▪フランスのポピュラー音楽

 

フランスのポップミュージックは、他のヨーロッパ諸国の音楽ほど世界的に広く知られていないものの、その影響力は国際的に依然として感じられる。

フランス外務省と文化通信省は、国内でプロモーションされる音楽に劇的な影響力を持っている。フランコフォニー・ディフュージョンが発表する国内音楽チャートはフランス音楽に偏りがちだが、通常はアメリカやヨーロッパのヒット曲も含まれる。 フランス・パリ出身のトップアーティストの一人、デヴィッド・ゲッタは21世紀に入り、国際的に活躍するハウス音楽の第一人者、DJ／プロデューサーとして台頭した。彼の代表的なヒット曲には「When Love Takes Over」「One Love」「Gettin' Over You」などがある。

フランスのポピュラーミュージックのルーツは数世紀前に遡り、フランス民謡やオペラ音楽に由来する。洗練されたフランス音楽の発展を形作った二つの様式がアルス・ノーヴァとアルス・スビティオリである。同国で最も人気のあるクラシック作品の一つはジョルジュ・ビゼー作曲の「カルメン」だ。ジャン＝バティスト・リュリも不朽の作曲家である。

何世紀にもわたりフランス音楽で広く用いられてきた弦楽器に、バイオリンに似たハーディ・ガーディがある。バグパイプやフィドルも伝統的なフランス音楽のサウンド形成に貢献した。 多くの人々が「フレンチホルン」はフランス起源だと誤解しているが、実際にはドイツ発祥である。18世紀にフランスがカナダの一部を占領したため、その影響は現在もカナダやルイジアナ州（フランスが19世紀初頭まで支配）などで感じられる。

シャンソン（フランス語で歌われる宗教的でない叙情豊かな歌曲）の発展は数世紀にわたり続き、文化に深く根付いた。

ジャック・ブレルはキャリアを通じてシャンソンを重視した。ベルギー生まれながら、1950年代初頭から70年代後半の死に至るまでフランスのスーパースターとなった。 彼の録音の大半はフランス語で歌われた。その音楽活動はデヴィッド・ボウイやロッド・マックイーンといった国際的アーティストに多大な影響を与えた。また映画俳優としても活動した。

フランスはアメリカやイギリスのロックンロールの影響を受けた。ジョニー・アリデイは1960年代を代表するフランスのロックンローラーの一人だったが、その人気は主にフランスとケベックに限定されていた。 

1960年代初頭の彼の最大のヒット曲の一つは、チャビー・チェッカーのアメリカン・ヒット「レッツ・ツイスト・アゲイン」のカバーだった。その他のハリデイのヒット曲には「ケ・ジュ・テーム（君を愛している）」「モン・プリュ・ボー・ノエル（私の最も美しいクリスマス）」「オールウェイズ」などがある。ブリジット・バルドーも1950年代から70年代にかけてフランスを代表する女優／モデル／歌手として台頭した。 彼女のヒット曲には「Je Me Donne A Qui Me Plaît」、「Je Reviendrais Toujours Vers Toi」、「La Madrague」などがある。

ザ・シンギング・ナンの「ドミニク」は、アメリカ史上初めてかつ唯一フランス語で歌われたナンバーワン曲となったが、歌手はベルギー出身であった。フランス語の歌詞は、80年代のクラフトワークの「トゥール・ド・フランス」など、他の世界的ヒット曲にも登場している。 1968年、ビートルズの世界的ヒット曲「愛こそすべて」は、クロード・ジョゼフ・ルジェ・ド・リールが作曲したフランス国歌「ラ・マルセイエーズ」で始まる。

1970年代、ディスコがヨーロッパ全土に浸透する中、アメリカのチャートに影響を与えたフランスの主要ディスコアーティストはパトリック・エルナンデス、サンタ・エスメラルダ、セロンであった。1979年のディスコ時代で最も人気を博したヒット曲の一つがパトリック・エルナンデスの「ボーン・トゥ・ビー・アライブ」である。

国際的にはそれほど成功しなかった他のディスコアーティストにはダリダやシーラ＆B・デヴォーションがいる。 1980年代にはイギリスのニューウェーブがフランスに影響を与えたが、レ・リタ・ミツコやナイアガラなどフランスのニューウェーブ・アーティストの大半は国外ではあまり知られていない。ユーロダンス・ミュージックはハウス・ミュージックの礎を築き、ダフト・パンクは1990年代初頭から「ダ・ファンク」や「ワン・モア・タイム」などのヒットで強力な存在感を示している。 国際レコード産業協会（IFPI）によると、2011年時点でフランスの音楽売上高は世界第5位であった。

 

 

・イエイエの人気 　アメリカやイギリスのロックの流入

フランスではビートルズの人気に呼応するようにして、６０年代から７０年代にかけてフレンチポップ、別名、イエイエが流行した。このムーブメントを担ったのは、ラジオ曲や雑誌、それからなんといっても、VOGUEを筆頭とするファッション業界である。実際的にこれらのムーブメントの歌手はキュートなファッションセンスにより注目を集めた。

 

「Yé-Yéイエイエ)」という言葉の由来は、フランス語で「イエーイ！イエーイ！」を意味する表現に由来するとされる。これは、フランスのイエイエ歌手たちの楽曲で頻繁に用いられたフレーズであった。1959年から十年間続いたラジオ番組および雑誌『Saule les Copains』が「今週のアイドル」を特集した。雑誌では有名人の写真を掲載し、ラジオでは、「今週のSweetheatな一曲」という名物コーナーがあり、このコーナーから数々のスター歌手が登場した。

 

こうした歌手たちの極端な純真さは、恋愛や思春期の生活をテーマにした無邪気な歌を歌う彼女たちに魅力を与えた。また、封建制度的な社会からの解放や女性の人権の確立を意味した。かつての音楽文化の中心地は、ビートルズのようなロックミュージックからの影響を受け、それらをゲンスブールの前衛主義と結びつけ、新しい商業音楽のスタイルを確立させた。それがフレンチポップの正体で、フランス語と甘口のポップは日本でもヒットを記録することになった。それらのヒットには彼女たちのファッションセンスや西洋主義へのあこがれもあったろう。

フランスのイエイエ音楽は1960～70年代に全盛期を迎え、フランソワーズ・アルディ、シルヴィ・ヴァルタン、フランス・ギャル、ジェーン・バーキン、ブリジット・バルドーといった著名な名前を生み出した。これらのミュージシャンの多くは、映画俳優として活躍したのみならず、フアッション業界におけるアイコン的な存在となった。今なお専門誌などで紹介されることが多い。

 

 

・Sylvie Vartan

 

 

シルヴィ・ヴァルタンはハリウッドで成功を収めた女優である。ヴァルタンは芸能活動初期に『既婚女性』（1965年）や『マルペルトゥイ：呪われた家の物語』（1972年）など様々な作品に出演した。その後ヴァルタンは映画にキャリアを集中させ、トム・カストロノヴァのドキュメンタリー『サンセット・ピープル』（1984年）や『黒い天使』（1994年）に出演。近年では『トゥ・ヴー・オ・トゥ・ヴー・パ』（2014年）で演技を披露した。

1944年8月、シルヴィ・ヴァルタンはブルガリアで生まれた。ソ連軍によるブルガリア侵攻を受け、ヴァルタン家の4人はまずソフィアへ移り、その後フランス・パリへと亡命した。移民としての生活は容易ではなかった。シルヴィは小学校でフランス語を習得するため、非常に努力しなければいけなかった。パリでの最初の数年は、狭いホテルの一室で過ごした。

シルヴィーの兄エディ・ヴァルタンは彼女より7歳年上でした。シルヴィーが高校に通う頃、エディはRCAの芸術監督として働いていた。彼が担当していた歌手フランキー・ジョーダンが新EPで女性ボーカルを必要とした時、エディ・ヴァルタンは実の妹を推薦した。両親はこの案に反対したが、彼女が初めてのLPを録音できるよう折れた。  フランキーとのLPは大ヒットし、彼女は一躍人気者となった。やがて、17歳のシルヴィはRCAと契約し、学校を辞めてソロ歌手としてのキャリアをスタートさせた。シルヴィはフランス・イエイエ歌手がよく特集される雑誌『サリュ・ド・コパン』の創刊号で特集され、これが彼女の人気をさらに加速させた。

あるショーで、シルヴィの兄エディが彼女を「フランスのエルヴィス」と呼ばれる歌手ジョニー・ハラデイに紹介した。ジョニーは若いシルヴィに一目惚れした。ジョニーはシルヴィを追い続けたが、二人は関係を極秘にしていた。ある日、皆の驚きの中、ラジオで婚約を発表したのだ！シルヴィとジョニーはフランスで最も愛された恋人同士だった。

シルヴィは英語の曲をフランス語でカバーし、その後1962年に自身の名を冠したEPをリリースした。1962年から1964年にかけて、シルヴィはニューヨーク市とテネシー州ナッシュビルを訪れ、ジョーダネアーズ（エルヴィス・プレスリーとの共演でも有名）と共に音楽を録音した。フランスに戻ると、シルヴィはビートルズと共演した。彼女の名声は新たな機会をもたらした。  シルヴィは過去に映画出演経験があったが、『ピエロ・ラ・フー』や『シェルブールの雨傘』といった傑作映画で驚くべき役柄をオファーされた。奇妙なことに、彼女のエージェントは本人に知らせず役を断り、この絶好の機会を奪ってしまった。シルヴィは打ちのめされた。

しかし、音楽家としては国際的な評価が高まった。1965年、シルヴィーとジョニー・ホラデイは結婚し、新婚旅行からヨーロッパに戻ると、エリザベス女王のために特別なデュエットを披露した。1966年、シルヴィーは長男デイヴィッドを出産した。

60年代後半にかけて、シルヴィはパフォーマンスを進化させ、歌とダンスのルーティンを取り入れた。このスタイルはアメリカで人気だったが、シルヴィは歌いながら踊る技術を習得し、フランスで先駆者となった。多くのフランス人は彼女の新たな方向性に熱狂し、シルヴィはイエイエ・ガールからロックンロール・ガールへと変貌を遂げた。

彼女の声は他のイエイエ・ガールたちよりも常に低く、その声の荒々しさが人々に愛された。シルヴィは日本やアフリカをツアーし、ヒット曲を多言語で録音した。彼女は新たなEPを制作し、その多くは彼女とジョニーのデュエット曲で構成されていた。

シルヴィーとジョニーの未来は不安定で、1978年に離婚に至った。長年ゴシップ誌を賑わせてきた二人だが、離婚の噂が新聞を飾るのはこれが最後となった。シルヴィーは1980年代をアメリカで活動し、シェールやライザ・ミネリと比較される存在となった。  再婚した彼女はカリフォルニア州ビバリーヒルズで豪華な生活を送った。2000年代まで彼女は活動を続け、元夫ジョニーとの特別トリビュートコンサートも開催。母国ブルガリアでも公演を行い、子供支援のための慈善団体を設立した。

 

 

「Irrésistiblement」

・Brigitte Bardot

 

フランスのパリで、アンヌ＝マリー・ミュセルと裕福な実業家ルイ・バルドーの間に生まれた将来のスターは、パリで育った。幼い頃から音楽とダンスの勉強を勧められたバルドーはバレエに専念し、ロシア人振付師ボリス・クニャゼフに3年間師事。1947年にはパリ国立高等音楽・舞踊院の生徒として受け入れられた。15歳でモデル活動を始め、ファッション誌『ジャルダン・デ・モード』に登場。

 

1950年3月には憧れの『エル』誌の表紙を飾った。この表紙写真が若手映画監督ロジェ・ヴァディムの目に留まり、彼は友人であるマルク・アレグレ監督にバルドーを紹介した。モデルだった彼女は、すぐにアレグレ監督の映画『Les Lauriers sont coupés』のオーディションを受けることになった。バルドーは役を勝ち取ったものの、この映画は結局製作には至らなかった。

 

しかし、彼女はヴァディムに強い印象を残し、2人は1952年に結婚した。バルドーの両親は、彼女が18歳になるまで2人の交際を止めようとしていたため、この結婚を非常に嘆いた。バルドーは、その同じ年、ジャン・ボワイエのコメディ映画『Le Trou Normand』（『狂おしいほど愛して』）（1952年）で映画デビューし、その後、数多くのフランス映画で脇役を演じました。

 

バルドーは、カーク・ダグラス主演の『愛の行為』（1953年）でアメリカ映画デビューを果たし、ワーナー・ブラザースの壮大な作品『トロイのヘレン』（1956年）にも出演しました。スタジオから7年間の契約を提示されたものの、バルドーはこれを断り、フランスに戻ってマーク・アレグレの映画に出演しました。

 

スタジオから7年間の契約を提示されたが、バルドーはこれを断り、フランスに戻ってマルク・アレグレ監督の『未来のスターたち』（原題：Futures Vedettes、1955年）に出演した。次にバルドーは英国のコメディ『海上の医師』（1955年）に出演し、初の主演作『向かい合う光』（原題：La Lumière d'en Face、1956年）で主演を務めた。

 

まだ新進女優だったバルドーは、その後『この厄介な娘』（1956年）、『ミ・フィリオ・ネローネ』（1956年）、アレグレ監督の『エン・エフユイ・ラ・マルゲリット』（『デイジーを摘む』）（1956年）など数々の人気フランス映画に出演した。（1956年）。バルドーのキャリアが飛躍し始めた頃、ヴァディムは妻を主演に『そして神は女を創った』（1956年）の監督を務める機会を得ました。サン・トロペの男性たちの目を惹きつける美貌を持つ孤児、恥ずかしがり屋でセクシーなジュリエット・ハーディを演じたバルドーは、国際的なスターへと躍進しました。

ブリジット・アンヌ＝マリー・バルドーは1960年代から70年代にかけて、セルジュ・ゲンズブールらと共に数多くの楽曲を録音した。フランスポップの不朽の名歌手、ジェーン・バーキンと並び、ゲンスブールとの共同制作が多い。バルドーには女性ファンが多いらしい。これは彼女の主な名声の源である映画活動と並行して行われたものだ。ブリジットを題材にした楽曲がヒットした後、彼女は自身の名前が成功するレコーディング活動に役立つかもしれないと考えた。  

彼女は楽曲のレコーディングを始め、自身の映画サウンドトラックにも歌唱を提供しました。やがてセルジュ・ゲンズブールの目に留まり、二人はレコーディングパートナーシップを築きます。ゲンズブールはブリジットの恋人となり、全身黒革のセクシーなバイカー・シックや、ボニーとクライドのデュオにおける不気味なボニー像など、彼女を象徴的な存在へと昇華させたのです。

ブリジットもゲンスブールと『J'taime Moi Non Plus』（日本でもヒット）を録音したが、この曲のリリースを懇願して止めた。彼女が曲の巻き起こす騒動を懸念していたのは想像に難くない。後にセルジュは恋人ジェーン・バーキンとこの曲を録音し、彼女の息をのむような歌声がこの有名な挑発的な楽曲で聴かれることとなった。実際に音源にまつわるゴシップ的な話題も呼んだ。

