今週、コビエラがリリースした新曲「Trial By Fire」は驚くほど宣言的で内省的な楽曲であり、完全にコミットする勇気と、結果を悔やまず、受け入れる姿勢を探求しています。アコースティックギター中心のフォーキーなソングライティング、そしてアトモスフェリックなコビエラの歌声が美麗な印象を放つ。本作はまた、ソングライターの寝室をもとにした日常の情景を映し出す映画的な映像と共に公開された。映像には、日本の旅行ガイドブックなども映し出される。
断定的でありながら内省的な最新シングル「Trial By Fire」は流れに身を委ねる勇気と、結果を苦々しさなく受け入れる姿勢を探求する。 プロデューサー兼ミキサーのジャクソン・ヘイルとの思慮深い歌詞と控えめなプロダクションを通じ、イアン・コビエラは努力、脆弱性、真実を根幹に据えた音楽の領域を切り拓く。
イアン・コビエラは新曲について、説明している。「最近、ただそれ自体のために過去を見つめ直す時間を過ごした。全てを正直に受け止め、その滑稽さと不変性の中で自分自身を笑うために」 『Trial By Fire』はまさにその感覚を捉えている――全力を尽くし、逆の結果を得ながらも、なぜかそれでいいと思えること。これまで避けてきたテーマと向き合いたかった。宣言も挑戦も愛している。それらは何よりも勇気を宿している。私は全力を注ぎ、最善を尽くしている」
「Trial By Fire」
▪EN
Leaving behind classical piano to pursue songwriting, Ian Cobiella is a Los Angeles singer-songwriter who blends classical training with the influence of his Cuban-Bolivian upbringing.
He draws inspiration from folk, alternative, and classical songwriting traditions, seeking to write songs that sit with discomfort rather than rushing past it, and letting emotional honesty lead the way. His production favors intimacy over excess, magnifying missteps and attempts for what they are.
His latest single, "Trial By Fire", embodies this approach. Declarative and reflective, the song explores the courage it takes to commit fully, and accept outcomes without bitterness. Through thoughtful lyricism and understated production with his producer and mixer Jackson Haile, Ian Cobiella continues to carve out a space for music rooted in effort, vulnerability, and the truth.
He shares, "I’ve recently spent some time looking at my past just for the sake of it; to be honest about it and to laugh at myself, in all of its ridiculousness and immutability.
"Trial By Fire" captures exactly what that feels like––giving everything I can, getting the opposite outcome, and somehow being fine with it. I wanted to wrangle with some themes I’ve been uncomfortable exploring before. I love declarations, I love attempts; these to me hold more courage than anything. I’m giving it my all and trying my best."
ルーツ音楽に根ざしたハートランド・バンド、マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブス(Matt Jones And The Bobs)の新曲「You Stood Still」とミュージックビデオをリリースした。ミュージシャンはKEXPに出演している。
マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブスは単なる復帰ではない——彼らは前進している。かつてないほど力強く、確固たる決意をもって自らの物語を世界に届けようとしている。時代を超えながらも新鮮な音楽で、彼らはリスナーの心に消えない刻印を刻み続ける準備が整っている。その始まりとなるのが、2枚目のスタジオ・フルアルバム『Matt Jones and the Bobs』である。
Emerging from the heart of Southwest Virginia, Matt Jones and The Bobs have woven a tapestry of raw emotion and timeless storytelling since their formation in 2011. The band first came together during their time at Radford University, where Matt Jones (vocals, guitar) and his bandmates—affectionately known as “the Bobs” —took their shared passion for Americana, roots, and classic rock, and transformed it into a sound that resonated with listeners on a deeply personal level. Their debut album, “Brother's Hymn”, released in 2014 while they were still in college, marked the beginning of their journey into the world of music. With tracks that captured the essence of small-town life, love, loss, and the everyday struggles that come with growing up, the album quickly gained a loyal following for its honest songwriting and gritty performances.
