Interview: Helena Silva デビューアルバム『Celste』の制作/ Netflixシリーズ「 The Empress」のサントラへの参加を語る
Helena Silva(ヘレナ・シルヴァ)は、ポルトガル/バルセロス出身のヴァイオリニスト兼作曲家。現在はリスボンを拠点に活動。クラシック音楽の専門的な訓練を受け、スコットランド王立音楽院で演奏の修士号を取得。以来、クラシックと実験音楽の世界を橋渡しするキャリアを築いています。
国内外のオーケストラやアンサンブルと定期的に共演し、Cícero、St.
James Park、Grutera、The Partisan Seedなどのアーティストのアルバムに参加。演劇の分野では、指揮者のマルティン・ソウザ・タヴァレスや演出家のリカルド・ネヴェス・ネヴェスらと仕事をしてきました。
映画では、Netflixシリーズ『皇后陛下』のサウンドトラック制作に貢献し、また、"シネ・アマドーラ 2025"よりシュルレアリスム映画『貝殻と僧侶』の作曲を依頼されている。
2023年3月には初のEP『Manta』をリリース。収録曲「Tropico」はBBCラジオで紹介されました。続いて、先月リリースされたデビューアルバム『Celeste』は、バリ島での芸術家滞在中にリサ・モーゲンシュテルン、ルービン・ポロックらと共に芸術家滞在プログラムに参加した際に構想が練られました。
ヘレナは現在、新作アルバムの発表と新たな創造的プロジェクトの模索に注力しています。特に映画と新たなコラボレーションに注力しつつ、新作アルバムの発表と新たな創造的プロジェクトの模索を続けています。
今回、デビューアルバム『Celeste』の制作について、作曲家にいくつかの質問を投げかけてみました。また、弦楽器奏者としてのアピールポイントや映像音楽を作る時のコツなどを伺うことができました。下記よりエピソードを読み下さい。
ーー『Celeste』の制作は、2023年に、バリ島で行われたレジデンシー期間中に始まりました。このアーティスト・レジデンシーの経験は新しい作品にどのような影響を与えたのでしょうか？
Helena Silva: 振り返ってみると、場所が私の音楽に与える影響の多様さが明らかになりました。時に現実の場所であり、時に想像上の場所、あるいは特定の場所の概念そのものでさえ影響を与えます。
例えば、前作『Manta』EP収録の「Bairut '65」は、私が実際に訪れたことのない場所（ましてや60年代の）ですが、ある時『LIFE』誌に掲載された写真に出会い、強く惹きつけられました。それらの写真は、私が知らなかったレバノンの全く新しい側面を示し、それが何らかの形でこの楽曲の起源となったのです。
しかし、バリとセレステに焦点を当てると、このレジデンシーが新たな創作を始める時間と空間を与えてくれたことに加え、現地到着直後の時差ぼけから回復しつつあった時期に見た日の出が、このアルバムの中心的存在となったと言えます。
意図したわけではありませんが、完成した今、光と闇が全編にわたり共存し、互いに競い合っていることに気づく。最初の4曲はこの薄明かりの雰囲気を表していると言えるでしょう。一方『Alva』と『Celeste』が最も輝きを放ち、『A Conversation Overheard』と『Figurado』が夜の一面を表現しています。
そして『Figurado』で使用されたガムランのフィールド・レコーディングは、バリと私の故郷を結ぶ架け橋として機能しました。異教的な像が文化に根付く土地（興味があれば「フィグラード・デ・バルセロス」を検索してほしい）出身の私にとって、それらを融合させることは極めて自然な選択でした。
ーーアルバムのいくつかの楽曲では、トレモロやドローン奏法など特徴的な弦楽器の技法が用いられています。弦楽器奏者として、この作品を通じてどのような探求と表現を目指したのでしょうか？
Silva: クラシックの訓練と並行して、私は活気あるインディペンデント・ミュージック・シーンに囲まれて育ちました。友人たちの多くはバンドで演奏したり、DIYスタイルでライブを企画したりしていました。
そこで演奏され消費されていた音楽のほとんどはギター中心で、おそらくそれが、効果として音をモデル化したり歪ませたりできるという考えを、クラシック訓練を受けた私でも早い段階で受け入れさせたのでしょう。
こうしたバンドや環境が教えてくれたのは、技巧以上に「意図」と「質感」が自己表現の強力な手段だということでした。例えば、クラシック音楽では、長い音符を用いビブラートなどの技法で感情を伝える印象派やロマン派の作曲に惹かれました。その後にドローンやアンビエント音楽に出会い、その魅力に夢中になりました。
羊毛の糸を引くように展開されるアイデアの穏やかな流れ。そこには非常にリラックスでき、居心地の良さを感じさせる何かがあります。
その結果、『Celeste』で描かれた音楽は、こうした経験の全てが混ざり合ったものとなった。ヴァイオリンの純粋な音色と荒々しいテクスチャーの並置、そして保守的なクラシック音楽の世界がより進歩的なアプローチによって挑戦される構図がそこにあるはずです。
