Interview: Huan Huan(緩緩)       台北のベストインディーロックバンド　音楽性やライブ、日本ツアーについて語る

ライブで最も重要なのは、バンドのエネルギーを音と映像の両方で観客に伝えることーHuan Huan(Baozi)

Huan Huanは台北を拠点とするオルタナティブロックバンド。ボーカルのCoco、ドラマーのYi Jen、ベーシストのStone、ギタリストの Baoziからなる。メンバーチェンジを経て、2017年ごろから音源を発表してきた。

デビュー当時はドリームポップやシューゲイズを主体とする音楽を発表していた。徐々に音楽の間口を広くさせていき、ポストロックやジャズ、ソウルミュージック、そしてアジアのポップなどを音楽性の中に取り入れてきた。

現在のファン・ファンの音楽はスローな方向に傾き、フォークやロックの影響をココの透明感のある癒しのボーカルと融合させている。 彼らの多様な歌詞は、北京語、英語、台湾語にまたがっており、異なる文化を持つ聴衆とつながることを可能にしている。 

セカンド・アルバム『When The Wind Came Across』では、モータウンとソウルの要素を取り入れた。「That Afternoon」という曲では初めて台湾語の歌詞を試みた。 このアルバムは、明るくも優しく、日常の瞬間に寄り添ってくれる静かな友人のような黄金色の温かなリスニング体験を提供する。 

2025年には、台湾の福建語の曲「Words Unsaid」、北京語の曲「Afraid」、そしてアートの枠を超えたコラボ曲「Fracture - To W」の3枚のシングルをリリースし、さらなる進化を遂げた。 これらの作品は、穏やかな芯を体現しつつも、新たな境界線を探るために外へと手を伸ばし続けている。

2015年の結成以来、Huan Huanはその独特なサウンドでマンダリンの音楽シーンで目立ってきた。 2017年、デビューシングル「Huan Huan」をリリース。 2019年のEP『Charlie』のリリースに続き、彼らは国内外の批評家から注目を集めた。 次いで、音楽フェス「LUCfest」でのパフォーマンスが海外のキュレーターの目に留まり、オランダの「Motel Mozaïque」、ポルトガルの「MIL Festival」への招待につながった。

2020年、Huan Huanはデビューアルバム『Water Can Go Anywhere』をリリースし、これまでのEPにあったポストロックやシューゲイザーの影響から、フォークロックやドリームポップを取り入れたヒーリング・サウンドへとシフトした。 収録曲「I'd Better Be On Time」は、Disney+のシリーズ「Small & Mighty」でフィーチャーされ、ソニーとコラボし、同曲のライブ・セッションを行った。 

また、このアルバムをきっかけに、日本のインパートメント・レコードからフィジカル・リリースのオファーがあり、日本のTBSラジオで生放送インタビューが行われた。 アルバムのリリース後、ファン・ファンは2021年ゴールデン・インディ・ミュージック・アワードの「ベスト・ニュー・アーティスト」にノミネートされ、スペインのプリマヴェラ・プロやタイのバンコク・ミュージック・シティなどの国際フェスティバルでバーチャル・パフォーマンスを行った。

パンデミック規制の緩和により、Huan Huanは国際的なプレゼンスを拡大し続けた。 2022年のEP『Blue Room Orange Man』では、クラシック・ギターとシンセ・ベースを導入し、サウンドをより豊かにした。 彼らはマレーシアのCITY Plus Radioの独占インタビューに招待され、シンガポールのASEAN音楽祭にも出演した。 

2023年、彼らはプロデューサーのユチェイン・ワンとコラボレートし、セカンド・アルバム『When The Wind Came Across』をリリース。 このアルバムの新鮮で風通しの良い台湾語の歌詞はリスナーの共感を呼び、広く称賛された。 

特筆すべきは、「No Tears」がネットフリックス・シリーズ「At This Moment」のエンディング・テーマに選ばれたこと。 その後、沖縄で開催されたミュージック・パワー2023で日本のステージにデビューし、地元の観客から熱狂的な反応を得た。

2024年、ファン・ファンは "Huan Huan to Your Home "ツアーを開始し、ファンとのつながりを深め、彼らの音楽が感情に与える影響を探るため、親密なハウス・コンサートを行った。 こうした親密な交流を通じて、彼らは自分たちの音楽がリスナーの聖域となることを理解した。 2025年4月、ファン・ファンはリリースしたばかりのシングル「Afraid」と「Words Unsaid」を、台湾を代表して日本の有名な音楽フェスティバル「SYNCHRONICITY」のステージに持ち込んだ。 

バンドはまた、FM802、Asian Breezeといった著名なラジオ番組にも出演し、メディアとリスナーの双方から満場一致の賞賛を受けた。

2025年5月には初の中国ツアーを行い、南京、杭州、上海、武漢、広州を訪れた。 心のこもった隙のないパフォーマンスは口コミで評判を呼び、チケットの売り上げも伸びた。 7月には、台湾の詩人、リン・ユーをフィーチャーし、音楽と文学のコラボレーションを図った『Fracture - To W』をリリースした。 バンドは今後、これらの作品を国際舞台で披露し、大胆な新章を開く予定。(バンドの公式HPの紹介文を参照)

ーーインタビューをお受けいただきありがとうございます。まず、Huan Huanの結成の経緯について教えていただけますか？？

Huan Huanは何度かメンバーチェンジを経て、徐々に現在のアンサンブルになりました。 ボーカルのココが、ポストロックをやりたいとネットでバンド仲間を募集したのが始まりでした。 