ブリジットは旺盛な創作意欲を発揮し、1970年代に引退するまで、約80曲もの楽曲を録音した。今日でもブリジットは話題を呼んでいるが、女優や歌手としてではなく、確固たる動物権利活動家としてだ！彼女は優雅に年を重ねることを許容しており、印象的な容姿と美しい心を備えた愛らしい女性であり続けている。フレンチ・ポップの中でも随一の実力派のシンガーである。その歌声は不朽の魅力があり現在のポピュラー・ソングにも通用する。

 

 

「La Madrague」

 

 

・Francoise Hardy

フランソワーズ・ハーディは、その驚異的な才能と完璧なスタイルにより、フランスのアイコンの殿堂入りを果たした、典型的なシャンテューズ。ハーディは、1960年代初頭に流行した。官能的なポップソングを歌うフランスの「イエイエ」歌手たちの波の中でデビューしたが、そのほとんどを自ら作曲することで、他の歌手たちの音楽とは一線を画していました。1962年にリリースしたアルバム『Tous les garçons et les filles』は、シンプルなジャジーなビートに乗せて失恋の感情を表現する才能を持つ、魅力的な歌声の歌手としての彼女の地位を確立した。

 

タイトル曲は、恥ずかしがり屋で有名なハーディを国際的なスターに押し上げ、かつてフランスのポップス界を支配していた男性優位の業界に衝撃を与えた大ヒット曲となった。その後、1971年のボサノバ調の『La question』や、1996年のオルタナティブロックに影響を受けたアルバム『Le danger』など、ジャンルを超えた成功作を何十年にもわたって発表し続けた。映画出演や占星術師としてのキャリアに加え、ハーディは 21 世紀に入ってもアルバムをリリースし続け、2018 年には『Personne d’autre』を発表しました。彼女は 2024 年 6 月、80 歳で亡くなりました。

  

フランソワーズ・アルディは2024年に喉頭がんにより惜しまれつつこの世を去った。フレンチ・ポップやイエイエ界隈で、抜群のファッションセンスを発揮し、VOGUEとの専属契約を交わしたこともあり、お抱えの歌手とも言える。しかし、ファッションアイコンのような存在であったが、意外にも恥ずかしがり屋であったという。

 

生粋のパリジャンで、パリ9区にアルディは生まれた。疎遠だった父親から子供の頃にギターを贈られた。十代前半で、前述のジョニー・アロデイと初の両面EPを録音。彼女の曲「トゥ・レ・ガルソン・エ・レ・フィーユ」は、フランスのイエイエ・ポップ歌手として初のヒット曲となった。当初はビートルズの最初期からの影響を元にした歌謡的なオールディーズを中心としていたが、後にはフォーク・ミュージックを始めとする広義のポピュラー・ソングを華麗に歌い上げた。

自らを「内気な歌手」と称した彼女は、33枚のアルバムを制作し、テレビや映画に出演し、数多くの映画サウンドトラックにも参加した。フランソワーズはジャック・デュトロンと結婚し、一人の息子をもうけた。

1963年から1966年にかけて、フランソワーズ・アルディは毎年1枚のフランス語アルバムを発表した。厳密に言えば、いずれも自身の名を冠したタイトルで、当時の主流フォーマットであった4トラック録音の7インチ・ピクチャー・スリーブEP（フランスでは「ル・スーペール45」として知られた）をまとめたものだった。

 

ファッション界との新たな繋がり、映画界への慎重な進出、高まる国際的認知、そして彼女の存在そのものがもたらす注目にもかかわらず、音楽はフランソワーズの焦点であり続け、これらのアルバムはそれを十二分に証明してみせた。

 

 

「Tous les garçons et les filles」

 

 

 

・France Gall

 

フランスのイエイエ歌手フランス・ガルは、エディット・ピアフやシャルル・アズナヴールと仕事をした作詞家である父の励ましを受け、15歳で音楽キャリアを歩み始めた。1963年にリリースされた彼女のデビューシングル「ネ・ソワ・パ・シ・ベテ」は、16歳の誕生日に発表された軽快なホーン主体の楽曲で、フランス国内で20万枚以上を売り上げた。セルジュ・ゲンズブールがガールのために書いた数々のヒット曲の一つ「蝋人形、音の人形」は、フランスでチャート1位を獲得し、他の10カ国でもトップ10入りを果たした。

 

1966年から1972年にかけてドイツで複数のヒットを記録。そのうち「Ich Liebe Dich」と「Mein Herz Kann Man Nicht Kaufen」の2曲は、後にユーロディスコの伝説となるジョルジオ・モロダーとの共作である。1974年のカムバックヒットとなったソフトロックのアンセム「La Déclaration d’amour」は、夫ミシェル・ベルジェが彼女のために書いた数多くの楽曲の最初の作品となった。

 

1980年のヒット曲「レ・ヴォー」では、エルトン・ジョンがミシェル・ベルジェと共作した楽曲でガルのデュエットパートナーを務めた。1987年発表のアルバム『ババカール』は100万枚以上を売り上げ、彼女に「レ・ヴィクトワール・ド・ラ・ミュジーク」年間最優秀女性アーティスト賞をもたらした。

 

フランス・ギャルことイザベル・ジュヌヴィエーヴ・マリー・アンヌ・ガルは1947年にパリで生まれ、創造的な音楽環境の中で育った。

 

父は作詞家のロベール・ガル。エディット・ピアフやシャルル・アズナヴールにヒット曲を提供した人物。母は歌手セシル・ベルティエで、オーセール大聖堂のオルガニストであり、有名なフランス児童合唱団「クロワ・ド・ボワの小歌手たち」の共同創設者であるポール・ベルティエの娘であった。

イザベルは幼い頃からピアノとギターを習い、10代前半には兄弟と共に自身のグループを結成した。1963年、ロベール・ガルは娘に楽曲の録音とデモテープを音楽出版社デニス・ブルジョワへ送るよう勧めた。

 

彼女はパリのシャンゼリゼ劇場でブルジョワのオーディションを受け、その後フィリップスと契約を結んだ。 ブルジョワはフランスのジャズミュージシャン、編曲家、作曲家であるアラン・ゴラゲールと共に4曲を録音させた。

 

初シングル『Ne Sois Pas Si Bête(恋のお返し)』（Don't Be So Silly）が初めてラジオで放送されたのは彼女の16歳の誕生日だった。 この曲は瞬く間にフランスチャート首位に躍り出て、20万枚という驚異的な売上を記録。彼女はその後、イェイェーブーム（アングロサクソン系ロックンロールとフランス・ヴァリエテを融合させた1960年代の流行音楽）の中で大きな名声を得た。

ブルジョワはセルジュ・ゲンズブールにフランス・ギャルの楽曲提供を依頼した。ゲンズブール作「N'écoute pas les idoles」（アイドルばかり聞かないで）がギャルの2作目のシングルとなり、1964年3月にフランスチャート首位を獲得。 同時にベルギーでサシャ・ディステルの前座を務め、ライブデビューを果たした。

 

サシャ・ディステルのビジネスマネージャー/作詞家でもあったモーリス・テゼと組むことで、当時のイェイェ歌手の大半が英語圏のヒット曲のカバーを歌う中、独自のレパートリーを構築する道が開けた。

 

ギャルの楽曲は往々にして、十代の心理に対するステレオタイプ的な見方に基づく歌詞を特徴としていた。 アラン・ゴラゲールによる精巧な編曲は様々なスタイルを融合させ、ジャズから童謡まであらゆる音楽の間を自在にクロスオーバー。この混合ジャンルスタイルの代表例が『Jazz A Go Go(ジャズ・ア・ゴーゴー)』や『メ・プリミエール・ヴレ・ヴァンカンス』である。

1964年夏、ギャルとゲンスブールの共同作業からヒット曲「娘たちにかまわないで』（原題：Laisse tomber les filles）が生まれ、続いて『Christiansen(クリスチャンセン)』が発表された。当初は抵抗していたギャルも、1964年末にマネージャーの説得を受け入れ、子供向けシングルを録音した。 

1965年、楽曲『Sacré Charlemagne）シャルルマーニュ大王』は200万枚を売り上げる大ヒットを記録。これらの楽曲は両面のシングルとして発売される。その後、フランス・ギャルは1965年ユーロビジョン・ソング・コンテストのルクセンブルク代表に選出された。

提案された10曲の中から、彼女はゲンズブールの『Poupée de cire, poupée de son（夢見るシャンソン人形）』を選んだ。 1965年3月20日、ゲインズブール、ギャル、ゴラゲールはナポリで開催された決勝戦に出席したが、リハーサル中にこの曲はブーイングを浴びた。彼女のパフォーマンスは1億5000万人の視聴者に生中継され、本番での歌い方は最高水準とは言えなかったものの、彼女は見事に勝利を収めた。

ユーロビジョンでの成功により、ギャルの欧州外での知名度も高まり、彼女は『夢見るシャンソン人形』をフランス語、ドイツ語、イタリア語、日本語で録音。 フランス・ガル自身による英語版はリリースされていないが、60年代の英国のスター、トゥインクルによる英語カバーは存在する。

一部のフランス批評家は、ギャルとゲンスブールが自国ではなくルクセンブルグ代表として優勝したことを非難した。にもかかわらず、『夢見るシャンソン人形』はその後フランスで大ヒットを記録。フランス・ギャルは日本語バージョンでこの曲を録音し、日本でも人気を博した。

 

 

「Nous ne Sommes Pas des Anges」  

・Jane Birkin

 1960年代には軽妙な映画役をいくつか演じ、その美貌は当時のスウィンギング・スピリットを象徴する存在となった（1965年の映画『ナック』でデヴュー。アントニオーニ監督の1966年作『ブローアップ』ではヌードモデルの一人を演じた）。その後フランスで評価される女優として再登場した。

ロンドンの出身で、本格的な映画俳優として活動するために1968年にフランスに渡った。ジェーン・バーキンは、アグネス・ヴァルダによるドキュメンタリー映画『ジェーン・B. パル・アグネス・ヴァルダ』（1988年）の主人公となり、ベルトラン・タヴェルニエ監督の『パパ、ノスタルジア』（1990年）では、ダーク・ボガードと共演し、感動的な演技を見せた。作曲家であり映画監督でもあるセルジュ・ゲンズブールとの間に生まれた次女のシャルロット・ゲンズブールも女優であり、兄は作家であり映画監督でもあるアンドルー・バーキン。

超高級品であるバーキンのバッグは、1984年にエルメスの社長ジャン＝ルイ・デュマが、女優であり歌手でもある彼女と会った際に、彼女が「本当に気に入った革のハンドバッグが見つからない」と不満を漏らしたことに触発されて製作した。英国人映画作曲家ジョン・バリーとの娘であるファッションフォトグラファーのケイト・バリーは、2013年12月11日に亡くなった。ジェーン・バーキンは、2023年7月16日、76歳で死去。

「Je T'Aime Molnon Plus」は、1967年の冬、パリのスタジオで2時間のセッションで録音されたが、エンジニアのウィリアム・フラジョレは身も蓋もない噂話を流した。彼はレコーディング中に「激しいベッティング」を目撃したと吹聴した。ウィリアム・フラジョレのこの話がマスコミに伝わるなり、世間の大騒ぎになった。　

 「Yesterday yes a day」    

アメリカのフォーク・ロックのブームの波は、最初にボブ・ディランが呼び込み、サイモン＆ガーファンクルが完成させた。その瞬間、イギリスのロックに侵略されていたアメリカの音楽の流れが変わった。

 

1964年、サイモン&ガーファンクルは名曲「The Sound of Silence」を録音した。現在、２つのバージョンが残されており、当初はアコースティックバージョンで録音された。

 

その頃、ポール・サイモンは実家暮らし、両親のバスルームでこの曲を作曲した。タイル張りの中で、自然な音響が得られることをポールは気に入り、その暗闇の中で伝説的なフレーズが生み出された。

 

「暗闇よ、こんにちわ」という最初の行はフォーク史にとどまらず、ポップ史に今なお燦然と輝いている。この曲は1964年にリリースされたデビューアルバム「Wednesday Morning 3 A.M」に収録されたが、アルバム自体の売上は惨敗、3000枚の売上にとどまった。しかし、この曲はまったく思わぬ形でリミックスされ、異例の大ヒットを記録することになる。そして、この二人の成功を影から支えた重要人物がいた。有名な著作家のサンディ・グリーンバーグさんである。

 

 

サイモン&ガーファンクルの音楽が世に出る六年前のこと。1958年、アート・ガーファンクルはコロンビア大学に在学していた時、バッファロー出身の学生、サンディ・グリーンバーグと出会う。ガーファンクルにとって運命的な出会いだった。音楽や文学に情熱を注ぐ二人は、すぐさま意気投合し、お互いのフレンドシップを誓いあう。

しかし、友人のサンディはその後、難しい局面を迎え、両者の友情が試されることになる。サンディは、重い緑内障をわずらい、そのせいで失明の危機に陥っていた。彼の主治医は、彼が失明する可能性が高いと確信していた。

 

サンディは、その後、学校を退き、バッファローの自宅に帰ることに決めた。しかし、ガーファンクルは、友情を諦めなかった。彼はバッファローに旅行し、サンディを説得し、誓いを立てる。ガーファンクルは、サンディのダークネスになろうと決めたのである。 ガーファンクルは、自分自身に「ダークネス」というニックネームをつけさえした。この献身的な出来事は、のちのデュオとしての音楽性に強い影響を及ぼすことになったのではないかと推測される。

ガーファンクルは、サンディを一人で歩けるように助け、そのために地下鉄構内を歩く友人を手助けしたりしていた。この献身的な行動のおかげで、サンディは自信を取り戻し、生きることにたいする自信を取り戻していった。サンディは、１９６２年にコロンビア大学を卒業し、幼馴染のスーと結婚する。サンディは、その後、オックスフォードでフルブライト奨学金を得て、学習を続けた。その後、彼はハーバードで学問を続け、慈善家として著名な存在となっていく。彼の社会的な成功は、アート・ガーファンクルの影のサポートの賜物とも言えるだろう。

 

1964年、『Wednesday Morning 3 A.M』が商業的に散々な結果に終わったため、ガーファンクルは大学に戻り修士課程に進んだ。ポール・サイモンはソロアーティストとして活動するため単身でイギリスに向かう。有名なサイモン＆ガーファンクルのプロジェクトは頓挫しかけていた。

 

ポールがイギリスに向かった後、ガーファンクルはニューヨークにとどまり、もんもんとした日々を過ごした。ある日、ガーファンクルは、旧友のグリーンバーグがどうしているのかと思い、電話をした。グリーンバーグはガーファンクルの声を聞いた時、なにかを戸惑うような感じがした。詳しく問いただすと、ようやくガーファンクルは、その目的を明らかにした。