ーー作曲に関して、フィリップ・グラスの影響を感じました。あなたの音楽に影響を与えた作曲家やアーティストを挙げるとしたら、誰になりますか？
Silva：真っ先に思い浮かぶのは、ティム・ヘッカー、フェネズ、カリ・マローン、ブライアン・イーノです。彼らは皆、それぞれ独自の方法でアンビエントやドローンを探求しています。ティム・ヘッカーがピアノや合唱を録音し、それをほぼ破壊するまで加工する手法には驚かされます。
特に、ブライアン・イーノはアンビエント音楽の紛れもない巨匠であり、芸術全般に関する驚くべき思想家でもあるため、私にとって非常に大きな影響を与えています。クラシックピアノとエレクトロニクスを橋渡しし探求するニルス・フラームと坂本龍一も、特筆すべきインスピレーション源です。
ーー「Celeste」を聴くと、様々なタイプの音楽に出会います。厳かな音楽、苦悩を表現する音楽、喚起力のある音楽。さらに「Alva」からは、音楽がより天界的な性質を帯びていきます。これらの音楽的要素は経験から生まれたのでしょう？ それとも内面の感覚の表現だったのでしょうか？
Silva: 「Alva」は間違いなくアルバムで最も天界的で旋律的な作品であり、ある意味では私が以前探求していた作品に近い。私にとって『セレステ』は、その幽玄で旋律的な側面と、アルバムの残りを構成するよりアンビエントな楽曲との融合点、接点のように感じられます。個人的なレベルでは、私はノスタルジックな人間と言えるでしょう。離れた場所や、しばらく会っていない人々を懐かしんだりすることがあり、それが私の作品を通して表れているんだと思います。
ーーアルバムの最後になぜガムランを取り入れたのでしょうか？ この楽曲で表現しようとしたことは何でしょう？
Silva: レジデンシーのプロモーターは、私たちに十分な自由と遊びの余地を与えてくれた一方で、現地の文化を体験してほしいとも思っていました。そうでなければ意味がありませんからね。私たちは、バリ舞踊のクラスやバリ料理のワークショップ、その他の文化活動に参加しました。今でも時々、バリ料理を再現しようと試みています。とても美味しいんですよ。
また、ある夜、地元のコミュニティによる公演を観に行きました。ガムランを奏で、伝統的な仮面と衣装をまとって踊る姿に、その場で「この雰囲気を音楽に取り入れたい」と強く思いました。
先ほども話したように、私の故郷ポルトガルでは異教文化が色濃く残っています。表現様式は大きく異なりますが、両者の間に繋がりを感じました。人間の経験には、''どこへ行っても共通の基盤がある''のです。そこに意図的な意味はありませんでした。ただ、遠く離れた世界をつなぎ、知らず知らずのうちに私たちを閉じ込める境界線をなくす、という考えに惹かれたのだと思います。
ーー映画やNetflix作品への楽曲提供もなさっていると伺っています。映像のための音楽制作において、特に重視される要素を教えてください。
Silva: Netflixの『The Empress(邦題: 皇后陛下)』については、実際にサウンドトラックを作曲したリサ・モーゲンシュテルンから、あるトラックのヴァイオリンの録音に参加するよう招待されました。リサがトラックや特定のシーンに思い描いた音を探求し、共に創作できたのは素晴らしい経験でした。
最近は演劇にも定期的に携わっており、即興演奏やエフェクトペダルを多用しています。これは私のソロ音楽での演奏とも何らかの形で繋がっています。短編映画の音楽制作も準備中ですが、まだ進行中です。
さらに、近頃、1928年の実験映画『The Seashell and the Clergyman(邦題: 貝殻と僧侶)』の上映中に、即興演奏と作曲を行う、という挑戦を受けました。実際に、ヴァイオリンを手に取る前に、この映画を何度も観ました。感覚を正確に捉えたい、感情を表現したい。それが私の主眼でした。
この場面で主人公は何を経験しているのだろう？ 舞踏会のシーン全体の雰囲気はどうだろう？ そんなふうに自らに問いかけつづけた。各シーンの解釈にようやく確信が持てた時、初めてヴァイオリンを手に取った。その後、即興性を重視し、映像が導く直感に従うことを心がけました。
▪EN
Helena Silva is a violinist and composer from Barcelos, currently based in Lisbon, Portugal. Having received professional training in classical music, she obtained a Master's degree in performance from the Royal Conservatoire of Scotland. Since then, she has built a career bridging the worlds of classical and experimental music.
