ジョージア州出身のシンガーソングライター、Tristan Tritt(トリスタン・トリット)による新曲「Living The Dream」は、周囲の世界を理解しようと奮闘する世代の苛立ち、プレッシャー、そして落ち着きのない反抗心を捉えた、力強く、サザン・カントリーにルーツを持つアンセム。んとなく懐かしさを感じさせるフォーク/カントリー/ロックだ。トリットのボーカルもすごくカッコいい。

ジェリー・フエンテス、ケイトリン・スタークとの共作である「Living The Dream」では、トリットがストーリーテラーとしてもロック・アーティストとしてもその表現力をさらに磨き上げ、カントリー特有の荒削りな魅力、サザン・ロックの力強さ、そして生々しくモダンなエッジを融合させています。強烈なインパクトを与えるように設計されたコーラスを軸に、この曲はアメリカ社会における分断の拡大、働く人々の疲労、そして権力者たちが勝ち続ける一方で、一般の人々が互いに対立させられているという感覚を訴えかけています。

カントリー・ロックのレジェンドである父トラヴィス・トリットと共にツアー生活を送りながら育ったトリスタンは、サザン・ストーリーテリング、オルタナティブ・ロックの切迫感、ブルースの影響を受けたソングライティング、そして飾らない感情的な視点に根ざしたサウンドを着実に築き上げてきた。

Instagramで5万人以上、TikTokで20万人の熱心なフォロワーを擁するトリスタンは、絶え間ないツアー活動、独自の楽曲制作、そしてサザン・ロック、アメリカーナ、カントリー・ロック、モダン・オルタナティブ・ロックを融合させたギター主体のサウンドを通じて、熱心なファン層を拡大し続けている。

 

「Living The Dream」

 

トリスタン・トリットはジョージア州生まれ、アトランタとナッシュビルを拠点とするシンガーソングライターで、オルタナティブロック、サザンロック、アメリカーナ、そしてブルースの要素を取り入れた楽曲作りを大胆に融合させ、独自の道を切り拓いている。カントリーロックの伝説的存在である父トラヴィス・トリットと共にツアー生活を送りながら育ったトリスタンは、モダンで生々しく、感情に溢れ、苦労の末に培われた本物らしさに根ざした、完全に独自のサウンドを確立した。

デビューシングル「Oblivion」と「Right On Time」は、ロック界に大胆な新風を吹き込み、続いてリリースされた「No Filter」は、『American Songwriter』誌から「このシンガー、ソングライター、ギタリストが築き上げようとしているものの、まだその端緒に触れたに過ぎない」と絶賛された。それ以来、トリスタンは「Sick of It」、「Stop the Ride」、「Wannabe」、「High Roller」、「Southern Accents」などのリリースを経て、その表現力を磨き続け、サザン・ストーリーテリング、ロックンロールの荒々しさ、そして深く個人的な視点を融合させてきた。

TikTokで20万人以上、Instagramで5万人以上のフォロワーを擁するトリスタンは、絶え間ないツアー活動、独自の楽曲制作、そしてサザン・ロック、アメリカーナ、カントリー・ロック、モダン・オルタナティブ・ロックを融合させたギター主体のライブパフォーマンスを通じて、熱心なファン層を築き上げてきた。彼の音楽には、音楽業界の環境で育ちながらも、自らの条件で何かを築き上げようと決意した人物の重みが込められている。それは、正直で、反骨精神に満ち、決して偽りのないものだ。

 

コロラド州出身のシンガーソングライター、Riley Max(ライリー・マックス)がニューシングル「Pockets」をリリースした。ハーバードに在学中の才媛、人間関係を描いた叙情的なフォークソングである。 

 

インディーフォークの温かさと耳に残るポップなメロディーを融合させた「Pockets」は、このアーティストにとって決定的な瞬間となるナンバー。感謝の気持ち、愛する人との距離の広がり、不安との向き合い方など、深く個人的なテーマを綴った楽曲です。内省的な歌詞と、優しく聴き手を包み込むようなサウンドスケープをベースに、この曲は感謝や変化、そしてかつてはすべてを意味していた相手との距離が生まれていく際の感情の複雑さを探求しています。

弱冠21歳ながら、ライリー・マックスはすでに多面的なクリエイティブな道を切り拓いています。18歳の時に作詞・作曲・レコーディングを行ったデビューアルバム『ROY G BIV』は、『Atwood Magazine』や『Guitar Girl Magazine』などから広く称賛され、今秋にはセカンドアルバムのリリースが予定されています。 

 

「Pockets」は、自信に満ちた前進を示す一曲であり、親密でフォーク色の濃いインディー・ポップ・ナンバーとして、ライリーの独特な歌声と進化し続ける芸術性を際立たせている（ジョニ・ミッチェルやマギー・ロジャースのファンにおすすめとプレスリリースにかかれている）。

ライリー・マックスは、コロラド州出身の21歳のシンガーソングライター兼マルチメディア・アーティストです。わずか18歳でレコーディングされたデビューアルバム『ROY G BIV』は広く称賛され、2ndアルバムは今秋リリース予定だ。

 

現在はハーバード大学の4年生で、美術、映画、視覚芸術を専攻している。また、「ハーバード・ラドクリフ・ヴェリトーンズ」の音楽監督を務め、様々なミュージカル作品にも出演している。ストーリーテリングへの情熱は、幼い頃から90年代のロマンティック・コメディを愛し、80年代の音楽を大量に聴いて育った経験に由来しており、その表現は音楽だけにとどまらない。

 

 

 

『ハーバード・インディペンデント』誌の表紙アーティストやコミッククリエイターとしての経歴と、作曲家としてのスキルが相まって、来年提出予定の学部卒業論文の基盤となっており、この論文はフルアニメーションの短編映画という形で発表される予定だ。彼女の楽曲『Year One』の近日公開予定のミュージックビデオには、アニメーションのセグメントが含まれており、現在、ハーバード大学のカーペンター・センター・フォー・ザ・ビジュアル・アーツで開催中の展覧会『No Slop, No Second Screen: Animation–the hard-won image』で展示されている。

彼女の新曲「Pockets」は、フォークの要素が色濃く反映されたインディー・ポップソング。彼女は次のように語っている。

 

「多くの点で、『Pockets』は、前回の大きなリリースから3年間を経て、まさにその集大成のような作品だと感じています。『ROYGBIV』の制作はすごく楽しかったし、好きなように自由に実験もできたけど、当時は自分が何が好きで何が嫌いなのかまだはっきり分かっていなかったから、歌詞に合わせる音楽を作る際には周囲の意見に頼っていた」

「一方、『Pockets』はまさに私そのもの。『Pockets』の作詞を始めたのは、大学1年生の終わり頃でした。当時、私の人生にいてくれたことに今も心から感謝しているある人とは、次第に距離ができてしまっていた。その後、この曲をどう進めればいいのか分からず、しばらく手付かずのままにしていました。しかし、自分を見つめ直す期間を経て再びこの曲に向き合い、2番の歌詞を書き上げました。その後、さらに1年間手つかずのままにしていましたが、大学2年生から3年生にかけて、かなりつらい不安の時期を乗り越え、ようやくこの曲を完成させました」

 

 

シンガーソングライター、ネイト・エイモスのソロプロジェクト、This Is Loreleiが、新作アルバム『The Singer in My Band』を発表。リードシングル「Billy Came Back」を公開した。

 

ネイト・エイモスはWater From Your Eyesのメンバーとして知られ、This Is Loreleiとしてのソロ活動も平行して行っている。今回、ミュージシャンは、Matador Recordsへの移籍を明らかにした。 

 

ニューシングル「Billy Came Back」は、エレクトロニックやロックなど従来の音楽性から離れ、アコースティックギターをメインとするフォークロックへと傾倒した楽曲である。

 

『The Singer in My Band』は、This Is Loreleiの2024年リリース作『Box for Buddy, Box for Star』、および、2025年にリリースされた自身の膨大な楽曲カタログから選りすぐったコンピレーションアルバム『Holo Boy』に続く作品となる。本作は、マタドールと契約して以来初のリリースとなり、「Billy Came Back」は、この新作アルバムからの最初の先行公開曲となる。

「『Billy Came Back』は、ギターを手に取って形にするまで、何ヶ月も頭の中で煮詰まっていた」と、アモスはこの曲について語る。「何度もその存在を忘れかけてはいたが、いつも頭の中に戻ってきた。この曲を完成させることだけが、その思いを振り払う唯一の方法だったんだ」

『The Singer in My Band』では、エイモスがエンジニアリング、プロデュース、演奏のすべてを手掛け、ブルーグラス・ミュージシャンの父ボブ・エイモスがバンジョーで参加、妹のサラ・エイモスとパートナーのアル・ナルドがボーカルを担当した。「この三者は、そもそもこのアルバムがどのようなものになるかという点で根本的な影響を与えてくれた人たちなんだ」と彼は説明する。

本作は、エイモスが『Water From Your Eyes』の一環として大規模ツアーを行っていた最中に制作された。「面白いことに、アルバムを完成させて父に送ったところ、彼は『これは一種の“旅するビートニク”的なアルバムだね』と言ってくれた。その言葉で、私自身の捉え方も変わりました」と彼は語る。「これはまさに、旅先で経験する混沌とした出来事の集大成のようなものです。同時に、真実の要素を含みつつも、小さなフィクションの作品でもあるんです」 

 

 

「Billy Came Back」

 

 

This Is Lorelei    『The Singer in My Band』

Label: Matador

Release: 2026年9月11日

 

Tracklist

1. I Will Eat My Heart in the Morning Light

2. Oh No Now My

3. Billy Came Back

4. Watching Heaven Fall

5. Sailing (Your Baby’s Down)

6. The Singer in My Band

7. Nitro

8. Hey Sarah Is It Gonna Rain Forever

9. The Kid With the Crown

10. And I Haven’t Seen My Love in Quite a While

11. Don’t You Cry in Lonesomeness

 

落ち着いた声色、そしてエモーショナルで心温まるようなフォークミュージックを今週最後にご紹介します。

 

リン・ホリーフィールドのニューシングル「We Are The People」は、心を奮い立たせてくれるような素晴らしいフォークソングとなっています。ホリーフィールドは、スタンダードジャズの影響も受けたアメリカのベテランミュージシャンですが、コンテンポラリーなフォークソングを通じて、彼女は楽曲で「We Are The People」と歌い、人々の連帯を呼びかけています。ホリーフィールドは、人種や地位、そして思想や価値観、または、組織や生きる上での条件など多くの側面で私たちは分離してしまっていますが、本来は１つなのではないかと呼びかけています。

 

リン・ホリーフィールドは美しいアルトボイス、クリアなアコースティックギター、そして世界に対する心温まる視点が融合するソングライター。温かみのあるステージパフォーマンスと情感豊かな楽曲で知られる彼女は、観客と自然と心を一つにする。コンテンポラリー・フォークのスタイルで楽曲を紡ぐリンは、ジャズの影響を受けたコードやブルージーなギターを、情熱的なボーカルと巧みに織り交ぜています。まるでメアリー・チャピン・カーペンターとボニー・レイットが融合し、そこにジョージ・ガーシュウィンの要素が加わったような世界観です。その結果、ウィットに富み、ソウルフルで、思索的な、彼女独自のスタイルが生まれています。

リンは10代の頃から曲を定期的に作り続けてきました。ニューヨーク州スタテンアイランドで育った彼女は、エラ・フィッツジェラルドやフランク・シナトラといったジャズの巨匠から、ビートルズやニール・ヤングといったアーティストまで、幅広い音楽的影響に囲まれて育った。幼い頃から地元で演奏を始め、後にデュオ「ホリーフィールド＆スプルイル」の一員として注目を集め、ファルコン・リッジ・フォーク・フェスティバルなどのフェスティバルに出演した。