 

彼は、フォークデュオとしての活動を続けるための資金が必要だと旧友に明かした。サンディが電話越しに「いくら必要？」と聴くと、ガーファンクルは気まずそうに答えた。「400ドル.....」　その頃、ミュージシャンとしての二人は、ほとんど無一文に近かった。それほど時を待たずに、彼と妻のスーはガーファンクルを支援することに決めた。夫妻は銀行口座を空にして、すべての貯金をガーファンクルに送付した。これは単なる融資ではなかった。彼らのガーファンクルに対する期待がこういった金額を引き出させた。しかし、思うように事は運ばなかった。一年以上もの間、デビューアルバムはまったく人気が出ず、しばらく忘れ去られていた。

 

流れが変わったのはアルバムが発売されて一年が経過した1965年。この曲に注目した人物がいた。ボブ・ディランのプロデュースで知られるトム・ウィルソンである。ウィルソンは、アルバムのハイライト「Sound Of Silence」を聴き、一発で惚れ込む。彼はまだ、この曲に修正の余地があると感じ、本人には知らせぬまま、この曲をオーケストラレーションを付け加えた再録音した。1966年9月、ようやくこの曲はシングル・バージョンとして発売される。またたく間にこの曲は電波をジャックし、ラジオを中心にヒットしはじめた。この間、トム・ウィルソンは、プロモーターとして暗躍し、数々のキャッチコピーを広め、この曲をプロモーションしつづけた。ウィルソンの熱意が、なかなか日の目を見なかったこの曲をオーバーグラウンドに押し上げた。 

 

1966年1月1日、ガーファンクルが友達のグリーンバーグに電話をかけてからおよそ二年が経過した。「The Sound of Silence」は最初のヒットを記録、ビートルズと首位を争った末、ビルボードのホット100で1位を獲得する。翌年には映画『卒業』の挿入歌として使用され、重要な背景となり、多くのファンを生んだ。そのあと彼らは、「Mrs. Robinson」「Boxer」「The Biridge Over Troubled Water」といった伝説的なヒットソングを連発し、一躍スターダムを駆け上がることに。この時それを予測したのはごく少数の熱心なファンだけだっただろう。

 

「The Sound of Silence」

 

ブラック・サバスは、イギリスの労働者階級都市バーミンガムから生まれた。ギタリストのトニー・アイオミとドラマーのビル・ウォードは、もともと幼なじみで学校の同級生であり、ザ・レストというバンドで一緒に演奏し、後にマイソロジーというコンボで共演した。ヴォーカルのジョン・オジー・オズボーンは他のメンバーと同じ地域で育ったが、別の学校に通っていた。

 

やがて彼はベーシストのテリー・ギーザー・バトラーと意気投合し、レア・ブリードというバンドのメンバーとして、アイオミやワードと同じクラブ・サーキットでバンド対決を繰り広げた。以後、アイオミがジェスロ・タルに短期間在籍した後、バーミンガムの若者4人が力を合わせ、1968年にアース(Earth)として登場した。

 

前身バンドのアースというグループ名の変更を余儀なくされたとき、彼らはちょうど作ったばかりの曲のタイトル、''ブラック・サバス''に因むことにした。ブラック・サバスは、悪魔崇拝の弊害を警告する不吉で暗鬱なメタル・ドローンだった。以降、ウィリアム・バロウズの''ヘヴィメタル''という概念と並んで、この曲がメタルの元祖となった。 現在ではメタルの代名詞とも言えるブラック・サバスだが、ミステリアスなヴェールの向こう側にあったのは、意外な音楽であった。

 

「俺たちは当初、ジャズ・ブルースのバンドだった」とギタリストのアイオミは1984年のインタビューで回想している。ご存知の通り、半音下げチューニングの生みの親は自分のサウンドに対してある意味では無自覚であったことが伺える。

 

「自分たちのサウンドは、基本的に大きな音でチューニングすることから生まれた。当時は、自分たちのサウンドをなんと呼べばいいかまったく分からなかった」とバトラーはいう。このことは当時、彼らにラウド・ロックという点で先んじていたレッド・ツェッペリンよりもサバスのライブが轟音であることを宣伝広告として打ち出していたことが証し立てている。デビュー当時のブラック・サバスのバイオグラフィーは以下のような内容であった。

ーーこのグループは、ゴシック的な威厳と悪魔的な恐怖を帯びた火炎と硫黄のようなサウンドを形成しているーーと、まあ、大げさで笑ってしまうようなシニカルさだ。少なくとも、ブラック・サバスはアヴァンギャルドでニッチなバンドとして国内のシーンに登場した。

 

ブラック・サバスは、1970年2月、セルフ・タイトルのデビューアルバム『Black Sabbath』をリリースし、国際的な音楽シーンに登場した。当時、ディープ・パープル、レッド・ツェッペリン、ハンブル・パイといったブルースをベースとしたヘヴィ・ロック・グループが国際的な賞賛を浴び、レコード・セールスを急上昇させていた。

一般的には、ハイテンポなロックソングが目立つ中、ブラック・サバスのようなスロウテンポのおどろおどろしい音楽は異端的であったということが分かる。ブラック・サバスは、ハードロックの進化における次の論理的なステップであるように見えた。

 

ギターのリフは、これまで聴いたことがないほど悲痛で、不吉で、大音量であり、バトラーとウォードの叩きつけるようなリズムは、最も耐久性のあるバッテリーを提供した。その上、オズボーンの苦悶の叫びは特許を取得し、それ以来、決して誰にも模倣されないオリジナルのボーカルスタイルとなった。

 

「Black Sabbath」 

 

 

それでも、挑発的な題材に照らして、サバスのナンバーは大ヒットした。アメリカのFMラジオは、サバスの曲をオンエアし、グループのダウンチューニングされた陰鬱なサウンドを受け入れた。特に、「War Pigs」、「Iron Man」、そしてオジー・オズボーンのソロ曲としても絶大な人気を誇るアンセム曲「Paranoid」が、この年度のアメリカのラジオの定番曲となった。ブラック・サバスの歌詞は、1970年の当時の若者のありふれた心情を歌っていた。セックス、ドラッグ、ロックンロールなど……。もちろん、西海岸のヒッピーのような高揚した調子ではなかったが。

 

ブラック・サバスは、もっと世の中に対して率直で、懐疑的な視線を投げかけていた。さらにサバスは、ベトナム戦争に抗議し、スピリチュアリティのダークサイドを探求し、あらゆる種類の権威に疑問を投げかけ、「邪悪な世界」の内なる意識に飛び込むことを決して恐れなかった。

 

バーミンガムの殺伐とした地帯から生まれた彼らの世界観には、そうした非形成的な感情が渦巻いていた。バンドによれば、最大の成功のいくつかは、ほとんど起こりえない純粋な偶然から始まった。ギーザー・バトラーによれば、「''Paranoid''という曲は、世に出た時、ほとんど書きかけに過ぎなかった」という。私たちは、"War Pigs"のレコーディングを終えたばかりで、このアルバムは『War Pigs』というタイトルになるはずだった」とバトラーは言う。 「アルバムにはあと3分の長さのトラックを入れなければならなかったし、しかもスタジオでのレコーディング時間はあと1時間しか残っていなかった。レコードの時代には、片面につき最低は20分くらい必要だった。だから、両方を使うことに決めたんだ。"Paranoid"は20分くらいで書き上げました。この曲はとても良いものになったので、アルバム名を『War Pigs』から『Paranoid』に変えた」

 

後のブラック・サバスのライブのアンセム曲ともなった「War Pigs」は、バンドがチューリッヒのクラブに滞在し、毎晩45分のセットを7回演奏したことから始まった。この間、バンドは延々とジャムを続け、彼らが抱くようになったダークなサウンドを無感覚な客を相手に試していた。そんな形で誕生した「War Pigs」は、ベトナム戦争時代のプロテスト・ソングの最終形態ともいえるだろう。彼らはスイスのパブで何日も練習を重ね、新しいアレンジを施した。しかし、名曲になるはずだった曲を2、3日かけて練り上げた後、パブのオーナーは”もうたくさん”と言って、バンドを帰らせた。しかしながら、このセレンディピティと実験から、サバスの偉大な名曲のひとつが生まれ、今日に至るまでハードロックのベンチマークのひとつとなっている。

  

彼らの代名詞的な名曲「Black Sabbath」は、バンドの秘儀的な悪魔主義への接近と取られがちなのだが、真実はまったく異なると明言しておかなければならない。むしろ、その意味はまったく逆だった。ギーザー・バトラーは、この曲について次のように明かしている。「ベースのリフから書かれ、オジーが歌詞を書いた。''悪魔崇拝に近づかないように''という警告の曲だった。実は、それがこの曲の原点なんだ。もちろん、それは完全に誤解されちゃったんだけどね！」これらのライヴ録音が行われた重要な時期については、サバスの遺産の中でも最良の時期であるように見えるが、実際にはオリジナル・ラインナップにとっては終わりの始まりでもあった。

 

1970年代半ばには、バンドはマネージメントから何年も金をむしり取られてきたという現実に目覚め、すでに嫉妬、不安、パラノイア、薬物中毒の渦に落ち始めていた。1970年代半ばまでに、このため、アイオミ、バトラー、ウォードは1979年にオズボーンを過剰な薬物乱用で解雇し、オリジナル・ラインナップは最終的に崩壊した。

 

「初期は最高の日々だった。俺たちは毎日出世し、どんどん成功していった」とオズボーンはデビュー時について回想したことがある。「まるで、はしごを毎日のように昇っていくかのようで、どんどん成功が舞い込んできた。もちろん、それにつれ、車を買ったり、そして女を手に入れたりした。それから最も楽しい生活、グルーピーに囲まれたパーティーに明け暮れるような暮らしが始まった。しかし、ドラッグが蔓延したことで、それらの楽しい暮らしがすべて崩壊していった。つまり、バンドの運命をドラッグが左右してしまったんだ。しかし、それでも当時としては、それなしには生き残ることは非常に難しかったと思っている。私たちは中毒者だった。ドラッグやアルコールはすべての苦痛を取り払うためのものだった。一日の終わりに、褒美を与えなければならなかった......。そして、私はバンドから離れざるを得なくなったんだ」

 

1992年、オジーとのお別れギグをカリフォルニアで行った後、オリジナル・サバスは再結成した。1998年から1999年にかけて再結成ワールドツアーを行い、大成功を収めた。バンドは今でも特別なイベントのために再結成を果たした。「私たちは自分たちのスタイルをあまり変えたことがない」とアイオミは認め、ファンがブラック・サバスを決して見捨てない理由を説明した。

「私たちは流行を意識したことはなく、常に自分たちが楽しめるタイプの音楽を演奏し、それにこだわってきた。今はみんなとても良い友達だ」とオズボーンは言う。「森を見つけるには木々の障害を抜けなければならない」　その後もサバスはメンバーチェンジをくりかえしながら、オズボーンをラインナップに復帰させ、2000年以降も散発的なライブを行い活動を継続してきた。2025年、ブラック・サバスのラストツアー「Back To The Beginning」が開催される。この夏、多くのロックファンは伝説的なバーミンガムのバンドの最後の勇姿を見届けることになる。

 

「Back To The Beginning Trailer」 

 

Big Star

 

メンフィスが生んだロックバンド、Big Starは、秀逸なソングライター、タレント、バンドのスター性をすべて持ちあわせても、ヒットソングやヒットアルバムを作り出すことの難しさを歴史的に証明している。

 

メンフィスは古くはサザン・ソウルのメッカで、ミシシッピ川周辺のソウルミュージック、そしてほど近いニューオリンズのジャズとの連携において発展してきた。その象徴的なレコード会社がStaxレコードであった。

 

しかし、オーティス・レディングのようなスターを輩出した経験を持つレコード会社ですら、ビック・スターの管理には手を焼いていた。というか、宣伝に力を入れなかったのではないかと推測される。結局のところ、Big Starは米国の最初のインディーロックスターである”アレックス・チルトンの在籍したバンド”という条件付きの共通認識で音楽ファンに知られるようになる。ビックスターを信奉するアーティストは殊の外多い。ティーネイジ・ファンクラブ、REM、ウィルコなどカレッジロック/インディーロックの著名なバンドはみな、Big Starを聴いて育ったと言える。ある意味ではオルタナティヴという源流はこのバンドにあると断言出来る。

 

そもそも、ビッグ・スターを生んだ時代のロックは、結局、ビートルズのフォロワー・サウンド、そしてフォーク・ミュージックやソウルという自家薬籠中の音楽をどのように結びつけるかという試作段階にあった。その代表格がバッド・フィンガーである。彼らは確かに、ヒット・ソングを作り出すことに成功した。しかし、ビートルズに匹敵する実力派のバンドであったにもかかわらず、アイドルのようなプロモーションが行われたことに不満を示し、さらにメンバー内のマージンの分配の問題を抱え、最終的にはバンドとして空中分解をする。代表曲「Without You」はレコード業界の光と影であるとよく言われ、売ることの代償、バンドというものの難しさを表している。そして、彼らと似たような運命を辿ったのがビッグスターだった。

・Big Star   第一期　デビューアルバム『#1 Record』の誕生まで 

 

アレックス・チルトンはビッグ・スターに参加する以前に公式なヒット・ソングを持っていた。彼は、元々、ソウル・ミュージック（ブルーアイド・ソウル）を主要なバックグラウンドとしていた。メンフィスのセントラル高校に在籍していた１６歳の時点で、ソウルグループThe Box Topsのメンバーに参加していた。１９６０年代の後半には、「Cry Like A Body」「The Letter」「Soul Deep」、「Sweet Cream Ladies, Forward March」というヒット・ソングを持っていた。

 

１９７１年に、このグループは解散し、しばらくチルトンは音楽的な漂流を重ねた。チルトンは２１歳の頃、ナショナル・ストリートにあるジョン・フライのアーデン・スタジオに出入りするようになった。そのスタジオで偶然、物静かで少し愛想の悪い青年と出会う。それがクリス・ベルだった。彼は、メンフィス大学を出たあと、テネシー大学に短期間通っていた。そしてアイスウォーターというバンドで活動していた。

 

二人は意気投合して、ビッグ・スターを結成する。そしてクリスの高校時代の友人であったアンディ・フンメル、そしてジョディ・スティーヴンスが参加し、ベース、ドラムが加わり、１９７１年にラインナップが完全に整った。当初、彼らはLed Zeppelin，Bad Finger，James Gangのカバーソングとオリジナル曲を演奏し始めた。「Big Star」という名称は、当時、メンフィスにあった食料品店に因んで名付けられた。

 

当初、彼らはビートルズのようなロックソングを書きたいと切望していた。チルトンとベルは集中的に作曲を行い、わずか数ヶ月で十数曲を書き上げた。そしてフンメルとスティーヴンスとのライブセッションでそれらを形にしていく。そのための環境は整っていた。当時、ビックスターのメンバーは、アーデント・スタジオに気楽にアクセスし、セッションを行うことが可能だった。