「Huan Huan」というバンド名は、ココがシャワーを浴びているときに思いついたもので、彼女の非常にマイペースな性格にぴったりだと感じた。 2019年、ドラマーのYi-Chenが加入し、ギタリストのBaoziが続いた。 

ベーシストのストーンが加入したのは、セカンドアルバムのレコーディングのときだった。 時が経つにつれ、バンドの音楽スタイルも進化し、ポストロックから現在はフォークロックに近いサウンドへと変化していきました。

ーーメンバーはそれぞれどんな音楽に影響を受けていますか？

Baozi： 一番影響を受けた音楽のジャンルは、ロック、J-POP / J-Rock、オルタナティブ・ロック、ポスト・ロックなどです。

Coco： ビーチハウス、ドーター、キングス・オブ・コンビニエンス、ウィルコ、ビッグ・シーフなどかな。

Stone: 最も影響を受けた音楽はブラックミュージックで、特にソウルやジャズ。 マーヴィン・ゲイ、スティーヴィー・ワンダー、ジャクソン5、ディアンジェロ、エリカ・バドゥなど。

Yi Jen：10代の頃はロック、大学時代はポストロックやエレクトロニック・ミュージック、今はモータウンのグルーヴやジャズの即興演奏が好きです。

ーー近年、ライブに力を入れている印象がありますね。皆さんがライブで大切にしていることは？

 Baozi: ライブで最も重要なのは、バンドのエネルギーを音と映像の両方で観客に伝えることだと思いますね。私たちがセットを計画するときは、CDやストリーミングで聴くよりも、より強烈で没入感のある体験を作り出したいと思っています。 

ライブはより直接的に交流できるため、バンド全体の個性だけでなく、メンバーそれぞれの個性も表現したい。 そのため、今年から曲間のつなぎに各メンバーのソロを入れるようにしました。

ーーHuan Huanは今年、「Words Unsaid」と「Afraid」の2枚のシングルをリリースしました。バンドの新曲について詳しく教えてください。

Baozi：「Words Unsaid」はHuan Huanにとって2曲目の台湾語の曲です。 歌詞はとても悲しい内容なんですが、リスナーの感情のはけ口になれば良いかなと思い、情熱的でアップビートなダンススタイルでその悲しみを表現することにしました。 

今までで一番テンポの速い曲でもあります。 ボーカルのココがキングス・オブ・コンビニエンスが大好きで、フォークとダンス・ミュージックを融合させてみたいとずっと思っていたんだ。 ついに完成したときは、演奏する手が痛くなるくらい興奮したし、嬉しかったよ（笑）！ 演奏する手は痛かったけどね（笑）！！

Stone:「Afraid」は、長年にわたるHuan Huanの特徴である暖かくオーガニックなスタイルを継承しています。 ココの歌詞は、心の奥底から最も繊細で親密な感情をとらえています。 もう一曲の「Words Unsaid」は私たちにとって新しい方向性です。エモーショナルな深みを保ちつつ、ライブの観客が没頭できるようなグルーヴをより多く取り入れました。 ツアー中の反応も上々です。

Huan Huan

ーー今年、下北沢の来日公演がありましたよね。 どうでしたか？  東京の観光はなさいましたか？

Baozi： 日本での公演は、私たちにとってエキサイティングであると同時に緊張する経験でした。 日本の音楽シーンは非常に強いと見てきたので、SYNCHRONICITYのような大きなイベントへの出演したことは大きな励みになりました。 

さらに、下北沢のmono recordでも小規模なライヴを行いました。 私たちの音楽が言葉の壁を越えて、日本の聴衆に癒しと喜びをもたらすことができることを知ったとき、それは本当に感動的で確かな瞬間でした。

観光では、池袋のサンシャインシティに行って、おいしい居酒屋料理とお酒を食べ歩きました(笑)！ とても美味しかった（笑）！！

Stone:  そうですね。今回の日本ツアーでは、いくつかの素晴らしいライブハウスを訪れましたし、SYNCHRONICITYでは他の素晴らしいバンドのパフォーマンスも観ました。 観客の多様性と熱心さに感銘を受けました。 ほとんどのイベントとインタビューが渋谷近辺だったので、数日かけて渋谷を深く探索しました。 賑やかな通りは活気があって、よく道に迷ってしまったよ。（笑）

Yi Jen：私はSYNCHRONICITYの会場のすぐそばにある任天堂ショップに行きました。 また、海外ではなかなか見ることのできないヴィンテージの雰囲気を楽しむために、いくつかの「喫茶店」にも行きました！！

Coco: 今回は、日本の友人たちが温かく迎えてくれました。ライヴにたくさんの人が応援に来てくれただけでなく、スタッフが私たちと他のパフォーマーを独特の雰囲気のレストランに連れて行ってくれました。 みんなで熱唱したことが印象に残ってます。 本当に貴重で大切な思い出でした！！

ーーHuan Huanの今後の予定はどうでしょう？  近い将来、アルバムやEPをリリースする予定は？

Coco:  次のアルバムのコンセプトはすでに大まかな方向性が決まっています。 2025年に3枚のシングルをリリースした後、創作の勢いを維持したまま、フルアルバムの準備を始めたいと思っています。

