ポートランドのミュージシャン、Elijah Knutsenがローファイ作品『Japanese Movies』をリリースしました。今回のシングルでは、アンビエントや環境音楽をメインフィールドに活躍するアーティストがスロウコア／サッドコア風のローファイに挑戦している。ボーカルは彼が信奉するキュアからの影響を感じる。ゴシック風であるが、そこには夜の空気感と奇妙な癒しの感覚が漂っている。

このシングル用に、1964年公開の『鬼婆』の映像クリップを編集したミュージックビデオが公開された。これは近々リリース予定のローファイ・アルバム『Digital Omamori』の先行シングル。

イライジャ・クヌートセンは、この曲について次のように説明している。「このシングルは別れを経験した時期に生まれました。深夜、アパートで一人で古い黒澤明の映画を観ながら」

『Japanese Movies』

シカゴのインディーロックバンド、ラットボーイズが2月6日にニューウエストからアルバム『Singin' to an Empty Chair』をリリースする。その4枚目のシングル「The World, So Madly」を公開した。カントリーとインディーロックが融合したセンチメンタルな楽曲である。

バンドはヴォーカリスト／ギタリストのジュリア・スタイナー、ギタリストのデイヴ・サガン、ドラマーのマーカス・ヌッチオ、ベーシストのショーン・ノイマンで構成されている。

スタイナーはプレスリリースでニューシングルについて次のように語っている。「ボイスメモを振り返ってみると、この曲の原案は2023年1月1日に録音したもので、新しい始まりの曲のように感じられる。セッション中はほとんど午前中にレコーディングしたし、歌詞は人生の大きな変化、そして人生の変化し続ける性質との折り合いをつけることに焦点を当てている。当時、ニュースで展開されていたある出来事についていろいろ考えていたんだけど、歌詞はオープンにしたかった。"誰もが聴いて、この曲の中に自分の人生を見つけることができるようにね。

バンドはウィスコンシン州のドリフトレス・エリアにある75エーカーの土地のキャビンで新曲を書き、デモを行った。そして数ヵ月後、彼らはそこに戻り、共同プロデューサーのクリス・ワラ（デス・キャブ・フォー・キューティー、テガン＆サラ）と1週間仕事をした。その後、ワラと共にシカゴにあるスティーヴ・アルビニのエレクトリカル・オーディオ・スタジオに移り、最終的にはイリノイ州エバンストンにあるローズバッド・スタジオに移った。

「ノイマンはプレスリリースの中で、「私たちはこのレコードをキルトのように作りたかった。「曲ごとに違うシーンがあるようにアプローチしたんだ。曲のある部分は異なる空間で録音され、それぞれの曲のストーリーを伝えるために、アルバムを通してその空間を行ったり来たりしているんだ。

スタイナーは、『Singin' to an Empty Chair』の制作に取り掛かる前に初めてセラピーを受け始め、それがアルバムの歌詞に影響を与えた。そのタイトルは、"The Empty Chair "テクニックにちなんでいる。

「このアルバムの大きな、包括的なテーマは、親しい愛する人と疎遠になった経験を記録しようとしたことです」と彼女は言う。「目標は、私の人生で何が起こっているのかをこの人に報告し、その行き詰まりを埋め、空白の時間に手を差し伸べようとすることです」。

『Singin' to an Empty Chair』の制作を総括して、スタイナーは言う。「このレコードを作った経験は、次に何が起ころうと、間違いなく私に希望を与えてくれる。いい日、友情と愛に満ちた日もたくさんあるし、くよくよしてその溝を埋めたいと切実に思う日もある。それが私の人生なんだ。だから、私にとってこのアルバムは、タイムカプセルの中のキルトのように、それらの日々をつなぎ合わせた記録であり、時が来れば掘り起こされるのを待っているものなんだ」

「The World, So Madly」

ロンドンのインディーロックバンド、Daughterが未発表曲「Not Enough」をリリースしました。この曲は、セカンドアルバム『Not To Disappear』の10周年を記念して発売された。

 

この新曲は、2023年のアルバム『Stereo Mind Game』以来、約3年ぶりの新曲となる。「Not Enough」は元々『Not To Disappear』のレコーディングセッション中に書かれたもので、バンドはデモも録音していたが、最終的なトラックリストには収録されず、長らくお蔵入りしていた。 

 

2025年11月、ドーターはこの楽曲を再構築し、ロンドンのTotal Refreshmentスタジオで再録。ギタリストのイゴール・ヘーフェリがプロデュースを担当し、ニコラス・ヴァーン（Deerhunter、Animal Collective、War On Drugs）がミキシングを手掛けた。

バンドはこの曲について次のように語る。「『Not Enough』は『Not To Disappear』に収録されなかったが、私達はこの曲を愛していた。ライブで数回演奏したこともあったが、ハードドライブに埋もれたデモのままになっていた。今回、アルバム発売10周年を記念し、あの時代に未完成のまま残された楽曲の数々を再訪したいと思った。 2025年11月、ついに全員で再びロンドンに集結し、スタジオで『Not Enough』を共に録音した。今はそれぞれ別の場所に住み、最近の作業はリモートで行われることも多いが、この瞬間は昔を思い出させるものだった」

 

 「Not Enough」

オーストラリア生まれで、最近ロサンゼルスに移住したシンガーソングライター、Jordan Anthony（ジョーダン・アンソニー）による豊かなインディーポップシングル「Lost In LA」がミュージックビデオと合わせて公開された。ジョーダン・アンソニーはベッドルームポップの新星で、今後の活躍が楽しみな存在だ。

「Lost In LA」は、彼の近々リリース予定のEPからの先行曲。 アコースティックギターの弾き語りの一曲で、センチメンタルな感覚に満ちている。エド・シーランを彷彿とさせる素晴らしいトラックである。

ニューシングルで、ジョーダンは成功の華やかな表層を剥ぎ取り、ロサンゼルス移住の背景にある脆弱さと孤独——ホームシック、自己不信、ソーシャルメディアでは表に出しづらい感情の揺れ——を披瀝する。自省の瞬間、自室のベッドルームで書き上げられたこの曲は、わずか30分で完成。生々しく、正直で、フィルターのかかっていない作品だ。従来のデモ音源は、歌詞の感情的な重みを映し出す壮大なシネマティック・ポップトラックへと驚くべき変貌を遂げた。

 

弱冠20歳にして、ジョーダン・アンソニーはすでに音楽に満ちた人生を歩んできた。パース生まれ、ロサンゼルスを拠点とするこのアーティストは、ストーリーテリングとソウルを融合させた感情豊かなポップアンセムを書き、自身の葛藤と勝利を、人々の心に響く楽曲へと昇華させる。