But like many bands that start in their youth, the road ahead was not without its twists and turns. After years of intense dedication to their music, the members of Matt Jones and The Bobs took a step back in 2015, each pursuing individual careers, business ventures, and entrepreneurial pursuits. The band entered a hiatus, but the bonds forged through years of creating music together remained unbreakable. For ten years, the members thrived in their own respective worlds, but the pull of music—the connection to their roots, their storytelling, and their shared experiences—was always there, simmering under the surface.
Fast forward to 2024, and Matt Jones and The Bobs have reunited, bringing their signature sound back to life with renewed energy and purpose. Though they’ve stepped back into the world of music after a decade, their roots in Americana, folk, and southern rock remain as strong as ever. However, this new chapter carries fresh twists—a subtle infusion of 90s influences, a bit of grunge grit, and more expansive instrumentation that complements their established sound. The heart of their music remains, however, unwavering: a commitment to capturing the emotional essence of life, love, heartbreak, and the triumphs and trials that make us human.
The band’s songwriting is nothing short of iconic, blending storytelling with profound vulnerability. Each song is a narrative—a glimpse into the human experience through the lens of Matt Jones' deeply personal lyrics. From tales of love and heartbreak to reflections on death, struggle, and the perseverance needed to keep going, the music continues to strike a chord with listeners. It’s a sound that feels both familiar and fresh, a nostalgic journey through the ups and downs of life that feels like an old friend whispering in your ear.
The music of Matt Jones and The Bobs isn't just a collection of songs; it’s an invitation to relive the highs and lows of existence. It’s a sound that will transport you back to moments of personal significance, where the struggles and joys of life feel not only relatable, but necessary for growth. With each note, they invite their audience to embrace their own stories, finding solace in the knowledge that they are not alone in the journey.
As they step into this exciting new phase of their career, Matt Jones and The Bobs continue to honor their roots while exploring new sonic territory. They’ve grown, they’ve evolved, but the heart of the band—the soul of what made them so beloved in the first place—is as powerful as ever. Matt Jones and The Bobs aren’t just back—they’re stepping forward, louder, stronger, and more determined than ever to share their stories with the world. And with music that is as timeless as it is fresh, they are ready to continue leaving an indelible mark on the hearts of their listeners beginning with their second full studio self titled album "Matt Jones and the Bobs".
Their latest single is an Americana-meets–folk rock anthem is a heartfelt track rooted in vulnerability and timeless storytelling. The song is "a tribute to the people who keep us grounded when the world feels like it’s falling apart. It’s about friendship, love, and the calm you find in the one person who never waivers," Matt Jones shares. "It’s a still reminder that even when life spins out, the right person can hold you steady.” Leaning into breezy soundscapes driven by warm, layered guitars and melodic riffs, Matt's vocals anchor the track in honesty and soul. The music video features him performing in comforting places in his hometown like the harbor, lookout point, and under a tree in the park, echoing the song's theme of finding calm in the midst of struggle.
メルボルン在住オーストラリア人シンガーソングライター、Tamas Wellsはメルボルン大学で東アジアの政治学を研究する傍ら、ソングライターとして活動を行っている。昨年から「Please Don't Leave/It's Not Right That You're, Madison」から三作のシングルを立て続けに発表している。
今回のシングル「A Comet Is Coming」は、タマス・ウェルズによるアコースティックギターによる弾き語り曲で、悲しみと温かさが混在する良質なフォークソングである。ビートルズやサイモン&ガーファンクルの音楽性を彷彿とさせる、ほろ苦いボーカルのラインが特徴となっている。
Dash Hammerstein is a songwriter and film composer known for crafting scores that blend a modern production ethos with the ramshackle melodicism of idiosyncratic artists like Moondog and Brian Eno.
His work has premiered at Sundance, Tribeca Film Festival and DOC NYC, and he has scored projects for Netflix, Hulu, HBO, PBS and many more.
In addition, he has released ten studio albums of Kinks-inflected folk pop and neo-classical music, which has been licensed for international commercial campaigns by brands including Adidas and Toyota. In recent years, he's gotten more involved in NYC's theatre scene, writing and consulting on a number of musicals in development.