ーー今、台北ではどんな音楽が流行っていますか？　また、この街の魅力は何でしょうか？？

 Baozi:  台北では、あらゆる音楽がそれぞれのファン層を持っています。 世界的なトレンドと同じように、ヒップホップやK-POPは今でも人気があります。また、日本的な音楽も昔から根強い人気がありますね。

私が台北の街に最も惹かれるのは、その多様性と温かさなのです。 オープンマインドな雰囲気は、あらゆる文化的要素を受け入れてくれるし、お店のオーナーも市民もとても親切だ。 それがこの街の一番好きなところですね。

Stone:  台北(タイペイ)はサブカルチャーが盛んな街で、それぞれのグループが好みのジャンルを持っているというBaoziの意見に賛成です。 また、最近、どうやら大学生の間でシューゲイザーがじわじわと人気が出てきているようです。なんだか学生時代に戻ったようで驚いています。（笑）

ーー最後に、ファンファンの活動からしか得られないものを挙げるとしたら？

Baozi： ファンファンというバンドは、誰にでもいる優しい友達のような気がします。 悩みを打ち明けたとき、すぐにどうしたらいいか教えてくれるのではなく、ただ一緒にいて、話を聞いてくれて、一番必要な慰めをしてくれる。

私たちが心の優しい声を歌うのは、聴く人にとって唯一無二の慰めであってほしいと願っているからです。 この特別な優しさこそ、ファン・ファンならではの魅力だと思います。

Coco: 私たちは、オープンで思いやりのある精神で物事に取り組み、私たちの音楽が聴く人に癒しの感覚を提供できることを願っています。

Stone: 長い年月を経て、今のファンファンには私たち4人の自然で純粋な面がより多く反映されていると感じています。 壮大さを装う必要はなく、ただ正直に自分たちを表現し、分かち合っている。 これからも、このような雰囲気を世界の隅々まで届けていきたいと思っています。

Yi Jen：内向的で率直な友人。とても温かい仲間たち。

ーーありがとうございました。今後の活躍にも期待してます。また日本に遊びに来てください！！

Streaming: https://lirico.lnk.to/DDIP-3110

インタビュー: Music Tribune (Tokyo)

取材協力: (Meng: In Utero [Manager of Huan Huan])

Huan Huan is an alternative rock band based in Taipei. The band consists of vocalist Coco, drummer Yi Jen, bassist Stone, and guitarist Baozi. After changing members, the band has been releasing music since around 2017.

At the time of their debut, their music was mainly dream pop and shoegaze. Gradually, they have broadened their musical horizons and have incorporated post-rock, jazz, soul music, and Asian pop into their musicality.

Today, Fan Fan's music leans in a slower direction, blending folk and rock influences with Coco's clear, soothing vocals. Their diverse lyrics span Mandarin, English, and Taiwanese, allowing them to connect with audiences from different cultures. 

For his second album, "When The Wind Came Across," he incorporated elements of Motown and Soul. On the other hand, the song "That Afternoon" was the first time he tried Taiwanese lyrics. The album offers a golden, warm listening experience, bright yet gentle, like a quiet friend who accompanies you in your everyday moments. 

In 2025, the group further evolved with the release of three singles: the Taiwanese Fujian song "Words Unsaid," the Mandarin song "Afraid," and the cross-artistic collaboration "Fracture - To W." These pieces embody a calm core, yet continue to reach outward to explore new boundaries.

Since its formation in 2015, Huan Huan has stood out in the Mandarin music scene with its unique sound. In 2017, they released their debut single, "Huan Huan". Following the release of their EP "Charlie" in 2019, they garnered attention from local and international critics. Next, their performance at the music festival LUCfest caught the attention of international curators, leading to invitations to Motel Mozaïque in the Netherlands and MIL Festival in Portugal.

In 2020, Huan Huan released their debut album, Water Can Go Anywhere, which shifted away from the post-rock and shoegaze influences of their previous EPs to a healing sound that incorporated folk rock and dream pop. The track "I'd Better Be On Time" was featured on the Disney+ series "Small & Mighty," and the band collaborated with Sony on a live session of the song. 

The album also led to an offer for a physical release from Japan's Imperament Records and a live interview on Japan's TBS radio. Following the album's release, Fun Fun Fun was nominated for "Best New Artist" at the 2021 Golden Indie Music Awards and performed virtually at international festivals such as Primavera Pro in Spain and Bangkok Music City in Thailand. He has performed virtually at international festivals such as Primavera Pro in Spain and Bangkok Music City in Thailand.(Via Official HP)

ーーThank you for taking the time to do this interview! How the band was formed?  Do you have a story about the formation of Huan Huan(緩緩)?

Huan Huan went through several lineup changes before gradually forming its current ensemble. It all started when vocalist Coco posted an online call for bandmates, hoping to play post-rock. 

The band name "Huan Huan" came to her while she was taking a shower—she felt it perfectly matched her extremely slow-paced personality. In 2019, drummer Yi-Chen joined, followed by guitarist Baozi. It wasn’t until the recording of their second album that bassist Stone became part of the band. Over time, the band’s musical style also evolved, shifting from post-rock to what is now a sound more akin to folk rock.

ーーWhat kind of music influences each member of the band?

Baozi: The music genres that have influenced me the most are Rock, J-Pop / J-Rock, Alternative Rock, Post Rock, and so on.

Coco: The music that has influenced me the most is probably Western indie music from the 1990s to 2000s, such as bands like Beach House, Daughter, Kings of Convenience, Wilco, and Big Thief.