 

そしてすでに、彼らのデビュー・アルバム『＃1 Record』の大まかな骨子は、この年に出来上がっていた。アーデントはスタックスの子会社で、傘下のインディーズレーベルから1972年にデビューを果たす。 『＃1 Record』は、STAXの説明によると、二番目のアーデントのリリースだった。

 

 

「The Ballad of El Goodo」(#1 Recordに収録)

 

 

 

しかし、このアルバムが、なぜ後にロックファンの間で伝説化したのか.......。 それは、当時、このアルバムが一般的には販売されていなかったという理由である。そのため、『＃１ Record」は一部の評論筋やロック雑誌の間だけで知られるに過ぎなかった。特に、このバンドのデビュー・アルバムを高く評価していたのが、ローリング・ストーン誌だ。後にローリングストーンは『史上最高の５００枚のアルバム』にランクインさせた。チルトン/ベルのソングライティングは、マッカートニー/レノンとよく比較された。しかし、スタックスは、アルバムをほとんど宣伝せず、レコードショップでの販売はもちろん、ラジオでもあまりオンエアされなかった。アルバムには「The Ballad Of El Goodo」、「Thirteen」、「The India Song」が収録されていたにもかかわらず、ヒットには恵まれなかった。リリース時は数千枚の売上にとどまった。

 

クリス・ベルは、デビューレコードのために、レコーディングとミキシングに関して相当な試行錯誤を重ねたため、これらの商業的な失敗は、かなり堪えるものがあった。１９７２年末までに、ベルはこのバンドを去っていた。それに加え、チルトンに焦点を当てたレビューが彼を悩ませた。スティーヴンスは、「クリスがデビュー・アルバムのレビューを読み始めたとき、物事が少しずつ悪化しはじめた」とドキュメンタリー映像『Nothing Can Hurt Me』で語る。「それは彼の創造的なビジョンの非常に大きなウェイトを占めていたので、プレスのレビューがアレックスに焦点を当てて帰ってきたとき、彼はミュージシャンとして今後その影響下で生きなければならないと考えたのだった」

 

・第二期　セカンドアルバム『Radio City』の制作の難航　バンドの空中分解

 

 

主要メンバーのベルが去った後、ビッグ・スターの活動は行き詰まっていた。残された三人のメンバーは、ラフィエットのミュージック・ホールの閉会式の後のコンサートで演奏するために久しぶりに再会した。このショーは成功し、アーデントのジョン・キングがチルトン、フンメル、スティーヴンスを説得し、セカンドの制作をするように勧めた。

ジョン・フライは、「バンドが次のアルバムの制作を決めたことは嬉しかった。けれど、それはナイトクラブ、バーや酒のために生み出されたとも言える。つまり、（セカンド・アルバム）ラジオ・シティに映る地理がここに見えてくる」と回想する。

 

 

プロデュース的なロック/フォークサウンドであったファーストと比べると、その違いは一目瞭然である。ブルースやソウル、サザンロックといったチルトンの音楽的な背景を駆使し、ライブサウンドに近いロックがセカンドアルバムには見いだせる。セカンドの制作に取り掛かったビッグ・スターは、チルトンを中心に作曲を行い、フンメルやスティーヴンスも同じように、ソングライティングに貢献を果たした。その中には、バンドを去ったクリス・ベルが残した遺産も含まれていた。それが、「O My Soul」「Back of A Car」といったトラックだ。

 

 

スタジオのセッションでは、音楽的なプロデュースの役割を担っていたベルの不在のため、以前よりも緩くなり、散漫に陥ることもあったが、バンドはそれらの欠点を受け入れようとした。しかし、デビュー時のような熱量は失われつつあった。ライブセッションに価値を見いだせなかったフンメルは、ビッグ・スターを脱退し、ロッキードに勤務し始める。メンバーの多くは、この年代にありがちな進路の問題を抱え、ビッグスターの活動は暗礁に乗り上がりつつあった。

 

セカンド・アルバムは、バンドとしての見通しがたたない中、１９７４年２月にリリースされる。アルバムの中では、「September Gurls」がヒットの可能性があると目されていた。しかし、デビュー・アルバムと同じように、STAXの流通の問題が再燃した。『Radio City』は数千枚の売上にとどまり、商業的な成功には至らなかった。しかし、このアルバムの収録曲にはカバーアンセムが含まれている。The Replacements，The Banglesがカバーしていることは付記しておくべきだろう。

 

ビッグ・スターは、公式には二作のアルバムをリリースしたに過ぎなかった。次のアルバム『Third』を加えたとしても三作。しかし、３つ目のアルバムがリリースされたのは２０００年代以降、正確に言えば２０１６年である。こうした中、最初のオリジナルメンバーは、チルトンとスティーヴンスだけになる。１９７４年の秋、彼らはプロデューサー、ジム・ディッキンソンとリボルビング・キャスト・スタジオに戻り、新しいレコードの制作に取り組もうとした。

 

ところが、プロデューサーのディッキンソンは、明らかにこのバンドがすでに空中分解しようとしているのを肌で感じ取っていた。「その頃すべてが悪化していたんだ。そして、それはレコードにはっきりと表れ出ていた。 しかし、まだ地理性のようなものが含まれていた。ミッドタウン……、つまり、メンフィスらしさがあった。しかし、バンドとしてはすべてが悪化しつつあった。それはレコードにはっきりと捉えられている。芸術的なビジョンの分解という....... 」

 

 

Big Starの三枚目のアルバムのレコード制作の噂は長いあいだ眉唾ものとされていたが、マッシュアップタイトル「Third/ Sister Lovers」の出現により、現実視されるに至った。しかし、全般的には、ジョン・フライがレコーディングを中止したほど、アルバムの制作は完成には程遠かった。

結局のところ、彼らのファンの間では、三枚目のアルバムは幻となり、「＃１ Record」「Radio City」がビッグ・スターの公式のリリースという見解が根強い。STAXもバンドのおすすめ作品として、ファーストとセカンドを重要視しているようだ。

 

 

「I'm In Love With A Girl」(Radio Cityに収録)

参考:  Culturesonar:  Big Star: An Appreciation

 

イギリスのパンクの歴史の原点は一つは、マルコム・マクラーレンがもたらした宣伝的な概念である。そしてもう一つは、社会に内在する政治的な側面である。これは源流に当たるニューヨークのパンクグループよりもその性質が強い。特に、ジョン・ライドンやシドの影に隠れがちだが、イギリスの音楽の系譜を見る際には、ジョー・ストラマー、そしてミック・ジョーンズ、ポール・シムノンを素通りすること出来ない。

当初のザ・クラッシュはラモーンズの音楽に触発されたということもあり、４カウントで始まる直情的なパンクロックソングを特色としていた。その後、レゲエ、スカ、ラヴァーズ・ロックなどを融合させ、パンクロックそのものの裾野を広げていった。パンクの可能性というのは、内包されるジャンルの多彩性にある。それはジャズと同じようになんでも出来るという、ある種の無謀な音楽的な挑戦でもあったわけなのだ。

 

しかし、ジョー・ストラマーやジョーンズがなぜ、レゲエやスカといったカリビアンの共同体の音楽を取り入れるようになったのかという点は、当時の１９７０年代後半のイギリス社会の情勢が如実に反映されている。

例えば、ノッティング・ヒルの１９７６年のカリブ系移民と白人を巻き込んだライオットにジョー・ストラマーは偶然居合わせ、この事件に触発され、白人が黒人と一緒に共闘すべきであること、そして白人もまたカリブ系移民のように政治に怒ることをステートメントの中に取り入れたのだ。これは１９７０年代のサッチャリズムの渦中で、資本を搾取される市民に対し、彼らに倣い、権力に従属することなかれという意見をパンクソングの中に織り交ぜたのであった。

パンクロックの初心者は、例えば、デビューアルバムに何らかの共感を示し、そのあと『London Calling』のようなハイブリッドのパンクの魅力に惹かれていく場合が多いと思うが、ザ・クラッシュのメンバーがなぜカリブ系の音楽をパンクの文脈に取り入れるようになったかを知るのはとても大切だろう。デビュー時のパンクロックソングはもちろん、『Sandanista!』のように一般的に亜流と称されるアルバムまで、表向きの印象だけでなく聴き方が変わってくるからだ。

 

１９７６年、もう一つのパンクの始まりを告げる動きがロンドンで発生しつつあった。この年の７月にニューヨークのパンクバンド、ラモーンズがノースロンドンにあるラウンドハウスでギグを行い、このライブにはイギリスの最初期のパンクバンドが多く参加していた。彼等はロックソングを簡素化したラモーンズのスタイルに共感を示し、それらを同地で再現させるべく試みた。セックス・ピストルズが１９７５年１１月６日にウェストロンドンのセント・マーチング・スクール・オブ・アートで初演を行い、時を同じくして、ザ・クラッシュは１９７６年７月４日にはシェフィールドのザ・ブラック・スワンでピストルズを支援するライブを行った。

驚くべきは、この最初の流れが発生したあと、ロンドンのパンクの先駆的な動きはわずか数年で終焉を迎える。いわばこの音楽ムーブメントそのものが''衝動的''であったと言わざるを得ない。

当時の音楽ジャーナリスト、キャロライン・クーンは、この最初のパンクバンドの台頭に直面した時、ピストルズについて、「個人的な政治」であるとし、クラッシュについて、「真剣な政治」と報道しているため、政治的な性質が強かったと言わざるを得ない。

ジョー・ストラマーとシモノンは、ロンドン西部にあるノッティングヒルやドブローク・グローブなどのレゲエ・クラブに足を運んで、ジャマイカの音楽に慣れ親しんでいた。これが結局、クラッシュの多彩な音楽性を形成したのにとどまらず、パンクロックの音楽の網羅性や裾野の広さを構築することになった。

 

 

１９７６年の夏、ザ・クラッシュのメンバーはノースロンドンのカムデン・タウン、そして西ロンドンのラドブローグ・グルーブ、ノッティングヒルの区域に不法に滞在していた。しかも取り壊し予定の古い空き家に陣取っていた。ギタリストのミック・ジョーンズは、ウィルコム・ハウスと呼ばれる議会のタワーの18階に祖母と一緒に住んでいた。この場所は、ロンドンの高速道路であるウェストウェイが見下され、名曲「London’s Burning」の歌詞でも取り上げられている。 

 

 

彼等が重要な音楽の根幹に置いたアフロカリブの音楽、ジャマイカのレゲエ/スカはおそらくノッティングヒルのカーニバルでも演奏される機会が多かったのではないか。現在も開催されているこのフェスティバルは当時それほど大規模ではなかった。このフェスティバル自体も１９５８年の最初の人種的な暴動の反省を踏まえて、愛に満ちた祝祭として行われるようになった。

 

しかし、当時の社会情勢の影響もあってか、１９７６年に二十年前と似たような事件が発生する。それが「ノッティングヒルの暴動」と呼ばれる事件である。この年のカーニバルが終了すると、ストリートが独特な緊張に満ち始め、黒人の一部のカリブ系の若者（白人も参加したという説もある）が警察側に対して暴徒化したのだった。

 

１９７６年のノッティングヒルの暴動に参加したDJ、映画監督のドン・レッツ

 

この暴動に居合わせたストラマーとシモノンは、黒人の暴動に深い共感を示し、彼等の勇気に接して、「同じように自分たちも怒るべきだ」と最初のパンクロックソング「White Riot」にその意見を込めた。この暴動にはシド・ヴィシャスもいて、二人は彼を捕まえるため暴動に戻った。その様子をテラスハウスから見た黒人の年配女性は彼等に言った。「あそこにいくな。少年たち。殺されるわ！！」

 

ところが、彼等は戻らず、この暴動に最後まで居残った400人規模の黒人たちを英雄視し、「ハードコアのハードコア」と呼んだ。そして、これがすでにオリジナルパンクの後の８０年代の「ハードコアという概念」が誕生した瞬間であると言えるだろう。もちろん、この曲は白人側に対するステートメントであると言えるが、そこにはカリブ・コミュニティの考えに対する深い共感を見出すことが出来る。拡大解釈をすると、人種を越えて協働すべきという内在的なメッセージも滲んでいる。その証立てとして、彼等はセカンドアルバム『London Calling』ではレゲエ、スカ、そしてフォーク/カントリーと人種を超越した音楽へと接近していったのである。これは単なる音楽の寄せ集めのような意味ではなく、音楽は人種を超えるという提言がある。

 

個人的なことにとどまらず、他者や社会全体のことを考えられるというのはスペシャルな才能ではないか。そして、意外にも激しいイメージを持つジョー・ストラマーがこういった性質を持ち合わせていたのは、以降の「I Fought The Law」のような友愛的な一曲を見れば歴然としている。ザ・クラッシュはこの日の出来事に強い感銘を受け、デビュー曲「White Riot」を書き上げた。

 

「黒人は多くの問題を抱えている。彼等は確かにレンガを投げる方法を知っている。白人は学校に行って、そこで厚くなる（賢くなる）方法を教えられる。彼等の誰もがムショには行きたがらない」

扇動的な内容であるが、権威や権力に対し反抗を企てることも時には必要であると彼らは訴えかけたのだった。

 

この曲は当初、それほど大きな話題を呼ばなかったが、BBCのジョン・ピールが高く評価し、そしてラジオでも積極的にオンエアした。また、以降の時代になると、ミック・ジョーンズは若気の至りのような部分があったということで「White Riot」を演奏することを忌避したという。しかし、市民が権力に従属せぬこと、反対意見を唱えることの重要性を訴えたという点では、粗野で直情的という欠点もあるにせよ、パンクロックの重要な原点を形作ったと言えるか。

 

なお、最近もノッティングヒルのカーニバルは続いており、現在では、フレンドシップに脚光を当てた友愛的なイベントへと変化している。１９７６年の暴動をドキュメンタリーフィルムとして追った映画「白い暴動（White Riot）」は、日本で２０２１年に公開された。この映像では経済破綻状態にあった70年代のイギリスの世相が的確に映し出されている。こちらの映像もぜひ。 

 

　ジギー・スターダストに象徴されるように、よくデヴィッド・ボウイは架空のキャラクターを矢面に押し出したイメージ先行のアーティストと言われる。一理あるが、しかしそれがすべてだとも言いがたい。デヴィッド・ボウイは1976年から1978年まで西ベルリンに住んでいたが、この3年間は彼がミュージシャンとしてヒューマニスティックな暮らしを送った期間だ。この時代、『Low』、『Heroes』、『Lodger』など名作群を世に輩出した。いわゆるベルリン三部作と言われ、ブライアンイーノがプロデュースした。そのなかではかのオブリーク・ストラテジーズも使用された。ここではボウイが旧ドイツでどんな暮らしを送っていったのかを探索する。