His latest album is the self-titled Dash Hammerstein, an eleven-track chamber folk collection which came out of a period of newfound creative sobriety and experimentation.
He shares, "Dash Hammerstein is my tenth full length album but the only one with my name in the title. Fueled by the plaintive and droll lyricism of folk songwriters like Bill Callahan and John Prine, along with the humor of musical greats like Frank Loesser, the album puts honesty before all else.
The music is simple, each song crafted to work on multiple levels - living comfortably in the background of a small dinner party, and revealing depth on repeated and focused listens. But for a few friendly guest appearances on strings, horns, woodwinds, each track was written, performed and mixed by me. The result is a collection of deeply personal chamber folk that I hope will resonate with those who spend time with it."
Dash Hammerstein is a songwriter and film composer known for crafting scores that blend a modern production ethos with the ramshackle melodicism of idiosyncratic artists like Moondog and Brian Eno. His work has premiered at Sundance, Tribeca Film Festival and DOC NYC, and he has scored projects for Netflix, Hulu, HBO, PBS and many more. In addition, he has released ten studio albums of Kinks-inflected folk pop and neo-classical music, which has been licensed for international commercial campaigns by brands including Adidas and Toyota. In recent years, he's gotten more involved in NYC's theatre scene, writing and consulting on a number of musicals in development.
His latest single is entitled "Noise Machine" "is a simple song inspired by my reliance on the 'cabin downpour' setting on my white noise app. Sometimes when it is raining outside, I will close the window and play the fake rain sound to fall asleep. The woodwinds (arranged and performed by Michael Sachs) are inspired by White Album-era McCartney and old musical hall records, lending a goofy air to what is a pretty goofy sentiment. Opting for the artificial over the real," shares Dash.
"Noise Machine" is off of his forthcoming self titled album Dash Hammerstein which came out of a period of newfound creative sobriety and experimentation. The collection of songs is his most honest to date. Dash shares, "No more word salad psychedelia - each song is about something specific and meaningful, be it death, uncertainty, old friends or new biotech. With sobriety, my songwriting hours shifted from the night to the morning and much of what is on the album was written very quickly over coffee - a lot of first thought/best thought material. There are some wonderful guest contributions on there as well - Michael Sachs plays woodwinds and brass, Jordi Nus plays strings and Alden Harris-McCoy plays some guest guitar. Everything recorded and mixed by me in a few studios around Brooklyn."
''Dash Hammerstein'' is set for release February 13th worldwide.