ソロ活動を開始した後、リンは『LAYERS』（2010年）、『IN THE BALANCE』（2014年）、『LOOK UP』（2024年）など、高い評価を得たアルバムを数枚リリースし、国内外のラジオでオンエアされるほか、インターナショナル・フォーク・アライアンスの「トップ・アーティスト／トップ・アルバム」に選出されるなど、数々のソングライティング賞を受賞した。パンデミック期間中には、児童書『The Tree, The Ship and Me』を出版し、同書に収録された楽曲はミッドアトランティック・ソングライティング・コンテストのファイナリストに選出された。

リンは現在、グラミー賞ノミネート経験のあるセス・グリアがプロデュースを手掛けた4枚目のアルバム『Diving In』のリリースを控えている。春のソングライティング・チャレンジと夏のソングライター・リトリートがきっかけとなり、セスとの運命的な出会いが実現。その結果、2025年のクリスマスの一週間前、マサチューセッツ州ウェストスプリングフィールドにあるゴースト・ヒット・レコーディング・スタジオで、5日間で11曲をレコーディングすることとなった。

初日は雪が舞い降り、祝福に満ちた中、ニューイングランドの由緒ある教会を改装したスタジオで、セス・グリア、アビー・ガードナー、リード・サザーランド、ロブ・グリフィスといった素晴らしいアーティストたちと共に、円陣を組んで演奏した。週の半ばにはケリー・ハロランも加わった。

『Diving In』は、人生の紆余曲折、私たちの人間らしさ、喪失、愛、私たちが置かれた時代、そしてそれを乗り越えるために選んだ道筋を映し出す楽曲集である。 このアルバムには様々なスタイルが収録されており、主にコンテンポラリー・フォークですが、伝統的な雰囲気や時代を超えた魅力を感じさせる曲もいくつかあります。

ホリーフィールドは、音楽を制作する上で伝統の重要性について次のように説明しています。「伝統には静かな美しさがあります。フォークミュージックには、歌が風景を描き出すことのできる、繊細で神聖な空間があります。そこでは、メロディーやアレンジがアメリカーナのルーツに自然に溶け込み、決して時代遅れに感じられることはありません。むしろ、それらは思い出させてくれるもの、一息のようなものなのです。常に私たちに、あまりにもはやく生き、あまりにも多くを求め、決して満足しないよう強いるこの世界で、何かしら『本物』への回帰なのです」

楽曲「Blindspot」は、フェンタニル危機によって家族の一人と友人を失った後に書かれたものです。「その後、私は彼らと一緒にいた時、本当に心を開き、思いやりを持てていたのかと、どうしても考えてしまいました。彼らを助けるために、私にできたことは何かあったのだろうか？」と。

答えは永遠にわからないだろうし、それは『手遅れで、あまりにも少なすぎた』という、人生で学ぶ辛い教訓。2025年8月、ダー・ウィリアムズ・ソングライター・リトリートでセス・グリアとこの曲に取り組み、これが次作アルバムのために最初にレコーディングした曲となった。彼女の音楽は、聴く人の注意を強要するのではなく、忍耐と優雅さをもってその関心を勝ち取る。

彼女のシングル「We Are The People」は、物語の紡ぎ手であり、詩人、劇作家でもあるキャロル・バーバンクと共作した、人々の心を変えるフォーク・シングル。リンは次のように語っています。

「これは抗議の歌(プロテストソング)です。私たちの国、アメリカ合衆国で目にする分断の中、団結を呼びかける歌です。私たちは数に力があることを知っています。これは、共に立ち上がり、民主主義を守り抜こうじゃないかという呼びかけなのです」

リン・ホリーフィールドは、ワシントン・ソングライター協会のオープンマイクの司会や、バージニア州フォールズチャーチにあるセレブレーション・センター・フォー・スピリチュアル・リビングの音楽監督として音楽コミュニティを支え、東海岸沿いで演奏やツアー活動を続けている。

 

「We Are The People」

 

バージニア州南西部の中心地から登場したMatt Jones & The Bobs(マット・ジョーンズ＆ザ・ボブス)は、アメリカーナやルーツ・ミュージックをロック的な文脈から探求するバンドである。バンドは、2011年のラドフォード大学在学中に結成。それ以来、生々しい感情と時代を超えた物語を織り交ぜた音楽を紡いできた。

 

マット・ジョーンズ（ボーカル、ギター）と、親しみを込めて「ザ・ボブス」と呼ばれるバンドメンバーたちは、アメリカーナ、ルーツ・ミュージック、そしてクラシック・ロックへの共通の情熱を、リスナーの心の奥底に響くサウンドへと昇華させた。

 

彼らがまだ大学生だった2014年にリリースされたデビュー作『Brother's Hymn』は、音楽の世界への旅の始まりを告げた。小さな町の生活、愛、喪失、そして成長に伴う日々の葛藤の本質を捉えた楽曲群により、このアルバムは、その誠実な作詞作曲と力強いパフォーマンスで、瞬く間に熱心なファン層を獲得した。

 

しかし、若き日に活動を始めた多くのバンドと同様、彼らの前途も決して平坦なものではなかった。長年にわたり音楽に没頭してきた後、2015年、マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブスのメンバーは一歩引いて、各々が個人のキャリアやビジネス、起業活動に専念することになる。

 

The Bobsは活動休止期間に入ったものの、長年共に音楽を作り上げてきた中で築かれた絆は、断ち切られなかった。10年間、メンバーはそれぞれの世界で活躍したが、音楽への想いやルーツとのつながり、物語を紡ぐこと、共有した経験への想いは、心の奥底でくすぶり続けていた。

  

2024年、マット・ジョーンズ＆ザ・ボブスは再結成し、新たなエネルギーと目的意識を持ち、代名詞とも言えるサウンドを蘇らせた。10年ぶりに音楽の世界に戻ってきたとはいえ、アメリカーナ、フォーク、サザン・ロックに根ざした彼らのルーツはかつてと変わらず強固であり続けた。しかし、この新たな章には新鮮な変化がもたらされている。90年代の影響がさりげなく取り入れられ、グランジの荒々しさが加わり、確立されたサウンドを補完する、さらに広がりのある楽器編成が加わった。編成が変わろうとも、彼らの音楽の核心は不変である。それは、人生、愛、失恋、そして私たちを人間たらしめる勝利や試練の感情的本質を捉えようとする姿勢なのだ。

  

バンドの楽曲制作は象徴的であり、物語性と深い脆弱性が合わさっている。どの曲も一つの物語であり、マット・ジョーンズの極めて個人的な歌詞というレンズを通して、人間の経験の一端を垣間見せてくれる。

 

愛、失恋の物語から、死、苦闘、そして前進するために必要な忍耐力への考察に至るまで、その音楽は聴く者の心に響き続ける。そのサウンドは、親しみやすくも新鮮な感覚を与え、人生の浮き沈みを巡るノスタルジックな旅路は、まるで古い友人が耳元で囁いているかのようである。

  

マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブスの音楽は、単なる曲の集積とはいいがたい。それは存在の浮き沈みを再び体験するための招待状でもある。彼らのサウンドは、あなたを個人的な意味を持つ瞬間に連れ戻す。そこでは、人生の苦闘や喜びのような感情が単に共感できるのみならず、成長に不可欠であることを感じさせる。一音一音、彼らは、聴衆に自らの物語を受け入れるべく誘い、この旅路で、自分だけが孤独ではないという事実の底に安らぎを見出させる。

 

「The Weight of The World」

 

 

▪EN

Emerging from the heart of Southwest Virginia, Matt Jones and The Bobs have woven a tapestry of raw emotion and  timeless storytelling since their formation in 2011. The band first came together during their time at Radford University,  where Matt Jones (vocals, guitar) and his bandmates—affectionately known as “the Bobs” —took their shared passion  for Americana, roots, and classic rock, and transformed it into a sound that resonated with listeners on a deeply  personal level. 

 

Their debut album, “Brother's Hymn”, released in 2014 while they were still in college, marked the  beginning of their journey into the world of music. With tracks that captured the essence of small-town life, love, loss,  and the everyday struggles that come with growing up, the album quickly gained a loyal following for its honest  songwriting and gritty performances. 

But like many bands that start in their youth, the road ahead was not without its twists and turns. After years of intense  dedication to their music, the members of Matt Jones and The Bobs took a step back in 2015, each pursuing individual  careers, business ventures, and entrepreneurial pursuits. 

 

The band entered a hiatus, but the bonds forged through  years of creating music together remained unbreakable. For ten years, the members thrived in their own respective  worlds, but the pull of music—the connection to their roots, their storytelling, and their shared experiences—was  always there, simmering under the surface.

  

Fast forward to 2024, and Matt Jones and The Bobs have reunited, bringing their signature sound back to life with  renewed energy and purpose. Though they’ve stepped back into the world of music after a decade, their roots in  Americana, folk, and southern rock remain as strong as ever. 

 

However, this new chapter carries fresh twists—a subtle  infusion of 90s influences, a bit of grunge grit, and more expansive instrumentation that complements their established  sound. The heart of their music remains, however, unwavering: a commitment to capturing the emotional essence of  life, love, heartbreak, and the triumphs and trials that make us human.

  

The band’s songwriting is nothing short of iconic, blending storytelling with profound vulnerability. Each song is a  narrative—a glimpse into the human experience through the lens of Matt Jones' deeply personal lyrics. 

 

From tales of  love and heartbreak to reflections on death, struggle, and the perseverance needed to keep going, the music  continues to strike a chord with listeners. It’s a sound that feels both familiar and fresh, a nostalgic journey through the  ups and downs of life that feels like an old friend whispering in your ear.

  

The music of Matt Jones and The Bobs isn't just a collection of songs; it’s an invitation to relive the highs and lows of  existence. It’s a sound that will transport you back to moments of personal significance, where the struggles and joys  of life feel not only relatable, but necessary for growth. With each note, they invite their audience to embrace their own  stories, finding solace in the knowledge that they are not alone in the journey.

  

As they step into this exciting new phase of their career, Matt Jones and The Bobs continue to honor their roots while  exploring new sonic territory. They’ve grown, they’ve evolved, but the heart of the band—the soul of what made them  so beloved in the first place—is as powerful as ever. 

 

Matt Jones and The Bobs aren’t just back—they’re  stepping forward, louder, stronger, and more determined than ever to share their stories with the world. And with  music that is as timeless as it is fresh, they are ready to continue leaving an indelible mark on the hearts of their listeners beginning with their second full studio self titled album "Matt Jones and the Bobs".

Their latest single "The Weight Of The World" is, as Matt Jones confides, "a reflection on life’s burdens and the quiet strength it takes to face them, while honoring the friends who help shoulder what we can’t. The song looks at struggle not as defeat, but as a universal weight we all carry—and the beauty of having someone there to help lighten the load.

