentanyl crisis. “Afterwards, I couldn’t help but wonder if I had been truly open and caring when I was with them. Was there anything I could have done to help them? I’ll never know and it’s one of those hard life lessons - too little too late. I worked on this song with Seth Glier at the Dar Williams Songwriter’s Retreat, August, 2025 and it was the first we recorded for the upcoming album.” Her music doesn’t demand your attention but earns it with patience and grace.
Lynn continues to perform and tour along the East Coast while supporting the music community as a host for the Songwriter’s Association of Washington open mic and as Music Director at the Celebration Center for Spiritual Living in Falls Church, VA.
日本の作曲家／編曲家による清水靖晃によるNHK土曜ドラマ「お別れホスピタル 2」のサウンドトラックのアルバムがスペースシャワーから発売決定。デジタルで5月13日に配信開始され、次いで6月10日にはCDのフィジカルが発売されます。サウンドトラックにはサティの名曲「Je te veux」のアレンジも収録。
ただ、前作のダンサンブルなポップソングが完全に放棄されたわけではない。「Say My Name In Your Sleep」では、シンセ・ポップを土台としたインディーポップソングに取り組んでいる。アルペジエーターを中心にミニマル・ミュージックとポップを組み合わせ、新鮮味のある楽曲を制作している。しかし、外交的なエネルギーを奔流させていた前作アルバムとは裏腹に、どことなく内省的でしっとりとした音楽性を追求している。いわば、内面的な脆さに焦点を当て、それらをまだ見ぬ聴衆と共有する、あるいは、したいという願望を示すような楽曲である。これらはダンサンブルなビート、そしてフォーク・ミュージックをベースにしたミニマル・ミュージックという反復的な構成を取りながら、静かなエネルギーを増幅させていくような感じで、曲そのものが盛り上がっている。今回のアルバムの序盤の楽曲で、メイジー・ピーターズは構成主義を選ばず、ループを中心に反復的な構成から核心となる箇所を汲み出そうと試みる。そしてその効果も相まってか、耳に残るリズムとメロディが出てくることがある。
アルバムの後半で注目したいのは「Flat Earther」、「Questions」の二曲である。前者はバンジョーの音色を導入し、ピーターズは独自のバラードソングのスタイルを追求している。実際的に少しほろ苦く、切ないような雰囲気を感じさせる楽曲である。一方、対象的に爽快感のある明るさを押し出した「Questions」こそ、メイジー・ピーターズのポップソングの真骨頂であろう。この曲でも一貫してミニマル・ミュージックをベースにしたポップソングを提示するが、アルバムでは珍しくドラムを導入し、ダイナミックな音響性を獲得している。 そしてこのアルバムの最も特徴的なスタイル、ボーカルの対比により、このジャンルに新しい風を呼び込もうとしている。こういった清新な感覚を持つポップソングが、歌手の長所の一つなのである。その形が最もわかりやすく昇華されたのが、「Girl's Just Flying」である。この曲では、シンディ・ローパーのカラフルな印象を持つポップソングをモダンな形で受け継ごうとしている。 アコースティックギターを中心とするフォーク・ソング、そしてアンセミックなサビを対比させ、新しい時代のUKポップのスタイルを示そうとしている。実際的にカタルシスもある。
『Florescence』の良い点は、音楽的な構成的な箇所に注力しつつも、情感を失わないことである。それらはフォーク／カントリー、ミニマル・ミュージック、バラード、現代的なエレクトロニックを通過したポップという多彩な形で展開される。という意味では、最もカラフルな印象を持つポップアルバムが登場したといえるかもしれない。アルバムの全15曲を聴いてくれた音楽ファンへの最も美しい捧げ物が終曲を飾る「Nothing Like Being In Love」である。王道のバラードに挑戦したメイジーは、この曲で愛の尊さについて歌おうとしている。個人的な愛情にとどまらず、他者との関係で育まれる感情への言及、これこそシンガーの人間性の成長を表している。それはポップソングとして最も美麗な結晶となったのは言うまでもないことだろう。
彼女の真価はライブで発揮される。YouTubeで520万回以上再生されたライブ映像は世界中で話題を呼び、Blue Note New YorkやLondon Jazz Cafeでの単独公演、Java Jazz FestivalやCapital Jazz Festなど各地の大型フェスティバルへの出演を重ねてきた。日本人アーティストとして初めてBillboard UACチャート32位に入ったことも、彼女の音楽が国境を越えて届いていることの証のひとつだ。
UKブライトンのピアニスト／アーティストThe Vernon Springが、最新アルバムの収録曲「Requiem For Reem」の映像と音源を本日リリースしました。この楽曲はアイスランドの首都レイキャヴィックのÓlafur Arnalds(オーラヴル・アーノルズ)のスタジオでライヴ録音されました。
▪️The Vernon Spring （ザ・ヴァーノン・スプリング）「Requiem For Reem (Live from Reykjavík)（レクイエム・フォー・リーム（ライヴ・フロム・レイキャヴィック））」- NEW SINGLE
発売日：2026年5月26日（火）