アンソニーの音楽の旅は早くから始まった。7歳で初めて曲を書いた。本人が冗談交じりに言うようにヒット曲ではなかったが、感情の捌け口になった。学校でいじめられ、他人に心を開くことに苦しんでいた彼にとって、曲作りはある種の逃避の場となった。

 

「声に出して言えなかったことを表現できた」とアンソニー。「その瞬間から、これが自分の使命だと悟った。人々に『見られている』『聴かれている』『孤独ではない』と感じてもらうことをね」

5歳の時、両親は、彼をピアノ教室に通わせた。当時、アンソニーはそのことに抵抗したが、今となっては自立したミュージシャンとしての基礎を築いた時期だった。その技術がもたらしたアレンジや作曲の柔軟性を駆使して、彼は、自身の芸術性を定義づける感情の正直さを込めた曲を書き始めた。

ジョーダンは14歳で脚光を浴び、オーストラリア版『The Voice』（2019年）でトップ4のファイナリストとして全国的な注目を集めた。同年、ジュニア・ユーロビジョン・ソング・コンテストにオーストラリア代表として出場し、自身の楽曲「We Will Rise」を披露し、国際的に8位に入賞。その後まもなく、パースのRACアリーナで開催された「One Big Voice」フェスティバルでヘッドライナーを務め、音楽を通じたストーリーテリングの力についてTEDxトークを行った。

その後、彼自身を奮い立たせたのは、世界的な舞台への飛躍だった。2024年、ジョーダンは『アメリカン・アイドル』への出場を招待され、トップ14入りを果たし、世界中の視聴者に自身の音楽を紹介した。この経験がきっかけでロサンゼルスに移住し、新たな章の始まりを告げた。

『アメリカン・アイドル』出身の仲間アジイとのブレイクスルー作「Cherry」は、艶やかなポッププロダクションと心のこもった歌詞を融合させ、世界的なリスナーへの最初の大きな紹介となり、ジョーダンが世界クラスのポップ・ストーリーテラーへと進化する始まりを告げた。

その後数ヶ月で、ジョーダンは力強いシングル「Reckless」、「Tell Me」を連発し、創造的なアイデンティティを確立し、愛、喪失、自己発見の異なる側面を探求した。 

 

昨年のシングル「Reckless」では、ジョーダンのポップセンスと失恋を陶酔感に変え、「Tell Me」では、高揚する歌声と内省的な歌詞が融合し、ファンの心に深く響く脆弱性を表現。両曲は彼のこれまでで最も感情的に成熟した作品への布石となった。

昨年11月、ジョーダンは『Hurt Me Sooner』をリリース。この楽曲は、自分を形作ったと知りつつも、あの時を戻せたらと願う関係の回顧に宿る痛みを捉えている。ブレット・クーリックとの共作、テイラー・スパークスプロデュースによる本作は、壮大なポップ・プロダクションと生々しい感情の脆弱性を融合させ、ジョーダンのストーリーテリングの進化をさらに前進させた。

ニューシングル『Lost In LA』については、彼自身が「本当に重要」と語る、極めてパーソナルな楽曲である。「本来であればリリースしない予定だった」とアンソニーは明かす。「にもかかわらず聴けば聴くほど、この曲は世に出すべきではないかと気づいた。故郷（パース）を離れて、LAで過ごした最初の年だけでなく、アーティストとしての私の旅路そのものを物語っている」

 

「アーティストという職業は不安定で、この曲は、道を見失うことがどれほど容易いかという感情を凝縮している。ただ、夢を追う中でそんな気持ちになるのは普通だし、それで良いと人々に伝えたい。この曲を必要としている誰かが、私と同じくらいこの曲を必要としていることを願ってます」

 

『Lost in LA』は単独シングルに過ぎないが、ジョーダンはこれが序章に過ぎないとほのめかしている。

 

「今年リリース予定のEPには本当にワクワクしています。 ここ1年半で書いた最高の楽曲と物語の集大成になるでしょう。LAへの移住、さらに、アーティストとしての自分探し、そして心から情熱を注げる音楽制作の軌跡が詰まっています。サウンド面では、長い時間をかけて辿り着いた地点で、今も進化し続けていると感じますが、皆に聴いてもらえるのが待ちきれません」

この曲は孤独な瞬間に生まれた。「その日は書くつもりはなかった」とジョーダンは振り返る。「なぜか故郷が恋しく、全てに自信を失っていた。ギターを手に取ったら、30分で自然と曲が溢れ出ました」　リリースを決めた後、ナッシュビルのプロデューサー、パーカー・マシューズやトッド・トランと協力し、トラックを最終的なシネマティックポップの形へと昇華させた。

「Lost In LA」は聴くだけでなく、感じるための楽曲だ。ジョーダンはこれを「ウーバーの中でヘッドフォンを装着し、窓の外を切なく見つめる主人公の瞬間」のような曲と位置付けているが、もちろん多くの人々と共鳴できると信じてやまない。 

 

曲の核心は、''自らの追求を決して諦めないでほしい''という個人的なメッセージだ。「落ち込みを受け入れ、それが全てプロセスの一部だと理解してもらいたい。そうした日々を糧にし、小さな勝利を積み重ねていき、最終的には甘美なものに感じられるように。これは実は、私自身が日々葛藤していることでもあるんだけど、こうした楽曲を書くことで対処しやすくなるんだ」

ジョーダンの芸術性は、脆弱さと自信、失恋と希望の均衡の中で花開く。音楽的なインスピレーションはエド・シーラン、アデル、サム・スミスからブルーノ・マーズ、マイケル・ジャクソン、チャーリー・プース、マイク、テイト・マックレイ、テディ・スイムズまで多岐にわたり、彼らの感情表現の正確さ、存在感、誠実さが彼のサウンドと夢を追い求める姿勢を形作ってきた。

スタジオの外では、家族との時間、ビーチでの一日、寿司を食べに行くこと、プレイステーション、そして音楽に匹敵する生涯の情熱であるサッカーを通じて地に足をつけた生活を送っている。

ジョーダンのキャリアは、早い段階でのマイルストーンと継続的な成功によって特徴づけられている。『The Voice Australia』（2019年）トップ4 『アメリカン・アイドル』（2024年）トップ14進出、TEDxパース（2023年）ゲストスピーカー、パース「ワン・ビッグ・ヴォイス」フェスティバルのヘッドライナー（2019年、2022年、2023年）、ジュニア・ユーロビジョン・ソング・コンテスト（2019年）オーストラリア代表に選出された。

 