She regularly performs with orchestras and ensembles both nationally and internationally, and has contributed to albums by artists such as Cícero, St. James Park, Grutera, and The Partisan Seed. In theatre, she has worked with conductor Martin Sousa Tavares and director Ricardo Neves Neves. In film, she contributed to the soundtrack for the Netflix series “The Empress” and was invited by Cine Amadora 2025 to compose music for the surrealist film “La Conquille et le Clergyman”.
Helena Silva is a violinist and composer from Barcelos, currently based in Lisbon, Portugal. Having received professional training in classical music, she obtained a Master's degree in performance from the Royal Conservatoire of Scotland. Since then, she has built a career bridging the worlds of classical and experimental music.
She regularly performs with orchestras and ensembles both nationally and internationally, and has contributed to albums by artists such as Cícero, St. James Park, Grutera, and The Partisan Seed. In theatre, she has worked with conductor Martin Sousa Tavares and director Ricardo Neves Neves. In film, he contributed to the soundtrack for the Netflix series “The Empress” and was invited by Cine Amadora 2025 to compose music for the surrealist film “La Conquille et le Clergyman”.
In March 2023, he released his debut EP “Manta”. The track “Tropico” was featured on BBC Radio. Following this, her debut album “Celeste”, released last month, was conceived during an artist residency programme in Bali, where she participated alongside artists such as Lisa Morgenstern and Rubin Pollock.
Helena is currently focused on releasing her new album and exploring fresh creative projects. She continues to release her new album and pursue new creative endeavours, with a particular focus on film and new collaborations.
This time, we posed several questions to the composer regarding the creation of his new album, “Celeste”. We also had the opportunity to ask about his appeal as a string instrumentalist and his tips for creating visual music.
ーーThe creation of 'Celeste' began during your 2023 residency in Bali. How did the experience of this artistic residency influence the work?
Helena Silva: Looking backwards it has become clear to me how different places influence my music. Sometimes real, sometimes imagined or even the idea of a certain place.
Taking Beirut ’65 (from the previous Manta EP) as an example, I have never been there - let alone in the 60s - but at some point I came across some photos published by LIFE magazine and became obsessed about them. These photos showed me a whole new side of Lebanon that I was unaware of and that somehow gave origin to this piece.
But focusing on Bali and Celeste, and besides the time and space this residency gave me to begin working on something new, I would say that sunrises during the first days there, while I was still recovering from jet lag, ended up taking a center seat on this album. It was not premeditated, but now that it is done, I realise how light and darkness coexist and contend one another all over it.
The first four pieces refer to this low light ambiences, I would say, while Alva and Celeste are the most luminous ones, and with A Conversation Overheard and Figurado being the nocturnal side of it.
Then there is the gamelan field-recording used in Figurado which was used as a bridge between Bali and my hometown. Coming from somewhere where pagan figures are embedded in our culture - search “figurado de Barcelos” if you are curious about it - , it made total sense to mash these two worlds, so far apart and yet so alike in their essence, together.
In Outra Terra there is also a field-recording captured at sunrise looking over endless rice fields. Its title refers to a distant and unknown land, once again playing around with geography as a source of inspiration.
--Several tracks on this album feature distinctive string techniques, including tremolo and drone playing. As a string player, what did you want to explore and convey through this work?