　ボウイがベルリンを訪れたとき、1960年代の激動と熱気に包まれたこの都市は、東西分裂の時代とあってか、やや荒廃していた。 しかし、ベルリンという都市は、戦後もなお、その名を知られることのなかった、独自の発展を遂げた都市でもあった。 戦争の後、この都市は、常にその名を知られるようになったのである。 しかし、市庁舎センターは、戦争と社会主義的な市街地計画の結果であるような、激しい対立の場でもあった。 その結果、オスト・ベルリンは滅亡の危機に瀕したのである。 その結果、わずか数メートルの距離で、すべての市街地が破壊された。

　西ベルリンは当時、ドイツ連邦共和国からの補助金のみによって運営されている非常に活気のある都市であった。拡大された街並みと、それに付随する街の魅力が、多くの人々の関心を引きつけていた。

　四半世紀前に大成功を収めた後、米国で活躍するミュージシャンは大きな転機を迎えた。 彼は、ある時はファンから激しく非難され、ある時はファシスム・シンパシーを強く意識するようになった。 ボウイは世界主義の人間として再出発しようとしていた。 西ベルリンは、まさにうってつけの世界都市であった。ここでのデヴィッド・ボウイは、世界での数年を経て、再びエルデ星に降り立ったのである。 しかし、ボウイは1970年代のドイツ・キノに興味を持ち、クラフトワーク、ノイ、カンといった、新しい音楽性を追求するクラウトロックにも興味を持った。

「LAでの生活は、私に圧倒的な予感を残していた。 薬物による災難の瀬戸際に何度も近づいたし、何らかの前向きな行動を起こすことが不可欠だった。 長年、ベルリンは私にとってある種の聖域のような魅力があった。 事実上、匿名で動き回れる数少ない都市のひとつだった。 私は危うく一文無しになりそうだった」

「私は10代の頃から、とくに表現者たち（芸術家も映画製作者も）の怒りに満ちた感情的な作品に夢中になっていた。 ベルリンは、ディ・ブルッケ運動、マックス・ラインハルト、ブレヒト、そして『メトロポリス』や『カリガリ』の発祥の地だった。 それは、出来事によってではなく、''気分によって人生を映し出す芸術''だった。 これが私の仕事の方向性だった。 1974年にリリースされたクラフトワークの『アウトバーン』によって、私の関心はヨーロッパに戻った。 電子楽器が圧倒的に多かったので、この分野はもう少し調べなければいけないと確信したんだ」

「クラフトワークが私たちのベルリンのアルバムに与えた影響については、多くのことが語られてきた。 でも、そのほとんどは、少しいい加減な分析だろう。 クラフトワークの音楽へのアプローチは、私の構想には入っていなかった。 彼らの音楽は、管理され、ロボット的で、注意深く、ミニマリズムのパロディに近いものだった。 フローリアンとラルフは、自分たちの環境を完全に管理しており、彼らの作曲はスタジオに入る前に十分に準備され、研ぎ澄まされているという感じがした。 私の作品は表現主義的なムード・ピースの傾向があり、主人公（私自身）は自分の人生をほとんど、あるいはまったくコントロールすることなく、''時代精神''（当時の流行語）に身を任せていた。 音楽はほとんど自然発生的なもので、スタジオで作られた」

「実質的にも、私たちは両極端だった。 クラフトワークのパーカッション・サウンドは電子的に作られたもので、テンポが硬く、動かない。 他方、私たちのサウンドは、力強くエモーショナルなドラマー、デニス・デイヴィスによる揶揄されるような処理だった。 テンポは「動く」だけでなく、「人間」以上に表現されていた。 クラフトワークは、その屈強な機械的ビートを、すべて合成音の発生源で支えていた。 私たちはよくR&Bバンドを使った。『Station To Station』以来、R&Bとエレクトロニクスのハイブリッド化が私の目標だった。 実際、70年代のブライアン・イーノのインタビューによれば、彼はこの点に惹かれて私と仕事をするようになった」

　ベルリンでの時代については、多くの出来事が伝説化している。ボウイは、シェーネベルガー通り155番地の大きなアパートで暮らしていた。また、157番通りにある "Anderes Ufer "というバーにも出入りした。それ以前は、ニュルンベルガー通り53の「Dschungel」、フッガー通り33の「Chez Romy Haag」、パウル・リンケ・ウーファーの「Exil」、カント通りの「Paris Bar」で活動していた。 ボウイの音楽は、ポツダム広場にある有名なハンザ・スタジオで演奏された。 

デヴィッドボウイが暮らしていたアパートメント

　ボウイが文化に興味を持ったとき、彼はブリュッケ・ミュージアムに入った。 WGの仲間であるイギー・ポップの歴史は半ば伝説化して語り継がれている。パンク界のレジェンドは、ボウイの部屋の中に入ってからまもなくアパートを去った。原因は冷蔵庫の食材を勝手に食べたのが理由だったとか……。ボウイがロミー・ハーグと親交を深めたのも、ベルリン時代の思い出のひとつ。そして当然、彼のアシスタントのココ・シュワブもいた。 イギー・ポップの友人であるエスター・フリードマンも、この小さなグループに加わった。 スタジオでは、プロデューサーであるトニー・ヴィスコンティとトーン奏者のエドゥアルド・マイヤーが重要な役割を果たした。

　ベルリンでは、デヴィッド・ボウイは創作活動に没頭した。 この時期に発表された3枚のアルバム、いわゆるベルリン三部作は、ベルリンで最も重要な時代的出来事である。 ボウイは『Low』『Heroes』をドイツ語とフランス語でも発表した。 しかし、それは極限の状態で書かれた。

「私にとっては危険な時期だった。 肉体的にも精神的にも限界だったし、自分の正気について深刻な疑問を抱いていた。 でも、これはフランスでの話……。全体的に、私は''ロー''から絶望のベールを通した本当の楽観主義を感じる。 自分自身が本当に元気になろうと必死になっているのが聞こえてくる。ベルリンは数年ぶりに生きる喜びを感じ、大きな解放感と癒しを与えてくれた。 パリを思い出すよりも8倍も大きな都市で、迷いやすく、自分自身を見つけるのも簡単だった」

　この街では、ボウイはさらに多くのことを学んだ。 そして彼は、西ベルリンが、その昔もそうであったように、きわめて異質なものであったが、その末期には郷愁的であったことを知った。一般的には彼は1978年にこの地を去り、以来ベルリンには戻らなかった。しかし、デヴィッドボウイにとってベルリンは住みやすい街で離れるつもりはなかった。その後ニューヨークに行ったのは行きがかりとも言うべき理由だった。当時のことについてボウイは回想している。

「ベルリン離れるつもりはなかった。たぶん、うまくいっていたんだと思う。 かけがえのない、見逃せない経験だったし、それまでの人生で一番幸せな時期だったかもしれない。 ココもジムも私も、とても素晴らしい時を過ごした。 でも、あそこで感じた自由な感覚は言葉では言い表せない。 私たち3人が車に飛び乗り、東ドイツを狂ったようにドライブして黒い森に向かい、目に留まった小さな村に立ち寄った日……。何日もかけて。 冬の日にはヴァンゼーで午後の長い昼食をとったりしたんだ。そこはガラス張りの屋根があり、木々に囲まれていて、はるか昔の1920年代のベルリンの雰囲気がかなり残っていた。 夜はクロイツベルクにあるレストラン「エグザイル」、インテリやビートとつるんだりもした。奥にはビリヤード台がある煙の充満した部屋があり、いつも仲間が入れ替わる以外は、もうひとつのリビングルームのようだった」

「西ベルリンの中心部にある巨大なデパート、''Ka De We''で買い物をすることもあった。このデパートには、誰もが想像できるような巨大な食品売り場があり、一時期深刻な食糧難に陥った国か、単に食べることが好きな国民しか想像できないような陳列がされていた。 私たちは、チョコレートやキャビアの小さな缶など、当時は贅沢品と感じられるものを時々買い込んでいた。ある日、私たちが出かけている間にジムがやってきて、私たちが朝から買い物に費やした冷蔵庫の中のものを全部食べてしまった。 私たち夫婦がジムの心から怒った数少ない出来事だった」

「ジムは、ベルリンで知り合った女性と結婚し、私たちのアパートの隣に自分のアパートを建てたので、もうしばらくベルリンに残ることにした。 それからエレファント・マンの話が持ち上がり、私はかなりの期間アメリカに滞在することになった。 それからベルリンを離れたんだ」

 

バーバンクにあるワーナー・ブラザーズのスタジオ

　Burbank Sound（バーバンク・サウンド）は、１９７０年代のロサンゼルスの象徴的なサウンドで、その多くがサンセット通りにあるレコーディング・スタジオから生み出された。西海岸の特有のロック、ウェスト・コーストサウンドとも重複する部分があり、長らくこのサウンドの正体を掴みかねていました。思い出の中にあるロックといえば語弊になりますが、それに近い印象もあったのです。

 

　該当するバンドといえば、ドゥービー・ブラザーズ、ライ・クーダー、ヴァン・モリソン、キャプテン・ビーフハートなどが思い浮かびます。どうやら、バーバンク・サウンドには表立った特徴がなく、ハリウッドの北の郊外にあるバーバンクという土地から生み出されたという理由で、このジャンル名がつけられたという。そして、フィル・スペクター・サウンド、モータウン・サウンドには明らかな音楽的な特徴があるけれども、それとは反対にバーバンク・サウンドには明確な特徴がない。それだけではありません。バーバンク・サウンドが面白いのは、アーティスト主導によって推進され、考え方によっては音楽的な共同体のような意味が求められるというのです。

 

　日本の音楽評論家の重鎮であり、”はっぴいえんど”のファースト・アルバムを手掛けた小倉エージさんは、このサウンドについてドゥービー・ブラザーズのLPのライナーノーツでこう説明しています。「ロサンゼルスとはいっても、それはまったく東京のようでもあり、さらにそれを音楽と結びつけ、例えば、デトロイト、フィラデルフィア・サウンドというように表現しようとすると、これがまた複雑怪奇で、様々に入り乱れていて、なんと説明してよいか困り果ててしまう」

 

「ところで、ロサンゼルスには、無数のレコーディングスタジオが立ち並び、例えば、テレビのメロドラマのサウンドトラックのレコーディングから、明日を夢見るロックグループがなけなしの金をはたいて、わずかな時間を借り、レコーディングに励んでいたり、また、ずっとスタジオを借り切って新しい音の創造に熱を燃やす有名ロックグループ、というように様々なレコーディングが行われていた」

 

「もっとも、バーバンクでレコーディングされる音は、その姿勢などからいくつか分けることが出来ます。そのひとつが敏腕プロデューサーをチーフとし、有名スタジオ・ミュージシャンをバックに、プロデューサー本位の音楽を追求し、独特のサウンドを創造していくスタイル、かつてルー・アドラーが持っていた「ダンヒル」等、ポップマーケットを意識した音作りをしているものが挙げられます」

 

「それとは対象的に、バーバンク・サウンドは、あくまでアーティスト本位の音楽性を追求していくスタイルで、例えば、多くのロックグループがそれに当てはまり、ロックミュージシャン同士の交流も盛んだったので、互いのレコーディングに顔を出していることも多かった。 『スワンプ・ロック』という名前で紹介されたデラニー＆ボニーやレオン・ラッセルなどが挙げられる。そして、これまでに伸びてきた二つのスタイルを重ね合わせ、アーティスト本位の音楽性を重視した上で、スタジオ・ミュージシャンなどを使い、商業性にこだわらない独自のサウンドを作り上げているプロデュースチームもあった。その代表格が、ハリウッドの北にあるバーバンク・サウンドのグループだった」

 

「バーバンク・サウンドという言葉を知らしめるきっかけとなったハーパーズ・ビザールの一連のヒット曲や、彼らが作り出した４枚のアルバム、ボー・ブランメルズ、アーロ・ガスリー、ランディ・ニューマン、ヴァン・ダイク・パークス等のアルバムを聴いていると、共通したなにか、それこそバーバンク・サウンドの特徴ともいえるものを発見することが出来る。セピア色に色づいた１９２０年代から４０年代のアメリカ、それもハリウッドの黄金時代を思わせる都会的なものから、映画『怒りのぶどう』をほうふつとさせるものなのです。そこにはブルースがあり、カントリー&ウェスタンがあり、フォーク・ミュージックがあり、ジャズがあり、それにくわえて、ヴァン・ダイク・パークスやドゥービーのようにカリブ海からも音楽性を吸収している」

 

 

　こういった特徴を持つバーバンク・サウンドでありますが、この一連のグループが有名になっていったのには以下のような経緯がある。そして、商業性を度外視した音楽性から、一般的に有名になるのには少し時間がかかった。海外ではなおさらで、日本でこの言葉が普及するのには経過が必要だった。言ってみれば、じわりじわりとバーバンクの言葉が浸透していったのです。

 

 「ヴァン・ダイク・パークス、そして、ランディ・ニューマンなどはまったくと言っていいほど、商業性を無視していたから、それらの成果により名前だけは知られていても、アルバムの売上は十分と言えるものではなかった。そのため、日本でもほとんど紹介されぬまま終わっていたものも少なくなかった。 ところが、アーロ・ガスリーの「Coming To Los Angels」(１９６９年）がアンダーグラウンドでヒットしたのをきっかけに注目が集まるようになった。アーロ自身がウッドストック・フェスティバルで成功をおさめたことや、コメディ映画『Alice's Restaurant（アリスのレストラン）』（１９６９年）の成功も大いに手伝った。そして、１９７２年の夏、アーロ・ガスリーは「The City Of New Orleans」を大ヒットさせ、地位を決定づけた」

 

「それに刺激されてか、レニー・ワロンカーのアシスタント的な存在だったテッド・テンプルマンが、ポピュラー的な感覚を持つロック・グループを育てることに力を入れ始めた。その第一弾としてデビューしたのが、ドゥービー・ブラザーズだった。第二作『Toulouse Street』、その中のシングル「Listen To Music」が大ヒットし、成功を収めた。テッド・テンプルマンは、ヴァン・モリソンの制作を手伝うなど、音楽業界では、ワロンカー以上の注目を集めるようになりました。さらに、ドゥービー・ブラザーズに続いて、ヴァン・ダイク・パークス、リチャード・ペリーに才能を買われ、ニルソンやカーリー・サイモンのセッションにも参加したローウェル・ジョージを中心とするリトル・フィートが出てきた」とき、バーバンク・サウンドは決定的となった。

 

 

　バーバンク・サウンドはアーティスト主体によるサウンドで、フィル・スペクター・サウンドのように、限定的なサウンドではないことは先述した通りです。しかし、このバーバンク・サウンドは才能豊かなエンジニア、アレンジャー、プロデューサー、作曲家、そしてミュージシャンが支えてきた。これらは当時、ハリウッドのサイドストーリーともいえるバーバンクのスタジオで働く人々だった。その中には驚くべきロックミュージシャンの名前を見出すことが出来ます。