その後、『Velentine』は現代的なフォークロックのスタイルを織り交ぜつつ、中盤の注目曲 「Keeper」、「Cons And Clowns」に至る。前者は７０年代のフォーク・ロックのスタイルを選び、一方、後者はビックシーフやマース・レモンのようなインディーロックやフォークのスタイルを図る。そして音楽性も変化に富み、少し物憂げな展開があったり、その後すぐに軽快になったりと、歌手の人生の変遷を暗示させている。その瞬間、他者の中に共通するなにかを見出し、共感を覚えることもあるかもしれない。それはまた、聞き手が、他者の人生を垣間見るというよりかは、追体験したり、自分の中にある人生を重ね合わせ、共鳴する瞬間を得るということである。こういった中で、パーカッションによる工夫を交えたアコースティックギターとボーカルを中心とする「Cons And Clowns」は比較的、多くのファンの心を捉えるに違いない。
このアルバムを通じて、アリゾナのシンガーソングライターは、普遍的な音楽性や良いメロディーとは何かを探求しており、それらは続く２曲に反映されている。「Little Picture of a Butterfly」がたとえ、ビートルズやビッグ・スターのようなサウンドを参考にしているとは言え、それらが単なるパティーシュやイミテーションにとどまっているといえば、そうではないだろう。同音反復で和声を分散させるシンセのベースは、ビートルズのようなサウンドでお馴染みのものであるが、コットニー・アンドルーは存在感に溢れる堂々たる歌唱を披露しながら、涙もろい音楽性を呼び起こす。そして、それは長調の和声の中に、独立的に単調を組み込むというポップソングの基本的な形で展開される。ここでは、夢想的な感覚、ほろ苦さ、強さや勇ましさを発揮し、何らかの障壁を乗り越えようとする素敵な歌手の姿を捉えることができる。それはもちろん、聞き手に何らかの形で潤いや勇敢さを与えてくれることは自明であろう。
スウェーデンのインディーフォークシンガー、Jose Gonzales（ホセ・ゴンザレス）が5枚目のソロアルバム『Against The Dying Of The Light』を発表し、タイトル曲を公開した。本作はCity Slangから3月27日に発売。
『Against The Dying Of The Light』は、2021年のアルバム『Local Valley』と、2023年にリリースされたデビューアルバム『Veneer』の20周年記念版に続く作品となる。タイトル曲「Against The Dying Of The Light」は、昨年11月にリリースされた先行シングル「Pajarito」に続く楽曲であり、このスウェーデン人シンガーソングライターの新たな作品への第二弾となる。
新作アルバムについて彼はこう語る。「『Against the Dying of the Light』は、人間が繁栄する道を自ら閉ざす姿への省察だ。人々が『知っているふりをする連中』に盲従し、頑なに教条的なイデオロギーにしがみつく現実を映し出している。 これらは、個人と集団の両レベルで人類を繁栄へと導く方法についての楽曲。音やハーモニー、リズムだけで楽しむこともできるが、歌詞は人々が協力して集団的問題を解決するために行動を起こすよう促す意図で書かれている」
ホセは最近「10%誓約」に参加。これはGiving What We Canを通じて極度の貧困と戦う効果的な慈善団体に収入の10%を寄付する公約だ。彼の誓約クラブのメンバーはこれまでにヘレン・ケラー・インターナショナル、マラリア撲滅財団、ニュー・インセンティブ、ギブウェル・トップ・チャリティーズ・ファンドなどの慈善団体に寄付している。
2013年、 ベン・スティラー主演映画『LIFE!』 （原題：The Secret Life Of Walter Mitty / 1947年 公開の映画『虹を掴む男』のリメイク版）に主題歌「Step Out」を提供 した。2014年、エイズで1992年 に亡くなったアーサー・ラッセルのトリビュート・アルバム『Master Mix: Red Hot + Arthur Russell』 に「This Is How We Walk On The Moon」 を提供している。
2015年2月、8年振りに3枚目のアルバム『ヴェスティジズ &ク ローズ』をリリース。その後、ライブ盤『Live In Europe』を発表し、2021年には『Local Valley』を発表している。また彼は、スウェーデンのバンド、ジュニップ(Juip)のメンバーでもある。
Dash Hammerstein is a songwriter and film composer known for crafting scores that blend a modern production ethos with the ramshackle melodicism of idiosyncratic artists like Moondog and Brian Eno. His work has premiered at Sundance, Tribeca Film Festival and DOC NYC, and he has scored projects for Netflix, Hulu, HBO, PBS and many more.
In addition, he has released ten studio albums of Kinks-inflected folk pop and neo-classical music, which has been licensed for international commercial campaigns by brands including Adidas and Toyota. In recent years, he's gotten more involved in NYC's theatre scene, writing and consulting on a number of musicals in development.
His latest single is entitled "The Hammer" and is a quirky and breezy tune all about living with uncertainty. Dash confides, "The question at the center of the song is: 'Can I pull back the hammer or am I waiting on a train around the bend?' Whether this is the hammer of a starter pistol or an actual pistol changes the meaning drastically (and darkly), and is up for debate. The race is either on the verge of beginning or on the verge of ending, depending on what's around the bend, which is unknown." The single is shared alongside a unique and mesmerizing music video.