 

 

この夏、ロサンゼルスを拠点とするシンガーソングライター、Shannon Lay（シャノン・レイ）が5枚目のアルバム『Past the Veil』で復帰する。7月28日にAll the Bestよりリリースされる。シャノン・レイは涼しげなフォークミュージックを提供する良質なシンガーソングライターである。

 

「持ち込んだアイデアは1つか2つ程度でしたが、ほとんどの曲はスタジオでその日に作り上げられました」と彼女はアルバムについて語り、その自由さのおかげで歌詞の趣向に集中できたと付け加える。

「特にトランプが再選された時、メッセージは明確になりました。それは『喜びを育む』ということです。「人々に成長し、変化し、親切になるよう励ましたかった。なぜなら、今の世の中の共通認識は『人格なんてどうでもいい』とか『みんなが互いに敵対している』というものだから」

 

特にタイトル曲について、レイはこのアルバムのサウンドとメッセージの源泉となった「変化」という感覚を掘り下げる。

 

「変化の道を歩むことに伴う困難を認めたくて」と、ステレオラブをラウンジ風にアレンジしたような新曲について彼女は語る。「それは勇気の具現化です。だから、避けられない激動の中でも、私たちは勝利を祝い、踊り、記念する必要がある。すべてを抱え込むだけでなく、バランスを取らなければならない。それが私たちにとって自然なことだと気づくまでは、ほぼ不可能な課題です。

 

私たちは単に、自分たちの超能力が何なのかを忘れてしまっただけ。そして、アートやコミュニティ、あるいはあなたを輝かせるあらゆるものが、それを思い出させてくれるのです。その間ずっと、私たちは互いを強く抱きしめつつも、決して掴み続けたりはしない。それが潮の満ち引きのようなもの。

 

『Past the Veil』はそうした満ち引きに満ちています。曲の展開ごとに軽やかになったり深みを増したりし、最終的には、私たちが本当に必要なのはただ踊り、水分を補給し続けることだと気づかせてくれるのです」

『Past the Veil』の構想は2024年、レイがプロデューサーのシェルトンがアルハンブラにある自身のスタジオ「アルタミラ・サウンド」で出会ったことに端を発する。シェルトンは、このソングライターが過去の音楽的アイデンティティを脱ぎ捨て、新たなスタイルへとスムーズに移行できるよう手助けした。「このアルバム制作において、新しい視点を得られたことはとても新鮮でした」と彼女は語る。

 

彼女は2024年、古い固定観念を振り払うようなリードシングル「Mirrors」を先行リリースし、すでにこの新時代の幕開けを告げていた。「ロブは素晴らしい友人であり、私はいつも彼の音楽的直感を尊敬してきました。[アルタミラ]は、まるでバンドの一員のような、それ自体がひとつの存在であるかのような場所です。LAのシーンで共に成長してきた人々や、新しい友人たちに身を委ねることができたのは、本当に特別な体験でした。今こそ、コミュニティこそが道なのです。私たちは互いに支え合い、共に才能を育んでいく必要があります。」

その後1年間、レイはシェルトンの助言を受け入れ、これまでのミニマリスト的な作風から脱却し、ドラムマシンからストリングス・アレンジ、ペダル・スティール・ギターに至るまで、あらゆる要素を取り入れた楽曲群を生み出した。また、レイは全音域を駆使して歌い上げ、これまで以上に大胆かつ力強い歌声を披露しつつも、彼女特有の優しい心遣いは失っていない。

『Past the Veil』は、レイにとってこれまでで最も広がりのあるアルバムであり、大きな変化を乗り越える中で彼女が自ら選んだ「豊かさへのマインドセット」の延長線上にある作品だ。文字通り、そして比喩的な「地獄の炎」（2025年1月のアルタデナとパシフィック・パリセーズでの山火事、トランプ大統領の2期目の任期全体）に加え、レイは以前のレコードレーベルとも決別し、それによって自分自身とコミュニティを信じる姿勢を強めるきっかけとなった。『Past the Veil』は、彼女が自ら運営する新レーベル「All The Best」からの初リリースであり、ここでは自身の音楽だけでなく、友人たちの作品も発表していく予定だ。

この新作アルバムで、レイはアラン・ワッツの「変化を理解する唯一の方法は、その中に飛び込み、流れに乗り、そのダンスに加わることだ」という思想を受け入れている。もし前進する唯一の道が「その中を通り抜けること」であるなら、私たち全員が『Past the Veil』を越えていかなければならないということになる。

「Mirrors」

 

 

アトランタのシンガーソングライター/マルチ・インストゥルメンタリストのブレナン・ウェドル(Brenan Wedl)がANTI-との契約を発表し、同レーベル所属のワックスハッチーをフィーチャーしたキャスリン・エドワーズの楽曲「Six O'Clock News」のカバーを公開した。

マイクロトーン・ジャズ・カルテット「Dazey & the Scouts」での活動を経てソロキャリアをスタートさせたウェドルは、MJレンダーマンやデス・キャブ・フォー・キューティーらと同じレーベルに加わることとなった。「グランジ」と「カントリー」を融合させた「グランジトリー（grungetry）」というサウンドを追求する彼女の今年最初の新曲となるのが「Six O'Clock News」だ。

この楽曲と契約について、ウェドルは次のように語っている。「『Six O’Clock News』を初めて聴いたのは、2003年頃の『Cities 97 Sampler』CDでした。この曲が私のソングライティングのスタイルを形作ったことは間違いありません。キャスリーン・エドワーズが書いた『Six O’Clock News』は、アメリカの町で起こる銃乱射事件のヒステリーを描いた物語です。 20年以上経った今、ワックスハッチーと共にこの極めて現代的な物語をレコーディングし、歌えることは、私が音楽を奏でる理由の核心へと直結しています。ANTI-のアーティストに加われることを光栄に思うと同時に、私たちが取り組んできた作品を皆さんと共有できることに胸が躍ります」

「ブレナンと私は、キャスリーン・エドワーズの音楽に対する共通の愛を通じて、本当に絆を深めました」と、ワックスハッチーのシンガーソングライターであるケイティ・クラッチフィールドは付け加えます。「この曲は時代を超えた魅力を持つ非常に力強い曲であり、私たちの解釈をリリースできることにただただワクワクしています」

 

 

「Six O’Clock News」

ルーツ・ミュージックを基盤とする米国のハートランドバンド、マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブス（Matt Jones And The Bobs）が新曲「Wicked Ways」をミュージックビデオと合わせて公開しました。マット・ジョーンズ・バンドのサウンドはクラシックなロックのカッコ良さを伝えようとしている。70年代のUSロックを知らない人にもおススメしたいグループだ。

素朴なギター・リフ、親密なボーカル、そして開放感あふれるドラムを土台に据えたこの魅力的なアメリカーナ・シングルは、温かくアナログな輝きを放っています。「これは、家族、許し、より良い人間になるために必要な強さへのオマージュです。 恥じることなく過去を振り返り、自分たちのルーツを受け入れつつ、同時に今の自分たちも肯定すること。過去を忘れずに乗り越えていく過程で、兄弟愛と寛容さを讃える曲です」とマット・ジョーンズは語っています。

バージニア州南西部の中心地を拠点とするマット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブスは、故郷の物語が持つ時代を超えた温かさと、日常の美しい本質を捉えている。 

 

アヴェット・ブラザーズやオールド・クロウ・メディシン・ショーといったアメリカーナのストーリーテラー、ジョン・プラインやジャクソン・ブラウンの深い作詞作曲、そしてザ・バンドやトム・ペティといったクラシックなフォークロックのアイコンたちから影響を受け、バンドは心、気骨、そしてメロディーを融合させ、彼らが育った90年代のオルタナティブロックやポップへのオマージュも込めている。 バンドの最新シングル「You Stood Still」は、リリースから1ヶ月で10万回以上の再生回数を記録した。 

バージニア州南西部の中心地から登場したマット・ジョーンズ＆ザ・ボブスは、2011年の結成以来、生々しい感情と時代を超えた物語を織りなしてきた。 バンドはラドフォード大学在学中に結成された。マット・ジョーンズ（ボーカル、ギター）と、親しみを込めて「ザ・ボブス」と呼ばれるバンドメンバーたちは、アメリカーナ、ルーツ・ミュージック、そしてクラシック・ロックへの共通の情熱を、リスナーの心の奥底に響くサウンドへと昇華させた。 

彼らがまだ大学生だった2014年にリリースされたデビューアルバム『Brother's Hymn』は、音楽の世界への旅の始まりを告げるものでした。小さな町の生活、愛、喪失、そして成長に伴う日々の葛藤の本質を捉えた楽曲群により、このアルバムは、その誠実な作詞作曲と力強いパフォーマンスで、瞬く間に熱心なファン層を獲得しました。 

しかし、若き日に活動を始めた多くのバンドと同様、彼らの前途には紆余曲折が待ち受けていた。長年にわたり音楽に没頭してきた後、2015年、マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブスのメンバーは一歩引いて、それぞれが個人のキャリアやビジネス、起業活動に専念することとなった。 

バンドは活動休止期間に入ったが、長年にわたり共に音楽を作り上げてきた中で築かれた絆は、決して断ち切れるものではなかった。10年間、メンバーはそれぞれの世界で活躍したが、音楽への想いやルーツとのつながり、物語を紡ぐこと、そして共有した経験といったものは、常に心の奥底でくすぶり続けていた。

  

時は2024年。マット・ジョーンズ＆ザ・ボブスは再結成を果たし、新たなエネルギーと目的意識を持って、彼らの代名詞とも言えるサウンドを蘇らせた。

 

10年ぶりに音楽の世界に戻ってきたとはいえ、アメリカーナ、フォーク、サザン・ロックに根ざした彼らのルーツは、かつてと変わらず強固なままだ。 しかし、この新たな章には新鮮な変化がもたらされている。90年代の影響がさりげなく取り入れられ、グランジ特有の荒々しさが加わり、確立されたサウンドを補完するより豊かな楽器編成が特徴だ。それでも、彼らの音楽の核心は揺るぎない。それは、人生、愛、失恋、そして私たちを人間たらしめる勝利や試練の、感情的な本質を捉えようとする姿勢である。

  

バンドの楽曲制作はまさに象徴的であり、物語性と深い脆弱性が融合している。どの曲も一つの物語であり、マット・ジョーンズの極めて個人的な歌詞というレンズを通して、人間の経験の一端を垣間見せてくれる。愛や失恋の物語から、死や苦闘、そして前へ進むために必要な忍耐力への考察に至るまで、その音楽は聴く者の心に響き続けている。 そのサウンドは、どこか親しみやすくも新鮮な響きを帯びており、人生の浮き沈みを巡るノスタルジックな旅路は、まるで古くからの友人が耳元で囁いてくれているかのような感覚を覚える。

  

マット・ジョーンズ＆ザ・ボブスの音楽は、単なる曲の集まりではありません。それは、人生の浮き沈みを再び体験するよう誘う招待状なのです。 このサウンドは、あなたを個人的な意味を持つ瞬間へと連れ戻し、人生の苦難や喜びが共感できるだけでなく、成長に欠かせないものであると感じさせてくれます。一音一音、彼らは聴衆に自分の物語を受け入れるよう誘い、その旅路で自分だけが孤独ではないという事実から安らぎを見出させるのです。

  

キャリアのこのエキサイティングな新段階へと踏み出すにあたり、マット・ジョーンズ＆ザ・ボブスは自らのルーツを尊重しつつ、新たな音楽の領域を探求し続けています。彼らは成長し、進化を遂げましたが、バンドの核心――そもそも彼らをこれほどまでに愛される存在にしたその魂――は、かつてないほど力強いままです。 マット・ジョーンズ＆ザ・ボブスは単に「復帰」しただけではない。彼らは今、かつてないほど力強く、決意を固め、世界へと自らの物語を届けるべく前進している。時代を超越しつつも新鮮な音楽を携え、彼らは2枚目のフルアルバム『Matt Jones and the Bobs』を皮切りに、リスナーの心に消えることのない足跡を残し続ける準備ができている。

最新シングル「Wicked Ways」は、心温まるアメリカーナ・ソングだ。マット・ジョーンズはこう語る。「この曲は、家族、許し、そしてより良い男になるために必要な強さへのオマージュです。恥じることなく過去を振り返り、自分たちのルーツを受け入れつつ、同時に今の自分たちも肯定することについて歌っています。過去を忘れずに乗り越えていく過程における、兄弟愛と寛容さを称える曲です」

 

「Wicked Ways」 

 

 

▪EN

 

Matt Jones and the Bobs, a heartland band rooted in roots music, have released their new song “Wicked Ways” along with a music video. The Matt Jones Band’s sound aims to capture the coolness of classic rock. This is a group I’d recommend even to those unfamiliar with 1970s American rock.