その後も快進撃は続いた。「Cherry」「Reckless」「Tell Me」「Hurt Me Sooner」といった一連のブレイクシングルが世界的なファン層を拡大している。デビューシングル「Broken Love」は各プラットフォームで60万回以上の再生を記録し、Spotifyの「Peaceful Pop」「New Pop」プレイリストに選出済みだ。

アンソニーにとっての当面の目標は、「人間的な繋がりを作る」ことだという。「聴く人に音楽を通じてインスピレーションと共感を感じてもらいたい」と彼は言う。「誰かが曲を止めて特定のフレーズを再生し、『あの部分だ!!』と心から共感してくれたら、私の目的は達成されたようなものだ」そして驚くべきことに、彼の多くの楽曲において、それはほぼ達成されているのである。

さて、2026年の幕開けを飾る『Lost in LA』と、これまでで最も率直な作品となるであろう近々リリース予定のEPを通じ、ジョーダン・アンソニーは新しい世代のポップアーティストの最前線に躍り出る。彼は、弱さや脆さを恐れない。また、スピリットをさらけ出すことをためらわない。個人的な物語を普遍的なアンセムに昇華させるため、日々、自らの情熱を注いでいる。

 「Lost In LA」

 

▪️EN

 

At just 20 years old, Jordan Anthony has already lived a lifetime of music. The Perth-born, Los Angeles–based artist writes emotionally charged pop anthems that fuse storytelling with soul, transforming his own struggles and triumphs into songs that make people feel seen.

His journey began early. At age seven, Jordan wrote his first song, not a hit, as he jokes, but an outlet. Bullied at school and struggling to open up, songwriting became his escape. “It allowed me to say things I never could out loud,” he recalls. “From that point on, I knew this was what I was meant to do, to help people feel seen, heard, and less alone.”

By five, his parents had enrolled him in piano lessons, a decision he once resisted but now credits as the foundation of his self-sufficient musicianship. With that skill came the freedom to arrange and compose, and before long, he was writing songs with the kind of emotional honesty that would define his artistry.

At 14, Jordan stepped into the spotlight, earning national attention as a Top 4 finalist on The Voice Australia (2019). That same year, he represented Australia at the Junior Eurovision Song Contest, performing his original song “We Will Rise” and placing eighth internationally. Soon after, he was headlining Perth’s One Big Voice festival at RAC Arena and delivering a TEDx Talk on the power of storytelling through music.

But it was his leap into the global scene that truly set him apart. In 2024, Jordan was invited to compete on American Idol, where he made the Top 14 and introduced his music to a worldwide audience. The experience led him to relocate to Los Angeles, a move that marked the beginning of his next chapter.

His breakout collaboration “Cherry” with fellow Idol alum Ajii served as his first major introduction to global listeners, combining silky pop production with heartfelt lyricism and marking the beginning of Jordan’s evolution into a world-class pop storyteller.

In the months that followed, Jordan cemented his creative identity with a string of powerful singles,  “Reckless” and “Tell Me”,  each exploring a different shade of love, loss, and self-discovery. “Reckless” showcased Jordan’s pop sensibility and his ability to make heartbreak feel euphoric, while “Tell Me” leaned into vulnerability, pairing his soaring vocals with introspective lyricism that resonated deeply with fans. Together, the tracks set the stage for his most emotionally mature work to date.

In November 2025, Jordan released Hurt Me Sooner, a song that captures the ache of looking back on a relationship and wishing you could get that time back, even when you know it shaped you. Written with Brett Koolik and produced by Taylor Sparks, the track blends sweeping pop production with raw emotional vulnerability, marking another step forward in Jordan’s storytelling evolution.

Now, Jordan returns with his new single Lost in LA, a song he describes as “really important” and deeply personal. “I almost never even released it,” he admits, “but the more I listened to it, the more I realized this song actually needs to come out. It tells a lot of my story, not just my first year in LA away from home, but my journey as an artist overall. Being an artist can be so volatile, and this song kind of encapsulates those feelings of how easy it is to lose your way. I wanted to show people that it’s okay to feel like that and that it’s normal when pursuing your dreams, I just hope someone out there needs this song just as much as I do.”

While Lost in LA is a standalone single, Jordan hints that it’s just the beginning: “There’s an EP on the way this year that I’m genuinely so excited about. It’s a culmination of the best songs and stories I’ve written over the last year and a half,  moving to LA, finding who I am as an artist, and making music I feel so genuinely passionate about. It’s taken a long time to get to this point sonically, and I feel like it’s always developing, but I can’t wait for everyone to hear it.”

The song was born in a moment of solitude. “I wasn’t intending to write that day,” Jordan recalls, “but I was really homesick and doubting everything. I picked up my guitar, and the song just fell out of me in thirty minutes.” Once he decided to release it, Jordan collaborated with Nashville producers Parker Matthews and Todd Tran, who elevated the track to its final cinematic pop form.

Lost in LA is meant to be felt as much as heard. Jordan envisions it as a “headphones-in-the-uber-looking-out-the-window-longingly main character moment” type of song, though he believes it can resonate anywhere. At its core, the track is a message to never give up on one’s pursuits: “Accept the lows and know it’s all part of the process. Use those days to make the small wins feel even sweeter. It’s something I struggle with every day, but writing songs like this makes it easier to cope.”

Jordan’s artistry thrives in the balance between vulnerability and confidence, heartbreak and hope. His musical inspirations range from Ed Sheeran, Adele, and Sam Smith to Bruno Mars, Michael Jackson, Charlie Puth, Mike., Tate McRae, and Teddy Swims, artists whose emotional precision, presence, and authenticity have shaped both his sound and his approach to pursuing his dreams.

Outside the studio, Jordan stays grounded through family time, beach days, sushi outings, PlayStation sessions, and soccer, a lifelong passion rivaling music itself.

Jordan’s career is marked by early milestones and ongoing successes: Top 4 on The Voice Australia (2019), Top 14 on American Idol (2024), guest speaker at TEDx Perth (2023), headlining Perth’s One Big Voice festival (2019, 2022, 2023), representation of Australia at Junior Eurovision (2019), and a growing global fanbase fueled by breakout singles like “Cherry,” “Reckless,” “Tell Me,” and Hurt Me Sooner. His first single, Broken Love, amassed over 600,000 streams across platforms and earned spots on Spotify’s “Peaceful Pop” and “New Pop” playlists.

For Jordan, the ultimate goal is connection. “I want listeners to feel inspired and seen through my music,” he says. “If someone stops a song to replay a line and thinks, ‘THAT PART!!’ and really relates to it, I’ve done everything I set out to do.”

With Lost in LA kicking off 2026 and a forthcoming EP that promises to be his most honest work yet, Jordan Anthony continues to cement his place at the forefront of a new generation of pop artists, fearless in vulnerability, unafraid to bare his soul, and dedicated to transforming personal stories into universal anthems.

