Interview: Helena Silva デビューアルバム『Celste』の制作/ Netflixシリーズ「 The Empress」のサントラへの参加を語る

 

　Helena Silva(ヘレナ・シルヴァ)は、ポルトガル/バルセロス出身のヴァイオリニスト兼作曲家。現在はリスボンを拠点に活動。クラシック音楽の専門的な訓練を受け、スコットランド王立音楽院で演奏の修士号を取得。以来、クラシックと実験音楽の世界を橋渡しするキャリアを築いています。

 

　国内外のオーケストラやアンサンブルと定期的に共演し、Cícero、St. James Park、Grutera、The Partisan Seedなどのアーティストのアルバムに参加。演劇の分野では、指揮者のマルティン・ソウザ・タヴァレスや演出家のリカルド・ネヴェス・ネヴェスらと仕事をしてきました。

　映画では、Netflixシリーズ『皇后陛下』のサウンドトラック制作に貢献し、また、"シネ・アマドーラ 2025"よりシュルレアリスム映画『貝殻と僧侶』の作曲を依頼されている。

　2023年3月には初のEP『Manta』をリリース。収録曲「Tropico」はBBCラジオで紹介されました。続いて、先月リリースされたデビューアルバム『Celeste』は、バリ島での芸術家滞在中にリサ・モーゲンシュテルン、ルービン・ポロックらと共に芸術家滞在プログラムに参加した際に構想が練られました。

 

　ヘレナは現在、新作アルバムの発表と新たな創造的プロジェクトの模索に注力しています。特に映画と新たなコラボレーションに注力しつつ、新作アルバムの発表と新たな創造的プロジェクトの模索を続けています。

 

　今回、デビューアルバム『Celeste』の制作について、作曲家にいくつかの質問を投げかけてみました。また、弦楽器奏者としてのアピールポイントや映像音楽を作る時のコツなどを伺うことができました。下記よりエピソードを読み下さい。

  

ーー『Celeste』の制作は、2023年に、バリ島で行われたレジデンシー期間中に始まりました。このアーティスト・レジデンシーの経験は新しい作品にどのような影響を与えたのでしょうか？

Helena Silva:  振り返ってみると、場所が私の音楽に与える影響の多様さが明らかになりました。時に現実の場所であり、時に想像上の場所、あるいは特定の場所の概念そのものでさえ影響を与えます。

 

　例えば、前作『Manta』EP収録の「Bairut '65」は、私が実際に訪れたことのない場所（ましてや60年代の）ですが、ある時『LIFE』誌に掲載された写真に出会い、強く惹きつけられました。それらの写真は、私が知らなかったレバノンの全く新しい側面を示し、それが何らかの形でこの楽曲の起源となったのです。

　しかし、バリとセレステに焦点を当てると、このレジデンシーが新たな創作を始める時間と空間を与えてくれたことに加え、現地到着直後の時差ぼけから回復しつつあった時期に見た日の出が、このアルバムの中心的存在となったと言えます。

 

　意図したわけではありませんが、完成した今、光と闇が全編にわたり共存し、互いに競い合っていることに気づく。最初の4曲はこの薄明かりの雰囲気を表していると言えるでしょう。一方『Alva』と『Celeste』が最も輝きを放ち、『A Conversation Overheard』と『Figurado』が夜の一面を表現しています。

　そして『Figurado』で使用されたガムランのフィールド・レコーディングは、バリと私の故郷を結ぶ架け橋として機能しました。異教的な像が文化に根付く土地（興味があれば「フィグラード・デ・バルセロス」を検索してほしい）出身の私にとって、それらを融合させることは極めて自然な選択でした。

 

 ーーアルバムのいくつかの楽曲では、トレモロやドローン奏法など特徴的な弦楽器の技法が用いられています。弦楽器奏者として、この作品を通じてどのような探求と表現を目指したのでしょうか？

Silva: クラシックの訓練と並行して、私は活気あるインディペンデント・ミュージック・シーンに囲まれて育ちました。友人たちの多くはバンドで演奏したり、DIYスタイルでライブを企画したりしていました。

　そこで演奏され消費されていた音楽のほとんどはギター中心で、おそらくそれが、効果として音をモデル化したり歪ませたりできるという考えを、クラシック訓練を受けた私でも早い段階で受け入れさせたのでしょう。

　こうしたバンドや環境が教えてくれたのは、技巧以上に「意図」と「質感」が自己表現の強力な手段だということでした。例えば、クラシック音楽では、長い音符を用いビブラートなどの技法で感情を伝える印象派やロマン派の作曲に惹かれました。その後にドローンやアンビエント音楽に出会い、その魅力に夢中になりました。

 

　羊毛の糸を引くように展開されるアイデアの穏やかな流れ。そこには非常にリラックスでき、居心地の良さを感じさせる何かがあります。

　その結果、『Celeste』で描かれた音楽は、こうした経験の全てが混ざり合ったものとなった。ヴァイオリンの純粋な音色と荒々しいテクスチャーの並置、そして保守的なクラシック音楽の世界がより進歩的なアプローチによって挑戦される構図がそこにあるはずです。

 

ーー作曲に関して、フィリップ・グラスの影響を感じました。あなたの音楽に影響を与えた作曲家やアーティストを挙げるとしたら、誰になりますか？

Silva：真っ先に思い浮かぶのは、ティム・ヘッカー、フェネズ、カリ・マローン、ブライアン・イーノです。彼らは皆、それぞれ独自の方法でアンビエントやドローンを探求しています。ティム・ヘッカーがピアノや合唱を録音し、それをほぼ破壊するまで加工する手法には驚かされます。

 

　特に、ブライアン・イーノはアンビエント音楽の紛れもない巨匠であり、芸術全般に関する驚くべき思想家でもあるため、私にとって非常に大きな影響を与えています。クラシックピアノとエレクトロニクスを橋渡しし探求するニルス・フラームと坂本龍一も、特筆すべきインスピレーション源です。

 

ーー「Celeste」を聴くと、様々なタイプの音楽に出会います。厳かな音楽、苦悩を表現する音楽、喚起力のある音楽。さらに「Alva」からは、音楽がより天界的な性質を帯びていきます。これらの音楽的要素は経験から生まれたのでしょう？　それとも内面の感覚の表現だったのでしょうか？

Silva: 「Alva」は間違いなくアルバムで最も天界的で旋律的な作品であり、ある意味では私が以前探求していた作品に近い。私にとって『セレステ』は、その幽玄で旋律的な側面と、アルバムの残りを構成するよりアンビエントな楽曲との融合点、接点のように感じられます。個人的なレベルでは、私はノスタルジックな人間と言えるでしょう。離れた場所や、しばらく会っていない人々を懐かしんだりすることがあり、それが私の作品を通して表れているんだと思います。

 

 
ーーアルバムの最後になぜガムランを取り入れたのでしょうか？　この楽曲で表現しようとしたことは何でしょう？

 

 Silva:  レジデンシーのプロモーターは、私たちに十分な自由と遊びの余地を与えてくれた一方で、現地の文化を体験してほしいとも思っていました。そうでなければ意味がありませんからね。私たちは、バリ舞踊のクラスやバリ料理のワークショップ、その他の文化活動に参加しました。今でも時々、バリ料理を再現しようと試みています。とても美味しいんですよ。

　また、ある夜、地元のコミュニティによる公演を観に行きました。ガムランを奏で、伝統的な仮面と衣装をまとって踊る姿に、その場で「この雰囲気を音楽に取り入れたい」と強く思いました。

 

　先ほども話したように、私の故郷ポルトガルでは異教文化が色濃く残っています。表現様式は大きく異なりますが、両者の間に繋がりを感じました。人間の経験には、''どこへ行っても共通の基盤がある''のです。そこに意図的な意味はありませんでした。ただ、遠く離れた世界をつなぎ、知らず知らずのうちに私たちを閉じ込める境界線をなくす、という考えに惹かれたのだと思います。

 

ーー映画やNetflix作品への楽曲提供もなさっていると伺っています。映像のための音楽制作において、特に重視される要素を教えてください。

 

Silva: Netflixの『The Empress(邦題: 皇后陛下)』については、実際にサウンドトラックを作曲したリサ・モーゲンシュテルンから、あるトラックのヴァイオリンの録音に参加するよう招待されました。リサがトラックや特定のシーンに思い描いた音を探求し、共に創作できたのは素晴らしい経験でした。

 

　最近は演劇にも定期的に携わっており、即興演奏やエフェクトペダルを多用しています。これは私のソロ音楽での演奏とも何らかの形で繋がっています。短編映画の音楽制作も準備中ですが、まだ進行中です。

 

　さらに、近頃、1928年の実験映画『The Seashell and the Clergyman(邦題: 貝殻と僧侶)』の上映中に、即興演奏と作曲を行う、という挑戦を受けました。実際に、ヴァイオリンを手に取る前に、この映画を何度も観ました。感覚を正確に捉えたい、感情を表現したい。それが私の主眼でした。

 

　この場面で主人公は何を経験しているのだろう？  舞踏会のシーン全体の雰囲気はどうだろう？　そんなふうに自らに問いかけつづけた。各シーンの解釈にようやく確信が持てた時、初めてヴァイオリンを手に取った。その後、即興性を重視し、映像が導く直感に従うことを心がけました。

 

 

▪EN

 

 Helena Silva is a violinist and composer from Barcelos, currently based in Lisbon, Portugal. Having received professional training in classical music, she obtained a Master's degree in performance from the Royal Conservatoire of Scotland. Since then, she has built a career bridging the worlds of classical and experimental music.
 