"The Hammer" is off of his forthcoming self titled album Dash Hammerstein which came out of a period of newfound creative sobriety and experimentation. The collection of songs is his most honest to date. Dash shares, "No more word salad psychedelia - each song is about something specific and meaningful, be it death, uncertainty, old friends or new biotech. With sobriety, my songwriting hours shifted from the night to the morning and much of what is on the album was written very quickly over coffee - a lot of first thought/best thought material. There are some wonderful guest contributions on there as well - Michael Sachs plays woodwinds and brass, Jordi Nus plays strings and Alden Harris-McCoy plays some guest guitar. Everything recorded and mixed by me in a few studios around Brooklyn."
Dash Hammerstein is set for release February 13th worldwide.
ビル・キャラハンからのサプライズ・ギフト。今年を締めくくる新曲を仲間たちへ届ける。「Lonely City」は、2026年2月27日にリリースされるニューアルバム『My Days of 58』からのセカンドシングルだ。
『My Days of 58』では、ビルの信頼するツアーバンドによる情熱的な演奏が聴ける。マット・キンジー（ギター）、ジム・ホワイト（ドラム）、ダスティン・ローレンツィ（サックス）。 リチャード・ボーデン（フィドル）、パット・スラッシャー（ピアノ）、クリス・ヴリーランド（ベース）、マイク・セントクレア（トロンボーン）、ビル・マッカロー（ペダル・スティール）、イヴ・サールズ（バック・ボーカル）も参加している。
「Lonely City」
ノースカロライナ州を拠点とするシンガーソングライター、Anjimileが新曲「Auld Lang Syne II」をリリースし復帰を果たした。
『My Days of 58』は、2022年発表の『YTI⅃AƎЯ』に続くビルの8作目のスタジオアルバム。リチャード・ボーデン（フィドル）、パット・スラッシャー（ピアノ）、クリス・ヴリーランド（ベース）、マイク・セントクレア（トロンボーン）、ビル・マッカロウ（ペダル・スティール）、イヴ・シアーズ（バック・ボーカル）、ジェリー・デチッカ（タンバリン）が参加している。
「This Hotel Room」と「Look At Miss Ohio」を両面収録した本作は、今年発表された「Leftovers」に続く作品となる。同曲は、昨年リリースされた『Big Swimmer』からのアウトテイク。B面はジリアン・ウェルチのカバー曲である。
本日公開されたA面「This Hotel Room」は、ロック・バンドとしてのキング・ハンナのもう一つのフォークバンドとしての音楽性が際立つ。バンドメイトであるハンナ・メリックとクレイグ・ウィトルの力強いデュエットのハーモニーが特徴のフォークロックのスロージャムである。彼らはジリアン・ウェルチの楽曲に完全にふさわしい演奏ができるバンドのように聞こえる。
キング・ハンナは次のようにコメントしている。
「私たちが最も愛するのは共に歌いハーモニーを紡ぐことです。この曲はそれを叶える自作曲であり、時代を超えたノスタルジックな響きを持ち、敬愛するカントリー・フォーク歌手たちへのオマージュでありながら、キング・ハンナならではの共鳴を保つ作品です。 私たちは、常に親密さを捉え、個人的で誠実かつ内省的な方法で書くことを心がけており、「This Hotel Room」も例外ではありません。この曲は、過去と未来について、その両方に、温もりと愛を見出そうとしながらも、そこに内在する悲しみや喪失感を認識することについて歌っています」
King Hannahの最新アルバム『Big Swimmer』の特集記事はこちらからお読みください。
「This Hotel Room」