S-Curve Recordsより、シアトルを拠点とするクィア系オルタナティブ・ポップ／インディーポップの新星、Avery Cochrane（エイヴリー・コクレーン）による新曲「Griever(グリーヴァー)」が公開された。ミュージックビデオは個人撮影風のフィルムで、セレブ生活が映し出される。

 

S-Curve Recordsは、2000年にグラミー賞受賞プロデューサー兼レコードエグゼクティブのスティーブ・グリーンバーグによって設立されたレーベルである。エイヴリー・コクレーンは、ライリー・テイト・ウィルソンに続くレーベルの気鋭のアーティストである。

2025年８月にリリースされた「Shapeshifting on a Saturday Night(土曜の夜の変身)」がSpotify『Best of Fresh Finds Pop 2025』をはじめとする数々のプレイリストに選出され、TikTokで1500万回以上再生されるなど話題を呼んだエイヴリーが、情感あふれるアップビートなオルタナティブポップの傑作「Griever」で帰ってきた。エイヴリーは新曲についてこう語る。

 

「『グリーバー』の歌詞は、過去に自分を傷つけた人物と予期せず再会した後に感じる、後から湧き上がる怒りと悲しみを表現している。その場で言いたかったのに言葉にできず、数日経ってからようやく言葉にできる感情のすべてです」 

 

エイヴリー・コクレーンはバンバーシュート・フェスティバルでウィーザー、テニス、ジャネール・モネイ、シルヴァン・エッソらと共演している。AJRの前座を務め、SXSWへの出演も決定している。2026年3月には新作EPのリリースを予定している。

 

 

「Griever」 

 

 

 

Avery Cochrane: 

新興ポップシーンで最も知られざる才能の一人、エイヴリー・コクレーンはシアトルを拠点とするダイナミックなシンガーソングライター。

 

情感豊かな歌詞、映画的なサウンド、そして圧倒的なライブパフォーマンスで知られる。 シーンに登場して以来、時代を超えたポップセンスを保ちつつ生の体験を捉える能力で広く注目を集めてきた。

最近のシングル——クィアのアンセムとして轟音を響かせる「Existential Crisis at the Tennis Club」と、LadyGunnが「抗いがたいキャッチーさ」と絶賛した「Shapeshifting on a Saturday Night」——は、エイヴリーを2026年のゲームチェンジャーへと導いている。 

同曲はAmazonの新作BookTokインスパイアードシリーズ『Off Campus』の春シーズン放送向けにライセンス供与され、Spotifyの年末プレイリスト『Best of Fresh Finds 2025』にも選出された。  

「Shapeshifting」は2025年に彼女をインディーポップの最前線に押し上げ、新曲＆MV「Griever」に加え、3月リリース予定のEPで、エイヴリーはLGBTQ+ポップスターとしてブレイクする態勢を整えた。3月のSXSWを皮切りに今年はより大きなステージで彼女の活躍が見られるはずだ。

 

 

 

▪️EN

Among the best-kept secrets in emerging pop, Avery Cochrane is a dynamic Seattle-based singer-songwriter known for her emotive lyricism, cinematic sound, and magnetic live performances. Since breaking onto the scene, she’s drawn widespread attention for her ability to capture raw human experience while maintaining a timeless pop sensibility. 

Her recent singles—“Existential Crisis at the Tennis Club,” a bombastic queer anthem, and the LadyGunn-praised “irresistibly catchy” “Shapeshifting on a Saturday Night”—have positioned Avery for a game-changing 2026.   

The song was just licensed by Amazon’s new Book-Tok inspired series “Off Campus” for their spring launch and it also made Spotify’s year end ‘Best of Fresh Finds 2025’ playlist.  

“Shapeshifting” propelled her to the forefront of indie pop in 2025, and with her new single and video “Griever,” plus a brand-new EP arriving in March, Avery is poised to emerge as a breakout LGBTQ+ pop star. Expect to see her on bigger stages this year, beginning with SXSW in March.

 

著名なアーティストであり瞑想ガイド、Rina Rain(リーナ・レイン)による新たなマントラ楽曲と映像「Om Tare Tuttare Ture Soha(オーム・マニ・パドメ・フム)」を公開した。ヒーリングミュージックアーティストによる新曲で、マントラのような音楽の影響を発見することができる。また、ついで、単なる神秘主義以上のなにかをこの音楽には捉えることができるはずだ。

リナ・レインは音楽を通じて平和、献身、癒しを伝えるガイドである。魂のこもった歌声と古代のマントラ、現代的なサウンドスケープを融合させ、内なる静寂と繋がりを促す楽曲を創り出す。彼女の声は静寂の本質を運び、各詠唱は柔らかな祈りのように広がり、今この瞬間に戻る道となる。本トラックはアルバム『雨のささやき』からの第二弾となる。 

リナ・レインはベイエリアを拠点とする瞑想トレーナーで、マインドフルネス、キャリア開発、自己啓発の分野で20年以上の経験を持つ。またマントラアーティスト（Rina Rain）として、音楽を通じて平和、献身、癒しを伝える瞑想ガイドでもある。魂のこもった歌声と古代のマントラ、現代的なサウンドスケープを融合させ、内なる静寂と繋がりを促す楽曲を創り出す。

 

彼女の声は静寂の本質を運び、それぞれの詠唱は柔らかな祈りのように広がり、今この瞬間に戻る道となる。 神聖な反復と音と音の間の沈黙に根ざしたリナの歌声は、聴く者をゆっくりと歩み、呼吸し、自分自身へと帰るよう誘います。シンプルで広々とした音と導きを通して、彼女は平和、記憶、静かな変容の周波数を伝えます。彼女の音はパフォーマンスではなく、境界線なのです。

デビュー曲「ロカ・サマスタ・スッキーノ・バヴァントゥ」は、瞑想と深い平安のために創られたアルバム『雨のささやき』の第一弾となる。彼女は語る。「『ロカ・サマスタ・スッキーノ・バヴァントゥ』は私の声と心を開いたマントラです。

 

この曲は、私たちの心と魂の苦しみを和らげ、あらゆる時、あらゆる場所の全ての存在のために捧げる私の祈りです。 このマントラが、重く感じるものを和らげ、聴くすべての人に深い帰属意識を呼び覚ますことを願っています。私たちは皆つながっており、誰もこの旅を独りで歩んでいるわけではないことを、どうか思い出せますように」