Emerging from the heart of Southwest Virginia, Matt Jones and The Bobs have woven a tapestry of raw emotion and  timeless storytelling since their formation in 2011. The band first came together during their time at Radford University,  where Matt Jones (vocals, guitar) and his bandmates—affectionately known as “the Bobs” —took their shared passion  for Americana, roots, and classic rock, and transformed it into a sound that resonated with listeners on a deeply  personal level. 

 

Their debut album, “Brother's Hymn”, released in 2014 while they were still in college, marked the  beginning of their journey into the world of music. With tracks that captured the essence of small-town life, love, loss,  and the everyday struggles that come with growing up, the album quickly gained a loyal following for its honest  songwriting and gritty performances. 

But like many bands that start in their youth, the road ahead was not without its twists and turns. After years of intense  dedication to their music, the members of Matt Jones and The Bobs took a step back in 2015, each pursuing individual  careers, business ventures, and entrepreneurial pursuits. 

 

The band entered a hiatus, but the bonds forged through  years of creating music together remained unbreakable. For ten years, the members thrived in their own respective  worlds, but the pull of music—the connection to their roots, their storytelling, and their shared experiences—was  always there, simmering under the surface.
  
Fast forward to 2024, and Matt Jones and The Bobs have reunited, bringing their signature sound back to life with  renewed energy and purpose. Though they’ve stepped back into the world of music after a decade, their roots in  Americana, folk, and southern rock remain as strong as ever. 

 

However, this new chapter carries fresh twists—a subtle  infusion of 90s influences, a bit of grunge grit, and more expansive instrumentation that complements their established  sound. The heart of their music remains, however, unwavering: a commitment to capturing the emotional essence of  life, love, heartbreak, and the triumphs and trials that make us human.

  
The band’s songwriting is nothing short of iconic, blending storytelling with profound vulnerability. Each song is a  narrative—a glimpse into the human experience through the lens of Matt Jones' deeply personal lyrics. From tales of  love and heartbreak to reflections on death, struggle, and the perseverance needed to keep going, the music  continues to strike a chord with listeners. It’s a sound that feels both familiar and fresh, a nostalgic journey through the  ups and downs of life that feels like an old friend whispering in your ear.

  
The music of Matt Jones and The Bobs isn't just a collection of songs; it’s an invitation to relive the highs and lows of  existence. It’s a sound that will transport you back to moments of personal significance, where the struggles and joys  of life feel not only relatable, but necessary for growth. With each note, they invite their audience to embrace their own  stories, finding solace in the knowledge that they are not alone in the journey.

  
As they step into this exciting new phase of their career, Matt Jones and The Bobs continue to honor their roots while  exploring new sonic territory. They’ve grown, they’ve evolved, but the heart of the band—the soul of what made them  so beloved in the first place—is as powerful as ever.

 

Matt Jones and The Bobs aren’t just back—they’re  stepping forward, louder, stronger, and more determined than ever to share their stories with the world. And with  music that is as timeless as it is fresh, they are ready to continue leaving an indelible mark on the hearts of their listeners beginning with their second full studio self titled album "Matt Jones and the Bobs".

Their latest release "Wicked Ways" is a heartfelt Americana single. Matt Jones shares, "The song is our nod to family, forgiveness, and the strength it takes to become better men. It’s about looking back without shame and owning where we came from, but also who we’ve grown into. It celebrates brotherhood and grace during a period of outgrowing our past without forgetting it.” 

 

 

咋年1月に批評家から高い評価を受けた待望のデビュー・アルバム『ファミリア』をリリースした、ロンドンを拠点とするプロデューサーでシンガー・ソングライターのリザ・ロー。その後、ライヴEP『ファミリア：ライヴ・アット・ギアボックス』、シングル「He is, I am」をデジタル・リリースしていた彼女が、この度さらなる新曲「Birdsong」を発表した。

3本のマイクを使ってテープに直接録音され、フィドルとコントラバスの演奏が際立つこの楽曲の温かみのある親密なサウンドは、リザの楽曲作りの情感と本質を完璧に表している。

この楽曲ついてリザは、「人生の軽やかさと安らぎを、早朝に優しく思い出させてくれる曲。友情とロマンスを歌った曲」と語っている。

「人生は時に圧倒されるほど忙しく、単純な喜びはつい忘れられがち。朝の最初のコーヒー、新しい人との出会い、心を通わせる瞬間、手をつなぐこと、庭で聞こえる鳥のさえずり、長雨や曇り空の後に顔に当たる日差し。『Birdsong』は、人生が与えてくれる些細なものの美しさを忘れないために書かれた曲なの」と。

早速同楽曲のミュージック・ビデオが公開となっているので、チェックしてほしい。

Liza Lo - "Birdsong" Official Music Video

 

【シングル情報】

Label: Gear Box

Release: 2026年3月18日

Tracklist:

1.Birdsong

▪︎ストリーミングURL: https://bfan.link/birdsong-2

【アルバム情報】

デーモン・アルバーンのスタジオ13で、リザのバンドとジョン・ケリー（ケイト・ブッシュ／ポール・マッカートニー）と共にレコーディングされた彼女のデビュー・アルバム『ファミリア』は、脳梗塞で友人を亡くしたこと、ヨーロッパにある故郷を離れること、そして現代の人間関係にまつわる複雑といったあらゆることに触れている。不気味で親密なギター、レトロでポップなシンセサイザーとベース、クリスタルのようなピアノが、儚さと自己の強さの両方を表現している。DIY、Notion、BBC Introducingといった海外メディアから賞賛を受けた作品である。

アーティスト名：Liza Lo（リザ・ロー)

タイトル名：Familiar（ファミリア）

品番：GB1598CD (CD) ／ GB1598 (LP)

発売日：発売中！

レーベル：Gearbox Records

＜トラックリスト＞

(CD)

1. Gipsy Hill

2. Morning Call

3. Darling

4. Catch The Door

5. A Messenger

6. As I Listen

7. Open Eyes

8. Anything Like Love

9. What I Used To Do

10. Confiarme

11. Show Me

(LP)

Side-A


1. Gipsy Hill

2. Morning Call

3. Darling

4. Catch The Door

5. A Messenger

6. As I Listen

Side-B


1. Open Eyes

2. Anything Like Love

3. What I Used To Do

4. Confiarme

5. Show Me

▪︎アルバム『ファミリア』配信中！ 

https://bfan.link/familiar-3

Credits:

Liza Lo - Vocals, Acoustic Guitar, Piano, Backing Vocals, Synthesisers Sean Rogan - Piano, Backing Vocals, Acoustic & Baritone Guitar Maarten Cima - Electric, Rubber Bridge & Baritone Guitar

Tom Blunt - Drums 

Freek Mulder - Bass

Ben Trigg - Cello & String Arrangements (Gipsy Hill, Open Eyes & A Messenger) Emre Ramazanoglu - Percussion (Catch The Door & Anything Like Love)

Chris Hyson - Synthesisers & Programming (Confiarme)

Wouter Vingerhoed - Prophet (What I Used To Do) 

Recorded at Studio 13 and Tileyard Studios in London

Produced by Jon Kelly and Liza Lo

Additional and co-production by Wouter Vingerhoed (What I Used To Do), Topi Killipen

(Morning Call), Sean Rogan (Confiarme) and Chris Hyson (Confiarme)

Written by Liza Lo together with Topi Killipen (Morning Call), Emilio Maestre Rico (Darling),

Peter Nyitrai (Open Eyes), Melle Boddaert (Gipsy Hill), Hebe Vrijhof (What I Used To Do) &

Wouter Vingerhoed (What I Used To Do)

Mixed by Jon Kelly

Mastered by Caspar Sutton-Jones & Darrel Sheinman

Engineered by Giacomo Vianello and Ishaan Nimkar at Studio 13 and Ned Roberts at Tileyard Studios Released by Gearbox Records

バイオグラフィー:

スペインとオランダで育ち、現在はロンドンを拠点に活動するシンガー・ソングライター／プロデューサー／ミュージシャン。優しくも力強い歌声で愛、喪失、成長の物語を紡ぐことを特徴とし、ビッグ・シーフ、キャロル・キング、ドーターやローラ・マーリングなどからインスピレーションを受けながら、独自の親密で詩的な音楽世界を創り出している。

EP『Flourish』はSpotifyの 「New Music Friday UK/NL/BE 」に選出され、「The Most Beautiful Songs in the World 」プレイリストでも紹介された。2024年5月、Gearbox Recordsと契約。自身のUKヘッドライン・ツアー、ステフ・ストリングスやVraellのオープニングをUK各地で務めたほか、ハリソン・ストームとのEU/UKツアーもソールドアウトさせた。

2025年1月、ジョン・ケリー（ポール・マッカートニー、ケイト・ブッシュ）とバンドと共に制作したアルバム『ファミリア』をリリース。同年8月、新ライヴEP『ファミリア：ライヴ・アット・ギアボックス』を、2026年3月には最新シングル「Birdsong」をデジタル・リリースした。

ミネアポリスのシンガーソングライター、runo plum(ルノ・プラム)が、新作EP『Bloom Again』を発表し、先行シングル「butterflies」をリリースしました。昨年リリースされた『Patching』に続く新作は5月9日にWinspearよりリリースされます。

ルノ・プラムはミネソタ州の田舎で生まれ育ったインディー・フォークロックアーティストである。静かな森に囲まれた環境で、ルノはあらゆるものからインスピレーションを得る——過去の深い思索、愛、健康、人間関係、芸術、あるいは日常の些細なことさえもテーマに縁取る。

ルノの楽曲の大半はミネソタの自宅で書き上げられ、ドイツ南部にあるアーティスト仲間フィリップ・ブルックスのホームスタジオで録音される。風鈴の音、ざわめく木々、遠くで鳴く鳥の声——そうした自然の音と共に、楽曲は書かれた当時のままの真実味を保ちながら命を吹き込まれる。

音楽はルノの人生を通じて変わらぬ伴侶であったが、作詞作曲の才能が開花したのは14歳の時。時は流れ2020年、パンデミックの静寂の中、ルノは音楽制作の世界に没頭し始めた。その年をアーティストとして変貌を遂げ、かつてないほど楽曲制作に打ち込むことに費やした。 この年、彼女は2枚のEPやピアノ曲などを書き上げ、2020年初頭にはそれらをBandcampとSoundcloudのみでリリースした。

2021年初頭、ルノは自身の楽曲動画をSNSで共有し始めた。少人数ながら熱心な聴衆が集まり、ストリーミングプラットフォームでの音楽体験を待ち望んでいた。彼らの要望に応え、『yin to yang』がSpotifyでデビューを果たし、音楽の旅路が始まった。以来、彼女は自主制作で様々な楽曲やプロジェクトを発表しており、6曲入りEP『jupiter』やフィリップ・ブルックスとの共同EP『mountain songs』などが含まれる。

最新シングル「butterflies」は、ベッドルームポップの色合いを明確に残している。最新アルバムでは見せなかった繊細で切ないインディーフォークソング。このニューシングルは、ルノ・プラムがミネアポリスの自宅スタジオでメインのギターとボーカルを録音し、共同制作者のフィリップ・ブルックスがドイツの自宅スタジオからドラム、ギター、ベースを追加して完成させた。歌詞が描写する感情的な不安定さを反映した、ミニマルでありながら重層的なアレンジが施されている。