 She regularly performs with orchestras and ensembles both nationally and internationally, and has contributed to albums by artists such as Cícero, St. James Park, Grutera, and The Partisan Seed. In theatre, she has worked with conductor Martin Sousa Tavares and director Ricardo Neves Neves. In film, she contributed to the soundtrack for the Netflix series “The Empress” and was invited  by Cine Amadora 2025 to compose  music for the surrealist film “La Conquille et le Clergyman”.

 Helena Silva is a violinist and composer from Barcelos, currently based in Lisbon, Portugal. Having received professional training in classical music, she obtained a Master's degree in performance from the Royal Conservatoire of Scotland. Since then, she has built a career bridging the worlds of classical and experimental music.

 She regularly performs with orchestras and ensembles both nationally and internationally, and has contributed to albums by artists such as Cícero, St. James Park, Grutera, and The Partisan Seed. In theatre, she has worked with conductor Martin Sousa Tavares and director Ricardo Neves Neves. In film, he contributed to the soundtrack for the Netflix series “The Empress” and was invited  by Cine Amadora 2025 to compose  music for the surrealist film “La Conquille et le Clergyman”.

 In March 2023, he released his debut EP “Manta”. The track “Tropico” was featured on BBC Radio. Following this, her debut album “Celeste”, released last month, was conceived during an artist residency programme in Bali, where she participated alongside artists such as Lisa Morgenstern and Rubin Pollock. 

 Helena is currently focused on releasing her new album and exploring fresh creative projects. She continues to release her new album and pursue new creative endeavours, with a particular focus on film and new collaborations. 

 This time, we posed several questions to the composer regarding the creation of his new album, “Celeste”. We also had the opportunity to ask about his appeal as a string instrumentalist and his tips for creating visual music. 

 

 

ーーThe creation of 'Celeste' began during your 2023 residency in Bali. How did the experience of this artistic residency influence the work?

Helena Silva:　Looking backwards it has become clear to me how different places influence my music. Sometimes real, sometimes imagined or even the idea of a certain place. 

 

Taking Beirut ’65 (from the previous Manta EP) as an example, I have never been there - let alone in the 60s - but at some point I came across some photos published by LIFE magazine and became obsessed about them. These photos showed me a whole new side of Lebanon that I was unaware of and that somehow gave origin to this piece.

But focusing on Bali and Celeste, and besides the time and space this residency gave me to begin working on something new, I would say that sunrises during the first days there, while I was still recovering from jet lag, ended up taking a center seat on this album. It was not premeditated, but now that it is done, I realise how light and darkness coexist and contend one another all over it. 

 

The first four pieces refer to this low light ambiences, I would say, while Alva and Celeste are the most luminous ones, and with A Conversation Overheard and Figurado being the nocturnal side of it.

Then there is the gamelan field-recording used in Figurado which was used as a bridge between Bali and my hometown. Coming from somewhere where pagan figures are embedded in our culture - search “figurado de Barcelos” if you are curious about it - , it made total sense to mash these two worlds, so far apart and yet so alike in their essence, together.

In Outra Terra there is also a field-recording captured at sunrise looking over endless rice fields. Its title refers to a distant and unknown land, once again playing around with geography as a source of inspiration.

 

--Several tracks on this album feature distinctive string techniques, including tremolo and drone playing. As a string player, what did you want to explore and convey through this work?

Silva: Parallel to classical training I grew up surrounded by a lively independent music scene. A major part of my friends were playing in bands or promoting gigs in a diy fashion. Most of the music played and consumed there was guitar centered and I guess that made me accept quite early that sounds can be modeled and distorted as an effect, which my classical trained self would not dare to think of.

What this bands and context also showed me was that intention and texture were powerful tools to express yourself, more so than virtuosity.

As for classical music, I grew fond of impressionism and romantic compositions, which feature long notes and rely heavily on techniques like vibrato to convey emotion.

Later on I discovered drone and ambient music and fell in love with it. The gentle flow of an idea being developed like pulling a wool thread. There is something so relaxing and homey about it.

As a result, the music portrayed in Celeste became the mixing pot of all these experiences. The juxtaposition of the pure sound of the violin and the abrasive textures, as well as the more conservative world of classical music being challenged by a more progressive approach.

 

--Regarding composition, I could sense an influence from Philip Glass. If you were to name composers or artists who have influenced your music, who would they be?

The first ones to pop into my mind are Tim Hecker, Fennesz, Kali Malone and Brian Eno. All of them explore ambient and drones in their own way. The way Tim Hecker composes and records pianos and choirs to then almost destroy them awes me. 

 

Especially, Brian Eno being the undisputed master of ambient music and such an amazing thinker regarding art in general, also comes as a huge influence to me.
Nils Frahm and Ryuichi Sakamoto, bridging and exploring classical piano and electronics are also inspirations worth noting.

 

--Listening to "Celeste" one encounters various types of music: solemn music, music expressing anguish, and music that is highly evocative. Furthermore, starting with "Alva," the music takes on a more celestial quality. Did these musical elements emerge from experience? Or were they expressions of internal sensations?

Silva:  "Alva" is definitely the most celestial and melodic piece on the album, and in some ways, closer to the kind of work I was exploring before. Celeste, for me, feels like a meeting point - a mix and a connection between that ethereal and melodic side, and the more ambient pieces that make the rest of the album.

On a more personal level, I would say I am quite a nostalgic person. I am constantly longing for places I have left or people I have not seen in a while, and I believe that comes forth through my music. I do not know what comes next but Celeste and Manta are both quite spontaneous works. There were not many ideas settled beforehand, resulting in a quite honest album, rooted on past experiences and inner sensations.

 

--The final track on the album features Indonesian gamelan percussion instruments. It feels like quite an adventurous piece.　Why did you incorporate gamelan? What did you aim to express with this track?  

 

Silva: The residency promoters gave us enough space to breathe and play but they also wanted us to experience the local culture. It would not make sense otherwise. We attended balinese dance classes, balinese cuisine workshops and other cultural activities. I still try to recreate some balinese dishes once in a while. It is delicious.

One night we went to a show by the local community in which they were playing the gamelan and dancing in traditional masks and costumes. Right away I new I wanted to incorporate all that atmosphere in my music. As I was saying before, pagan culture is quite present where I come from in Portugal, and although depicted in quite a different fashion, I could sense a connection between both ways. Human experiences have a communal ground to them wherever you go.

There was not a premeditated meaning behind it. I guess I just love this idea of bringing distant worlds together, abolishing boarders that so many times unknowingly trap us.

--I understand you also compose music for films and Netflix. When creating music for visuals, could you tell us what aspects you prioritize?

Silva: As for The Empress on Netflix, I was invited by Lisa Morgenstern, who actually composed the soundtrack, to record some violins on one track. It was an amazing experience to collaborate and explore with Lisa the kind of sounds she envisioned for the track and that specific scene.

Lately, I’ve also been working regularly with theater, often improvising and using effect pedals, which connects in some ways to what I play on my solo music.
I’ve been preparing music for a short film as well, thought that is still in process.
Recently I was challenged to compose and play live during the screening of The Seashell and the Clergyman, a 1928 experimental film. I watched the movie a few times before even picking up the violin. I wanted to make sure I got the sensations right. I wanted to capture emotions. That was my focus.

”What is the main character going through this scene? What’s the whole atmosphere during the ball scene?” Those were the questions I was posing myself.

When I got comfortable with my interpretation of each scene, that was when I picked up the violin. Then I wanted to be spontaneous and let the images guide my intuition.