彼女の楽曲「オーム・ターレ・トゥッテ・トゥレ・ソーハ」は、苦しみからの解放と恐怖からの守護を祈るマントラ。サンスクリット語の仏教マントラは、慈悲の具現である女神グリーンターラを呼び起こす。内なる恐怖、外なる脅威からの保護と、自由への道を求める際に実践するのに適している。

リナ・レインの最新シングル「オーム・マニ・パドメ・フム」は、静謐で超越的なマントラだ。リナは語る。

 

「この曲は、長く向き合うほどに古代の知恵が深まるマントラです。蓮華の中の宝珠の融合は慈悲・愛・智慧を表し、このサンスクリットのフレーズに戻るたびに内なる自由へと導かれます」

 

「ゆっくりとした安定した反復が、存在感と洞察のための空間を開き、やがて速いリズムへと昇華していきます。それは、私たちが求める宝石が常に私たち自身の中にあったという気づきです。このトラックを録音した時、私は本当に、広大な虚無の静寂へと歌っているかのように感じました。そこでは、音も思考も感情も、ゆっくりと沈黙へと溶けていくのです」

20年以上にわたり、リナはマインドフルネス、コーチング、創造的表現を通じて癒しの場を提供してきた。彼女の音楽は瞑想そのものだ。それはペースを落とし、呼吸を整え、心へと戻るための招待状である。

 

 

「Om Tare Tuttare Ture Soha」

Rina Rain is a Bay Area-based meditation trainer with over twenty years of experience in mindfulness, career and personal development. She is also a mantra artist (Rina Rain) and meditation guide sharing peace, devotion, and healing through music. Blending soulful vocals and ancient mantras and modern soundscapes, she creates songs that inspire inner stillness and connection. 

 

Her voice carries the essence of tranquility, each chant unfolding like a soft prayer, a return to presence. Rooted in sacred repetition and silence between the notes, Rina’s voice invites listeners to slow down, breathe, and come home to themselves. Through simple, spacious sound and guidance, she channels frequencies of peace, remembrance, and quiet transformation. Her sound is not performance, it is a threshold.

 

Her debut track “Lokah Samastah Sukhino Bhavantu” serves as the first glimpse of her forthcoming album Whispers of Rain, an album created for contemplation and deep peace. She shares, “‘Lokah Samastah Sukhino Bhavantu’ was the mantra that opened my voice and my heart. 

 

This track is my prayer to help ease suffering in our minds, in our hearts, and for all beings everywhere, at all times. My wish is for this mantra to soften what feels heavy and awaken a deeper sense of belonging in everyone who listens. May we remember that we are all connected, and none of us are walking this journey alone.”

Her track "Om Tare Tuttare Ture Soha" is a prayer for liberation from suffering and protection from fear. The Buddhist Mantra in Sanskrit invokes feminine Green Tara, the embodiment of compassion in action. Good to practice when seeking  protection from fears, inner or outer, and a path toward freedom.

Rina Rain's latest single "Om Mani Padme Hum" is a tranquil and transcending mantra. Rina shares, "The track is a mantra whose ancient wisdom continues to deepen the longer I sit with it. The union of the jewel in the lotus represents compassion, love, and wisdom, and each time I return to this Sanskrit phrase it guides me toward inner freedom. 

 

The slow, steady repetition opens space for presence and insight, eventually rising into a faster rhythm - a realization that the jewel we seek has always been within us. When I recorded this track, I truly felt as if I were singing into the vastness, into the quiet of the void, where sound, thought, and feeling slowly dissolved into silence.”

For over two decades, Rina has held space for healing through mindfulness, coaching, and creative expression. Her music is a meditation. It’s an invitation to slow down, breathe, and return to the heart.

 

レッド・ホット・チリ・ペッパーズ(RHCP)のベーシスト、フリーが初のソロアルバム『Honora』を発表しました。本作は3月27日にNonsuch Recordsよりリリースされる。本作では、彼が幼少期から抱いてきたジャズとトランペット演奏への愛が融合している。

『Honora』はサックス奏者ジョシュ・ジョンソンがプロデュースを担当。同作にはジョンソンに加え、ギタリストのジェフ・パーカー、ベーシストのアナ・バターズ、ドラマーのディアントニ・パークスが参加している。

 

フリー自身が歌唱を担当するほか、アトムズ・フォー・ピースのバンドメイトであるトム・ヨークとニック・ケイヴも歌声を披露。さらにマウロ・レフォスコ（デヴィッド・バーン、アトムズ・フォー・ピース）、ネイト・ウォルコット（ブライト・アイズ）らも参加している。 アルバムにはオリジナル曲6曲に加え、ジョージ・クリントン＆エディ・ヘイゼル、ジミー・ウェッブ、フランク・オーシャン＆シェイ・テイラー、アン・ロネルのカバー曲が収録されている。

昨年12月に先行リリースされた「A Plea」に加え、新曲「Traffic Lights」ではトム・ヨークがボーカルを担当。アートポップとジャズが融合した素晴らしい一曲。下記でミュージックビデオを公開中。

「Traffic Lights」

 

 

 

Flea　『Honora』 

 

Label: Nonsuch

Release： 2026年3月27日

 

Tracklist:

1.Honora

2.Golden Wingship

3.A Plea

4.Traffic Lights

5.Frailed

6.Morning Cry

7.Maggot Brain

8.Wichita Lineman

9.Thinkin Bout You

10.Willow Weep for Me

11.Free As I Want to Be

 

▪Pre-save: https://flea.lnk.to/Honora 

アーロ・パークスが3作目となるアルバム『Ambiguous Desire』を発表しました。本作は4月3日にリリースされます。『Ambiguous Desire』は、2023年発表のアルバム『My Soft Machine』に続く作品となる。新アルバム発表と同時に、パークスはファーストシングル「2SIDED」をリリースした。

楽曲について彼女は次のように語っている。「『2SIDED』の核心は、渇望と緊張感についてです。欲望の稲妻に打たれ、その感情に言葉を与え、現実のものとする勇気を奮い起こすことについての曲です」

ベアード（Brockhampton、Kevin Abstract）がプロデュースを手掛けた本作は、パークスがNYCのナイトライフで経験したことに根ざしている。

「このレコードを作っている間、今まで以上に踊り、今まで以上に友達も増えた。ニューヨークのジュークナイトの奇妙な裏側で自分を発見し、解き放たれ、笑い、笑い、笑った。このレコードの中心には欲望がある。 欲望は生命力であり、渇望であり、切望であり、推進力だ——私たちが生きているのは、何か、あるいは誰かを欲しているから。欲望は原動力だ。けれど、同時に、それは神秘的で、複雑に絡み合い、不規則で、啓発的で、そして人間らしいものなのだ」