 

・レニー・ワロンカー（ワーナーーのチーフプロデューサー）

・テッド・テンプルマン（ワロンカーのアシスタントだったが、著名なプロデューサーになる）

・アンディ・ウィッカム（プロデューサー）

・ジョン・ケイル（音楽家、プロデューサー）

・ラス・タイトルマン（音楽家、プロデューサー）

・ヴァン・ダイク・パークス（音楽家、プロデューサー）

・ランディー・ニューマン

・リー・ハッシュバーグ（エンジニア）

 ・ドン・ランディー （エンジニア）

　というように、多数の才能豊富なミュージシャン、エンジニアがバーバンクのスタジオには在籍していたことが分かる。そして彼らが生み出したバーバンクの主要なグループは次の通りです。

 

 

 ■レニー・ワロンカーのプロデュース

 

 ・ライ・クーダー

・ハーパーズ・ビザール

 ・エヴァリー・ブラザーズ

・ランディ・ニューマン

・ボー・ブランメルズ

・ヴァン・ダイク・パークス

・ゴードン・ライトフット

 

■テッド・テンプルマンのプロデュース

 

 ・ドゥービー・ブラザーズ

・リトル・フィート

・キャプテン・ビーフハート

・ロレイン・エリソン

 

 ■伝説的なプロデューサー、レニー・ワロンカーが生み出したサウンド

 

 

　当時、ワロンカー氏は３１歳になったばかりの若手プロデューサーだった。２４歳のときに、ワーナーで勤務し始め、リバティ・レコードのプロモーション、そしてパブリッシングを担当していました。

 

　その経歴は彼の部下テンプルマンをして「今までに書かれたすべての曲を知っている男」と呼ばれていた。音楽的な知識が非常に豊富であったことがこのエピソードからうかがえる。ワロンカーがワーナーにきたとき、新しいマスターテープを聴き、アドヴァイスをし、そしてときにはレポートを書いたりして過ごし、１９６７年の始めまで プロデューサーをすることはなかった。

　ワーナー・ブラザーズは、１９７０年代頃、ボー・ブランメルズ、モージョー・メン、そしてハーパーズ・ビザールを所属させていたAutumn Recordsというサンフランシスコのレーベルを傘下に置いていた。レニー・ワロンカーは、このレーベルに向かい、Harpers Bizarre(ハーパーズ・ビザール)のデビュー・レコード、そしてMojo Men(モージョー・メン)のヒット作「Sit Down,I Think I Love You」を制作した。

 

　レニーは、レオン・ラッセルをハーパーズのアレンジャー、そしてモージョー・メンにはヴァン・ダイク・パークスをミュージシャン/アレンジャーに採用した。これがバーバンク・サウンドの始まりでした。

 

 

 ■レニー・ワロンカーのプロデュースの方針

 

レニー・ワロンカーが打ち出したプロデュースの方針は以下の通りでした。

 

1.プロデュースは''音楽の愛情''から行われるものである。

 

2.重要なことは、タレント（才能）を見つけ、 助けるということである。

 

3.「私は、私の知らない事を埋め合わせ、私のアイディアを理解出来る人々と働けるように務めている」

 

4.アーティスト自身にもプロデュースすることを勧める。 才能ある人の熱狂がどこかで必要だ。

 

5.すべては曲に始まる。曲の良さから来るアイディアが、時と場所、そしてアレンジャー、楽器の設定を可能にする。 

6.音楽はフィーリングである。

 

 

■ワーナー・ブラザーズの音楽的な方針　モー・オースティン氏の場合

 

　一方、これらのバーバンク・サウンドの自由性、あるいは寛容的な方針を推進したのが、親会社のワーナー・ブラザーズでした。当時、社長の座にあったのは、モー・オースティン氏だった。彼が打ち出した戦略、そして方針は、明らかにメジャーレコード会社らしからぬものでした。

 

1.何よりもまず、創造の自由を保証したい。 A&Rの働ける必要条件は、アーティストが創るものに一切の口出しをしない、ということである。放任主義あるのみ。そして、時間と費用も制約しない。

 

■　もう一人の立役者　テッド・テンプルマン

 

　テッド・テンプルマンといえば、後にヴァン・へーレンのプロデュースを手掛け、一躍ミュージック・シーンの重鎮になった人物である。彼の音楽の仕事の始まりは、他でもない、バーバンクでの仕事であった。彼は、レニー・ワロンカーが発掘した最も優秀な人材の一人であると称される。当初、ハーパーズ・ビザールの中心人物で、リード・ボーカル、ドラム、トランペット、ギター、作曲を担当していたマルチな才能の持ち主で、レニーとの初対面のときから、深い理解と友情へと結びついたという。そして、彼らの最初の科学反応の結果は、ハーパーズ・ビザールの大ヒット、そして「Feeling Groovy」に繋がりました。テッドは、のちにグループを離れ、ワーナーの専属プロデューサーの迎え入れられた。１９７０年９月のことでした。

 

　テンプルマンの最初の仕事はドゥービー・ブラザーズのデビューレコードの制作、そしてヴァン・モリソンの「Tupelo Honey」（１９７１年）、リトル・フィートの「Sailin' Shoes」（１９７３年）でした。その後、順調にキャリアを進め、『Toulous Street』、ヴァン・モリソンの『St.Dominic's Preview』（１９７２年）を制作した。以後、１９７２年４月に彼は役員プロデューサーに昇進しています。

 

　後に、プラチナやゴールド・ディスクを生み出すための布石は、すでに１９７０年代から盤石でした。彼の創り出すサウンドには、当時から惜しみない賞賛が送られています。

　リトル・フィートのリーダー、ローウェル・ジョージによる「彼は、アーティストがやりたいことをさせてくれる、アーティスト好みのプロデューサーだ」、キャプテン・ビーフハートによる「新作を彼とやったんだけど、今までのアルバムすべてを彼とやればよかった」、レニー・ワロンカーによる「彼は私の知っているベスト・プロデューサー。音楽的な基礎、技術的な基礎、そして、最高のプロデューサーの条件、自分のエゴで他人を妨げることのない才能を持っている」といった称賛の言葉はほんの一例に過ぎません。バーバンク・サウンドの自由な気風や創造における自由の保障という、当時のワーナーが掲げていた目標に沿ったものであることが実感出来ます。

【バーバンクの名盤　サウンドの感じを掴むための入門】 

 

 

Arlo Gathrie（アーロ・ガスリー）　『The Last Brooklyn Cowboy（邦題: 最後のブルックリン・カウボーイ）』 初盤は１９７３年に発売　２００４年にリマスター盤が発売

アーロ・ガスリーによる１９７３年に発売された『Last Of The Brooklyn Cowboy』はバーバンクサウンドの最初期の良作です。このバーバンクサウンドの音楽的な温和さを味わうことが出来る。

 

このアルバムでは、ブルックリンと銘打たれていながら、アイルランド民謡のフィドルを取り入れたり、バンドセッションにおけるフォークロックの源を探っています。アーロ・ガスリーのボーカルはまったりしていますが、それもまたバーバンクの魅力とも言えるでしょう。初盤はホワイト・アルバムのようなアートワークでしたが、再発盤はワイルドなカウボーイと女性の影。

 

 

The Doobie Brothers(ドゥービー・ブラザーズ）『Toulouse Street（トゥールーズ・ストリート）』　初盤は１９７２年に発売 

 

 イーグルスと並んで、後のウェストコーストサウンドの象徴的なバンドへと成長するドゥービー・ブラザーズ。代表作としては『Captain and Me』が有名ですが、バーバンクサウンドとしては二作目のアルバム『Toulouse Street』が最適でしょう。

 

後にディスコロックの先駆者となるドゥービーのフォークロック色の強いアルバム。アーロ・ガスリーと同様に、カルフォルニアのフォークサウンドをベースにしつつも、R&B、ファンクといったブラックミュージックの要素も強い。渋いアルバムではありますが、アメリカのフォークロックの名盤の一つ。

 

 

 

Gordon Lightfoot（ゴードン・ライトフット）　『If You Could Read Mind（邦題 : 心に秘めた思い』 

 

ゴードン・ライトフットは１９６０年代後半から良いアルバムを発表しつづけていましたが、それがようやく商業的な形となったのが、１９７０年に発売された『If You Could Read Mind』でしょう。６０年代後半はボブ・ディラン風のフォークロックでしたが、徐々に作曲はメロディアスになっていきました。

 

このアルバムはアコースティックギターの弾き語りをベースにしたもので、フットライトの温かく、心に染みるようなメロディーが切ない感覚を放つ。音楽的にも素晴らしいですが、バーバンクの高水準のレコーディングにも注目したいところですね。

Van Dyke Parks（ヴァン・ダイク・パークス）　『Discover America』 1972

 

 

ヴァン・ダイク・パークスは最初期の傑作『Song Cycle』においてビートルズのポップスを踏襲し、バロックポップやウォールオブサウンドの一貫であるチェンバーポップを実験的に政策していますが、特に、このアーティストらしさが上手く引き出されたのが『Discover America』でしょう。

 

地中海/カリブ音楽の影響が強いのは一目瞭然で、当時の西海岸のラジオで普通に流れていたのかもしれません。いわゆる現代のクロスオーバーの先駆的な存在であり、聴きのがすことが出来ません。ジャズやフォーク、そして当世のポップ、ロックなど、いかに当時のカルフォルニアには多彩な音楽が溢れていたかをこのアルバムに見てとることが出来る。

 

 

 Ry Cooder（ライ・クーダー）　『Into The Purple Valley（邦題: 紫の渓谷』　１９７１

 

 

若い頃から知っているが、素通りしてしまったアルバムが存在する。それがライ・クーダーの『Into The Valley』。ライ・クーダーはロマンティックなアルバムジェケットが多いですが、この作品だけはちょっとコメディー風で、映画の宣伝広告のようでもある。この先にどこに向かうのか。

 

実際に繰り広げられるのはカントリーをベースにしたロックです。他のアルバムに比べると、異質なほどブルース/カントリー色が強いです。アコースティックのブルース、カントリーをベースにしたロック/ポップで、南部のバーなどで流しのミュージシャンが演奏していそうな曲が目立つ。わけても、「Billy The Kid」は、ほとんどブルースと言っても良い。おそらくこのサウンドは、テッドニュージェント、ZZ TOPなどのサザンロックと呼応するようなものでしょう。他のアルバムに比べると入手しやすいはずです。渋いロックをお探しの方におすすめ。

 

 

 

Van Morrison　『Veedon Fleece』　１９７４

 

バーバンクサウンドの最高の名盤の一つです。テネシー・ワルツやフォーク、R&Bが折り重なり、ヴァン・モリソンのオリジナルサウンドが組み上げられた。ソウルフルな歌唱とピアノ、そしてベース、ギターという的確なアンサンブルが芳醇なバーバンクの世界を作り上げる。音楽に酔いしれることの素晴らしさ、そして西海岸の音楽の素敵さを、このアルバムは教えてくれるはずです。現代の音楽的な感覚から見ても、文句なしのポピュラーの名盤。 １９８０年代以降の米国の商業音楽のバラードは、おそらくヴァン・モリソンの影響が強いものと考えられる。

 

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１９６０年代をベトナム戦争の陸軍の精鋭部隊（精確には劣等兵だったという噂もある）として過ごした後、ジミ・ヘンドリックスは本格的にミュージシャンの道を歩み始めた。アイク＆ティナ・ターナー、アイズレー・ブラザーズのバックバンドを経験した後、有名ミュージシャンのバックで演奏し、全米ツアーに同行した。リトル・リチャードのツアーにバックバンドとして同行したこともある。１９６６年７月、キース・リチャードの恋人だったリンダ・キースの仲介によりアニマルズのベーシスト、チャス・チャンドラーに見出され、９月にヘンドリックスは渡英した。当時、チャンドラーはヘンドリックスの演奏について次のように回想している。「ギタリストが三人くらい弾いているのかと思ったら、実際はジミ一人だけだったのに驚いた」　

 

ジミ・ヘンドリックスは、自分のブルースに根ざしたロックがイギリスの音楽シーンに受けいられるか不安に思っていた。ヘンドリックスは軍隊に従軍する前に、いくつかのアマチュアバンドを経験していたが、このとき初めて最初の自身のバンド、エクスペリエンスを結成した。ベースは、ノエル・レディング、ドラムは、ミッチ・ミッチェルが担当した。（何度かわざと除隊になるため、怠慢な仕事やわざと同性愛者のフリをするなど）長い軍隊生活でフラストレーションが溜まっていたのか、ライブバンドとしての活動を始めるや、ヘンドリックスは、潜在的なクリエイティビティを爆発させ、およそ数カ月間に、以降の代表曲のほとんどを書き上げたのだ。

 

デビューシングル「Stone　Free」、「Purple Haze」、「Foxey Lady」、「The Wind Cries Mary」、「Highway Chile」、「Are You Experienced」などである。ほどなくライブ活動を開始した。彼のトレードマークで、ワイト島やウッドストックでの代名詞となる、きらびやかなサイケデリックな衣装、また、アグレッシヴにギターをかき鳴らしながら、ステージを所狭しと動き回るステージスタイルは、すでに最初期に完成されていた。この頃、デビュー・シングル「Stone Free」の全英チャート４位という偉業のお膳立ては整っていたのだった。

 

１９６６年、ジミ・ヘンドリックスは、生まれて初めてロンドンでクリスマスを過ごした。新天地での生活は彼に大きな刺激を与えたのは想像に難くなく、他のいかなる時代よりも活動的な時期を過ごした。彼はイギリス、フランス、ドイツを行来しながら、エクスペリエンスと一緒に制作した音楽を録音し、イギリスのファンに支持され、マスメディアからその実力を認められるようになった。

 

ヘンドリックスを含めたエクスペリエンスの面々は、この年、象徴的な年末を過ごした。ボクサーのビリー・”ゴールデンボーイ”・ウォーカーと、その弟フィルが共同経営していたロンドン北東部の「アッパーカット・クラブ」で演奏する機会を得た。 元々、アイススケートリンクを改築したこの会場は、オープニングセレモニーを終えたばかりで、ストラトフォード・エクスプレス紙に「豪華なビッグ・ビートの宮殿」と称されるほどだった。ここでは月曜日の定例イベントが開かれていた。「ボクシング・デー、家族みんなでご一緒に」と華々しい広告が打たれたアッパーカットのポスターには、午後のイベントとしてエクスペリエンスのショーが予告されていた。入場料は、男女ごとに分けられ、紳士は５シリング、婦女は３シリング。この週のイベントには、他にも、The Who、The Pretty Things、The Spencer Davis Groupが出演した。

 