Runo Plum(ルノ・プラム)は単に癒そうとするのではなく、変容している。ミネソタを拠点とするシンガーソングライターの親密なデビューアルバム『patching』は、柔らかなエッジの放つインディーロックで、激しい感情の修復期の収縮、拡張、解放を優雅に捉えている。別れとその後の癒しのプロセスに触発されたこのアルバムは、感情的な旅であると同時に音響的な旅でもある。 

友情への渇望、社会不安、病弱妄想の渦、元恋人からの荷物が届く自宅――アルバムはこうした複雑な感情を、反芻から小さな喜びのきらめき、決着、それから再び恋に落ちる瞬間へと揺れ動く。

各楽曲は同じ繊細な核心を揺さぶりつつ、失恋や不安の痛みを巧みに癒す。ルノの温かな歌声と率直な歌詞が導く、この穏やかな自己認識と再生の瞬間こそが『patching』の軸であり、手作りの薬のように作用する。 

こうした癒しの瞬間に訪れるのは、透き通るような明快さだ——自らを修復する行為は単なる修復ではなく、創造を触発する行為であり、アルバムカバーに描かれたルノの蝶の誕生とさほど変わらない。

ルノ・プラムにとって、この奔放な誠実さは決して新しいものではない。彼女は半世紀にわたり、複雑なフォークソングを書き続け、寝室から静かに発信してきた。パンデミックの年々、彼女の音楽は次第に多くのリスナーの耳に届き、シングルやEPを自主リリースするようになった。その傍らで、 Searows、Angel Orsen、Hovvdyのサポートアクトとしてライブ経験を積んでいた。

このミュージシャンの成功の波の真っ只中に、予期せぬ失恋が訪れたため、アルバム制作は最優先事項ではなくなった。しかし、その断絶の後、5ヶ月間にわたる激しい創造性の爆発で大量の楽曲を書き上げた時、ルノは1枚どころか2枚のアルバムがいよいよ形になりつつあることに気づいた。 「かつてないほど書き続け、全てがこれまで以上に意味深く感じられた」と彼女は語る。

作曲の合間には絵を描き、地元のリサイクルショップで小物を探し、森で春から夏にかけての草花を眺めて過ごした。こうした生活のあらゆる側面が、彼女の音楽に素朴な魅力を吹き込んでいる。 緑豊かな数ヶ月間、ルノは『patching』のデモを制作し、初期音源を送り、最終的にロサンゼルス拠点のレーベル、Winspear（Slow Pulp, Wishy, Teetheなどが所属している）と契約した。

シンクロニシティと成長、そして巡り巡る瞬間が彩るプロセスの中で、ルノは『パッチング』のレコーディングに着手することになった。新たな協力者を数名迎え入れ、スタジオ録音の演奏と寝室でのボーカルオーバーダブを融合させ、ルノの音楽の初期時代を彷彿とさせる作品を作り上げた。 

ミネソタ生まれでバーモントを拠点とするミュージシャン兼プロデューサー、ルタロ・ジョーンズは、絶賛されたデビュー作『The Academy』をリリースしたばかりだったが、ほぼ10年前にルノと出会ったことを契機に、本作のプロデュースを引き受けることになった。二人の初期のコラボレーションは、ルノの2021年シングル「yin to yang」の歌詞の中核を生み出したものであり、ルタロをプロジェクトに迎えることは、ルノにとって再びの調和と自然な拡大の瞬間となった。

共同制作者であり楽器奏者、恋人でもあるノア・フランシスと共に、ルノとルタロはバーモント州の田舎にある小屋で2週間にわたりアルバムを録音した。樹齢百年のアコースティックギターの蜜のように甘く時を経た音色と、ルノの声の穏やかな温かさを核に、トリオは一つひとつ楽曲を組み立てていった。

「ただ流れに身を任せていた」とルノは語る。 「どの曲も、私の癒しの過程における感情の断片を一つに縫い合わせたプロジェクト。同時に、私はリアルタイムで自分自身を縫い合わせていた。傷つきを感じつつも、修復も感じ取れる。前進するために速度を落とし、ついに恐怖から解放される時を夢見る」

修復において、変容の営みは、緻密な修復作業と同等の役割を担う。 全12曲にわたり、ルノは鋭いダイナミクス感覚で旋律の弧を描き、世界を回すあらゆる自然の循環がもたらす霞んだ高揚と紺碧の沈みを捉えた楽曲を紡ぎ出す。

彼女の創作の核心には、ある種の儚い魔法が宿っている。それは人生の深く形成的な一章を鮮やかな楽曲のスクラップブックへと錬成する能力から生まれ、経験の輪郭をきらめく細部まで捉えているのだ。

会話的で推進力のあるメロディに支えられたアルバムの幕開け「Sickness」は、不健全な循環と日常の凡庸さを扱う。不安を底流に、それは舞い上がり、焼き尽くすように、ルノの内省的な才能で日々の情景を繋ぎ合わせる。 「Lemon Garland」の豊かでかき鳴らすような朦朧感の中で、ルノは倦怠感への解毒剤を紡ぎ出す。

12弦ギターの広々とした響きと繊細に重ねられたボーカルで彩られた、共同体と交わりの白昼夢を呼び起こす。 「Halfway Up The Lawn」は別れに伴う混沌とした人間的な絶望期を綴り、執拗で催眠的な楽器演奏に乗せて切望と精神的な葛藤を解きほぐす。「君が青ざめるのを見たくない、でも見続ける」と彼女は歌っている。受容を弄びつつも、戦いを完全に諦めてはいない。

先行トラックが昼間だとすれば、「Elephant(エレファント)」や「 Lockt(ロケット)」は夜、あるいは繭の中の幼虫が孕む肥沃な闇を構成する。

「Alley Cat(アレイ・キャット)」の甘美な簡素さは、うっとりするようなトワン音と共に社交不安の渦へと広がり、ルノの高音域が放つきらめく輝きに聴き手を宙吊りにするアウトロへと展開する。 

「Quiet One」はルノの漠然とした脆弱性にポイントを当て、「Be Gentle With Me」は初期のJulia JacklinやBig Thiefのアルバムに見られるような、恥じらいのない率直さで、痛みを伴うインディーロックの自由落下の中で新たな愛の諸刃の剣を詳細に描く。

「Gathering the Pieces」の反響するうねりの中で、ルノはアルバムの繊細な感情の核心を巡り、不安に苛まれながらタイトルを冠した歌詞を歌う——「かつての私から残された破片を集めて／継ぎはぎする時が来た／どうやら私は足りなかったようだ」　少し落ち込みながら、ルーノは哲学的になる。「この空虚は永遠に空虚なままなのか？／この孤独は永遠に続くのか？」と問いかけ、楽器の音が虚無を埋め尽くすように膨らんでいく。

端的に言えば、それが『patching』の役割となる。虚無を埋めるために膨らむ。不安定さと不確実性から生まれた豊かなデビュー作は、こうした芸術的な転換に満ちている——感情の空白を補う豊かな音響的瞬間が、終焉から拡張を生み出す。 

ルノ・プラムの新たな章の始まりに過ぎない。デビューアルバム''パッチング''は、彼女のパフォーマー兼ソングライターとしての芽吹く声が、この広がりを見せる新たな章へと踏み出す中で確実に開花し、明晰な筆致と優しい心で心の痛みと再生を探求し続けることを約束している。 

 

Runo Plum 『patching』- Winspear

 

失恋という、つらい経験を経たルノ・プラムは、傷跡を自身の音楽で癒す。しかし、それらをパッチで縫い合わせる過程で、これまで知らなかった自分に出会う。また、別の人間になっていることに気がつく。もしくは、自分がそうであったことに今まで気がつかなかっただけなのか。

 

しかし、いずれにせよ、憂愁ともアンニュイとも形容しがたい、このインディーフォーク集は、デビューアルバムらしからぬ印象を帯びている。大人びている、もしくは、円熟しているというべきか、収録曲を経るごとに、音楽そのものは深度を増していき、アルバムの終盤の収録曲では、圧倒的なシンガーソングライターの雰囲気すら感じさせる。ダブルアルバムの収録曲をあらかじめ用意した上で、１つのフルレングスに落とし込まれたという点では、十二分の内容で、一気呵成に聞かせる。本作は、Winspearが紹介するように、ジュリア・ジャックリンや、アドリアン・レンカー、ソフィー・アリソンの初期のソロアルバムのような雰囲気をもっている。

 

また、ソングライターの脆弱性を、上質なインディーフォーク/トゥイーポップに反映させたという点で、大きな期待値を感じさせる。ただ、ニール・ヤングやディランのような古典的な曲は多くはない。一般的に言えば、現代的なモダンフォーク集であると解釈出来る。しかしながら、同時に、その幻想性は、単なる架空の物語だとも言いがたい。現実から引き出された一連の幻想である。現実と平行して、もう一つの現実が存在すること......、それは創作性のことを示すが、これをもう一つの現実として並置することにより、ある種の癒やしが見出される。音楽を制作することは、もしかすると、もう一つのリアリティを作り出すことなのかもしれない。フィクションの持つ強みは、現実とは異なるもうひとつのリアリズムを生み出すことにあるのだろう。

 