「2SIDED」

「Heaven」は、先月『Ambiguous Desire』の発表と同時にリリースされた先行シングル「2SIDED」に続く楽曲である。

新曲についてアーロ・パークスはこう語る。「『Heaven』は陶酔感、共同体、そして今この瞬間にいることについての曲です。見知らぬ人々が汗をかき、繋がり、自分を見失い、そして見つける——そんな空間にいることは、言葉を超えた魔法のような体験です。この曲は、その感覚を捉えようとした私の試みでした」

「Heaven」

Arlo Parks 『Ambiguous Desire』

Label: Transgressive

Release: 2026年4月3日

Pre-save: https://arloparks.ffm.to/ambiguousdesire

メアリー・ラティモアはロサンゼルスを拠点とするハープ奏者兼作曲家であり、リヨン＆ヒーリー社のコンサートグランドハープとエフェクトを用いた実験的な演奏で知られ、記憶と儚い印象に満ちた音楽世界を創り出す。ピッチフォーク誌から「現代を代表する楽器による物語の語り手」と評される彼女は、音楽を通じて強烈な感情を喚起する独自の能力を持つ。 

ラティモアは、人生の瞬間をそのまま記録したいという衝動と、旅と演奏への情熱が共鳴し合い、動きからインスピレーションを得ている。彼女は動きが新たな気分やメロディを解き放つと信じている。こういったソロ活動に加えて、メグ・ベアード、サーストン・ムーア、シャロン・ヴァン・エッテン、ハロルド・バッド、カート・ヴァイルらと幅広く共演し、ハープパートの作曲や演奏を行っている。彼女の音楽は、人生において不変のものなど存在せず、音を通じてアーティストが儚さの悲劇と美しさを讃え、悼むことができることを私たちに思い出させる。

一方、共同制作者であるジュリアナ・バーウィックはロサンゼルスを拠点とする作曲家、ボーカリスト、プロデューサーであり、人間の声を中心に据えた深く内省的な音楽で高く評価されている。これまでに6枚の批評家絶賛のアルバムを発表している。 2013年の3作目『ネペンテ』ではプロデューサー兼映画音楽作曲家アレックス・ソマーズとの初コラボレーションを実現。

2020年の『ヒーリング・イズ・ア・ミラクル』ではヨンシ、メアリー・ラティモア、ノサージ・シングが参加し、ピッチフォーク誌の「ベスト・ニュー・ミュージック」に選出された。 バーウィックはオノ・ヨーコ、ザ・フレーミング・リップス、フィリップ・グラスらと共演し、NYCダンスカンパニー「バレエコレクティブ」とも協働している。

レコーディングアーティストとしての活動と並行し、映画音楽作曲家としての仕事も拡大中。ループ処理されたボーカルテクスチャーを基盤とするアンビエント音楽に焦点を当てたボーカリスト、プロデューサー、作曲家。ヨンシ、フィリップ・グラス、オノ・ヨーコらと共演した。 主な作品には、ネペンテ（2013年）、ヒーリング・イズ・ア・ミラクル（2020年）などがある。

長年にわたり共にツアーを重ねてきたラティモアとバーウィックが、このフルアルバムの共同制作・録音で初めてタッグを組む。二人の創造的シナジーが、ハープ、声、アナログシンセを融合させ、深く情感に満ちた没入型のサウンドジャーニーを紡ぎ出す。  本作はパリ・フィルハーモニーにて共同プロデューサーのトレヴァー・スペンサー（フリート・フォックス、ビーチ・ハウス）と一緒にレコーディングされた。フランスのレーベル(InFine)と音楽博物館（Musée de la Musique）による現代作曲における歴史的楽器活用というユニークな共同プロジェクトの継続作となる。2017年よりインフィネとパリ・フィルハーモニーは、音楽博物館の卓越した楽器コレクションを際立たせるアルバムシリーズを共同開発している。 

アランデル『InBach』（2020年）、セブ・マーテル『Saturn 63』（2022年）に続く第三弾となる本作は、現代アンビエント界を代表する二人のアイコン、メアリー・ラティモアとジュリアナ・バーウィックの邂逅である。本プロジェクトでは、アーティストが博物館の演奏可能な楽器を録音・音響保存・創造的再解釈のために自由に使用することを許可されている。

『Tragic Magic』は、現代アンビエント／実験／電子音楽界で最も称賛される作曲家二人、ジュリアナ・バーウィックとメアリー・ラティモアが、フランスのレーベルInFinéとの提携のもと、パリ・フィルハーモニーにて実現した唯一無二のコラボレーション作品である。

本プロジェクトでは、ミュゼ・ド・ラ・ミュジークの楽器コレクションへの特別アクセス権を得て制作が行われた。 本作は人間の精神に導かれた7つの没入感あふれる情感豊かな楽曲を収録。親密で友情に根ざし、地上的でありながら宇宙的なこれらの作品は、世代を超えた芸術の慰めと変容の力を映し出す、より大きな連続体の一部である。

トレバー・スペンサー（フリート・フォックス、ビーチ・ハウス）が共同プロデュースした『Tragic Magic』はわずか9日間で制作された。これはバーウィックとラティモアが長年のツアーと友情を通じて培った「音楽的テレパシー」の証である。2025年の山火事直後にロサンゼルスからパリに到着した二人は、インスピレーションに満ちた深い支えのある環境下で、即興演奏と持ち込んだ感情・経験を融合させたセッションを行った。 ラティモアは1728年から1873年までの進化を辿るハープを、バーウィックはローランド・ジュピターやシークエンシャル・サーキット・プロフェット5など象徴的なアナログシンセサイザーをそれぞれ選んだ。声と楽器の自由な対話の中で、彼らは悲劇と驚異、そして共有された経験の回復力についての瞑想を紡ぎ出す。

スペンサーも加わるこのデュオは街を探索し、食事を共にし、美術館や名所を訪れた。それぞれの出会いが次のセッションに刻み込まれ、稀少な楽器と深く向き合いながら、個人の感性と数世紀の歴史を融合させる体験となった。その結果生まれた音楽は過去を称えつつ、今を深く誠実に表現するものとなった。

『Tragic Magic』を通して、バーウィックとラティモアは自己を超えた何かを見出す——全てが順調ではないかもしれないが、美しさは持続するという感覚だ。彼らのアプローチ——人生を音楽へと変容させ、観察し、感じ、創造する——は、このプロジェクトで使用した楽器そのものに体現される創造的表現と先見的な発明の系譜を継承している。