ルノはこの楽曲についてこう語っています。

「片思いのときのおどおどした胸の高鳴りを歌った曲だと思うかもしれないし、確かにそういう面もあるけど、それ以上に、その感情が押しつぶされてしまい、どう扱えばいいのかわからなくなる感覚を描いているんだ。 メインのギターとボーカルはミネアポリスの自宅アパートのスタジオで録音し、フィリップ・ブルックスがドイツの自宅スタジオでドラム、ギター、ベースを追加しました。彼の加える深みは魔法のように感じられます。『patching』を書いた時期に書いた、とても優しい曲です」

「butterflies」

ギタリスト兼作曲家のロビン・カッツが、今年5月27日に新作アルバム『Hypnos』をロンドンのレーベル、Gearboxからリリースします。この発表に合わせて、最初の先行シングル「The Moon」が配信開始。

ロビン・カッツはジプシー・ジャズ、ノマド・フォーク、フラメンコ、ロック、ブルース、新古典派音楽の狭間に位置するスタイルが特徴で、そのサウンドは叙情的で魂に響き、唯一無二の認識性を備えている。

ロビンはアルバムについて次のように述べている。

 

 

「『今作では、削ぎ落とされた超シンプルなものを創りたかった。これらの楽曲は当初、ソロ・ギターのための練習曲として書かれたもので、ジャンゴ・ラインハルトとフィリップ・グラスを聴き続けてきた僕が愛してやまない音楽からインスパイアされた幅広い影響を反映している」

 

 

「ナイロン弦のギターと普段一緒に聴かない楽器を組み合わせたかったからハモンド・オルガンを組み込んだ。ハモンドは僕にとってゴスペルやウェス・モンゴメリーのクラシックなオルガン・トリオを想起させるソウルフルでファンキーな響き、そして非常にスピリチュアルな音なんだ」

 

 

「ナサニエル（・レドウィッジ）にハモンドを演奏してもらい、この象徴的な楽器の柔らかい側面を表現できたのは本当に恵まれたことだった。”ヒプノス”とはギリシャ神話の眠りの神であり、夢の神モルペウスの父のことを示す。このアルバムは夢幻的で催眠的で外の世界の狂気から逃れる、短い眠りのような逃避行なのか？ そうであることを願っています」

 

幼い頃からフラメンコの情感豊かな音色に影響を受け、ロマ音楽とスウィング・ジャズを融合させたジプシー・スウィング（マヌーシュ・スウィング）の創始者、ジャンゴ・ラインハルトの卓越した技に感化されたロビン。

 

 

幼少期をスペインで過ごした彼は、5歳の頃から母親に連れられて、フラメンコのコンサートに通った。中でも印象的だったのが、スペインのギタリストでフラメンコやジャズの分野で活躍するパコ・デ・ルシア。その後、13歳の時にはガンズ・アンド・ローゼズのギタリスト、スラッシュに夢中になった。誕生日に母親がギターをプレゼントしたことから自らも演奏するように。

 

今年５月にリリース予定の最新アルバム『ヒプノス』は、一聴すると単純そうだが、実に複雑なギター・ラインにゲスト・ミュージシャンのナサニエル・レドウィッジが演奏するハモンド・オルガンが絡み合った、表現力豊かな1枚に仕上がっている。オルガンの演奏は大気的で異世界的でありながら、ロビンの繊細で切ない楽曲に魂のこもった親密な対位法をもたらしている。

 

 

その最初の味わいは収録曲「The Moon」に表れている。満ち引きする月の潮汐を思わせる同楽曲では、うねるような瞑想的なナイロン弦のフィンガー・ピッキングが、幽玄なオルガンのうねりを巡って踊るように響いている。ジプシー音楽とクラシックギターをかけあわせた物悲しくも深みのある一曲。同楽曲のオーディオビデオが公開されている。ぜひチェックしてみよう。

 

「The Moon」

 

 

ロビン・カッツは昨年のクリスマスに、坂本龍一の代表曲で、大島渚監督の映画『戦場のメリー・クリスマス』のテーマ曲「Merry Christmas, Mr. Lawrence」のカバーをリリースした。

 

 

Robin Katz　『Hypnos』

アーティスト名：Robin Katz（ロビン・カッツ)

タイトル名：Hypnos（ヒプノス）

品番：GB4013CD (CD) ／ GB4013 (LP)

発売日：2026年5月27日（水）

レーベル：Gearbox Records

Credits:

Robin Katz: Guitar

Nathaniel Ledwidge: Hammond Organ

Compositions by Robin Katz

Produced by Robin Katz and FREEMONK

Recorded and Mixed by FREEMONK at The Friary Studios

Mastered by Caspar Sutton-Jones at Gearbox Productions

▪アルバム『Hypnos』プレオーダー受付中！ 

 

https://store.gearboxrecords.com/products/pre-order-robin-katz-hypnos

▪ニューシングル「The Moon』のストリーミングが開始

 

https://bfan.link/the-moon-10 

 

＜トラックリスト＞

(CD)

1. Floating World

2. Kingdom

3. The Moon

4. My Friend Kushi

5.  Stargazer

6. Silent Forest

7. Ukiyo

8. Hypnos

(LP)

Side-A


1. Floating World

2. Kingdom

3. The Moon

4. My Friend Kushi

Side-B


1. Stargazer

2. Silent Forest

3. Ukiyo

4. Hypnos

 

バイオグラフィー:

 

ジャズの伝統に根ざし、フラメンコ、ボサノヴァからネオクラシック、ソウルに至る多様な影響を受けながら形成されたギタリスト兼作曲家のロビン・カッツは、ディスクロージャー、ルーベン・ジェームス、ザ・ロンドン・ジャンゴ・コレクティブ、ジョセフ・ローレンスらとイギリス各地で幅広く共演。

 

2024年にリリースした、トランペッターのガイ・バーカーとの共作によるデビューEP『オーシャンズ・フォー・エロス』で彼の広大な音楽的表現が披露され、その後、Freemonkがプロデュースしたセカンド・アルバム『ロック・ミュー ジック』を2025年にリリース。

 

 

同年12月には、坂本龍一の楽曲のカヴァー「Merry Christmas Mr.Lawrence」を配信リリースしている。2026年、アルバム『ヒプノス』を発表。

フィラデルフィアのシンガーソングライター、グレッグ・メンデスがDead Oceansからフルアルバム『Beauty Land』を5月29日にリリースする。本作の大部分はメンデスの自宅スタジオで直接テープに録音された。

アルバムのオープニングトラックとなる「I Wanna Feel Pretty」が公開された。この曲は、オーケストレーションが加わる前は、彼の『ファースト・タイム／アローン』の素朴な楽曲とよく似た始まり方をしている。

 

ライアン・スカラボジオがミュージックビデオを監督し、メンデスはこう語っている。「私は幼少期の大半を郊外で過ごし、アメリカン・ドリームに囲まれて育った。壮大で孤独な、ストリップモールと住宅開発地。消費主義と大衆文化の再構築の聖堂。 店は町のために建てられたのではなく、町は店のために建てられた。誰も本当の意味で属していない。夢は匂い立つほど近くにあるが、手を伸ばせばすぐ通り抜けてしまう——約束のホログラム。この映像にそんな感覚を込めたかった」と語っている。

「I Wanna Feel Pretty」

 

 

Greg Mendez  『Beauty  Land』

Label: Dead Oceans

Release:  2026年5月29日

 

Tracklist:

1. I Wanna Feel Pretty

2. Looking Out Your Window

3. Mary / Dreaming

4. Everybody Wants To Be Your Friend (Except Me)

5. Gentle Love

6. Frog

7. It Breaks My Heart

8. Sunsick

9. No Evil

10. Geranium

11. Interlude in D Minor

12. Serving Drinks

13. So Mean

14. Concussion

 

▪Pre-order: https://greg-mendez.lnk.to/i-wanna-feel-pretty

ロサンゼルスの新進気鋭のシンガーソングライター、Ian Cobiella(イアン・コビエラ)は、クラシックの基本的な訓練とキューバ/ボリビアのルーツが融合した音楽的な背景を持ち、フォーク、オルタナティブ、クラシックのソングライティングの伝統からインスピレーションを得ています。内的な不快感を素通りせず、向き合い、感情の誠実さを導き手とする楽曲制作を追求している。過剰さより親密さを重視したプロダクションは、過ちや試みをありのままに増幅させる。 

 

今週、コビエラがリリースした新曲「Trial By Fire」は驚くほど宣言的で内省的な楽曲であり、完全にコミットする勇気と、結果を悔やまず、受け入れる姿勢を探求しています。アコースティックギター中心のフォーキーなソングライティング、そしてアトモスフェリックなコビエラの歌声が美麗な印象を放つ。本作はまた、ソングライターの寝室をもとにした日常の情景を映し出す映画的な映像と共に公開された。映像には、日本の旅行ガイドブックなども映し出される。

断定的でありながら内省的な最新シングル「Trial By Fire」は流れに身を委ねる勇気と、結果を苦々しさなく受け入れる姿勢を探求する。 プロデューサー兼ミキサーのジャクソン・ヘイルとの思慮深い歌詞と控えめなプロダクションを通じ、イアン・コビエラは努力、脆弱性、真実を根幹に据えた音楽の領域を切り拓く。

 

イアン・コビエラは新曲について、説明している。「最近、ただそれ自体のために過去を見つめ直す時間を過ごした。全てを正直に受け止め、その滑稽さと不変性の中で自分自身を笑うために」 『Trial By Fire』はまさにその感覚を捉えている――全力を尽くし、逆の結果を得ながらも、なぜかそれでいいと思えること。これまで避けてきたテーマと向き合いたかった。宣言も挑戦も愛している。それらは何よりも勇気を宿している。私は全力を注ぎ、最善を尽くしている」

「Trial By Fire」 

 

 

▪EN 

Leaving behind classical piano to pursue songwriting, Ian Cobiella is a Los Angeles singer-songwriter who blends classical training with the influence of his Cuban-Bolivian upbringing. 

 

He draws inspiration from folk, alternative, and classical songwriting traditions, seeking to write songs that sit with discomfort rather than rushing past it, and letting emotional honesty lead the way. His production favors intimacy over excess, magnifying missteps and attempts for what they are. 

His latest single, "Trial By Fire", embodies this approach. Declarative and reflective, the song explores the courage it takes to commit fully, and accept outcomes without bitterness. Through thoughtful lyricism and understated production with his producer and mixer Jackson Haile, Ian Cobiella continues to carve out a space for music rooted in effort, vulnerability, and the truth. 

 

He shares, "I’ve recently spent some time looking at my past just for the sake of it; to be honest about it and to laugh at myself, in all of its ridiculousness and immutability. 

 

"Trial By Fire" captures exactly what that feels like––giving everything I can, getting the opposite outcome, and somehow being fine with it. I wanted to wrangle with some themes I’ve been uncomfortable exploring before. I love declarations, I love attempts; these to me hold more courage than anything. I’m giving it my all and trying my best."