Stone: The music that has influenced me the most is Black music, especially soul and jazz. I enjoy listening to classic tracks from the 1960s to the 2000s—artists like Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Jackson 5, D’Angelo, Erykah Badu, and others.

Yi Jen: I have been influenced by different music in my different ages, such as rock music during my teenage years, and then post rock or electronic music during my college years, and now I pretty like the grooves of Motown music or the vibrant improvisations in jazz music.

ーーI get the impression that in recent years you have been putting more effort into your live performances.  What do you consider important in your live performances?

Baozi: I think the most important part of a live performance is conveying the band's energy to the audience through both sound and visuals. When we plan our set, we want to create an experience that feels more intense and immersive than just listening to a CD or streaming. 

Because live shows allow for more direct interaction, we also want to express not only the band’s overall personality but also the individual characteristics of each member. That’s why, starting this year, we’ve included solo segments from each member to bridge between songs.

ーーHuan Huan has released two good singles 「Words Unsaid」and「Afraid」this year. Can you tell us more about these new songs from the band?

Baozi: “Words Unsaid” is Huan Huan’s second song in Taiwanese. Although the lyrics are quite sorrowful, we chose to express that sadness through a passionate, upbeat dance style, hoping it could serve as an outlet for listeners’ emotions. It’s also our fastest-paced track so far. Our vocalist Coco really likes Kings of Convenience, and we’ve always wanted to try blending folk with dance music. When we finally pulled it off, we were so excited and happy—though our hands were sore from playing it! (laughs)

Stone:「Afraid」continues Huan Huan’s signature warm and organic style over the years. Coco’s lyrics capture the most delicate, intimate emotions from deep within. I feel that both the songwriting and the performance embody a very 'Huan Huan' atmosphere.「Words Unsaid」is a new direction for us. While maintaining emotional depth, we incorporated more groove—something the live audience can really immerse themselves in. The response during the tour has been quite positive.

ーーYou guys had a tour in Japan this year. How did you feel about it? Did you do any sightseeing?

Baozi: Performing in Japan was both an exciting and nerve-wracking experience for us. We've always seen Japan’s music scene as extremely strong, so getting selected to perform at a major event like SYNCHRONICITY was a huge encouragement. 

We also had a smaller show at mono record in Shimokitazawa. When we saw that our music could cross language barriers and still bring healing and joy to Japanese audiences, it was a truly touching and validating moment. As for sightseeing, I went to Sunshine City in Ikebukuro and had a ton of delicious izakaya food and drinks—so good! (laughs)

Stone: During this Japan tour, we visited some great live houses and also watched performances by other excellent bands at SYNCHRONICITY. I was impressed by the diversity and engagement of the audience—it really felt like music is a way of life. Since most of our events and interviews were around Shibuya, we spent several days exploring the area in depth. The bustling streets were so vibrant that I often got lost (laughs).

Yi Jen: I went to Nintendo store in Shubuya just right beside our venue in SYNCHRONICITY because I’m a fan of their game “Pickmin Bloom”. We also went to several “kissaten” to enjoy the vintage vibe that we can hardly find outside of Japan!

Coco: This time, we were warmly welcomed by our friends in Japan. Not only did many people come to our shows to show their support, but the staff also took us and other performers to dine at restaurants with a unique atmosphere. Everyone sang together enthusiastically—it left a deep impression on me. It’s truly a rare and cherished memory!

ーーWhat are Huan Huan's plans for the future?  Any plans for releasing an album or EP in the near future?

Coco: The concept for the next album already has a rough initial direction. After releasing three singles in 2025, we hope to maintain our creative momentum and begin preparing for the full album.

ーーWhat kind of music is popular in Taipei now?　And what do you think is attractive about this city?

Baozi: In Taipei, all kinds of music have their own fan bases. Just like global trends, hip-hop and K-pop are still really popular, but Japanese-style music has always had a strong following here too. What attracts me most to Taipei is its diversity and warmth. 

The open-minded atmosphere allows all kinds of cultural elements to thrive, and both shop owners and everyday citizens are incredibly kind. That’s what I love most about the city.

Stone: I agree with Baozi’s observation that Taipei is a city where subcultures thrive, with each group having its own preferred genres. Recently, I’ve noticed that Shoegaze music is gradually becoming popular among university students, which surprises me—it almost feels like I’ve gone back to my college days (laughs).

ーーFinally, if you had to name something that you can only get from Huan Huan's activities, what would it be?

Baozi: I think Huan Huan as a band feels like that one especially gentle friend we all have. When you share your worries with them, they won’t immediately tell you what to do—they’ll just stay with you, listen, and offer the comfort you need most. The way we sing the softest voices of the heart is something we hope is uniquely comforting to our listeners. I believe that this special kind of tenderness is Huan Huan’s most unique charm.

Coco: We approach things with a spirit of openness and compassion, and we hope our music can offer a sense of healing to those who listen.

Stone: After all these years, I feel that Huan Huan now reflects more of the natural, genuine sides of the four of us. We don’t need to pretend to be grand; we just honestly present and share ourselves. Moving forward, we want to keep bringing this kind of atmosphere to every corner of the world.

Yi Jen: An introverted an candid friend, a warm company.

ーThank you so much. We look forward to seeing your future activities. Please come visit  in Japan again!