Silva: Parallel to classical training I grew up surrounded by a lively independent music scene. A major part of my friends were playing in bands or promoting gigs in a diy fashion. Most of the music played and consumed there was guitar centered and I guess that made me accept quite early that sounds can be modeled and distorted as an effect, which my classical trained self would not dare to think of.
What this bands and context also showed me was that intention and texture were powerful tools to express yourself, more so than virtuosity.
As for classical music, I grew fond of impressionism and romantic compositions, which feature long notes and rely heavily on techniques like vibrato to convey emotion.
Later on I discovered drone and ambient music and fell in love with it. The gentle flow of an idea being developed like pulling a wool thread. There is something so relaxing and homey about it.
As a result, the music portrayed in Celeste became the mixing pot of all these experiences. The juxtaposition of the pure sound of the violin and the abrasive textures, as well as the more conservative world of classical music being challenged by a more progressive approach.
--Regarding composition, I could sense an influence from Philip Glass. If you were to name composers or artists who have influenced your music, who would they be?
The first ones to pop into my mind are Tim Hecker, Fennesz, Kali Malone and Brian Eno. All of them explore ambient and drones in their own way. The way Tim Hecker composes and records pianos and choirs to then almost destroy them awes me.
Especially, Brian Eno being the undisputed master of ambient music and such an amazing thinker regarding art in general, also comes as a huge influence to me.
Nils Frahm and Ryuichi Sakamoto, bridging and exploring classical piano and electronics are also inspirations worth noting.
--Listening to "Celeste" one encounters various types of music: solemn music, music expressing anguish, and music that is highly evocative. Furthermore, starting with "Alva," the music takes on a more celestial quality. Did these musical elements emerge from experience? Or were they expressions of internal sensations?
Silva: "Alva" is definitely the most celestial and melodic piece on the album, and in some ways, closer to the kind of work I was exploring before. Celeste, for me, feels like a meeting point - a mix and a connection between that ethereal and melodic side, and the more ambient pieces that make the rest of the album.
On a more personal level, I would say I am quite a nostalgic person. I am constantly longing for places I have left or people I have not seen in a while, and I believe that comes forth through my music. I do not know what comes next but Celeste and Manta are both quite spontaneous works. There were not many ideas settled beforehand, resulting in a quite honest album, rooted on past experiences and inner sensations.
--The final track on the album features Indonesian gamelan percussion instruments. It feels like quite an adventurous piece. Why did you incorporate gamelan? What did you aim to express with this track?
Silva: The residency promoters gave us enough space to breathe and play but they also wanted us to experience the local culture. It would not make sense otherwise. We attended balinese dance classes, balinese cuisine workshops and other cultural activities. I still try to recreate some balinese dishes once in a while. It is delicious.
One night we went to a show by the local community in which they were playing the gamelan and dancing in traditional masks and costumes. Right away I new I wanted to incorporate all that atmosphere in my music. As I was saying before, pagan culture is quite present where I come from in Portugal, and although depicted in quite a different fashion, I could sense a connection between both ways. Human experiences have a communal ground to them wherever you go.
There was not a premeditated meaning behind it. I guess I just love this idea of bringing distant worlds together, abolishing boarders that so many times unknowingly trap us.
--I understand you also compose music for films and Netflix. When creating music for visuals, could you tell us what aspects you prioritize?
Silva: As for The Empress on Netflix, I was invited by Lisa Morgenstern, who actually composed the soundtrack, to record some violins on one track. It was an amazing experience to collaborate and explore with Lisa the kind of sounds she envisioned for the track and that specific scene.
Lately, I’ve also been working regularly with theater, often improvising and using effect pedals, which connects in some ways to what I play on my solo music.
I’ve been preparing music for a short film as well, thought that is still in process.
Recently I was challenged to compose and play live during the screening of The Seashell and the Clergyman, a 1928 experimental film. I watched the movie a few times before even picking up the violin. I wanted to make sure I got the sensations right. I wanted to capture emotions. That was my focus.
”What is the main character going through this scene? What’s the whole atmosphere during the ball scene?” Those were the questions I was posing myself.
When I got comfortable with my interpretation of each scene, that was when I picked up the violin. Then I wanted to be spontaneous and let the images guide my intuition.