このアルバムは、二人の音楽家がつかの間のひと時をパリで共にしたことで生じた。同時に、即興的な要素も散りばめられている。メアリー・ラティモアが基本的に伴奏を担当し、また、ジュリアナ・バーウィックがシンセで曲の肉付けをしたり、また、ボーカルでそれらの楽曲に驚くべき化学反応を及ぼす。シンプルな音の作りであるが、その音楽は緻密さがあり、また、即興や合奏を中心とする音楽でしか得難い驚くべき瞬間、偶発的な音楽性が登場することもある。心地よいハープの演奏に耳を傾けるか、それとも開放的で清涼感に満ちた芸術的なボーカルに注目するか、また、クラフトワークのようなヨーロッパのテクノの文脈に驚きを見出すのか、聞き手の好みによって焦点も変わってくるに違いない。楽しみ方も十人十色になるはずだ。

 

Mary Lattimore & Julianna Barwick 『Tragic Magic』-InFine(FR)/ Plancha(JP)

女性作曲家のコラボレーションといえば、昨年、ワルシャワで録音されたSofie Birch（ソフィー・バーチ）とAnotnina Nowaca（アントニーナ・ノワカ）によるアルバム『Hiraeth』が真っ先に思い浮かぶ。昨年、週末のレビューで紹介した作品であるが、これはツィター、 ハープといったアコースティック楽器が中世音楽の観点からアンビエント風に組み上げられたものだった。

 

アメリカの実験音楽/モダンクラシック界隈では高い評価を受けるハープの演奏者、Mary Lattimore（メアリー・ラティモア）、そして、ギタリスト／ボーカリスト/プロデューサー/アーティストとして活躍するJulianna Barwick(ジュリアンナ・バーウィック）の共同制作作品もまた、ハープとボーカルの合奏形式を図る。本作は両者の個性が余すところなく発揮されている。

 

しかし、上記の二つの作品には共通点もあるが、相違点も内在する。『Hiraeth』がメディエイバルを志向した作品とすれば、『Tragic Magic』は現代的なエレクトロニックの手法が顕著である。ファンタジックな音楽、それはRPGのゲーム音楽や映像音楽を彷彿とさせるのは双方の作品の共通項であるが、本作については現代に音楽的な基軸が置かれている。『Hiraeth』がもし仮に、数世紀前の東欧の空気感に没入させるとすれば、本作は、現代という視点から幻想的な音楽の世界観を構築している。すなわち、似て非なる音楽性が発見できるということである。

このアルバムは全般的に、アンビエント的な性質を持ち合わせているのは事実だろう。ラティモアのハープの演奏は華麗であり、繊細で叙情的なアルペジオから、曲の全般的なアンビエンスまでをくまなく司る。一方のバーウィックはボーカルを中心として、奥行きのあるアンビエンスを作り出し、聴いていて心地よいだけではなく、瞑想的な音楽世界を構築している。この点は両者のミュージシャンが楽器によるセッションを心から楽しんでいることを伺わせる。そして、全般的に見れば、音楽としては最小限の要素、ミニマリズムをもとにし、そこからマキシマムの要素が丹念に作り上げられていく。同じフレーズをミニマルミュージックのように組み合わせながら、その都度、ボーカルが別のフレーズを歌い上げ、そしてプロデュースとして、ミニマル（最小）とマキシマム（最大）を行き来しながら、多角的な音楽性が作り上げられる。 

 

アルバムの一曲目に収録されている「Perpetual Adoration」を聴けば、そのことが理解していただけるかもしれない。ハープの伴奏に加え、ボーカルが主旋律を担う。音の構成はごくシンプルであるが、ハープのアルペジオを中心とする演奏の中で、ボーカルがヒーリングミュージックのような効果を担い、癒やしと安らぎに満ちた音楽世界を構築していく。その中で、曲のセクションが変遷していき、音楽的なサウンドスケープが徐々に移ろい変わっていく。サウンドスケープとは音楽を象徴付ける視覚的な要素であるが、両者のミュージシャンが見事な形で晴れた冬の大気のような清々しい空気感を構築していく。それはまるでエンヤの音楽のようでもある。ボーカルのリバーブやディレイは極限まで引き上げられ、背景のハープと混ざりあっていく。

 

このアルバムでは、メディエイバルや中世ヨーロッパのフォークミュージックの要素が強いウェイトを占めている。これらは騎士道の時代の音楽や、フランス、フランドル、イタリアといった地域で親しまれていたトルバドゥール（吟遊詩人）の音楽性の影響が見いだせる。アルバムの中世的なイラストを反映するかのように、リュートをハープに置き換えた形で、メディエイバルが展開される。

 

しかし、先にも述べたように、それらは中世に埋没するという感じではなく、現在の時間軸から過去を俯瞰するかのようである。その音楽の中には、これらの西欧の中世音楽に一定の影響を及ぼしたケルト民謡の影響も見いだせるが、それらを、両者は丹念に現代の演奏者の視点から再構築する。

 

音楽的にも聴きやすく、そして叙情性に満ちた音楽になっているが、その中に現代的な要素として組みこまれるのがアンビエントや実験音楽の要素にも注目したい。ラティモアのハープの演奏は、時々、日本の琴のような味わい深い響きが出てくるが、同時に、バーウィックのボーカルはドローン奏法のような音響効果を司り、持続音がデジタルエフェクトで強調されながら、無限を感じさせる奥行きのある音楽的な空間が構築されている。古典性と現代性という二つのベクトルが絡み合い、未曾有の音楽世界が拡張される。「The Four Sleeping Princess」は、音楽を聴くという一般的な行為よりも、音楽に浸るというリスニング体験に近いかもしれない。特に曲の後半部でのボーカルの録音が重なると、幻想的な音楽が生み出される瞬間がある。

 

続いて、「Temple of The Wind」はヒーリング音楽の視点から、中世の民族音楽や宗教音楽を掘り下げた内容となっている。メアリー・ラティモアのハープの演奏は依然として、ツィターやリュートのような古風な音の響きを携えながら、ジュリアナ・バーウィックのボーカルとより瞑想的な音楽を構築していく。ここには両者の音におけるコミュニケーションの結晶が生み出され、それはやはり前の二曲と同様に、クリスタルの結晶のような澄明な響きという形で表側に滲み出ている。分けても、この曲では、西欧に根ざした音楽的な感性にとどまらず、西アジアのヒマラヤやチベットのような、密教的な音楽やキリスト/イスラム神秘主義の音楽の雰囲気が表されている。まるで古めかしい奥処の僧院に聞こえる音楽のような、祈りの音楽である。

 