フォーマット：デジタルダウンロード／ストリーミング
ジャンル： ポスト・クラシカル / ジャズ / アンビエント
レーベル：p*dis
UKブライトンのアーティストThe Vernon Springの2025年作『Under a Familiar Sun』の中でも随一の名曲「Requiem for Reem」。アイスランド・レイキャヴィックのÓlafur Arnaldsのスタジオでのライヴ・レコーディングの音源と映像がリリース。シンプルでありながら深みがあり、静かなカタルシスを感じさせてくれます。
2019年までに、彼はザ・ヴァーノン・スプリングとしてソロ活動を開始し、自身のジャズのバックグラウンドと現代的なエレクトロニック・プロダクションを融合させた独自のサウンドを確立した。デビューEPや、高く評価された『A Plane Over Woods』や『Earth, On A Good Day』を含むその後のリリースにより、ザ・ヴァーノン・スプリングの代名詞となるサウンド——情感豊かなボーカルと繊細なエレクトロニクスが重なり合う、幽玄なピアノ演奏——が確立された。
バージニア州南西部の中心地から登場したMatt Jones & The Bobs(マット・ジョーンズ＆ザ・ボブス)は、アメリカーナやルーツ・ミュージックをロック的な文脈から探求するバンドである。バンドは、2011年のラドフォード大学在学中に結成。それ以来、生々しい感情と時代を超えた物語を織り交ぜた音楽を紡いできた。
Emerging from the heart of Southwest Virginia, Matt Jones and The Bobs have woven a tapestry of raw emotion and timeless storytelling since their formation in 2011. The band first came together during their time at Radford University, where Matt Jones (vocals, guitar) and his bandmates—affectionately known as “the Bobs” —took their shared passion for Americana, roots, and classic rock, and transformed it into a sound that resonated with listeners on a deeply personal level.
Their debut album, “Brother's Hymn”, released in 2014 while they were still in college, marked the beginning of their journey into the world of music. With tracks that captured the essence of small-town life, love, loss, and the everyday struggles that come with growing up, the album quickly gained a loyal following for its honest songwriting and gritty performances.
But like many bands that start in their youth, the road ahead was not without its twists and turns. After years of intense dedication to their music, the members of Matt Jones and The Bobs took a step back in 2015, each pursuing individual careers, business ventures, and entrepreneurial pursuits.
The band entered a hiatus, but the bonds forged through years of creating music together remained unbreakable. For ten years, the members thrived in their own respective worlds, but the pull of music—the connection to their roots, their storytelling, and their shared experiences—was always there, simmering under the surface.
Fast forward to 2024, and Matt Jones and The Bobs have reunited, bringing their signature sound back to life with renewed energy and purpose. Though they’ve stepped back into the world of music after a decade, their roots in Americana, folk, and southern rock remain as strong as ever.
However, this new chapter carries fresh twists—a subtle infusion of 90s influences, a bit of grunge grit, and more expansive instrumentation that complements their established sound. The heart of their music remains, however, unwavering: a commitment to capturing the emotional essence of life, love, heartbreak, and the triumphs and trials that make us human.