Interview : Music Tribune (Tokyo) 

Special Thanks To:  Meng(In Utero [Manager of Huan Huan])

Interview：　Celestial Trails　　　2ndアルバム『Observation of Transcendence』の制作を回想する　　ハワイ/サンフランシスコでの体験をもとに考案される

サンフランシスコを拠点とするアンビエントミュージック・プロジェクト、セレスティアル・トレイルズ（Celestial Trails）は、2024年のデビューアルバムに続いて、2ndアルバム『Observation of Transcendence』を先月リリースしました。このアルバムは、制作者の地元であるシスコ、旅行地のハワイの2箇所でレコーディングが行われ、フィールド録音が含まれています。

エレクトリックというよりも環境音楽に傾倒したサウンド。鳥の声や波音のサンプリングが入ったり、シンセによるモーフィングされたパッドでコーティングされている。アルバムの二曲目「Pacific In Tender Motion」では賛美歌のように精妙なシークエンスが登場します。昨年、制作者が明かしたように、”音楽の波の流れを作る”というコンセプトがより現実的に。セレスティアル・トレイズの環境音楽は癒やしをもたらし、そして思索的な主題が盛り込まれています。

今回、簡単にプロデューサーにセカンドアルバムの魅力についてPRしていただきました。 その中には”人間と自然の共存”という未来への提言が織り込まれている。下記よりエピソードをお読みください。

 

ーーまず、先月リリースされた『Observation of Transcendence』の制作コンセプトとレコーディングの過程について教えてくださいますか。

デビュー・アルバム『Celestial Trails』がリリースされるとすぐに、次のアルバムのことを考えていました。 『Observation of Transcendence』のコンセプトは、ハワイを訪れている間に具体化し始めました。インスピレーションの源は太平洋、その静けさ、広がり、そして環境音楽の伝統から学んだ水辺で感じる深い落ち着きでした。

このアルバムには私の作曲した曲が収録されています。そのなかでも『Rapture of Deep Blue』は私が最初に書いた曲で、その後の全般的な制作プロセスの土台となりました。 もうひとつの重要なレイヤーはフィールド・レコーディングでした。 カリフォルニアの海岸沿いやハワイ諸島の自然をゆったりとハイキングしながら、波や鳥や風をサウンド・レコーダーに収めました。さらに、 鏡の反対側は、ドローン、テクスチャー、サウンドスケープといった音の建築物です。

ーーアルバムのタイトルは作品の評価すら規定してしまう時があるようです。新作のタイトル「超越の観察」はルネ・デカルト風の哲学的な意味合いがありますね。 なぜこのタイトルを選んだのでしょうか。

アンビエント・ミュージックを作る人、聴く人なら誰でもこの感覚を知っていると思います。 リスナーや作曲家という観察者がいて、それはあなた自身で、観察されているのは音楽なのです。  音楽を集中して聴き続けていると、観察者が消え、観察という経験だけが残る瞬間が来ます。

その瞬間、あなたはもう存在せず、音楽さえも存在しません。 存在するのは、音楽とのつながりだけで音楽と完全に一体化している。 これは素晴らしい瞑想体験ではないでしょうか。このアルバムは、これらすべての超越的なアイデア、超越的なコンポジション、超越的なサウンドの集合体なんです。

ーーあなたのセカンドアルバムには、ハワイでのフィールドレコーディングが含まれていますよね。ハワイでのレコーディングはどうでしたか。滞在中に印象的な体験はありましたか。

私にとってハワイは本当にスペシャルな場所です。 そこにある太平洋は、自分の中に深く響いてくる。 豊かな自然に囲まれて、心が軽くなることが多かったですね。

印象的な瞬間はたくさんありましたが、ひとつ印象に残っている出来事があります。 ハイキングの途中で休憩をとり、穏やかな気持ちになっていると、突然、強い風が木々の間を吹き抜け、数粒の軽い雨粒が顔に触れ、数秒後に太陽が戻ってきた。 儚く美しい瞬間で、楽しい状態の中で火花を散らしたみたいでした。 その思い出をわすれないように詳細に日記に書いたくらいでした。

それから地元のサンフランシスコに戻ったとき、その経験を音楽にしたいと思い、『Pacific in Tender Motion』の構想が固まりました。

ーーさらに、アルバムの中には、波の音と太陽の光を描写するような録音を見つけることが出来ました。これは描写的な音楽かもしれないと思いました。 あなたはどうお考えですか？

その通りです。 このアルバムの各トラックは、海辺の晴れた日を反映したもので、作曲、録音、編集、ミキシングのプロセスは一種の瞑想に近かった。 観察すればするほど、現在の地点にとどまることができる。 意識的に観察することを選択すると、いつもより多くのディテールが現れます。

時には、音そのものが棲むべき空間になることもありました。 例えば、サンフランシスコのサトロ山でフィールド・レコーディングをしていたとき、私はただ注意を向けるだけで、キツツキが発するいくつかの音に初めて気づきました。 私たち人間の未来は、自然を守り、周囲の世界に耳を澄ませ、注意して行動することにかかっているでしょう。

ーープレスリリースの中で、吉村弘のような日本の環境音楽家のパイオニアからの影響についてさりげなく触れていますね。アルバムのどんなポイントに彼らの影響が表れていると思いますか。

これらの影響は、おそらく私のトラック 「Peace」で最もはっきりと聴くことができると思います。 繰り返しのパターンが全編を貫いている一方で、ハープは2秒ほど1度だけ登場する。 同様に、ハチがサウンドスケープを一度だけ通過し、短いながらも印象的に現れます。