「The Haze With No Haze」は間違いなく、このアルバムのハイライトで、重要なバックボーンとなる一曲である。ささやかなハープの演奏からボーカルや現代的なエレクトロニックの文脈を通じて、推測出来ないほどの壮大なマクロコスモスの音楽が構築される。 全般的な音楽性としては、物悲しい感傷性に満ち溢れているが、バーウィックのボーカルはそれほど悲観的ではなく、むしろ壮大な感覚や開放的な空気感に満ちている。この曲では、前進する明るいエネルギーがみなぎっているように思える。特に、両者の美的なセンスが上手く発揮された圧倒的な瞬間が曲の終盤に訪れる。ボーカルアートとはかくなるべきというような模範例が示されている。それはやはり、このアルバム全般と同様に、簡素化や集約化の手法で体現される。

 

 「The Rachel's Song」は、アルバムの中で最もワイアード、つまり風変わりな楽曲である。雨音の癒やしに満ちたイントロから始まり、印象音楽/情景音楽や、サウンドスケープの見本的な形が示されている。映像音楽であれば、映像そのものがその音楽の立証ともなるが、音楽単体の場合は、その立証が完全には出来ない。しかし、同時にそれは聞き手の想像力を駆使することができるという可能性を内包している。

この方法を両者は巧みに用いて、風や雨、そして吹雪などの情景が音楽を介して体現されるが、それはまた音楽におけるストーリーテリングの手法とも言える。そして、シリアスになりすぎず、遊び心に満ち溢れ、全般的なメディエイバルの音楽性の中で、アンビエント、フォーク、そして、マカロニウェスタンのモリコーネ風の口笛など、面白いアイディアがたくさん出てくる。果たして、ここは西部劇のような砂漠なのか、それとも雪山なのか……。そんなイメージを自由にふくらませてくれるのだ。そして曲の終盤では、雪女のような童話的な音楽のイディオムも登場する。ラ・フォンテーヌのような童話的な音楽がここに誕生したと言えるだろう。

 

このアルバムが面白いのは、基本となる音楽性を用意しつつも、それに必要以上にこだわらない二人の姿勢が読み取れることである。例えば、「Stardust」は、おそらく二人のミュージシャンが、これまでやったことがなかったタイプの曲ではないかと思う。ドイツのデュッセルドルフのテクノシーンの影響を感じさせ、その上にレトロなバーウィックのシンセを中心とした、魅惑的なエレクトロニックの音楽が展開される。こういった曲を聴くと、必ずしも音の情報量が多ければ良いというわけではないことが理解してもらえるだろう。作曲自体は古典的でシンプルであるが、その雰囲気に大きな好感を覚える。二つ以上のシンセサイザーの波形を組み合わせて、クラフトワークを彷彿とさせるような未来への漠然たる期待感をもたせる良曲が誕生している。そして、その中には様々な工夫が施され、モジュラー系の音色やアコースティックピアノの音色を組み合わせたりというように、バーウィックのエンジニアの手腕が発見できる。トーンシフターなどを駆使しながら、即興的な音楽が組み上げられているのにも注目したい。曲の後半でのクラフトワーク風のマシンドラム、そしてボーカルの融合はほとんど最高だ。

 

トレバー・スペンサーのサウンドエンジニアとしての素晴らしさは、特に最後の曲に見いだせるのではないか。（それまでにも、プロデューサーとしての手腕は余す所なく発揮されているが）ハープの演奏を鍵盤楽器のように見立て、従来の楽器の音響性に変化を与えている。まるでラティモアのハープは、ピアノの前身であるフォルテピアノのように響き、ミニマルミュージックが繰り広げられる。しかし、ヴォーカルが入るとき、音楽的な情景がガラリと一変する。

 

アダムス、ライヒ、グラスといったアメリカの２０世紀の巨匠たちは、クロード・ドビュッシーの「運動（Mouvement）」のような苛烈なミニマリズムを、厳然たる純正音楽の手法やジャズの冒険心あふれる手法を用いて見事に発展させた。ミニマル音楽の一番面白い点は、出発地点と到着地点が驚くほど離れているということ。反復性に重点があるわけではなく、反復と変奏を繰り返していくうち、予想出来ない結末が訪れるという点に、この音楽の核心がある。

 

執拗なオスティナートや反復的な構造を通して、それを愚直に変化させ、その経過すら楽しみながら、全く予想だにしないゴール地点へと向かう。ミニマル音楽とは束縛に過ぎないが、ある時、辛抱強く同じことを続けているうちに沸点を迎え、それがまったく予期できなかった何かに変容する。それはまた、小さなさなぎが蝶に変身するようなもの。これが音楽そのものが、人間の一生の過程であることの証なのだ。ジュリアナ・バーウィックとメアリー・ラティモアの両者は同じように、このアルバムの中で人生のワンカットを示すことに成功している。音楽的な内容は幻想主義なのだが、そこには、何らかのリアリティが反映されているのである。

 

 

 

８４/１００

 

 

ニューヨークのエレクトロニックデュオ、Fcukersが初のフルアルバム『Ö』を発表しました。本作は、3月27日にNinja Tuneよりリリースされます。

 

本作はKenneth Blume（旧名Kenny Beats）がプロデュースを担当し、Dylan Brady（100 Gecs）が複数曲で追加プロデュース、Tom Norris（レディー・ガガ、チャーリー・XCX、ザ・ウィークエンド）がミキシングを手掛けた。

『Ö』は、Fcukersを米国新世代エレクトロニック・ポップの注目株へと押し上げた勢いを凝縮した作品であり、BBC Radio 1の「Future Artist of the Month」、BBC 6 Musicの「New Music Fix Daily Next Up」、Spotifyの「Artist to Watch」に選出されたのも当然と言える。

トラックリストには既に公開済みの「Play Me」と「I Like It Like That」が収録されているが、アルバムからの新たな先行曲「L.U.C.K.Y.」が公開された。

 

「L.U.C.K.Y.」

 

 

Fuckers 『Ö』

 

Label: Ninja Tune

Release: 2026年3月27日

 

Tracklist

1.Beatback

2.L.U.C.K.Y

3.Butterflies

4.if you wanna party, come over to my house

5.Play Me

6.Shake It Up

7.I Like It Like That

8.TTYGF

9.Lonely

10.Getaway

11.Feel The Real

 

 

ニューヨーク随一のパーティースターターとしての地位を確立した奔放なエネルギーを凝縮している。ブレイクした新曲「Play Me」と「I Like It Like That」を収録（後者は既に彼らの熱狂的なヘッドライン公演で定番ライブ曲に）し、Fcukersの世界における比喩的な夜遊びの浮き沈みを聴き手に体験させる。

 

鋭く、力強く、デュオが短期間で磨き上げたピークタイムのパーティーエネルギーが滲み出る『Ö』は、自らのサウンドを完全に掌握し、最高の状態で活動し、2026年のペースを刻む準備が整ったバンドの姿を示している。

 

 

「I Like It Like That」