ルーツ音楽に根ざしたハートランド・バンド、マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブス(Matt Jones And The Bobs)の新曲「You Stood Still」とミュージックビデオをリリースした。ミュージシャンはKEXPに出演している。

 

アメリカナとフォークロックが融合したこのアンセムは、心の弱さと時代を超えた物語に根ざした心温まる楽曲です。この曲は「世界が崩壊しそうに感じられる時、私たちを地に足をつけさせてくれる人々への賛歌」です。

「友情と愛、そして決して揺るがないたった一人の存在に見出す平穏について歌っています」とマット・ジョーンズは語る。「人生が混乱しても、正しい人があなたを支えてくれるという、静かな確信を思い出させてくれる曲です」

 

温かみのある重層的なギターとメロディックなリフが紡ぐ爽やかなサウンドスケープに寄り添い、マットのボーカルが誠実さと魂で楽曲をしっかり支えています。 ミュージックビデオでは、港や展望台、公園の木陰など、故郷の心地よい場所で演奏する彼の姿が映し出され、苦闘の只中で静けさを見出すという楽曲のテーマを反映している。

バージニア州南西部の中心地出身のMatt Jones and The Bobsは、故郷の物語の時代を超えた温かさと、日常生活の美しい本質を捉えています。 

 

アヴェット・ブラザーズやオールド・クロウ・メディスン・ショーといったアメリカン・ストーリーテラー、ジョン・プラインやジャクソン・ブラウンのソングライティングの深み、ザ・バンドやトム・ペティといったクラシックなフォークロックのアイコンから影響を受けつつ、バンドは心、気骨、メロディを融合させ、彼らが育った90年代のオルタナティブロックやポップへのオマージュを込めている。 

▪Matt Jones and the Bobs

 

バージニア州南西部の中心地から現れたマット・ジョーンズ＆ザ・ボブスは、2011年の結成以来、生々しい感情と時代を超えた物語を織りなしてきた。 

 

バンドはラドフォード大学在学中に結成され、マット・ジョーンズ（ボーカル、ギター）と「ザ・ボブス」の愛称で親しまれるバンドメンバーたちは、アメリカン・ミュージック、ルーツ・ミュージック、クラシック・ロックへの共通の情熱を、聴く者の心に深く響く独自のサウンドへと昇華させた。 

 

大学在学中の2014年にリリースされたデビューアルバム『Brother's Hymn』は、彼らの音楽世界への旅の始まりを告げた。小さな町の生活、愛、喪失、成長に伴う日々の葛藤の本質を捉えた楽曲群は、誠実なソングライティングと力強い演奏で瞬く間に熱心な支持層を獲得した。 

しかし若き日に始まった多くのバンド同様、彼らの道程は平坦ではなかった。音楽への情熱を注いだ数年後、マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブスのメンバーは2015年に活動を一時休止。各々が個人のキャリア、ビジネス、起業活動へと進んだ。 

 

バンドは活動休止状態に入ったが、長年を通じて共に音楽を作り上げてきた絆は決して壊れることはなかった。10年間、メンバーはそれぞれの世界で成功を収めたが、音楽への引力―ルーツとの繋がり、物語を紡ぐこと、共有した経験―は常に存在し、水面下でくすぶり続けていた。

  

時は2024年。マット・ジョーンズ＆ザ・ボブスは再結成を果たし、新たなエネルギーと目的を持って彼らの代名詞とも言えるサウンドを蘇らせた。10年ぶりに音楽の世界に戻ってきたが、アメリカン・ルーツ、フォーク、サザンロックに根ざした彼らの音楽性は、これまでと変わらず力強い。 

 

しかし、この新たな章には新鮮な変化が加わっている——90年代の影響をほのかに感じさせる要素、グランジの荒々しさ、そして確立されたサウンドを補完するより豊かな楽器編成だ。それでも彼らの音楽の核心は揺るぎない。人生、愛、失恋、そして人間らしさを形作る勝利と試練の感情的な本質を捉えようとする姿勢である。

  

バンドの楽曲制作はまさに象徴的であり、物語性と深い脆弱性を融合させている。各楽曲は一つの物語——マット・ジョーンズの極めて個人的な歌詞を通して人間体験を垣間見せるものだ。愛と失恋の物語から、死や苦闘、そして歩み続けるために必要な忍耐への省察にいたるまで、その音楽は聴く者の心に響き続ける。 それは懐かしくも新鮮な響きであり、人生の浮き沈みを巡るノスタルジックな旅路——まるで古くからの友人が耳元で囁くような感覚をもたらす。

  

マット・ジョーンズ＆ザ・ボブスの音楽は単なる楽曲の集合体ではない。それは存在の高揚と挫折を再び体験する招待状だ。 

 

この音は、あなたを個人的に重要な瞬間に連れ戻すだろう。そこでは、人生の苦闘と喜びが共感できるだけでなく、成長に不可欠なものとして感じられる。一音一音で、彼らは聴衆に自らの物語を受け入れるよう招き、この旅路に一人ではないという認識の中に慰めを見出させるのだ。

  

キャリアの新たな興奮に満ちた段階へと踏み出すマット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブスは、ルーツを尊重しつつ新たな音の世界を探求し続けている。彼らは成長し、進化したが、バンドの核心——彼らが愛される原点となった魂——は今なお力強い。 

 

マット・ジョーンズ・アンド・ザ・ボブスは単なる復帰ではない——彼らは前進している。かつてないほど力強く、確固たる決意をもって自らの物語を世界に届けようとしている。時代を超えながらも新鮮な音楽で、彼らはリスナーの心に消えない刻印を刻み続ける準備が整っている。その始まりとなるのが、2枚目のスタジオ・フルアルバム『Matt Jones and the Bobs』である。

同時に公開されたミュージックビデオでは、故郷の港や展望台、公園の木陰など安らぎの場所で演奏する彼の姿が映し出され、苦闘の只中で静けさを見出すという楽曲のテーマを反映している。

 

「You Stood Still」 

▪EN

Emerging from the heart of Southwest Virginia, Matt Jones and The Bobs have woven a tapestry of raw emotion and  timeless storytelling since their formation in 2011. The band first came together during their time at Radford University,  where Matt Jones (vocals, guitar) and his bandmates—affectionately known as “the Bobs” —took their shared passion  for Americana, roots, and classic rock, and transformed it into a sound that resonated with listeners on a deeply  personal level. Their debut album, “Brother's Hymn”, released in 2014 while they were still in college, marked the  beginning of their journey into the world of music. With tracks that captured the essence of small-town life, love, loss,  and the everyday struggles that come with growing up, the album quickly gained a loyal following for its honest  songwriting and gritty performances. 

But like many bands that start in their youth, the road ahead was not without its twists and turns. After years of intense  dedication to their music, the members of Matt Jones and The Bobs took a step back in 2015, each pursuing individual  careers, business ventures, and entrepreneurial pursuits. The band entered a hiatus, but the bonds forged through  years of creating music together remained unbreakable. For ten years, the members thrived in their own respective  worlds, but the pull of music—the connection to their roots, their storytelling, and their shared experiences—was  always there, simmering under the surface.

  

Fast forward to 2024, and Matt Jones and The Bobs have reunited, bringing their signature sound back to life with  renewed energy and purpose. Though they’ve stepped back into the world of music after a decade, their roots in  Americana, folk, and southern rock remain as strong as ever. However, this new chapter carries fresh twists—a subtle  infusion of 90s influences, a bit of grunge grit, and more expansive instrumentation that complements their established  sound. The heart of their music remains, however, unwavering: a commitment to capturing the emotional essence of  life, love, heartbreak, and the triumphs and trials that make us human.

  

The band’s songwriting is nothing short of iconic, blending storytelling with profound vulnerability. Each song is a  narrative—a glimpse into the human experience through the lens of Matt Jones' deeply personal lyrics. From tales of  love and heartbreak to reflections on death, struggle, and the perseverance needed to keep going, the music  continues to strike a chord with listeners. It’s a sound that feels both familiar and fresh, a nostalgic journey through the  ups and downs of life that feels like an old friend whispering in your ear.

  

The music of Matt Jones and The Bobs isn't just a collection of songs; it’s an invitation to relive the highs and lows of  existence. It’s a sound that will transport you back to moments of personal significance, where the struggles and joys  of life feel not only relatable, but necessary for growth. With each note, they invite their audience to embrace their own  stories, finding solace in the knowledge that they are not alone in the journey.

  

As they step into this exciting new phase of their career, Matt Jones and The Bobs continue to honor their roots while  exploring new sonic territory. They’ve grown, they’ve evolved, but the heart of the band—the soul of what made them  so beloved in the first place—is as powerful as ever. Matt Jones and The Bobs aren’t just back—they’re  stepping forward, louder, stronger, and more determined than ever to share their stories with the world. And with  music that is as timeless as it is fresh, they are ready to continue leaving an indelible mark on the hearts of their listeners beginning with their second full studio self titled album "Matt Jones and the Bobs".

Their latest single is an Americana-meets–folk rock anthem is a heartfelt track rooted in vulnerability and timeless storytelling. The song is "a tribute to the people who keep us grounded when the world feels like it’s falling apart. It’s about friendship, love, and the calm you find in the one person who never waivers," Matt Jones shares. "It’s a still reminder that even when life spins out, the right person can hold you steady.” Leaning into breezy soundscapes driven by warm, layered guitars and melodic riffs, Matt's vocals anchor the track in honesty and soul. The music video features him performing in comforting places in his hometown like the harbor, lookout point, and under a tree in the park, echoing the song's theme of finding calm in the midst of struggle.

メルボルン在住オーストラリア人シンガーソングライター、Tamas Wellsはメルボルン大学で東アジアの政治学を研究する傍ら、ソングライターとして活動を行っている。昨年から「Please Don't Leave/It's Not Right That You're, Madison」から三作のシングルを立て続けに発表している。

今回のシングル「A Comet Is Coming」は、タマス・ウェルズによるアコースティックギターによる弾き語り曲で、悲しみと温かさが混在する良質なフォークソングである。ビートルズやサイモン&ガーファンクルの音楽性を彷彿とさせる、ほろ苦いボーカルのラインが特徴となっている。

ーーだって近いうちに/彗星がやって来て/私たちは皆滅びるだろう/悪い映画に出てくる連中みたいに踊って祈ろうって言う奴らになるのか？/それとも軌道から外そうとする者たちになるのか/ロケットを打ち上げて炎の中で気づくのか/結局みんな死ぬだけだと気づくのか？ーーという歌詞は、ディープインパクトをはじめとする救世の映画のシナリオをなんとなく思い起こさせる。

「A Comet Is Coming(彗星が地球に衝突する)」という、ありふれた題材のローファイな映画を題材に、タマスらしい儚げなポップさをもつインディー・フォーク作品に仕上がっている。

同楽曲は2023年のアルバム『To Drink up the Sea』をプロデュースしたGreg J. Walker (Machine Translations)との共同プロデュース。オーストラリアの映像クリエイター、Celia Celiaが手がけた愛らしいアニメーションのMVも必見です。

「A Comet Is Coming」

Tamas Wells 「A Comet Is Coming」(And We're All Doomed)- New Single

アーティスト：Tamas Wells

タイトル：A Comet Is Coming (And We're All Doomed)

リリース日：2026年2月16日

フォーマット：デジタルダウンロード／ストリーミング

ストリーミング:  https://lirico.lnk.to/tw-acometiscoming

Dash Hammerstein

 

ブルックリンのフォークシンガー、Dash Hammerstein(ダッシュ・ハマースタイン)が今週末、セルフタイトルのフォークアルバムをリリースした。

 

ハマースタインは、ビル・キャラハン、マック・デマルコといった北米の名うてのミュージシャンを彷彿とさせる、力が抜けたフォークミュージックをバロックポップのような懐かしのサウンドで包み込む。また、ハマースタインのフォークポップソングにはムーンドッグのようなジャジーな吹奏楽器が登場する。これらが混在し、渋く甘く切ないムード音楽を作り上げる。

ダッシュ・ハマースタインは現代的な制作理念とブライアン・イーノ、ムーンドッグのような個性的なアーティストのラフなメロディックさを融合させた楽曲で知られるソングライター兼映画作曲家。Netflix、Hulu、HBO、PBSなど数多くのプロジェクトで音楽を手掛けてきた。さらにキンクス風のフォークポップアルバムや新古典派音楽を発表し、アディダスやトヨタ（今シーズンのスーパーボウルCMで放映中）など国際的な商業キャンペーンに楽曲が採用されている。