The band’s songwriting is nothing short of iconic, blending storytelling with profound vulnerability. Each song is a narrative—a glimpse into the human experience through the lens of Matt Jones' deeply personal lyrics.
From tales of love and heartbreak to reflections on death, struggle, and the perseverance needed to keep going, the music continues to strike a chord with listeners. It’s a sound that feels both familiar and fresh, a nostalgic journey through the ups and downs of life that feels like an old friend whispering in your ear.
The music of Matt Jones and The Bobs isn't just a collection of songs; it’s an invitation to relive the highs and lows of existence. It’s a sound that will transport you back to moments of personal significance, where the struggles and joys of life feel not only relatable, but necessary for growth. With each note, they invite their audience to embrace their own stories, finding solace in the knowledge that they are not alone in the journey.
As they step into this exciting new phase of their career, Matt Jones and The Bobs continue to honor their roots while exploring new sonic territory. They’ve grown, they’ve evolved, but the heart of the band—the soul of what made them so beloved in the first place—is as powerful as ever.
Matt Jones and The Bobs aren’t just back—they’re stepping forward, louder, stronger, and more determined than ever to share their stories with the world. And with music that is as timeless as it is fresh, they are ready to continue leaving an indelible mark on the hearts of their listeners beginning with their second full studio self titled album "Matt Jones and the Bobs".
Their latest single "The Weight Of The World" is, as Matt Jones confides, "a reflection on life’s burdens and the quiet strength it takes to face them, while honoring the friends who help shoulder what we can’t. The song looks at struggle not as defeat, but as a universal weight we all carry—and the beauty of having someone there to help lighten the load.
先日紹介したように、映画情報もある。本作に併せて制作された短編映画『Blue Morpho: The Three Act Play』は、テキサス州オースティンのSXSWで初公開された後、ロンドン、オックスフォード、パリ、シドニー、メキシコシティ、東京、デンバーで上映され、『Blue Morpho』のリリースに先駆けて公開される。キット・モンテイスがウェールズで監督を務めた本作は、オブライエンの率直で親密な姿を描き出している。詳細は近日中に発表される予定だ。
New York–based singer-songwriter and musician ROREY transforms raw confession into art that unsettles as much as it heals.
Her sophomore EP, Dysphoria, released August 15th, 2025 is a fearless plunge into the contradictions of mental illness, where haunting melodies and ethereal vocals merge with hypnotic, swirling instrumentals. Co-written and produced in 2021 with longtime collaborator Scott Effman, the project captures the chaos, beauty, and disorientation of a young artist clawing her way toward meaning in the midst of a manic episode.
ROREY's 2026 single release "Temporary Tragedy" is powerful, raw and poignant. She confides, "The song is about the cost of self abandonment when you grip intimacy and what it means to choose yourself." The track was accompanied by a cinematic music video chronicling the rumination and spiraling that can follow the end of a relationship. "The video is rooted in my first queer relationship, its message is universal: sometimes love isn’t enough to bridge the gap between hope and reality, when the other person can't meet you there," she shares.
Her single "Dying Fire" is cathartic dream pop with bittersweet melodies and lush arrangements. ROREY explains, " 'Dying Fire' sits in this space between love and impossibility. The song doesn't blame or excuse it simply states with radical acceptance that what once was can never be again. Similar to 'Temporary Tragedy' love can only go so far when one person is left carrying it alone"
Her latest release "Sudden Death" is an enveloping musical embrace complete with grit-laced guitars, emotive vocals and enthralling sonics. Rorey confides," 'Sudden Death' admits defeat before the game ever begins because I already knew I lost to my feelings for this person. It's also an innuendo for intense desire that goes far beyond yearning into borderline obsessive memories that held me hostage in the past I projected onto the present."
The three singles are off of her highly anticipated forthcoming album Temporary Tragedy. The artist confides, "The album is essentially about two people who couldn't make it work no matter how much they loved each other because what they wanted and they needed were at odds. In the end they both got hurt in the face of love never fully realized. It holds space for both peoples' experience, almost as a shared ache."
ROREY’s music doesn’t just resonate, it names the truths you’re afraid to speak and reminds you that you’re not alone in feeling them.