それでは、フィクションというのは、まったくの架空の出来事から始まるのだろうか。もしくは、まったくの絵空事を何らかの形あるものにすることなのか。たぶん、そうではない。それはやはり、どのようなタイプのフィクション作品においても、制作者の人生や人生観が反映され、その中に、リアリティが包含されている。そして、鑑賞者がじっと目を凝らしたときに向こう側に浮かんでくる、その真実らしきものーーそれは時には、現実よりも圧倒的に真実性を持つーーに触れた時、共鳴反応が起き、琴線に触れる瞬間が訪れるということである。いわゆるピンときたとか、腑に落ちたとか、心に響いたという、不可思議な現象が発生するのである。これがつまり、諸般のすべての芸術ーー文学、映像、音楽ーーの持つ最大の魅力なのである。

今回紹介するミネソタのシンガーソングライターは、上記の要素を持ち合わせている。幻想的な作風、抽象的な印象を帯びるインディーフォーク/ギター・ポップソングの中で、リアリズムを喚起することに成功している。本作は、歌詞にせよ、音楽にせよ、フィクションでありつつも、フィクションではない。つまり、見知らぬ人間の感情的な経験がつぶさに織り込まれている。

 

 

アルバムは「Sickness」で始まる。アコースティックギターを多重録音し、リバーヴを配した、重厚な音像を強調するギターポップという感じで始まる。しかし、ドラムのテイクが加わると、少しずつ活気づいてきて、インディーロックへと変化する。少しルーズな感覚で歌われるボーカル、裏拍を強調するスネア、和音と拍動、対旋律の役割を司る。アーティストの作曲の中心部分であるアコースティックギターを通じて、モダンな印象を持つフォークロックが続いている。

ボーカルは、制作者の感情領域を示唆するかのように、中間域ではじまり、その後、シンセサイザーのアレンジメントを通じて、ダイナミックな印象を帯び、まるで、このアルバムのメタファーである、さなぎから蝶へと変化する過程を表すかのように、鮮やかな印象を帯びることがある。その中で、個人的な回想や追憶を表すかのように、レトロなメロトロンのような音色がボーカルの周囲を取り巻き、曲の持つセンチメンタルでナイーブな感覚を徐々に引き上げていく。

おのずと、制作者の提示するキャンバスーー音楽の骨格ーーのなかに、何らかの追憶がありありと映し出されて、その中に少しずつ引き込まれていくような不思議な感覚が捉えられる。表面的に聞くと、ギターポップに違いないが、全体的なアレンジの中にエレクトリック・ギターのロック風のフレーズが配されており、これがある種のフックをもたらす瞬間が込められている。

 

２曲目「Lemon Garland」は、カントリー/フォークを始めとするアメリカーナの印象が色濃い。前の曲の気風を受け継いで、ウージーなギターがイントロに配されている。幻想的な雰囲気を呼び覚まし、カントリー/フォークとロックの融合の中で、最初期のSoccer Mommyのようなインディーポップとの融合性を探っている。ざっくりとした乾いた質感を持つドラムが心地良く響き、アコースティック/エレクトリックを組み合わせたギターの演奏が、夢想的な感覚を呼び覚ます。ミネソタの自然味溢れる情景を思い起こさせ、それと同時に、制作者の若い時代や多感な時期を回想するかのような、どことなくノスタルジックなロックソングが続いている。録音の面でも、アコースティックギターやエレクトリックギターの艷やかな音の質感が美麗な印象がある。また、ルノ・プラムの伸びやかで夢想的な雰囲気を帯びるボーカルに注目だ。この曲はカントリー/フォークとしての開放的な空気感を持ち、ほんわかとした雰囲気に満ち溢れている。

 

「Alley Cat」は静かな印象を持つフォークバラードに一転する。現代的なインディーポップ/インディーフォークの気怠いボーカルを維持しつつ、水晶のように澄んだボーカルを歌い、サビ/コーラスの箇所では最初の部分に戻るというような構成である。サビの箇所でアンセミックで盛り上がるフレーズを持ってくるのとは対照的に、最初のモチーフに戻るという、A-B-Aのバラードの基本的な構成を受け継いでいる。この曲では、猫に語りかけるようにし、どうしていいのかわからないという逡巡の感覚を、美麗なフォークソングで縁取っている。それほど大掛かりな構成が用意されているわけではないが、本作のハイライトの一つとなりそうだ。こういったなだらかな展開を持つアルトポップソングこそ、ルノ・プラムの音楽の魅力となるかもしれない。特に、間奏のスキャットは、このアルバムの核となる夢想的/幻想的な感覚を巧みに導き出す。アウトロの歌唱では、フォークミュージックにおけるオペラの歌唱でフェードアウトする。個人的にも共感を覚えさせるにとどまらず、壮大なインスピレーションに満ちた一曲である。

 

「Halfway Up The Lawn」では、インディーポップ風のシンガーの歌唱に変化する。音楽的には、Soccer Mommyの最初期の曲のような甘酸っぱい感覚を捉えることも出来る。 特にアルバムの序盤の曲では、最もセンチメンタルな感覚(英語で言えば、脆弱性)を体現している。この曲の良い点は、パワーポップのように切ない雰囲気を帯びるアコースティックギターが、他の曲と同様に夢想的なボーカルと混在していることだろうか。和音進行も巧みで、半音階進行の和音を長調の中に織り交ぜながら、調性の揺れーー長調と単調の並置ーーを淡い感情の暗喩として機能させている。こういった中で、ほっと息をつかせるような温かいボーカルフレーズが登場することがある。メインボーカルとユニゾンを描くエレクトリックギターの単旋律など、細部にわたって精妙に作り込まれている。この点が聴きごたえをもたらしている要因なのだろうか。

 

 「Halfway Up The Lawn」

 

 

 

続く「Be Gentle With Me」は、９０年代のオルタナティヴロックのクロマティックスケールを用い、Pixiesのような不思議な感覚を持つアルトフォークソングを作り上げている。この曲に登場する「Where Is My Mind？」に比するスケールの進行は、バンドとしてのロック的な感覚ではなく、ソロシンガーとしての内省的な感覚に置き換えられているようだ。

 

続いて、バンジョーの音色を生かした「Elephant」がほっとするような安堵感をもたらす。 この曲は、Guided By Voicesのようなアメリカの名物的なカレッジロックや、Superchunkの代表曲「1000 Pounds」 のようなオルタナティヴロックの源流の音楽を、明朗なカントリーソングとして抽出した一曲である。しかし、懐古主義というわけでもなく、モダンなインディーポップソングの切ないボーカルのフレーズを織り交ぜることによって、この曲は新鮮味溢れる音楽性に置き換えられている。ルノ・プラムの亜流と主流を混在させる作曲の手腕を見出すことが出来る。

 

その後、アルバムの音楽はフォークの性質が本格的に強まるが、それはやはり現代的なアルトポップソングとの融合という観点で行われる。その中で、「Locket」では、このソングライターの持ち味である幻想的な音楽性を通じて、 憂いに満ちた感覚を表し、切ない感覚を呼び覚ます。この曲では、外側には容易に吐き出せない痛みを、フォークミュージックの癒やしにより優しく包み込もうとする。ゆったりとしたアコースティックギターのストロークの中で、やはり言葉にならないスキャットの歌唱を織り交ぜながら、言語的ではない部分を巧みに表現しようと試みる。そして、この瞬間、何かしら琴線に触れるものや切ない感覚を感じとることが出来る。しかし、曲の後半からは、悲しみを乗り越えた先にあるなにかがぼんやりと立ち上ってくる。

 

その音楽的な気風を受け継ぎ、「Pond」はムードたっぷりの幻想的なフォークソングが紡がれる。音程をぼかしたボーカルがアコースティックギターの伴奏を背景に、夢想的に打ち広がり、そして同じように、サビ/コーラスの直前に、半音階進行を配して、その後に聞かせどころがおとずれる。この時、この曲は、悲しみの向こうにあるロマンスを巧みに体現させるのである。制作者の示そうとするロマンチシズムを垣間見るとき、圧倒されるような崇高な感覚が出て来る。この曲は、じっくりと作り込んだ末に出てきた、必然的な名曲の１つと言えるだろう。

 

エリオット・スミスのような、２０００年代以前のアルトフォークからの影響も全般的には感じられる。しかし、本作はスノビズムの領域から普遍的な場所に落着する。楽曲自体は、ビートルズライクなものも出てくる。さらに言えば、ポール・マッカートニーの楽曲「Dear Prudence」 のような古典的な憂いのあるアルトフォークソングへと傾倒する。これがアルバム全体に、現代的なインディーズアルバムの魅力に加え、何らかの普遍性を添えているように思える。

 

「Gathering The Pieces」では、やはり現代的なモダンフォークが紡がれ、それはビックシーフやニューヨークのフローリスト、あるいは、このアルバムの影の立役者であるルタロ・ジョーンズ(Lutalo)の音楽と近い場所にある。しかし、それは都会から見た民謡ではなく、とりも直さず、ミネソタのローカルなフォークミュージックを体現させようというのである。この独特な穏やかで牧歌的な空気感や、思春期の時代を思わせるようなアメリカ文学の香りが、このアルバムの全体にある種のムードとして漂い、そして聞き手を魅了してやまないのである。誰しも体験した覚えのある青春期の時代の追憶……、それが、現在の時代の体験と連動するようにして動いていき、いわば、このアルバムのナラティヴの要素ーーストーリーテリングーーを喚起する。