驚くべきことに、彼の代表曲の一つ「Purple Haze」は、午後４時に始まるショーの開始を待っている合間に書き上げられた。「紫のもや」について、ヘンドリックス自身は「海の中を歩いている夢について書かれた」と公にしている。この時期、サンド社が同様の文言の入ったカプセルを販売しており、LSDの暗喩ではないかというの説もあるが、それだけではない。彼のロンドンとの出会いに触発され、「クリスマス・キャロル」などの著作で知られるチャールズ・ディケンズの「大いなる遺産」（１８６１）の５４章の一節から引用された。「There was the red sun, on the low level of the shore, in a purple haze、fast deepening into black..」(海岸の低い位置に、紫色の靄に包まれた赤い太陽があった）という箇所に発見出来る。

 

ヘンドリックスのルームメイトでマネージャーを務めたチャンドラーによると、彼はすでに、１０日前には「Purple Haze」の象徴的なギターリフを思いつき、ある程度曲のイメージがまとまっていたという。この曲の誕生について、次のように回想している。「その日の午後、彼が楽屋でリフを演奏しはじめたので、私は’’残りを書いてほしい’’と言った。彼はそのことばに素直に従った」 この曲では、西洋音楽としては、一般的に忌避されるトライトーン（3全音とも言われる。減５度、増４度の進行をいう。中世音楽では悪魔の進行とも呼ばれ、和声法の禁則的な事項として知られる）が登場し、後に「ヘンドリックス・コード」と呼ばれるようになった。

 

デビュー・シングル「Stone Free」はイギリスで受けが良かったが、「Purple Haze」に関してはアメリカで支持された。シングルとして発売されると、ビルボードホット１００で６５位にランクインし、デビューアルバム『Are You Experienced』の収録曲としては最高位を記録している。結果的に、１ｓｔアルバムはビルボード２００で５位にラインクインし、５００万枚の売上を記録、一躍両国でジミ・ヘンドリックス&エクスペリエンスの名を有名にしたのだった。 

歌詞の側面ではジミ・ヘンドリックスは相当この曲に苦心した形跡がある。それは当初のサイケデリックなイメージをどのように昇華するのか、言葉をまとめ上げるのがスムースにいかなかったことが要因でもある。当初、ヘンドリックスは「Purple Haze」のために１０００語を費やしたが、結局、最終バージョンでは１００語に削られた。そもそもヘンドリックスの音楽では言葉は補足的であるため、多くの歌詞を必要としないのが特徴である。ヘンドリックスのロックの核心は、そのほとんどがギターリフによって語られると言っても大げさではないのだろう。

 

 

バロックポップとチェンバーポップの原点

 

The Beatles-Strawberry Fields

他のジャンルと同様に、ポピュラーミュージックの中には、数えきれないほど無数のジャンルがある。例えば、この中にチェンバーポップ、バロックポップというジャンルが存在するのを皆さんはご存知だろうか。

大まかに言えば、これらの２つの専門用語ともに古典音楽の影響を含めるポピュラー音楽を意味する。チェンバーポップ、バロックポップの原点は間違いなくビートルズにある。そう、勘が鋭い読者はお気づきのことだろう、「Strawberry Fields Forever」である。

「Strawberry Fields Forever（ストロベリー・フィールズ・フォーエバー）」は、ビートルズの楽曲である。1967年2月に「Penny Rain(ペニー・レイン）」との両A面シングルとして発売され、ビートルズのサイケデリック期における傑作。

レノン＝マッカートニー名義となっているが、実質的にはジョン・レノンの作った楽曲といわれ、レノンが幼少期に救世軍の孤児院「Strawberry Fieldsr」の庭園で遊んでいた思い出をモチーフにしている。

 

1966年11月にレコーディングを開始し、スタジオで5週間に渡って異なる3つのバージョンを制作し、最終的にテンポやキー、使用される楽器の異なる2つのバージョンを繋ぎ合わせて完成した。

現代の「編集的なサウンド」、及び現代のWilcoがレコーディングで使用するような音楽のレコーディングはすべてここから始まったといえる。

 

この曲にはメロトロンやストリング、ホーンセクション、逆再生、そしてポピュラー音楽の範疇を越えたクラシック音楽の構成など、現在でもレコーディングやソングライティングの教科書とも言えるマスターピースであり、チェンバーポップやバロックポップの出発点とみても大きな違和感がない。

しかも、この音楽にはバロック音楽の要素が取り入れられている。しかし、教会のポップ、そして、バロックのポップとはいったい何を意味するのか。それを始まりから現在に至る系譜を大まかに追っていきたい。

バロック音楽

そもそも「チェンバー」は教会の意味である。これは教会で演奏されるクラシック音楽を模したポピュラー音楽を意味すると推測できる。その一方、「バロック」というジャンルも音楽の専門用語で使用され、クラシック音楽の一ジャンルをポピュラーの中に組み入れることを意味していると思われる。バロックはポルトガル語で「不整形の真珠」を意味している。バロックというジャンルは、中世の古典音楽のジャンルで、イタリアからフランス、ドイツまでヨーロッパの音楽様式として栄華をきわめた。

 

バロックは、音楽という観点で言えば、イタリアのヴィヴァルディに始まり、フランスのクープラン、ドイツのJSバッハまでの中世ヨーロッパの音楽形式を示すのが一般的と言える。音楽としては、ハープシコードを用いたり、トランペット(ピッコロ)やフレンチホルン、さらには木管楽器を弦楽曲と共に組曲の中で使用した。テンポとしては、ゆったりとしたアンダンテから、性急に駆け抜けていくプレストまで様々である。これらのバロックやチェンバーという様式の原点は、そのほとんどが宗教的なモチーフや宮廷などの委嘱作品として制作される場合が多かった。詳述するには音楽家が宮廷お抱えの演奏家や作曲家であった時代にまで遡る必要がある。

中世の音楽家は、そもそも教会組織に使える人物であり、王族や教会のためのミサ、及び、宗教的な儀式のための音楽を制作し、教会の組織から特別な「サラリー（給与）」を得ていたのである。（サラリーは、塩から派生した言葉で、仕事の定期的な報酬は「塩」という貨幣の代替品により始まった。塩が最も貴重であった時代の話である）それらのバックアップを得て、ヨーロッパの近隣諸国の演奏旅行に出かけることもあった。現在で言う''ライブツアー''の原点である。つまり、現在のプロモーターやレーベルのスポンサーの役割は、中世音楽という観点からいうと、教会の組織やコミュニティ、もしくはその背後にある国家が司っていたと見るべきだろうか。

これらの作曲家、演奏家の多くは教会専門の音楽家として生計を立てていたが、もしその契約を打ち切られると、かなり大変だった。たちどころにスポンサーを失い、みずからの音楽が演奏される機会が少なくなり、最終的にはモーツァルトのように借金をしてまで生計を立てねばならなくなる。晩年、ザルツブルグの教会内部との軋轢があってのことなのか、モーツァルトは晩年には無宗教者として墓に入ることを決意した。しかし、彼の遺作が宗教音楽のレクイエムであることはかなり皮肉にまみれている。

 

時代が変わり、楽譜（スコア）が出版されるようになると、現在でいうCD/LPの販売のような商業的な形態の初歩的な構造が出来上がっていった。当初は銅板の印字のような出版形式で、後に現在のスコアのような紙の出版へと移行していく。すると、ドイツや旧ワイマール帝国、あるいはオーストリアの作曲家は楽譜を書店などで売ることで、ようやく生計を立てられるようになった。

 

しかし、現在のようなライブツアーや物販という営業形態までは至らず、依然として教会や国家に仕える比較的経済に余裕がある場合を除いては、音楽家のほとんどはどのような時代も貧困にあえいでいたと見るべきだろう。現在のようなスターシステムは当然ながら、グッズ販売などの付加要素がないため、楽譜の売上だけではなく、ピアノ教師をやりながら生計を立てていかなければならなかった。現在でいう専門のインスティテュート、ピエール・ブーレーズが設立したIRCAMのような研究の専門機関もまだ存在しないので、それはほとんど個人的な音楽教師の範疇にとどまっていた。

 

ロベルト・シューマンと並んで世界最初の音楽評論家であるロマン・ロランによるベートーヴェンの伝記にも出てくるが、音楽室の壁に飾ってある大作曲家の半数は、中世においては社会的な地位に恵まれることは少なかった。フランスでは、だいたいのところ国立音楽院で学んだ後、教授職に就いたり、ガブリエル・フォーレのように学長に歴任するというケースはきわめて稀だった。これは彼が出世コースを歩み、アカデミズムの世界の人物であったからである。

 

音楽家が独立した職業として認められ、一般的に生計を立てられるようになったのは、少なくとも１９世紀の終わりか、もしくは２０世紀のはじめと推測される。後にはマーラー、ブーレーズ、ストラヴィンスキーなど、指揮者と作曲家を兼任し活動を行う人々も出てくる。この時代からようやく音楽家の地位も一般的な水準より高まり、つまり文化人として認識されるようになる。

 

 

ジャズとポピュラーの融合　大衆のための音楽

 

Mourice Ravel & George Gershwin USTour

こういった流れを受け継いで、近代文明の中にクラシックとともに''ジャズ''という音楽が台頭した。ニューオリンズの黒人の音楽家を中心とするブラック・ミュージックの一貫にあるコミュニティとは別に、クラシックの系譜に属するジャズが出てくる。ニューヨークでジャズが盛んになった経緯として、ジョージ・ガーシュウィンの大きな功績を度外視することは難しいだろう。

 

ジョージ・ガーシュウィンはオーケストラとジャズを結びつけ、フランク・シナトラと合わせて米国のポピュラー音楽の最初の流れを形作った人物といえるかもしれない。

そして、バロックポップやチェンバーポップの中には、クラシック音楽と合わせて、古典的なジャズの要素が入る場合があることを忘れてはいけない。これは、以降のMargo Guryanというソングライターに受け継がれ、現代的な米国のポピュラー・ミュージックの一部を形成していると見るのが妥当である。

 

もう一つ、ポピュラー・ミュージックの文脈の中に組み込まれるバロックやチェンバーという様式の中に、別のルーツがヨーロッパのクラシックに存在する。それがフランスの著名な近代の作曲家であり、クロード・ドビュッシー、モーリス・ラヴェル。特にラヴェルに関しては、『ボレロ』などミニマル・ミュージックの元祖を制作しているし、アメリカへのツアー旅行の過程でガーシュウィンと交流を持った。彼は音楽にスタイリッシュさをもたらした作曲家である。

また、フランスのサロン文化やジャポニズム、また絵画芸術が発祥の印象派の作曲家、クロード・ドビュッシーは同じように古典音楽という形式の中に洗練されたスタイリッシュさをもたらした人物だ。彼はロシアからアメリカに亡命したイゴール・ストラヴィンスキーと交友関係にあった。これらのエピソードはアメリカのポピュラー音楽がフランスの近代音楽やロシアの古典音楽からの影響を元に原初的なポピュラーという形態を作り上げていったことを証立てている。

そして、上記二人の作曲家に強い触発を与えたパリ音楽院を十数年かけて卒業した作曲家、エリック・サティの存在も重要となるだろう。

元々は、サロン文化華やかし時代の花の都パリで、フレドリック・ショパンをサロンのような場所でカバーを演奏していたが、ドビュッシーが彼の音楽を取り上げはじめたおかげで彼の名は歴史に埋もれずに済んだ。サティはのちのハロルド・バッドのような現代的なミュージシャンに影響を及ぼし、オーケストラ音楽やピアノ曲をポピュラーとして編曲した。

和音法の革新性という側面でもエリック・サティは度外視することができず、フォーレのアカデミズム一派と並んで、フランスの近代和声の一部を形成していることは事実である。''その場のムードを重んじる''という意味で、環境音楽やアンビエントのルーツでもある。そしてそれは以降のコクトー・ツインズのように、絵画や建築、服飾などの他分野を発祥とする美学やイデアを元に構成される音楽の一派に直結する。いわばサティは、クラシックという領域でポピュラー(大衆のための音楽)というテーマを最初に意識づけた作曲家である。それ以前から、クラシックとポピュラーのクロスオーバーは、歌曲や大衆向けのオペラでも頻繁に行われていたのは事実だが、この時、古典音楽の意義が変わり、一部の共同体のためのものから大衆の音楽へと移行した。

 

 

ロックやポップスのレコーディングの中で組み込まれるオーケストラ楽器

 

音楽が「大衆のための娯楽」として確立されたのち、ミュージック・スターが誕生するのは当然の成り行きだったのかもしれない。1950年代に入ると、レコード会社が米国各地に乱立するようになり、音楽産業が確立されると、ヒーローが数多く登場するようになった。チャック・ベリーやリトル・リチャード、エルヴィスを中心とするロックンロール、これは明らかにブルースやゴスペルをはじめとするブラックミュージックを出発点として発展していった。

その一方、ポピュラー・ミュージック全般は、明らかに以前の時代のクラシックやジャズ、それからミュージカルやオペラのような形態を元に発展していった。イギリスでは、アイルランドやスコットランドのデーン人のフォーク音楽、そして米国ではゴスペルやアパラチア発祥のニューイングランドを意味するフォークミュージックを吸収し、教会音楽の格式高さを受け継いだものから、それとは別の完全なショービジネスとして君臨するものまでかなり広汎に及んだ。

 

しかし、少なくとも、現在のような商業的な音楽の流れを決定づけたのはやはりビートルズである。そしてチェンバーポップやバロックポップというジャンルもまたリバプールのバンドから出発したと考えるのが妥当だろう。今回、クラシック音楽をポピュラー・ソングに取り入れた最初の成功例として注目したいのが、ザ・ビートルズの名曲「Strawberry Fields Forever」である。

この曲は『Rubber Soul』時代のサイケデリック文化からの影響をうかがわせつつも、チェンバーポップとバロックボップの最初の出発点だ。ビートルズの中期の曲ではお馴染みのメロトロンの使用という要素は、現在のリスナーから見ると、ノスタルジックな印象をおぼえるはずである。

 

 

これは同時期に、サイケデリック・ムーブメントやフラワー・ムーブメントの一貫として登場したザ・ローリンズ・ストーンズの『Their Satanic Majesties Request』の収録曲「In Another Land」にもチェンバロ(ハープシコード)というオーケストラ楽器が登場する。これらの２曲が一般的な意味でのバロックポップ/チェンバーポップの出発点と見るのが妥当であるといえるかもしれない。

またこの要素はジョージ・ハリソンやレノンがインドでシタールなどの民族楽器を学んだこともあり、チェンバー・ポップの文脈にくみこまれたり、さらに独立した音楽ジャンルとしてエスニックのロック/ポップという、以後のニューエイジ系の先駆けとなったことは想像に難くない。

 

 

そして、バンドのレコーディングという側面では、ビートルズがオーケストラ音楽の要素をポピュラーの中に組み込み、それらをリスナーの期待に応えるような形式に仕上げたことは明らかである。他方、ローリング・ストーンズは、これらをサイケデリックやミュージカル、もしくは映像的な音楽効果と結びつけ、ビートルズとは異なる音楽の新しい様式を作り上げることになった。