私が日本のアンビエント・ミュージックを好きになったきっかけは小久保隆でした。特に彼の「イオン・シリーズ」が一番好きですね。そこからさらに多くのアーティストを探求するようになって、やがて吉村弘の音楽に出会いました。 それがきっかけで、細野晴臣、磯田健一郎、芦川聡をはじめとする、その他の環境音楽の重要人物の作品に深く入り込むようになりました。

ーーずばり、セカンドアルバム『Observation of Transcendence』の聴きどころはどんな点にありますか？

私は太平洋に面した街サンフランシスコに住んでいます。太陽の光と自然、そして人々の温かさに囲まれて日々暮らしています。 とても幸運なことに、私は海の存在を直接体験することができました。このアルバムを通して、その一部をリスナーの皆さんと分かち合いたいと思ってます。

私たちは、ストレスの多い不確かな時代を生きています。そして、そのような時代こそ、内なる平和をいちばん必要としているんです。 このアルバムは、リスナーが穏やかさと回復力を取り戻す手助けをすることを意図しています。じっくりと耳を澄ますことで、サウンドスケープの中にある微妙な構造を捉えることができ、それが''超越の思考''を刺激することを願っています。

ーーお忙しい中、お答えいただき、ありがとうございます。今後のアクティビティにも期待しております。

 

 

【Episode in English】 

ーーFirst, could you tell us about the concept behind the production of “Observation of Transcendence” and the recording process?

 

As soon as the debut Celestial Trails album was released, I already found myself thinking about the next record. The concept for Observation of Transcendence really started to crystallize during my visit to Hawaii.

 

ーーThe inspiration is the Pacific Ocean, its tranquility, expansiveness, and the deep sense of calm I feel by the water, drawing from the tradition of environment music.

 

The album features my compositions, with Rapture of Deep Blue being the first piece I wrote and the foundation for what followed. Another layer is the field recordings. I captured waves, birds, and wind along the California coast and across the Hawaiian Islands during my nature hikes, on my sound recorder. The other side of the mirror is the sonic architecture: the drones, textures, soundscapes.

 

ーーSometimes the title of an album determines the evaluation of a work. The title of your new album, “Observations of Transcendence,” has a philosophical connotation in the style of René Descartes. Why did you choose this title?

 

Anyone who makes or listens to ambient music knows this feeling.  There's this observer, the listener or the composer, that's yourself, and the thing that is being observed is music.  As you keep on listening to music there comes a moment in which the observer disappears and there's only the experience of observation left.

 

You don't exist anymore, even the music doesn't exist anymore. The only thing that exists is your connection to the music or you'll be coming one with the music. It is this great meditative experience. The album is a collection of all these transcendent ideas, transcended compositions and transcendent sounds.

 

ーーYour second album includes field recordings in Hawaii. How did you feel about recording there? Were there any memorable experiences during your stay?

 

Hawaii is a truly special place. The Pacific there resonates deeply within you. Surrounded by an abundance of nature, I often felt very light.

 

There were many memorable moments, but one stands out. During a hike, we took a break, and I was feeling very peaceful. Suddenly, a strong wind swept through the trees, a few light raindrops touched my face, and then, just seconds later, the sun returned. It was a fleeting, beautiful moment,  like catching sparks in an already joyful state. I held onto that memory, even journaled it in detail.

 

When I returned to San Francisco, I wanted to translate that experience into music. That’s how Pacific in Tender Motion came to life.

 

ーーFurthermore, in this album, I found recordings that seem to describe the fresh sound of the waves and the fresh light of the sun. I thought this might be descriptive music. What do you think??

 

Exactly. Each track on this album reflects a sunny day by the ocean, and the process of composing, recording, editing, and mixing them was a form of meditation. The more I observe, the more I stay in the present. Whenever I make a conscious choice to observe, more details appear.

 

Sometimes, sound itself becomes a space to inhabit. For example, while field recording on Mount Sutro in San Francisco, I noticed some sounds woodpeckers make for the first time, simply by paying attention. Our future as humans depends on protecting nature, listening closely to the world around us, and acting with care.

 

ーーIn press release, you mentioned the influence of pioneering Japanese environmental musicians such as Hiroshi Yoshimura. Where in the album do you see their influence represented?

 

You can probably hear these influences most clearly in my track "Peace." Repeating patterns run throughout, while the harp appears only once for about two seconds. Similarly, a bee passes through the soundscape just once, making a brief but memorable appearance.

 

My love for Japanese ambient music began with Takashi Kokubo, especially his Ion Series, which I love the most. From there, I started exploring more artists and soon discovered Hiroshi Yoshimura, whose music was a revelation. That led me to dive deeper into the works of Haruomi Hosono, Kenichiro Isoda, Satoshi Ashikawa, and other key figures in environmental music.

 

ーーWell, what do you hope listeners will enjoy most about the second album?

 

I live in a city by the Pacific, surrounded by sunlight, nature, and the warmth of its people. I've been fortunate to experience the ocean’s presence firsthand, and through this album, I hope to share a piece of that with listeners.

We are living through stressful and uncertain times, and it’s in these moments that we need our inner peace the most. This album is meant to help listeners reclaim that sense of  calm and resilience. By listening closely, you can catch the subtle structures within the soundscapes, which I hope will inspire thoughts of transcendence.

ーーVery thank you for taking the time to answer.  And looking forward to your activities in the future! 