 

そういった中で、アルバムの最初にはロック風の楽曲もあるが、終盤に向けて、音楽自体はどんどん静かになり、澄んでいき、そして精妙な感覚を持つに至る。これこそがソングライターが自己に触れた瞬間であり、それらは聞き手にとっても何らかの意味や示唆を持ちうるのである。 それを象徴付けるのが、「Quiet One」である。ささやかなアコースティックギター一本による弾き語りであるが、この曲は間違いなく、アスピリンのような効果を発する。心のさざなみを平かにするような瞑想的な効果を持つフォークソングである。あるいは、タイトルの印象とは対象的に、「Darkness」では、どことなく天国的なユートピアの世界が描き出される。しかし、それはやはり先述したように、ビートルズやポール・マッカートニーの系譜にある古典的なポップソングの手法や、憂いに満ちたアンニュイなフォークソングという形で表側に現れる。 ボーカルの声には影があるが、アトモスフェリックなシンセがそれと対比的な印象を与える。少なくとも、このアルバムを聴いたとき、なにか核心に至ったという気持ちにさせてくれる。

 

圧倒的なのは、本作の最後に収録されている「Outro(Angel)」である。この曲は、　フォークソングの名曲といってもさしつかえないかもしれない。憂いや悲しみの向こうに何が浮かびあがるか、実際に聴いて確かめてみてもらいたい。ルノ・プラムが「Golden Hour〜」と巧みに歌い上げる時、美しい雫のようなものがこぼれおち、遠くからの夕焼けの向こうに淡く美しい光が滲む。

 

 

 

９４/１００ 

 

 

 

「Outro(Angel)」 

  

 

▪️Runo Plum 『patching』は本日、Winspearより発売されました。ストリーミングはこちら。

 

アンセミックなポップソングのスペシャリスト、Gina Zo(ジーナ・ゾー）は来月のクリスマスに向けて、誰もが抱く疑問を投げかけている。

 

「Santa, Do You Know？」はきらびやかなシンセと鈴の音に包まれた、クリスマス・ツリーの下に「運命の人」を願う、すべての人への、甘く心地よいラブソング。甘く、きらめきに満ち、抗いがたいほどロマンチックなこの曲は、あなたの新たなホリデーシーズンのお気に入りになること間違いなし。

ロックポップのシンガーソングライター、ジーナ・ゾーは圧倒的な歌唱力で知られる。恐れを知らない本物の姿と、生々しく感情的なストーリーテリングで称賛されている。フィラデルフィア郊外出身で現在はロサンゼルスを拠点とし、現代ロック・ポップ界で最も魅力的な歌声の一つとして独自の地位を築きつつある。

最新シングル『Dirty Habits』（2025年）は、彼女のソロキャリアにおける大胆な新章の幕開けとなった。グラミー賞受賞プロデューサー、ジャスティン・ミラー（ジャズミン・サリヴァン、ザック・ブライアン）とティム・ソンネフェルド（アッシャー）が手掛けたこの楽曲は、時に夢が現実よりもリアルに、そしてより安らぎを感じさせるという概念を探求する、心に響くロックポップ・バラードである。

 

この楽曲はかなりの絶賛を浴び、リリースの初週で3万回以上のストリーミング再生を記録している。LADYGUNN誌は、「『Dirty Habits』において、ジーナ・ゾーは、常識に縛られないキャリアの礎を築いた。大胆で混沌とし、深く心に響く——それがまさに本質である」と評した。

 

2025年9月下旬、ジーナは待望のデビューアルバム『Burn Me Into Something Better』をリリース。変容、失恋、再生を痛烈かつ繊細に描いた本作は、EARMILKで特集され、9/10の評価と共に「フィルターのかかっていない正直さ」が称賛された。 

 

「しかし、『Burn Me Into Something Better』が際立つのは、その『美化を拒む姿勢』である。これらの楽曲は、整然とパッケージされたポップスではない。ギザギザで生々しく、誇らしげに混沌としている。それは彼女を形作った現実の変容を映し出している。この作品は、登攀の過程におけるあらゆるつまずきや傷跡を全て成長の一部として許容するレコードでもあるのだ」

 

今回のシングルでは、80年代のシンセ・ポップ/エレクトロ・ポップのサウンドがバンドセクションで追求されている。

 

Pet Shop Boysのバブリーなサウンド、Wham！の有名なクリスマスソングを彷彿とさせなくもない。しかし、ここには、ジーナ・ゾーらしい明るいエナジーに満ちており、未知の聞き手にはつらつとしたパワーを与える。そしてそれこそがポップシンガーとして最も大切なことなのだ。 

 

 「Santa, Do You Know？」

 

▪Gina Zo:

ジーナ・ゾーはロック・ポップのシンガーソングライターであり、圧倒的な歌唱力で知られる。その恐れを知らない本物の姿と、生々しく感情的なストーリーテリングで称賛されている。フィラデルフィア郊外出身で現在はロサンゼルスを拠点とし、現代ロック・ポップ界で最も魅力的な歌声の一つとして独自の地位を築きつつある。

最新シングル『Dirty Habits』（2025年）は、彼女のソロキャリアにおける大胆な新章の幕開けとなった。グラミー賞受賞プロデューサー、ジャスティン・ミラー（ジャズミン・サリヴァン、ザック・ブライアン）とティム・ソンネフェルド（アッシャー）が手掛けたこの楽曲は、時に夢が現実よりもリアルに、そしてより安らぎを感じさせるという概念を探求する、心に響くロックポップ・バラードである。 この楽曲は絶賛を浴び、リリース初週で3万回以上のストリーミング再生を記録。LADYGUNN誌は「『ダーティ・ハビッツ』でジーナ・ゾーは、常識に縛られないキャリアの礎を築いた。大胆で混沌とし、深く心に響く——それがまさに本質だ」と評した。

2025年9月下旬、ジーナは待望のデビューアルバム『Burn Me Into Something Better』をリリース。変容、失恋、再生を燃えるような切実さで描いた本作はEARMILKで特集され、9/10の評価と共に「フィルターのかかっていない正直さ」が称賛された： 「しかし『Burn Me Into Something Better』が際立つのは、その『美化を拒む姿勢』だ。これらの楽曲は整然とパッケージされたポップスではない。ギザギザで生々しく、誇らしげに混沌としている。それは彼女を形作った現実の変容を映し出している。この作品は、登攀の過程におけるあらゆる躓きを、物語の一部である傷跡を、すべて正当化する一枚なのだ」

ジーナが全国的に注目を集めたのは『The Voice』の出場者としてで、ブレイク・シェルトンチームに所属した。 しかし、グウェン・ステファニーの指導こそが彼女を変容させた——ステージ上でも私生活でも、脆弱さと真実性を受け入れるよう促したのだ。この教訓が彼女の芸術的アイデンティティを形作り、LGBTQIA+コミュニティの代弁者となる原動力となった。2023年のシングル『Faking It』は自身のバイセクシュアリティを大胆に宣言した作品であり、自己受容のアンセムとして世界中のファンに深く共鳴した。

業界の厳しい現実を早期に経験したジーナは、創造的な独立性を取り戻し、反抗心・自由・魂を体現するロックバンド「Velvet Rouge」を結成。ブライアン・マクトアとエイミー・モリッシー（The War on Drugs、シャロン・ヴァン・エッテン）がプロデュースした2024年のデビューEPは、2000年代初頭のロックの荒削りな質感と揺るぎない感情を融合させた。 『Lonely Since The Day We Met』や『I Don’t Know Why』といった傑出した楽曲は、彼女の生々しい歌唱力と物語を紡ぐ力量を際立たせている。

ヴェルヴェット・ルージュは瞬く間に「フィラデルフィア最高のロックバンド（2022年）」として認知され、『フィリー・スタイル・マガジン』で「フィラデルフィアで最も熱いロックバンド」と紹介された。XPoNential Fest、MusikFest、Beardfestに出演し、NPRの「National Public Radio Day」やWXPNの「Free At Noon」シリーズで特集された。

今、ジーナはその特徴的な力強さと温かみを融合させたスタイルを、2つの新たなクリスマス作品でホリデーシーズンに届けている。オリジナル曲「サンタ、知ってる？」と、ロネッツの「Sleigh Ride」とエラ・フィッツジェラルドのホリデークラシックを融合させた独創的な作品だ。ウィーザーを彷彿とさせる90年代ロックのエッジで再構築されている。