Dutch Interior（ダッチ・インテリア）が新曲「Play The Song」を公開した。ロサンゼルスを拠点とするこのバンドは、長年親交のある4人の友人によって結成され、彼らの傑作アルバム『Moneyball』は今年初めにリリースされた。
新曲「Play The Song」は鋭い秋の趣を帯びている——霞んだ漂うようなリラックスした雰囲気が、不透明なアメリカン・ルーツ要素を包み込む。実験的な要素もあるが、フォーク調のバラードとして聴かせる一曲となっている。そこにはバンドとしての円熟味すら感じられる。
サンフランシスコのハイド・ストリート・スタジオで録音された『Play The Song』は、頭から離れない楽曲への叙情的な賛歌であると同時に、それ自体が耳に残るメロディーとなっている。
彼女は次のように語っています。「深く個人的な内容でありながら、このアルバムは普遍的な人間性を帯びています。つながりが与える側と受け取る側の両方を変容させることを思い出させてくれるのです」 『Letter For a Friend』は、手を差し伸べ、私たちを変えた人々を称え、心の内を伝えるのに完璧な瞬間を待つ必要はない——今、ただ伝えるべきだという招待状なのです」
2022年に批評家から絶賛されたアルバム『Beautiful and Blue』の成功を受け、ハレーの最新フルアルバムはこれまでで最もパーソナルな作品となった。彼女を形成し、影響を与え、インスピレーションを与えてくれた人々への個人的な手紙の集大成として書かれた『Letter for a Friend』はナッシュビルで録音され、彼女の最も親密で物語性豊かな作品となっている。
本作はコンセプトアルバムとして制作され、『Letter For a Friend』と題されている。「アルバムの全曲は、私の人生に深い影響を与えた人々への手紙として書かれました。非常に個人的で意図的な楽曲集であり、世界と共有できることを心から楽しみにしています」と彼女は語る。
さらにハリーは次のように打ち明けています。「言えなかった言葉——送らなかったメッセージ、書き残せなかった手紙——について考えたことはあるでしょうか？『Letter For a Friend』はこの問いと、最古の友人エミリーが私の人生に与えた影響を綴った曲から生まれました」 アルバムの各トラックは手紙だ——友人へ、愛する人へ、見知らぬ人へ、そして自分自身へ。感謝や記憶、大切な言葉を口にする勇気を捉えている。奥深く個人的でありながら、このアルバムは普遍的な人間性を帯びている。繋がりが与える側と受け取る側の両方を変容させるという事実を思い出させてくれるのです。 『Letter For a Friend』は、手を差し伸べ、私たちを変えた人々を称え、心に秘めた言葉を伝えるのに完璧な瞬間を待たず——今、ただ伝えるための招待状なのです」
「All Night All Day」ではエイドリアンヌ節が炸裂し、こぶしの効いたビブラートを聴くことが出来る。旧来のBTのファンは違和感なく楽しめるはずだ。特にこの曲を聴くとわかるように、リズムトラックに力が入れられている。これはベーシストのマックスが脱退した影響なのかもしれない。この曲のサビ（コーラス）の部分では、ビックシーフらしい大陸的なロマンを込めた音楽性が登場する。そしてやはり、こういったわかりやすい部分にこのバンドにシンパシーを持ち、思わず口ずさんでしまう。ゆったりしたドラム、ボーカルの多重録音、メロディーを縁取るベースラインなど、コンパクトな構成であるが、アルバムの中では傑出した曲と言えるだろうか。特にメインボーカルとサブボーカル（ソプラノの音域）の組み合わせは息を飲むような美しさがある。これほど練度の高いフォーク/カントリーの歌唱が出来る歌手は他にいない。
アルバムの終盤の２曲は従来のビックシーフの延長線上にあるサウンドと言えるだろうか。軽快なアコースティックギターのストロークで始まる「Happy With You」はダンサンブルなフォークロックの印象を押し出し、アルバムの中では軽快に聞こえる。しかし、歌詞の側面で少し歌うべきテーマを探しあぐねているという印象があった。また、全体的なバンドサウンドとしても斬新なアイディアが出てくるまでには至っていないような気がした。これは全体的に忙しない感じがあり、ハードワークが過ぎた面もあったのかもしれない。冗長な録音セッションから思わぬ名作が出てくることもまれにあるので、ゆったりした録音スケジュールを取ってみてもよかったのではないか。
ただ、最後には聴き応えのある曲を収録しているのが流石といえ、これぞビックシーフのプロフェッショナリティである。「How Could I Have Seen」は融和的な感覚をバンドとして表現し、その中には、アメリカの大陸的なロマンが叙情的なサウンドに乗り移っている。アルバムでは、ビックシーフの性質が最も強いトラックではないだろうか。