Photo: Fabrice Bourgelle

Dominic J Marshall(ドミニク・J・マーシャル)は、ロンドンを拠点に活動するUKジャズシーンを担う音楽家です。ピアノやシンセの演奏を得意とし、電子音楽とジャズの融合を図るニュージャズ/クロスオーバージャズの演奏家として知られています。音楽性もきわめて幅広い。スタンダードジャズから電子音楽、ネオソウル、ヒップホップをしなやかなジャズに仕上げています。

 

今年2月7日に発売されたニューアルバム『Fire-breathing Lion』は、完全なインディペンデントの作品として制作されました。ニュージャズの範疇にあるアルバムでJaga Jazzistを彷彿とさせる曲もある。音質は粗いですが、ミュージシャンのマルチタレントの才覚が全編に迸っています。

「私がすべての楽器を演奏したソロアルバムです」とマーシャルは説明しています。「このアルバムは、全曲を私が作曲し、セルフ・プロデュースした。アコースティック・ピアノ、エレクトロニック・ドラム、シンセ・ベース、ムーグ・メロディ、ベース・ギター、フェンダー・ローズがパレットの大部分を占めている」 

 

これまで、ドミニク・J・マーシャルの音楽は、ロンドンのジャズ専門誌やBBCを中心に称賛を受けてきた。2013年のアルバム『Spirit Speech』は彼の出世作の一つであり、「繰り返し聴く価値のある、想像力豊かで個性的な素晴らしいアルバム」（LondonJazzNews）と評されたほか、ジェイミー・カラム、ジル・ピーターソン、ジェズ・ネルソンによって満場一致で賞賛されました。その年のBBC Introducing Live、マンチェスター・ジャズ・フェスティバルに出演しました。

2015年、ドミニクは、イギリスのニュージャズ・グループ、”The Cinematic Orchestra(ザ・シネマティック・オーケストラ)のピアニストとして活動を始めた。モントルー・ジャズ・フェスティバル(スイス)、グラストンベリー・フェスティバル、サマー・ソニック、ブリクストン・ジャズ・フェスティバル、ブリクストン・アカデミー、ロイヤル・フェスティバル・ホール、ロサンゼルスのウォルト・ディズニー・コンサートホールなど、世界的なフェスティバルや会場で演奏しています。

 

高い評価を得たアルバム『To Believe』のヒットナンバー「Lessons」は彼の代表曲でもある。さらに、ドミニクのヒップホップ・カヴァー・アルバム『Cave Art』は、KMHDの2015年ジャズ・アルバム・トップ10に選出されています。''UK Vibe''は、2016年の『The Triolithic』について、「高い評価に値する、とても愉快で爽やかなオリジナル・アルバム」と評しています。2017年のビートテープ『Silence's Garden』は、Acorn Tapesで完売し、Bringing Down The Bandは次のように振り返っています。「これらのトラックには素晴らしいヴィンテージ感が込められている」

今回、アーティストから貴重なお話を伺うことが出来ました。また、その中では、日本文化についてのご意見を簡単に伺っています。お忙しい中、お答えいただき本当にありがとうございました。

 

 

Music Tribune:   今回のアルバム『Fire Breathing Lion』は、前作に比べると、エレクトロニックとジャズの融合に重点を置いているようで、スタイルが大きく変わりました。なぜこのような音楽の方向性を選んだのでしょう？ 

ドミニク・J・マーシャル：作曲するときにスタイルについてあまり考えていないことは認めるけれど、君の言う通り、『Fire-breathing Lion』と前作との間には大きな変化がある。 新しい作品は、より神話に関連しているんだ。

 

僕が音楽の好きなところのひとつは、意味を伝えるのに言葉を必要としないことだ。 おそらく、言葉がないほうが多くのことを伝えられる。 アルバムを制作しているうちに、そのテーマが意識的というよりも "無意識的 "であることに気づき始めた。 できるだけ深く泳ぎたかったし、歌詞は空気でできているから、いつも表面に浮いてくる。 歌詞と神秘主義は親友ではないと思う。

ーーこのアルバムの制作過程について教えてください。どのように録音しましたか。また、作曲、レコーディング、演奏全般で最も重要な点は何でしたか？

 

マーシャル：　制作においては決まりのようなものは作らなかった。 ドラム・パートのほとんどは、ポケットに入るような小さなドラム・マシンを使って、街をぶらぶらしながら作ったんだ。 「メフィストフェレス」は夜中にラップトップで書いた。 

 

「Fairy Business(フェアリー・ビジネス)」はピアノの即興曲で、ライブの後、朝一番に書いた。 まだ半分眠っていた。 「Cross the Dell(クロス・ザ・デル）」はベースを手に入れたときに書いた。 最初に弾いたのがこのベースラインだったから、あのエキサイティングな感じが生まれたんだ。 

 

「Lysianassa（リシアナッサ）」は、好きだった女の子に好きになってもらえなかった話だ......。ものすごくありふれた話なんだけど、アルバムを書くには少なくとも1つはそういうものが必要になってくる。 いくつかのグランドピアノのパートを除いて、レコーディングはすべてロンドンの僕のアパートで行った。 私は自宅で8本の植物を育てているので、私が作ったものが良いものかどうかは、彼らが成長し、健康に見えかどうかでよくわかるんだ。 

 