「サンタさん、知ってる？」でジーナ・ゾーは誰もが抱く疑問を投げかける。きらめくシンセと鈴の音に包まれたこの曲は、クリスマスツリーの下に「運命の人」を願うすべての人への、甘く軽やかで心地よいラブソング。甘く、きらめきに満ち、抗いがたいほどロマンチックな、この季節の新たな定番となるだろう。

幼少期の懐中電灯のストロボを使ったパフォーマンスから、全国放送のテレビ出演、批評家絶賛のレコードまで、ジーナのキャリアは「型にはまらない」姿勢で定義されてきた。ステージでパフォーマンスする時も、ローレン・シューラーの特注ドレスでレッドカーペットを歩く時も、新進アーティストを指導する時も、彼女はあらゆる創造的領域で女性やマイノリティの声を擁護し続けている。

現在はロサンゼルスを拠点とし、手作り料理、推理小説の読書、シルバーレイク貯水池周辺の散歩でバランスを保っている。『Burn Me Into Something Better』が彼女の新たな時代を切り開き、『Dirty Habits』がその基調を定め、ホリデーソングが彼女の多様性を示す中、ジーナ・ゾーは大胆で奔放、そしてありのままの姿を貫く新世代ロックポップアーティストの最前線に立っている。

 

 

▪EN

 

Gina Zo is a rock-pop singer-songwriter and powerhouse vocalist celebrated for her fearless authenticity and raw, emotional storytelling. Originally from the suburbs of Philadelphia and now based in Los Angeles, she is carving out a distinct place as one of the most compelling voices in modern rock-pop.

Her latest single, Dirty Habits (2025), marked the beginning of a bold new chapter in her solo career. Produced by Grammy-winners Justin Miller (Jazmine Sullivan, Zach Bryan) and Tim Sonnefeld (Usher), the track is a haunting rock-pop ballad exploring the idea that sometimes our dreams feel more real—and more comforting—than reality itself. The song garnered rave reviews and surpassed 30,000 streams in its first week. As LADYGUNN wrote, “With Dirty Habits, Gina Zo lays the foundation for a career that doesn’t play by the rules. It’s bold, messy, deeply felt—and that’s the point.”

In late September 2025, Gina released her highly anticipated debut album, Burn Me Into Something Better—a searing, vulnerable exploration of transformation, heartbreak, and rebirth. The record was featured on EARMILK, which awarded it a 9/10 review and praised its unfiltered honesty: “What makes Burn Me Into Something Better stand out, though, is its refusal to sanitize. These songs aren’t neatly packaged pop; they’re jagged, raw, and proudly messy, mirroring the real-life transformations that shaped them. It’s a record that validates every stumble as part of the climb, every scar as part of the story.”

Gina first captured national attention as a contestant on The Voice, where she joined Team Blake. It was Gwen Stefani’s mentorship, however, that became transformative—encouraging Gina to embrace vulnerability and authenticity both on and off stage. That lesson shaped her artistic identity and inspired her to become a voice for the LGBTQIA+ community. Her 2023 single Faking It was a bold declaration of her bisexuality and an anthem of self-acceptance that resonated deeply with fans around the world.

After early experiences in the industry that exposed its challenges, Gina reclaimed her creative independence and formed Velvet Rouge—a rock band embodying defiance, freedom, and soul. Their 2024 debut EP, produced by Brian McTear and Amy Morrissey (The War on Drugs, Sharon Van Etten), fused early 2000s rock grit with unflinching emotion. Standout tracks like Lonely Since The Day We Met and I Don’t Know Why highlight her raw vocal power and storytelling prowess.

Velvet Rouge quickly gained recognition as Philly’s Best Rock Band (2022) and was featured in Philly Style Magazine as “Philly’s Hottest Rock Band.” They’ve performed at XPoNential Fest, MusikFest, and Beardfest, and were spotlighted on NPR’s National Public Radio Day and WXPN’s Free At Noon series.

Now, Gina is spreading her signature blend of grit and warmth into the holiday season with two new Christmas releases: one original song "Santa, do you know?" and one inventive fusion of The Ronettes’ “Sleigh Ride” and Ella Fitzgerald’s holiday classics—reimagined with a Weezer-inspired, ’90s rock edge.

With “Santa, Do You Know?”, Gina Zo is asking the question we’ve all wanted to ask, Wrapped in shimmering synths and sleigh bells, it’s a flirty, feel-good love song for anyone wishing for “the one” under the tree. Sweet, sparkly, and irresistibly romantic, this is your new holiday obsession.

From childhood performances with flashlight strobe lights to national television appearances and critically acclaimed records, Gina’s career has been defined by a refusal to conform. Whether performing on stage, walking a red carpet in a custom Lauren Schuler gown, or mentoring emerging artists, she continues to champion women and underrepresented voices across all creative spaces.

Now based in Los Angeles, Gina finds balance in cooking from scratch, reading murder mysteries, and walking around the Silver Lake Reservoir. With Burn Me Into Something Better ushering in her defining era, Dirty Habits setting the tone, and her holiday songs showcasing her versatility, Gina Zo stands at the forefront of a new generation of rock-pop artists—bold, untamed, and unapologetically real.

The Vernon Spring/Rosie Lowe/Loa

今年、ロンドンのシンガーソングライター、The Vernon Springは、『Under a Familiar Sun』をリリースし、来日公演を行い、好評を博した。ザ・ヴァーノン・スプリングは、リサンプリングの技法を駆使し、ヒップホップ、ネオソウル、エレクトロニック、モダンクラシカルを横断する新鮮なアルトポップの新潮流を、この最新アルバムにおいて示してみせたといえる。

 

今回、サウスロンドンのシンガー・ソングライター、Rosie Loweと、スコットランドのデュオ、Loaによるリワーク作品が配信開始となった。リリースの詳細は以下の通りとなっている。

 

Rosie Loweが、The Vernon Springの2025年リリースのアルバム『Under a Familiar Sun』収録曲「Esrever Ni Rehtaf」を再構築。 

 

808のビート、独特のピアノ奏法、静謐なボーカルが織りなす夢幻空間を瞑想的な美しさで漂う。魂を揺さぶるドラムが導く回廊には微かな陶酔が散りばめられ、Loweの解釈は「今ここ」への賛歌であり、誕生という贈り物への穏やかなセレナーデである。

 

そして、Loaは「Requiem for Reem」に詩的な魔法を加え、瞑想的なピアノ主体の楽曲をきらめくボーカルの子守唄へと変容させ、アンビエント・ジャズの旋律を感謝と平穏の波で包み込む。二人が「あなたの体を横たえよう」と歌い上げる中、静かなホーンが徐々に二人の声を包み込み、満ち足りた安らぎの境地へと導いていく。

 

 本日、２曲のリワーク作品がリリックビデオとして公開されている。下記よりご視聴下さい。

 

 

 

 

 

▪The Vernon Spring　『Esrever Ni Rehtaf (Rosie Lowe Rework) / Say Her Name (Requiem for Reem - Loa Rework)』

アーティスト：The Vernon Spring （ザ・ヴァーノン・スプリング）

タイトル： Esrever Ni Rehtaf (Rosie Lowe Rework) / Say Her Name (Requiem for Reem - Loa Rework)

発売日：2025年11月12日（水）

フォーマット：デジタルダウンロード／ストリーミング

ジャンル： ポスト・クラシカル / ジャズ / アンビエント

レーベル：p*dis

 

・Listen/Steaming:　https://opia.lnk.to/TVSREWORKS 

ブリストルのポストパンクバンド、MOULDが5dB Recordsより最新シングル『Float』をリリースした。硬質な印象を持つパンクソングで、ニューウェイブ/グランジのようなマイナースケールの楽曲だ。新曲のリリースと合わせて、5dBのスタジオライブ映像が公開されている。下記よりチェックしよう。

今年初めにリリースした2nd EP『Almost Feels Like Purpose』以来となる本作は、2026年リリース予定のデビューアルバムを予感させる一曲。

フロントマンのジョー・シェリンは本作について次のようにコメントしている。「人間は恥ずべき怪物のような愚か者として登場し、気晴らしに釘付け——輝きと空虚さの前では哀れなほど無力だ。この冬、『FLOAT』で絶望と恥辱、思考停止を味わえ！　11月12日、お近くのスクリーンに絶え間なく登場！」

「Float」

フランスを代表するシンガーソングライター、Yael Naim（ヤエル・ナイム）が、一度聴いたら頭から離れない、新たな章の幕開けを告げるニューシングル「Multicolor」をリリースした。この曲は、エスニック、ポップ、ダンス・ミュージック、ヒップホップすべてが共存する新時代を告げるポップソングだ。

10月にリリースした前作「Dream」から一転、インドの古典楽器タブラとシタール、マントラのようなコーラスが重なり合った癖になるサウンドは、ボリウッドのオーケストレーションから着想を得て、オーガニックとデジタルをつなぐ。多彩な“生命の色”を讃える楽曲が完成した。