これは続く、80年代から90年代のブリット・ポップに直結している。ブリット・ポップの正体とは、「バロック・ポップ/チェンバー・ポップの継承」である。それらを前の年代のニューウェイブやポストパンク、ロンドンやマンチェスターのダンスミュージック、及び、エレクトロニックと結びつけるという意義があった。ブリット・ポップのレコーディングにオーケストラのストリングが必須であるのは、こういった理由によるのかもしれない。そして、商業的なロックソングという観点でも、オーケストラのストリングやエレクトロニックの要素が複合的に取り入れられると、それがブリット・ポップとなり、その影響下にあるポスト世代の音楽となる。

 

 

 

 

もう一つの系譜　女性シンガーソングライターを中心とするチェンバーポップの発展

Murgo Garyan

 

ビートルズやストーンズのバンドという形態で築き上げられるバロックポップとチェンバーポップは以降のブリットポップに直結した。そして、もう一つの系譜として女性シンガーソングライターを中心とするチェンバーポップが台頭する。それらの音楽は独特のふんわりした音楽性が特徴となっている。

 

例えば、その原点として、元々はクラシックやピアノの演奏に親しんだMargo Guryanがいる。女性シンガーとしては傑出していたが、寡作のシンガーソングライターであったこと、所属レーベルとの関係の悪化、さらに家庭の人生を重んじたため、生涯の作品こそ少ないが、ポピュラー音楽の中にクラシック音楽やジャズを本格的に組み入れようとした最初のシンガー/作曲家である。

 

米国では著名な女性のシンガーソングライターがレコード会社やプロデューサーと協力し、チェンバロやメロトロン、そしてオーケストラ楽器を曲の中に導入し、シンガーソングライターとしてのチェンバーポップ、バロックポップの様式を作り上げていった。

 

このジャンルが盛んだったのは何もアメリカのニューヨークだけにとどまらない。もう一つの文化の重要な発信地であるフランスでは、イエイエが盛んになり、パリの音楽シーンは映画やファッションと連動するようにして、ジェーン・バーキンやシルヴィ・バルタンを筆頭とするフランス版のチェンバーポップの象徴的なシンガーを輩出する。イエイエの系譜にありながらボーカルアートの領域まで表現形態の裾野を広げて、アートポップやスポークンワードの先駆的な存在として活躍したシンガーソングライター、Brigitte Fontaineも忘れてはいけないだろう。

 

現代のチェンバーポップ/バロックポップの音楽がおしゃれでスタイリッシュな印象があるのは、６０年代頃のフレンチ・ポップ、つまりイエイエからの影響が大きい。シルヴィ・バルタンやジェーン・バーキン、これらのシンガーはそのほとんどがモードファッションに身を包み、ファッションリーダーとしても活躍した。現在のアートポップやバロックポップの歌手がファッションに関して無頓着ではなく、新しい文化性を感じさせるのはパリ文化からの影響がある。

 

 

 

 

現在のバロックポップ、チェンバーポップ　無数に細分化する先に見えるもの

 

Melody's Echoes Chamber

もう一つ、現代的なサブジャンルとしてドリーム・ポップというジャンルがある。Cocteau Twins（コクトー・ツインズ）、Pale Saints（ペール・セインツ）などを中心とする4ADが得意とする音楽である。これらはよく知られているように、上記のバロックポップやチェンバーポップをニューウェイブやソフィスティポップというレンズを通して再度見つめ直したものである。

 

音楽的な特徴としては、甘いメロディーや、柔らかい感覚のボーカル、ソフィスティポップの系譜にあるうっとりとさせるような雰囲気がある。これらもMargo Guryanやイエイエの系譜にあるものを英国らしい音楽として昇華させたということができるかもしれない。さらに言えば、これらのジャンルの原点である建築様式のゴシックという要素でやや暗鬱な音楽で包み込んだ。

 

これらは現在のアートポップの原点となったにとどまらず、80年代のグラスゴーのギターポップ/ネオ・アコースティック、そして80年代のロンドンやマンチェスターのダンスミュージック/クラブミュージックと組み合わされて、90年代のシューゲイズやエレクトロポップ、それ以後の2000年代のオルタナティヴロックの流れを形づくることになった。(これは後に日本の渋谷系[shibuya-kei]というジャンルに直結している。詳しくはコーネリアスやカヒミカリィの音楽を参照)

現在のバロックポップやチェンバーポップというのは、以前よりもさらに細分化されつつあり、他のジャンルの音楽と同じく、他文化からの干渉をまぬがれない。音楽自体も懐古的なものから、現代の需要に応えるようなスタイリッシュなポップソングに変遷しつつある。最近の事例ではアークティック・モンキーズの『The Car』、あるいはピーター・ガブリエルの最新作『i/o』という例外はあるにせよ、このジャンルは、男性中心のロックバンド、及び、ソロシンガーから女性シンガーソングライターの手に移りつつあるようだ。

ウェールズのCate Le  Bon、フランスのMelody"s Echoes Chamber、アメリカのKate Bollingerが現代版のバロックポップ、チェンバーポップの筆頭格だ。

これらはオルタナティヴの系譜にあるドリームポップやシューゲイズ、クラブミュージックにも部分的に取り入れられる場合がある。また、これらの音楽は全般的にエクスペリメンタルメンタルポップ、つまり、実験的なポピュラー・ミュージックと称されることもある。

以降、チェンバーポップには、把握しきれないほど多種多様なスタイルが登場している。例えばサンフランシスコや西海岸のサイケデリックを吸収したり、ヒップホップのローファイやサンプリング、ブレイクビーツからの影響を交え、より洗練された未来志向の音楽に変化しつつある。ラップトップの一般的な普及により台頭したベッドルームポップという新世代の録音の象徴的な音楽と融合し、Clairo(クレイロ)のような現代的な音楽に変わることもある。それとは対象的に、全般的なオルタナティヴロックという文脈に部分的に取り入れられる場合もある。

最近のレコーディングでは、ポピュラー音楽にオーケストラを導入することは日常的となりつつあり、さまざまな形が混在し、そしてまだ完成されていないジャンルでもある。

もしかすると、現在最も注目すべきジャンルの一つが、バロックポップ、チェンバーポップなのかもしれない。

 

 

1974年はニューヨークでニューウェイブが始まった年である。すでにマクシズ・カンサス・シティでは、ヴェルヴェット・アンダーグランドやリチャード・ヘル、トム・ヴァーラインが登場していたが、続いて、ローワー・マンハッタンのバワリーのライブハウス、CBGBからニューウェイブは発展していく。そこにはパティ・スミス、ブロンディ、テレビジョン、ラモーンズ、トーキング・ヘッズ等、のちのウェイブを牽引するグループのミュージシャンが数多く出演していた。

 

かつて、CBGBのライブハウスのオーナー、ヒリー・クリスタルは、このスペースに出演するバンドやソロアーティストのほとんどが、”自分たちをミュージシャンであると考えていない”ことを気に入っていた。そういった素人意識やプロフェッショナリティーとは対極にあるところから、ニューウェイブのムーブメントは出発している。最初に注目したのは、ニューヨークの『ヴィレッジ・ボイス』誌である。続いて、NMEやタイムズのようなメディアが、1975年にこの薄汚いライブハウスを訪れて、何か新しい波が沸き起こりつつあるのを肌で感じ取っていた。

 

1974年9月、もうひとつのニューヨークのミュージックシーンのメッカであるマクシズ・カンサス・シティでも新しいアンダーグラウンドの運動ーーニューウェイブーーが起ころうとしていた。すでに主流のメディアから支持を獲得していた最初のパンク詩人であるパティ・スミス、そしてトム・ヴァーライン、リチャード・ヘル、ビリー・フィッカ、リチャード・ロイドの四人組、テレヴィジョンがこのスペースに出演していた。フロアの一階はレストランバー、2階は客席150からなる比較的大きめな空間、そして3階はバンドの控室、つまり、楽屋になっていた。

 

狭い部屋にある鏡にむかい、リチャード・ヘルが頭にオレンジジュースをふりかけている。ビリー・フィッカーは口にスティックをくわえて廊下で逆立ち。パティ・スミスとヴァーラインは人目を憚らず、抱き合い、一分に一度はキスをしている。空調は効いていない。そして、むさ苦しく、法治の及ばない場所で、最初のパンク/ニューウェイブの動きが始まろうとしていた。

 

当時、マクシズ・カンサス・シティに出演することは、ロサンゼルスのトルバドールにレギュラー出演することと同意義で、ニューヨークのバンドとして認められることを意味していた。テレヴィジョンのトム・ミラーはその頃、アンリ・ミショー、ヴェルレーヌ、ランボーを愛読していた。このエピソードは彼らが登場したのは裏町だが、必ずしも、裏町の出身ではないことを明かし立てている。

パティ・スミスは、その頃、すでにニューヨークのストリート・パンクの女王として名を馳せていた。ただ、一方、それ以外のテレヴィジョンやラモーンズをはじめとするCBGBのレギュラー・メンバーの方は、メディアの評判は芳しくなかった。唯一、ロイドとコネクションがあった『ヴィレッジ・ボイス』誌のみが、明らかに先走ったキャッチ・コピー「この四人組----、泣かせてくれるぜ」を広告として掲載したに過ぎなかった。デボラ・ハリーを擁するブロンディに至っては、「ギタリストに誰かマイクに向けて歌えとおしえてやれ」と言われるような始末だった。

 

しかし、その中で、唯一、一発で覚えられるシンプルなバンド名を冠するテレヴィジョンにレコーディングの噂が持ち上がっていた。現在のように、録音が気楽に行える時代ではなくて、レコード会社とのライセンス契約、そしてレコード幹部やプロデューサーに気に入られなければレコーディングをすることは一般的ではなかった時代である。そしてテレビジョンというシンプルなバンド名が一般的な興味をそそる要因となったことは想像に難くない。彼らはジョークを効かせ、トム・ヴァーラインの頭文字を取り「TV」を名乗りはじめた。「アメリカのどの家庭にもあるものだ。でしゃばりな機械だけど、ときにとても謙虚でもある」すでにヴィレッジ・ボイスとコネクションを持っていたロイドはバンド名の由来についてこう振り返っている。

 

ヴァーラインは、パティ・スミスのバックミュージシャンとして知られていた。しかし、両者の関係は音楽的なものにとどまらず、より深い関係に及んでいた。パティ・スミスは、ブルー・オイスター・カルトのアラン・ レイニヤーとの二年間の恋愛を終えた後、青い目のやや痩せぎすの青年を恋人に選ぶ。「鶴のような長い首の官能的なロックンローラー」というパティ・スミスののろけた表現は、ミラーがスミスにとって自らの分身のような存在であったことを明かし立てている。

実は、ミラー青年は、当初、パティ・スミスのレコーディングで演奏し、シングル「ピス・ファクトリー / ヘイ・ジョー」にギターで参加している。（このシングルは、1974年に自費出版でリリースされ、1000枚の限定のプレスだった。）

すなわち、ヴァーラインは、スタジオ・ミュージシャンのようなカタチで、ニューヨークの音楽シーンで知られる存在であった。天才パンク詩人と気鋭のギタリストというカップルの組み合わせは、ニューヨークのロックシーンの新星、言い換えれば、名物のような存在として知られることに。また、後にアリスタ・レコードから発売される『Horses』にもトム・ヴァーラインはギターで参加している。そればかりか、トムはこのレコードで作曲も行っている。いわば、パティ・スミスの音楽的な成果の一部は、とりも直さず、ヴァーラインの貢献が含まれている。

 

ゴシップ誌のような宣伝文句と思われた『ヴィレッジ・ボイス』誌のテレヴィジョンの提灯記事が、その翌年にほぼ現実のものになると誰が想像したのか？　 1975年にかけてCBGBは、音楽フェスティバルのようなカタチで長期的なイベントを開催して注目を集め、複数のメディアがCBGBでテレヴィジョンのプレイを目撃することになった。最初に目をつけたのがNME（ニュー・ミュージック・エクスプレス）で、その次が1980年代のイギリスの音楽シーンに重要な影響を及ぼした『Melody Maker（メロディー・メイカー）』誌だった。その後に続いて、『Times』のような大規模のメディアがCBGBの現地取材に訪れ、最初のパンクシーンを目撃している。

そういったメディア業界の動きは、最終的に大手レコード会社を関心を与える契機をもたらし、ウェイブの筆頭格であったテレヴィジョンに注目が集まるようになる。アトランティック、アリスタ、ワーナー、アイランドといった現在でも影響力を持つ大手レーベルの一群が、トム・ヴァーラインのギター、そしてテレヴィジョンの音楽に注目し始めたのである。上記のレーベルの勧めで、テレヴィジョンは何度もテスト・レコーディングを行ったが、それから最初のリリースが決定したのは、およそ二年後のこと。それは、レコード会社が要因だったのではなく、テレヴィジョンが自らの特殊性やスペシャリティーを活かそうとしたからであった。つまり、どのレーベルであれば、自分たちの音楽性を尊重してくれるかを判断していたのだろう。

 

その二年の間に、同じくCBGBのライブハウスのオーナー、ヒリー・クリスタルが最も気に入っていたラモーンズがニューヨークアンダーグランドのバンドとして最初にSireからのリリースにこぎ着けた。その傍ら、テレヴィジョンは、辛抱強くテスト・レコーディングを重ねながら、あるレーベルとの契約を目論んでいた。それがElektra(エレクトラ) であり、当時、レーベルはドアーズのレコードをリリースしていた。最終的には、レーベル側との話し合いは上首尾であった。1976年6月、テレヴィジョンはエレクトラとの契約がすでに内定したことを明かしている。

 

 

デビューアルバム『Marquee Moon』の制作のプロデュースには複数の候補が挙がっていたという。ジョン・ケイル、ジャック・ダグラス(ニューヨーク・ドールズ、チープ・トリック、エアロスミス）という意外な名前も挙がっていた。 しかし、エレクトラは、最終的には、イギリスの敏腕エンジニアであるアンディ・ジョーンズを抜擢している。アンディ・ジョーンズは、ローリング・ストーンズ、レッド・ツェッペリン、ジャック・ブルース等のプロデュースを世に送り出した伝説的なロックのプロデューサーだ。そして、実際のレコーディングでは硬質でエッジの効いたギターサウンドが強調されている。このデビューアルバムから、「See No Evil」、タイトル曲、「Venus」といったテレヴィジョンの代表曲が誕生したことは周知の通りである。

 

かつて、Kraftwerkの共同製作者のエミール・シュルトは、「Autobahn」にそれ以後の世代の電子音楽やヒップホップのすべてが集約されていると語っていた。もちろん、Televisionの『Marquee Moon』も同程度の影響力を誇る。四人組のデビュー作には、以後、数十年のパンク、ニューウェイブ、ポスト・パンクというジャンルが凝縮され、いまだ鮮烈な輝きを放ってやまない。