彼の作品はとくに映画業界で高評価を受けている。サンダンス映画祭、トライベッカ映画祭、DOC NYCで初公開されただけではなく、Netflix、Hulu、HBO、PBSなど数多くのプロジェクトの音楽を手がけている。さらにソロアーティストとしては、キンクス風のフォークポップと新古典主義音楽を融合したスタジオアルバムを10枚発表している。その楽曲はアディダスやトヨタなど、国際的な商業キャンペーンに使用されている。近年ではニューヨークの演劇シーンに深く関わり、開発中のミュージカル作品の数々で脚本執筆やコンサルティングを担当している。

セルフタイトルの最新アルバムは、新たに発見した創造的な冷静さと実験の期間から生まれた、11曲の室内フォークコレクションである。ハマースタインは自作について以下のように語る。

「『Dash Hammerstein』は、私の10枚目のフルアルバムになるのですが、タイトルに私の名前をつけるのはこれが初めてでした。 ビル・キャラハンやジョン・プラインといったフォークソングライターの哀愁を帯びたユーモラスな歌詞、そしてフランク・ローサーのような偉大なミュージシャンのユーモアに刺激を受け、このアルバムは何よりも誠実さを最優先しています」

「音楽はすごくシンプルで、各楽曲は複数のレベルで機能するよう作られています——小さなディナーパーティーのBGMとして心地よく溶け込みつつ、繰り返し集中して聴くことで深みを現すでしょう。弦楽器、管楽器、木管楽器による数曲のゲスト参加を除いて、全トラックは私が作詞・作曲・演奏・ミキシングを担当しました。その結果生まれたのは、深く個人的な室内フォークのコレクションであり、この作品と向き合う方々に共鳴してもらえればと願っています」

 

「Anyone Can Catch」

 

 

Dash Hammerstein 『Dash Hammerstein』

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Dash Hammerstein is a songwriter and film composer known for crafting scores that blend a modern production ethos with the ramshackle melodicism of idiosyncratic artists like Moondog and Brian Eno.  

 

His work has premiered at Sundance, Tribeca Film Festival and DOC NYC, and he has scored projects for Netflix, Hulu, HBO, PBS and many more.  

 

In addition, he has released ten studio albums of Kinks-inflected folk pop and neo-classical music, which has been licensed for international commercial campaigns by brands including Adidas and Toyota.  In recent years, he's gotten more involved in NYC's theatre scene, writing and consulting on a number of musicals in development.

His latest album is the self-titled Dash Hammerstein, an eleven-track chamber folk collection which came out of a period of newfound creative sobriety and experimentation. 

 

He shares, "Dash Hammerstein is my tenth full length album but the only one with my name in the title.  Fueled by the plaintive and droll lyricism of folk songwriters like Bill Callahan and John Prine, along with the humor of musical greats like Frank Loesser, the album puts honesty before all else.  

 

The music is simple, each song crafted to work on multiple levels - living comfortably in the background of a small dinner party, and revealing depth on repeated and focused listens.  But for a few friendly guest appearances on strings, horns, woodwinds, each track was written, performed and mixed by me.  The result is a collection of deeply personal chamber folk that I hope will resonate with those who spend time with it."

 

 

ニューヨークを拠点に活動するインディーフォークシンガー、Dash Hammerstein(ダッシュ・ハマーシュタイン)の新曲「Noise Machine」は心地よいリズムと渋いボーカルを兼ね備えた一曲となっている。ビートルズの『ホワイト・アルバム』や古典的なミュージカルに触発を受けたという。

ザラっとしたアコースティックギター、フォークの柔らかいドラム、そして優しく囁くようなハマーシュタインのボーカルをとりまくようにして、鍵盤楽器、弦楽器や管楽器がゆらめく。ワンコーラスを膨らませたような曲だが、そのシンプルさが耳に残る心地よい響きを生み出す。

ダッシュは、この曲について次のように語っている。「''ノイズ・マシン''は、ホワイトノイズアプリの『小屋の豪雨』設定への依存からインスピレーションを得たシンプルな曲です。  外で雨が降っている時、窓を閉めて人工の雨音を流しながら眠りにつくことがある。木管楽器（マイケル・サックスによる編曲・演奏）は、『ホワイト・アルバム』時代のマッカートニーや古いミュージカルホールのレコードからインスピレーションを得ており、この少々間抜けな心情にふさわしいユーモラスな雰囲気を添えています。『本物より人工的なものを選んだ』という選択です」

ダッシュはこれまでに、Netflix、Hulu、HBO、PBSをはじめ、多数のプロジェクトで音楽を手がけている。さらにキンクス風のフォークポップアルバムやネオクラシック音楽も発表しており、アディダスやトヨタなど国際的な商業キャンペーンでライセンス供与されている。 

ダッシュ・ハマースタインは、現代的な制作理念とムンドッグやブライアン・イーノのような個性派アーティストの荒削りなメロディックさを融合させた楽曲で知られるソングライター兼映画作曲家である。彼の作品はサンダンス映画祭、トライベッカ映画祭、DOC NYCで初公開され、Netflix、Hulu、HBO、PBSなど数多くのプロジェクトの音楽を手がけている。  

さらに、キンクス風のフォークポップと新古典主義音楽を融合させたスタジオアルバムを10枚リリースしており、彼の楽曲はアディダスやトヨタなど国際的な商業キャンペーンに使用されている。近年ではニューヨークの演劇シーンに深く関わり、開発中のミュージカル作品の数々で脚本執筆やコンサルティングを担当している。

「ノイズ・マシン」は、新たな創造的節制と実験の時期から生まれた、近々リリース予定のセルフタイトルアルバム『Dash Hammerstein』に収録されている。この楽曲群は彼のこれまでで最も正直な作品だ。ダッシュは語る。

「言葉のサラダのようなサイケデリックはもう終わりだ。各曲は死、不確実性、古い友人、新しいバイオテクノロジーなど、特定の意味のある出来事について歌っている」  

節制を心がける中で、作曲時間は夜から朝へと移り変わり、アルバム収録曲の多くはコーヒーを飲みながら瞬時に書き上げられた——まさに『最初の考えが最良の考え』という素材だ。 

素晴らしいゲスト参加も多数——マイケル・サックスが木管と金管を、ジョルディ・ヌスが弦楽器を、アルデン・ハリス＝マッコイがゲストギターを担当している。全曲、ブルックリン周辺のスタジオ数ヶ所で私が録音・ミックスを手掛けた」 

ダッシュ・ハマーシュタインによるセルフタイトルアルバム 『Dash Hammerstein』は2月13日、全世界でリリース予定。 

「Noise Machine」

 

 

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Dash Hammerstein is a songwriter and film composer known for crafting scores that blend a modern production ethos with the ramshackle melodicism of idiosyncratic artists like Moondog and Brian Eno.  His work has premiered at Sundance, Tribeca Film Festival and DOC NYC, and he has scored projects for Netflix, Hulu, HBO, PBS and many more.  In addition, he has released ten studio albums of Kinks-inflected folk pop and neo-classical music, which has been licensed for international commercial campaigns by brands including Adidas and Toyota.  In recent years, he's gotten more involved in NYC's theatre scene, writing and consulting on a number of musicals in development.

His latest single is entitled "Noise Machine"  "is a simple song inspired by my reliance on the 'cabin downpour' setting on my white noise app.  Sometimes when it is raining outside, I will close the window and play the fake rain sound to fall asleep.  The woodwinds (arranged and performed by Michael Sachs) are inspired by White Album-era McCartney and old musical hall records, lending a goofy air to what is a pretty goofy sentiment.  Opting for the artificial over the real," shares Dash. 

"Noise Machine" is off of his forthcoming self titled album Dash Hammerstein which came out of a period of newfound creative sobriety and experimentation. The collection of songs is his most honest to date. Dash shares, "No more word salad psychedelia - each song is about something specific and meaningful, be it death, uncertainty, old friends or new biotech.  With sobriety, my songwriting hours shifted from the night to the morning and much of what is on the album was written very quickly over coffee - a lot of first thought/best thought material.  There are some wonderful guest contributions on there as well - Michael Sachs plays woodwinds and brass, Jordi Nus plays strings and Alden Harris-McCoy plays some guest guitar.  Everything recorded and mixed by me in a few studios around Brooklyn." 

 ''Dash Hammerstein'' is set for release February 13th worldwide. 

Courtney Marie Andrews 　『Valentine』
 

Label: Loose Future（Thirty Tigers）

Release： 2026年1月16日 

 

・Listen/Stream 

 

Review

 

アリゾナのシンガーソングライター、コットニー・マリー・アンドルーによるニューアルバム『Valentine』は不思議な感覚に満ちている。その楽曲群は、過ぎ去った日々を回顧するかのような興趣に富み、同時に未来を俯瞰するような内容になっている。 アンドルーは、1970年代のフォークロックバンド、フリートウッド・マック、ビッグ・スターなどを参照しつつ、雄大で自然味溢れるサウンドを築き上げている。全１０曲は、アンドルーが愛する人の死の淵、重要な関係の終焉、そして新たな恋愛の激動という暗い時期の中で生まれた。彼女はその混乱から逃げるのではなく、それを楽曲制作と芸術に注ぎ込み、献身的で反抗的な音楽を生み出してみせた。

 

深い喪失、感情の激動、そして新たな関係の不安定な始まりという時期に書かれたこのアルバムは、アンドルーの最も傷つきやすく、そして落ち着きのある姿を捉えている。「愛は、年月と信頼、変化の上に築かれるものなのだ」と彼女は言うが、『バレンタイン』は、その苦労して得た明快さを反映している。ジェリー・バーンハートとの共同プロデュース、そして大部分がテープ録音で制作されたこのアルバムは、スタジオでのフルパフォーマンスを収録している。

 

アンドルーのサウンドは、カントリー、フォークのスタイルを織り交ぜたポップ/ロックソングの範疇にある。『Valentine』を彼女の作品らしくしているのが、人生における個人的な愛の解釈であり、それらが歌詞に的確に反映されていることだ。そしてそれこそが、この作品全体に只ならぬ説得力や聴き応えをもたらしている。人間関係の変化や転変をときに素朴に、また、ときに直情的に解釈し、音楽そのものに深みを与えている。アルバムの冒頭から、アンドルーが愛したと思われる人物が歌詞の中に登場し、また、それはアートワークにも暗示されているのだが、これほど直情的な歌詞や歌に接したとき、琴線に触れるなにかがもたらされるはずだ。

 

本作の冒頭を飾る「Pendulum Song」はダイナミックなバラードソング。その人物がシンガーにとってどれほど大きな存在であったかがわかる。そしてこのピアノとドラムで始まるこの曲は、驚くほどダイナミックなプロセスをたどる。素朴なフォークミュージックの質感を残しつつも、ドラマティックな音楽性に至る。内面の静けさと外側の変化との折り合いをつけるために書かれた楽曲とも解釈できるかもしれない。基本的には、ヴァースとサビを交互に配置するというシンプルな構成から成立しているが、この曲のフォークソングのスタイルからは勇敢さや雄大な空気感が立ち上ってくる場合がある。それはシンセサイザーのシークエンスやギターのアルペジオ、そしてドラムが重なり合い、Weyes Bloodのようなドラマティックなサウンドを呼び起こす。「Pendulum Song」はこのアルバム全体の緩やかな物語の序章として成立している。

 