2026年にはニューアルバム『Solaire』のリリースも決定！!　アルバムからの第2弾シングルとなる本作は、まさに最新アルバムが描く物語の序章ともいえる一曲となった。

2008年にリリースしたシングル「New Soul」がApple MacBook AirのCMに起用されたほか、ビルボード・ソング・チャート9位をはじめ、世界的で大ヒットを記録し一躍スターとなったパリ在住のシンガーソングライター、ヤエル・ナイム。従来のアコースティック・サウンドから、変化のアンセムとも言えるようなオーガニックとデジタル、親密さと普遍性という異なる世界をつなぐ新曲「Multicolor」をリリースした。

―マルチカラーのハート、マルチカラーのブレイン、マルチカラーのラブ。

インドのタブラのリズム、歓喜に満ちたシタールの響き、そしてマントラのように催眠的なコーラスに支えられたこの曲は、あらゆる色合いの “生” を祝福。サウンドは2000年代半ばにヤエル自身が伝説的なボリウッド作曲家デュオ、”Laxmikant–Pyarelal”と行ったレコーディングから着想を得た。そのときのオーケストレーションを呼び覚まし、時代を超え、未来を感じさせる楽曲が誕生した。

さらに2026年にはニューアルバム『Solaire』のリリースが決定。本作「Multicolor」はまさに ”再生、光、自由” をテーマにしたアルバム作品の到来を告げている。

 

「Multicolor」

Yael Naim  「Multicolor」- New Single

■ アーティスト名：Yael Naim（ヤエル・ナイム）

■ 曲名：Multicolor（マルチカラー）

■ レーベル：ASTERI ENTERTAINMENT

■ 形態：ストリーミング＆ダウンロード

■ URL：https://asteri.lnk.to/yaelnaim_multicolor_jp 

Yael Naim:

フランス＝イスラエル出身のシンガーソングライター／ディレクター。2001年にフランスでアルバム・デビュー。2008年に発表した「New Soul」がApple MacBook AirのCMに起用され、全米ビルボードHot 100でトップ10入り。世界各国でチャート1位を獲得し、国際的に注目を浴びる。

本国フランスでは、フランスのグラミー賞とも例えられる権威ある音楽賞 ”ヴィクトワール・ド・ラ・ミュージック” を3度受賞し、フランス芸術文化勲章オフィシエに叙任。ブラッド・メルドーやストロマエら多彩なアーティストと共演している。

また日本国内でもその活躍は広く知られており、2009年「PICNIC」が NISSAN cube のCMソングに起用。2012年にはTVドラマ「最後から二番目の恋」の劇中で「Go to the River」（アルバム『She was a boy』収録）が使用され、大きな話題となった。

音楽だけでなく映像や絵画でも活動し、自身のドキュメンタリー映画『A New Soul』や自伝『Une chambre à moi（私の部屋）』を通じて「女性」「自由」「平和」をテーマに表現を続けている。その存在は、音楽シーンにおいて25年以上にわたり“光”を放ち続ける、現代を代表するアーティストのひとりである。

ニューヨークのインディーポップの新星、Ava Franksによる新曲「Every Day」は、アヴァ・フランクスが歌声で輝くようなメロディを紡ぐ、豊かなアコースティックギターが主役の包み込むような曲。

最新シングル「Every Day」は、アヴァ・フランクスが温かな歌声で輝くメロディを紡ぐ、豊かなアコースティックギターが主役の楽曲。誰もが共感できるこの曲は、初めての恋の味を綴る。「恋に落ちる時に感じる不安や希望、神秘に満ちた関係の初期段階を探求しています。その人にずっと会いたくて、自分の気持ちを察してほしいと願う気持ちを描いています」と彼女は語る。 

  

 「Every Day」

 

 

 

Ava Franks: 

 

エイヴァ・フランクスは、ニューヨークを拠点とするインディーポップのシンガーソングライター。彼女はあらゆるものについて書くことに夢中であり、幼い頃からソングライティングへの愛情を育んできた。学校のミュージカルや地元のタレントショーで歌いながら、彼女はゆっくりと、しかし確実に、彼女のユニークなサウンドの要であるボーカル技術を磨いてきました。

彼女のインスピレーションの源は、テイラー・スウィフトのポップヒット曲からハミルトンのサウンドトラック、ジェームズ・ボールドウィンの小説から『ソウル』のようなアニメーション映画まで、多岐にわたっています。 つまり、彼女は音楽を通じて具体的な世界を創り出し、甘い逃避を実現したいと考えているのです。

彼女のディスコグラフィは、砂漠で恋に落ちることを歌ったバラード「3 Pines」を2021年にリリースしたことから始まった。その後、「Silhouette」、「Wait For You To Apologize」、「Golden Child」、「Do Or Die」、「I've Been Waiting」をリリースしている。 彼女は、時代を超越したシンセや斬新なボーカルレイヤーなど、クラシックとコンテンポラリーの両方のポッププロダクションを参考にしています。

ニューヨーク郊外で生まれ育ったアヴァは、高校から大学まで競泳選手として活躍。イェール大学では4年間、水泳部で活動し英文学を専攻した。弟のフィンとケリーとは仲が良く、ニューヨーク州アーヴィングトンに住む両親と2匹の犬のもとへ頻繁に訪れている。

楽曲制作やパフォーマンス以外の時間には、次なるお気に入り料理を探すことに没頭している。現在はニューヨークで最高のブリトーを探求中だ。さらにあらゆるおすすめ情報を募集中だという。 

 

 

 ▪EN

Ava Franks is an indie pop singer-songwriter based in New York City. She’s obsessed with all things writing, and developed a love for songwriting from an early age. Singing in school musicals and local talent shows, she slowly and surely honed her vocal craft, a staple of her unique sound. 

 

The storytelling she’s inspired by stems anywhere from Taylor Swift’s pop hits to Hamilton’s soundtrack, and from James Baldwin novels to animated movies like Soul. In short, she’s motivated to create tangible worlds through her music for the sake of sweet escape.

Her discography began in 2021, when she released “3 Pines,” a ballad about falling in love in the desert. Subsequently, she released “Silhouette,” “Wait For You To Apologize,” “Golden Child,” “Do Or Die,” and, most recently, “I’ve Been Waiting.” She leans towards both classic and contemporary pop production references, like timeless synths and novel vocal layering. 

Her latest single, “Every Day” is a lush acoustic guitar-driven embrace featuring Ava Franks' warm vocals singing luminous melodies. The relatable song narrates that first taste of love. She shares, "It explores the beginning stages of a relationship when you’re feeling all of the uncertainty, hope and mystery that goes along with falling in love. It’s about wanting to see that person all the time and hoping they can read your mind." 

Born and raised in suburban New York, Ava was a competitive swimmer throughout high school and college. She attended Yale, where she was a four-year member of the varsity swim team and majored in English. She’s close to her two younger brothers, Finn and Kelly, and often visits her mom and dad in Irvington, NY, where they live with their two dogs.

When she’s not writing songs or performing, she’s usually finding some way to discover her next favorite food. Currently on the hunt for the best burrito in New York, she’s accepting any and all recommendations. 

 

先日、来日公演を行ったロンドン発8人組バンド、Carolineは『Caroline 2』のデラックスをリリース。未発表曲7曲を収録。「これらの曲は主に『キャロライン2』収録曲の初期バージョンです」とコメントしている。 「『Total euphoria』、『Coldplayカバー』、『U R UR ONLY ACHING』のミニマルなアコースティック・バージョン、『When I get home』の2022年ペッカム・ライ公園での即興演奏版、『Song two』の核となる部分を初めて演奏した際の録音」

「私たちは、携帯電話やポータブルマイクによる録音の質を愛してきました。そのカジュアルで気取らない雰囲気だけでなく、曲が固形化する前の貴重な創作段階で、より自由で探求的な演奏を捉えやすい」と彼らは続ける。 

 

「これらの録音には、再現も模倣も不可能な、神秘的な何かが働いているように感じられます。『When I get home』や『Song two』といった主要なデモトラックに加えて、本作の最終トラック『greek2go』もモバイルによるレコーディングです。当時、ギリシャの暗く薄汚いキッチンの廃墟だった場所で録音されたもので、その後、私たちのスタジオとなった場所です。空っぽで反響の大きい部屋の中で、3本のギターと歌による即興演奏で録音した。アルバムには収録されませんでしたが、私たちが本当に誇りに思っている楽曲です」と彼らは付け加えています。

「『When I get home』の前半部分のクラブ・トラックの録音も追加収録しています」と彼らは付け加えます。「これは、Avalon Cafeのフロントバスルームで録音されたもので、友人である、ダニエル・S・エヴァンスとジェニファー・ウォルトンがプロデュースしたトラックです」

『caroline 2 deluxe』をストリーミングで聴き、新しいライブビデオ「Two riders down」を以下でご覧ください。

「Two Riders Down」

 

 

 

先月、ニューカッスル出身のシンガー、Sam Fender（サム・フェンダー）のアルバム『People Watching』が、英国とアイルランドのアーティストによる年間最優秀作品に贈られる権威あるマーキュリー賞を受賞した。受賞者には2万5000ポンドの小切手が授与されるが、ノース・シールズ出身のシンガーソングライターは、この賞金を英国の小規模のインディペンデントのライブハウスを支援する慈善団体「ミュージック・ヴェニュー・トラスト（MVT）」に寄付すると発表した。

「私が今日やっていることは、キャリアの初期に北東部やその周辺で演奏した数々のライブがなければ実現しなかったでしょう」とフェンダーは声明で述べた［ガーディアン紙］。「これらの会場は伝説的ですが、苦境に立たされています」

フェンダーは以前にも、2024年のアリーナツアー収益から10万ポンド（約184万526カナダドル）をMVTに寄付しており、「大規模会場での公演収益が小規模会場を支えるのは常識だ」と説明していた。 フェンダーの2025年英国ツアー最終公演は、史上初めて全行程を電気トラックのみで完遂した画期的な成果でもあり、推定840kgのCO2削減によりライブ音楽における持続可能性の新たな基準を確立した。

2023年以降、英国全土で150以上のインディペンデント会場が、光熱費の高騰、パンデミックによる負債、消費支出の減少により閉鎖に追い込まれている。 MVTは、収容人数5,000人以上のコンサートチケットに対して、1ポンドの課徴金を追加し、その収益を再び小規模会場の存続支援に補填することを提案している。この提案は、政府の文化・メディア・スポーツ省（DCMS）や、コールドプレイやケイティ・ペリーといったアーティストからの支持を得ている。 

 

ブライトン出身のニューメタルトリオ、Yonakaがセカンドアルバム『Until You’re Satisfied』の詳細を発表した。レイブとロックを融合した新曲「Cruel」を先行リリースした。アルバム全曲は2026年3月13日よりDistiller Recordsより配信開始予定。収録曲は現在のところ非公開。

新曲「Cruel」について、ボーカルのテレサ・ジャーヴィスは「相手を破壊しながら自分も破壊される、動物的で野性的な関係」から生まれたと語っている。

トリオのベーシスト、アレックス・クロスビーは、この楽曲の背景についてさらに明かした。「レコーディング中、この曲でユーロビジョンのオーディションを受けるため、ロンドンへ何度も往復した。 ユーロビジョンのフォーラムでは多くの人が我々の名前を挙げ、ファンからも要望があったため、連絡が来た。ただ、あのバージョンはサビが違っていたので、結局選ばれなくて良かった」

一方、新作アルバム『Until You’re Satisfied』は全13曲で構成され、クロスビー自身がディミトリ・ティコヴォイ（プレイスボ、ザ・リバティーンズ）と共にプロデュースを担当。夜明け前のこの新たな冒険で待ち受けるものについて、ジャーヴィスが語る印象は以下の通りとなっている。

「このアルバムは愛についてだが、甘ったるいだけではありません。誰もが経験する、認めたくなくても起こる汚い部分や辛い部分についてです。 バンドを長年続けるということは、共に成長し、変化を重ねる過程なのであり、やがて『自分はまだ正しい場所に居るのだろうか？』と自問する時が来ます。 その間、私たちは本当に様々な感情を経験していました。お互いの世界に入り込んで、嫌悪し合い、そして、再び愛し合う。本当に深く味わった。 しかし、最終的には、問題を整理し、正しく考え直すと、まだ止める準備ができていないことに気づいたんです」

 

 

「Cruel」

トロントのインディーポップ・カルテット、CootieCatcher（クーティ・キャッチャー）がCarparkと正式契約を結び、新曲「Gingham Dress」を発表した。全ストリーミングプラットフォームで配信中のこの楽曲には、カリル・ハッダッド監督による鮮やかなミュージックビデオが付属し、2025年のアルバム『シャイ・アット・ファースト』以来となるバンドの新曲となる。

ボーカル兼ソングライターのソフィア・チャベスは、この曲ついて、「『ほぼ』交際関係（とはいえ非常に現実的な関係）の終わりに、物事が崩れていくことに苛立ちを感じていた時に書いた」と説明している。 コミットメントを求め、全ての重荷を背負いながら、相手の優柔不断さゆえに距離を置かざるを得なかった経験がテーマです」と説明。さらに「この曲は砂に線を引くようなもの。『私は全力を尽くした。これから先はあなた次第』と宣言する意味合いがあります。親密さと無条件の献身を背景に、家庭的なテーマを描くのが好きです」と付け加えた。

「Gingham Dress」は、軽やかなメロディと感情の率直さを融合させるクティ・キャッチャーの才能を際立たせる。チャベスの蜜のような歌声の下で、ドライブ感のあるギターがきらめき、繊細なシンセの装飾とリズミカルな推進力は、レーベルメイトであるビーチ・ハウスやクラウド・ナッシングズを想起させる。これはラブソングを装った清々しい決別だ——落ち着きがなく、輝きに満ち、静かに胸を打ち砕く。

 彼らの新曲「ギンガムドレス」は、約束や努力、相手の優柔不断さに押しつぶされそうな「あと一歩」の恋の痛みを捉えているという。 これは一線を画す決断であり、最後の一歩を引いた意思表示だ——「もしこれがうまくいくなら、今こそ君から行動を起こす番だ」と。親密さと家庭的な雰囲気を背景に、この楽曲は明るいエレクトロポップのメロディとほろ苦い歌詞を組み合わせ、失恋を献身、失望、そして手放すことへのきらめくような考察へと昇華させている。

「Gingham Dress」

 

Chali XCX（チャーリー・XCX）が、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドのジョン・ケイルをフィーチャーした新曲「House」をリリース。昨年のポップ・ミュージックの話題を独占した彼女であったが、今回は、ニューヨークの音楽界のレジェンドをコラボレーターに選んでいる。ジョン・ケイルの渋い歌声をフィーチャーしたハイパーポップの王道を行くトラックである。

 

同曲はエメラルド・フェネル監督による『嵐が丘』（エミリー・ブロンテ原作）のサウンドトラックに収録される予定だ。『嵐が丘』は2026年2月11日、ワーナー・ブラザース・ピクチャーズより公開予定。

 

「数年前、トッド・ヘインズ監督のヴェルヴェット・アンダーグラウンドに関するドキュメンタリーを観ました。ご存知の方も多いと思いますが、私はこのバンドの大ファンで、そのドキュメンタリーに深く感銘を受けました」

 

「特に印象に残ったのは、ジョン・ケイルがヴェルヴェット・アンダーグラウンドの重要な音響的要件について語った言葉です。どの曲も『優雅でありながら残忍でなければならない』というものでした。この言葉に強く惹かれ、メモアプリに書き留めては時々見返しながら、その真意を考えた」とチャーリー・エックス・シー・エックスは語る。

「この映画の音楽制作中も、『優雅で残忍』という言葉が何度も頭に浮かんだ…夏が終わっても、私はまだジョンの言葉を反芻していた。そこで彼に連絡を取り、彼の言葉に深く影響を受けた楽曲への意見を伺うと同時に、共同制作の可能性も探ろうと決めた」

「連絡を取り合い、電話で話した時のあの声…。なんて優雅で、なんて残酷な響きだったんだろう。何曲か送ると、特にハウスについて話し始めた。詩の概念について語り合い、彼が何かを録音して送ってくれた。ジョンにしかできないものだった。そしてそれは…そう、涙が出たんだ。この楽曲でジョンと仕事できたことは本当に幸運だ。皆さんと共有できる日を静かに待ちわびて、胸が高鳴っていた」

来年、早々、チャーリーはA24製作『ザ・モーメント』に出演する。チャーリーのオリジナルアイデアを基に、エイダン・ザミリが監督を務める本作は、彼女が新たに立ち上げたスタジオ365による初の共同製作作品となる。 さらにチャーリーは、ダニエル・ゴールドハーバー監督による1978年カルトホラー『フェイシズ・オブ・デス』のリメイク、グレッグ・アラキ監督によるエロティック・スリラー『アイ・ウォント・ユア・セックス』、キャシー・ヤン監督の新作インディペンデント映画『ザ・ギャラリスト』、ジュリア・ジャックマン監督による時代ファンタジー『100ナイツ・オブ・ヒーロー』、ロマン・ガヴラス監督による風刺アクション『サクリファイス』、ピート・オース監督による親密なドラマ『エリュプツィア』にも出演予定。

 

楽曲のリリースと同時に、ミュージックビデオも公開された。ホラー/ゴシック風の映像で、ミステリアスな雰囲気が味わえる。本映像にはグロテスクな表現が含まれます。ご視聴の際はご注意下さい。

 

「House」- Featuring John Cale