その後、『Velentine』は現代的なフォークロックのスタイルを織り交ぜつつ、中盤の注目曲 「Keeper」、「Cons And Clowns」に至る。前者は７０年代のフォーク・ロックのスタイルを選び、一方、後者はビックシーフやマース・レモンのようなインディーロックやフォークのスタイルを図る。そして音楽性も変化に富み、少し物憂げな展開があったり、その後すぐに軽快になったりと、歌手の人生の変遷を暗示させている。その瞬間、他者の中に共通するなにかを見出し、共感を覚えることもあるかもしれない。それはまた、聞き手が、他者の人生を垣間見るというよりかは、追体験したり、自分の中にある人生を重ね合わせ、共鳴する瞬間を得るということである。こういった中で、パーカッションによる工夫を交えたアコースティックギターとボーカルを中心とする「Cons And Clowns」は比較的、多くのファンの心を捉えるに違いない。

 

アンドルーは、普遍的なフォークソングの形式を、アーティスト自らの人生観を徹して探求しているが、最も音楽的に目を惹くのが、古典的なスタイルの中で、革新的なサウンドが出てくる瞬間であろう。「Magic Touch」は本作の序盤のハイライトのひとつ。ドラム、ベース、ギターというシンプルなバンド編成のサウンドが、素朴な質感を持つアンドルーのボーカルと上手く連動しながら、曲の展開を次のステップへと運んでいく。 リズム的な緩急を用いながらも、必要以上に曲をコントロールせず、流れの中で面白い展開を呼び起こすことに成功している。

サビでのコーラスがこの曲の要所となるが、同時に、バックコーラスも主旋律に美麗な印象を添える。シンプルな構成を心がけながらも、かなり細かい箇所まで入念に作り込まれており、これが音楽の印象をドラマティックにしている理由なのだろうか。一見すると、同じようなコード進行や和声進行を用いているように思えるが、一分後半から単調のスケールや調性を用いて、曲の雰囲気がガラリと変化していく。それはミュージシャンとしてのアルバム制作の一つの目標である自分の人生を音楽的な形で象るという目論見が一つの成功をみた瞬間でもある。

コットニー・アンドルーの曲は、ボーカルが歌われている瞬間よりも、ボーカル中心とする楽節から、楽器中心の楽節へと移り変わるときに、圧倒的な雰囲気が出てくることがある。2分序盤からのシンセサイザーの構成がきわめて巧みであり、曲そのものの余韻を長い奥行きのあるシークエンスにより象っている。このあたりは、例えばフリートウッド・マックのサウンドからの影響が顕著に感じられる。この曲の場合はアメリカ南部のような情景を呼び覚ますのである。

 

このアルバムを通じて、アリゾナのシンガーソングライターは、普遍的な音楽性や良いメロディーとは何かを探求しており、それらは続く２曲に反映されている。「Little Picture of a Butterfly」がたとえ、ビートルズやビッグ・スターのようなサウンドを参考にしているとは言え、それらが単なるパティーシュやイミテーションにとどまっているといえば、そうではないだろう。同音反復で和声を分散させるシンセのベースは、ビートルズのようなサウンドでお馴染みのものであるが、コットニー・アンドルーは存在感に溢れる堂々たる歌唱を披露しながら、涙もろい音楽性を呼び起こす。そして、それは長調の和声の中に、独立的に単調を組み込むというポップソングの基本的な形で展開される。ここでは、夢想的な感覚、ほろ苦さ、強さや勇ましさを発揮し、何らかの障壁を乗り越えようとする素敵な歌手の姿を捉えることができる。それはもちろん、聞き手に何らかの形で潤いや勇敢さを与えてくれることは自明であろう。

 

このアルバム、おそらく日本の歌謡曲とも相通じるものがある。私自身はあまり詳しくないのだが、往年の日本歌謡の名シンガーがお好きなファンには、きっと琴線に触れる感覚があろうと思われる。素朴さ、あるいは繊細さや脆さという、いくつかの感情性を踏まえながら、このアルバムは続いていき、「Outsider」ではアメリカーナに古典的な解釈を試みることで、対象的に新しいサウンドを打ち立てる。 これまでスティールギターがアメリカーナの象徴でもあったのだが、アナログシンセサイザーの音色に組み替えることにより神秘的な楽曲へと昇華している。音楽そのものは、70年代のフォークバラードなどにその源流が求められるが、暗さ、温もりなどの感情を交差しながら、日本の歌謡曲にも近い独特な音楽性を呼び込んでいる。いわゆる泣きの要素を交えていて、そこには奇妙な癒やしを見出すことができるはずだ。これこそ、歌手が作曲や制作の際に内面と向き合いながら、今作のテーマを表現しようとした成果でもある。

その後、『Valentine』はフォークソングの基本的な形へと傾倒していく。しかし、音楽そのものは軽妙になったり、もしくは明るくなってくる。これは作品全体をあまりシリアルになりすぎないようにしたり、または、救いのような瞬間を与えようという作者なりの配慮でもあろう。とりわけ、終盤のハイライト曲「Best Friend」では、ワクサハッチーにも通じる秀逸なフォークサウンドを打ち立てている。そしてアルバム全般に言えることであるが、メインボーカルに加えて、バックボーカルが入ったときに、このミュージシャンの音楽の醍醐味が出てくる。

 

牧歌的で広やかなインディーフォークサウンド、南部の雄大な雰囲気、音楽から立ち上るゴスペルのような霊妙さ、それらをこの歌手らしい素朴なサウンドによって縁取っている。そして意外なことに、この曲は、レディオヘッドの初期のアルバム「Fake Plastic Tree」（『Bends』に収録）を彷彿とさせる、ボーカルの旋律進行の影響を明瞭に見出すことができる。スタンダードなフォークミュージックが中心のアルバムでありながら、その一方で、シンガーソングライターのオルタナティヴへのささやかな愛情が映し出された作品である。1月の注目作のひとつだ。

 

 

 

82/100

 

  

 

 

 「Magic Touch」- Best Track

スウェーデンのインディーフォークシンガー、Jose Gonzales（ホセ・ゴンザレス）が5枚目のソロアルバム『Against The Dying Of The Light』を発表し、タイトル曲を公開した。本作はCity Slangから3月27日に発売。

『Against The Dying Of The Light』は、2021年のアルバム『Local Valley』と、2023年にリリースされたデビューアルバム『Veneer』の20周年記念版に続く作品となる。タイトル曲「Against The Dying Of The Light」は、昨年11月にリリースされた先行シングル「Pajarito」に続く楽曲であり、このスウェーデン人シンガーソングライターの新たな作品への第二弾となる。

この楽曲についてゴンザレスは次のように説明している。「2025年の人類を映し出す曲だ。変えられない過去を受け入れ、現在の自分たちを形作った経緯を肯定すること。そして、人間の繁栄に反する歪んだインセンティブやアルゴリズムといった、これから直面する課題に再び焦点を当てることについて歌っている。

「自己設計・自己複製が可能な新技術には膨大な可能性が秘められているが、それが人類を不要にする恐れがあるなら、急いで構築する必要はない。我々はこうした複製装置に反抗し、光の消えゆくことに抗うことができる」

新作アルバムについて彼はこう語る。「『Against the Dying of the Light』は、人間が繁栄する道を自ら閉ざす姿への省察だ。人々が『知っているふりをする連中』に盲従し、頑なに教条的なイデオロギーにしがみつく現実を映し出している。 これらは、個人と集団の両レベルで人類を繁栄へと導く方法についての楽曲。音やハーモニー、リズムだけで楽しむこともできるが、歌詞は人々が協力して集団的問題を解決するために行動を起こすよう促す意図で書かれている」

『光が消えゆくことに抗って』は、人間が繁栄する道を阻む障壁を、いかに我々が自ら作り出しているかを考察した作品だ。それは、自分が知らないことを知っているふりをする男たちに盲従する、頑なに固執する教条的なイデオロギーに起因する。  

これらの楽曲は、個人と集団の両レベルで人類を繁栄へと導く方法についての歌だ。音やハーモニー、リズムそのものを楽しむだけでも構わないが、歌詞は人々が協力して集団的問題を解決するために行動を起こすよう促す意図で書かれている。」

ホセは若い頃ハードコアバンドで演奏する一方で、合唱団での歌唱も楽しんだ。当時を振り返りこう語る。「本当に楽しかった。全然クールじゃなかったけど、本当に楽しかったんだ。 様々な音階や発声技法も学んだ。20人がただ歌いながら共に立つという行為は、人間の根源的な何かを物語っている。年を重ねた今、その普遍的な側面を受け入れる時だと感じている」。　無神論者であるホセは、現在パートナーが地元の「インディー／教会合唱団」で歌う姿を見ることを楽しんでいる。

ホセのこれまでのキャリアはまさに画期的だ：23年間で4枚のソロアルバムをリリース。全世界で100万枚以上の物理的販売枚数に加え、10億回以上のストリーミング再生を記録。英国、オーストラリア、ニュージーランドでプラチナディスクを獲得。2021年にはスウェーデン・グラミー賞「年間最優秀シンガーソングライター賞」を受賞し、2024年にはスウェーデン音楽殿堂入りを果たした。

ホセは最近「10%誓約」に参加。これはGiving What We Canを通じて極度の貧困と戦う効果的な慈善団体に収入の10%を寄付する公約だ。彼の誓約クラブのメンバーはこれまでにヘレン・ケラー・インターナショナル、マラリア撲滅財団、ニュー・インセンティブ、ギブウェル・トップ・チャリティーズ・ファンドなどの慈善団体に寄付している。

 

「Against The Dying of The Light」

Jose Gonzales　『Against The Dying Of The Light』 

Label: City Slang

Release: 2026年3月27日

Tracklist:

1. A Perfect Storm

2. Etyd

3. Against The Dying Of The Light

4. For Every Dusk

5. Sheet

6. Pajarito

7. Losing Game (Sick)

8. Ay Querida

9. U / Rawls Slöja

10. Gymnasten

11. Just A Rock

12. You & We

13. Joy (Can’t Help But Sing)

 

▪Pre-order: https://josegonzalez.lnk.to/ATDOTL 

 

 

Jose Gonzales：

 

1978年、 スウェーデンのヨーテボリ生まれ。両親はアルゼンチン人。2004年、 デビューアルバム『Veneer』が北欧で大ヒットを記録する。 プレスやラジオ局からの大絶賛、素晴らしいライヴを重ねてベースが出来上がった。2005年 にSONY BRAVIAのCMにデビュー・アルバム収録曲「Heartbeats」 が起用され、彼の音楽はヨーロッパのみならず全世界に飛び火し た。シンプルながら美しいサウンド、基本的にアコースティック・ギターとヴォーカルというスタイルながらグルーブ感のある演奏、その低く豊かなヴォーカルに世界中が夢中になった。

 

2007年3月 に初の単独来日公演を実施し、 同年サマーソニックでも出演を果たした。2007年9月、 2ndアルバム『In Our Nature』をリリー ス。前作をよりスタイリッシュに発展させたアルバムとなり、またマッシヴ・ア タックの「Teardrop」 も収録し前作に続き、世界的な成功を収めた。

 

2013年、 ベン・スティラー主演映画『LIFE!』 （原題：The Secret Life Of Walter Mitty / 1947年 公開の映画『虹を掴む男』のリメイク版）に主題歌「Step Out」を提供 した。2014年、エイズで1992年 に亡くなったアーサー・ラッセルのトリビュート・アルバム『Master Mix: Red Hot + Arthur Russell』 に「This Is How We Walk On The Moon」 を提供している。

 

2015年2月、8年振りに3枚目のアルバム『ヴェスティジズ &ク ローズ』をリリース。その後、ライブ盤『Live In Europe』を発表し、2021年には『Local Valley』を発表している。また彼は、スウェーデンのバンド、ジュニップ(Juip)のメンバーでもある。