ーーアルバムのためにハービー・ハンコック、モーリス・ラヴェル、デヴィッド・リンチからインスピレーションを得たそうですね。具体的に彼らからどのような影響を受けましたか？

 

マーシャル：ハービーの70年代のアルバムは私の人生を変えたんだ。 もろんチック・コリアもそうだよ。 この2人のおかげで、学生時代にはすでにミュージシャンになろうと心に決めていた。

ラヴェルについては思い入れがかなり深い。つい1年前、私は音楽を「諦めて」普通の仕事に就こうとしたことがあった。 何年も前に手に入れたラヴェルのピアノ曲集を夜な夜な弾く以外、あまり幸せは訪れなかった。 その本を開くたびに、音楽が私を呼び戻してくれるのを感じた。 プレッシャーを与えるような感じではなくて、「必然」のような感じだったよ。 ラヴェルが "呼吸を諦めるのと同じように、音楽を諦めることはできない "と言っているように聞こえたんだ。

 

デヴィッド・リンチの作品には、答えのない問いがたくさんあった。 多くの監督は彼の真似をしようとするが、すべての疑問に答えることができず、挫折してしまう。

例えば、 私は『ツイン・ピークス』に登場するクーパー捜査官が大好きだ。 私にとって、デイル・クーパーは、生きとし生けるものすべてが人生を通じて謎の軌跡をたどることを象徴している。本当に決心すれば、実際にいくつか解決することもできるが、常に事実よりも謎の方がはるかに多い。 それが宇宙の法則でもある。 事実が謎を上回った日には、宇宙は崩壊するだろうね。 

ーー自分もピアノを弾いていて、ラヴェルもよく演奏します。こういった曲を何も考えずに弾いていると、日常の細かいことを忘れて本来の自分に戻れる。そういう経験ができるのは本当に素晴らしい。偉大なミュージシャンの多くは、音楽を人生そのものにしていると思います。 

マーシャル: ラヴェルを演奏するのはすごい。ラヴェルの曲は簡単じゃない。 それでも、たった1ページから学ぶことがたくさんある。彼はグランドマスターだ。そうだね、君の言うように、音楽は生き方なんだ。 人生とは別の独自のルールがある。 そう考えるとちょっと怖いね。 あまり考えないようにしているよ！！

ーーさて、あなたのアルバム『Fire Breathing Lion』を聴くとき、リスナーに気をつけてほしいことはありますか？

 

マーシャル：理想的なのは、彼らが自分の内面を見つめることだろうね。 でも、もし彼らが外に耳を傾けたければ、鍵を探すことになるのでは......？ そのためのヒントはたくさんあるはずだから。

ーーこれまであなたはモントルー・ジャズ・フェスティバルやグラストンベリー、サマーソニックなど、世界的な音楽フェスティバルに出演してきました。今後出演してみたいイベントはありますか？

 

マーシャル： 自分のバンドで日本でライヴをやってみたいと思っているよ。 

間違っているかもしれないけど、日本はとても文化的な場所のように思える。 僕は小さい頃から日本の文化に興味があった。昔、家に留学生が英語を習いに来ていたことがあった。 その留学生が僕と弟にゲームボーイを持ってきてくれた。 その瞬間から、私は熱狂的な任天堂ファンになったんだ。

ーーゲームボーイはなんのソフトをやったの？

マーシャル:  その留学生はゲームボーイと一緒にスーパーマリオブラザーズ3を持ってきた。 あのゲームは難しすぎた！ クリアしたことはなかったと思うけど、ラスボスまでは行ったよ。 特にゼルダは音楽と寺がたくさんあったからね。 その後、ゼルダの伝説、ディディー・コング・レーシング、コンカーのバッド・ファー・デイ、大乱闘 スマッシュブラザーズがお気に入りだった。 

ーー今後のアクティビティの予定について聞かせて下さい。

 

マーシャル：実のところ、今のところはまったくわからない......。 すべてを売り払ってヒマラヤに引っ越したいと思う日もあれば、道行く人に気まずい質問をするテレビ番組を始めたいと思う日もある....... (笑）。 

 

でも、しばらくはロンドンでギグをこなす予定だ。というのも、音楽をやっているときが一番生きているように感じられる。 幸いなことに僕の周りには一緒に演奏できる素晴らしいミュージシャンがたくさんいるからね。

 

Photo: Sahil Kotwani

 

 

 最新アルバム『Fire-breathing Lion』のご視聴はこちらから。

 

 

・メディアや著名人からの反応

 ''陽光を呼び起こすビート''-テレグラフ紙

"彼は過去の偉大な遺産と同時に、とても新鮮で新しいものをもたらしている"-ジェイミー・カラム

"マーシャルは不気味の谷に飛び込み、その中で戯れ、不遜なウィットと神聖な優美さでこのジャンルに新鮮な道を開く"-オーケープレイヤー

''彼はピアノのヴィルトゥオーゾと呼ぶにふさわしい'' -ジャムズ・スーパーノヴァ

【Episode In English】

 

--This album, Fire Breathing Lion, seemed to focus more on the fusion of electronic and jazz, compared to the previous album, the style has changed significantly. Why did you choose this kind of musical direction?

Dominic J Marshall:  I admit I don’t give much thought to style when I’m composing, but you’re right, there is a big change between Fire-breathing Lion and my last album. The new pieces are more related to mythology. 

 One of the things I love about music is that it doesn’t require words to convey meaning. 

 Arguably, you can say more without words. As I was producing the album, I started to realise its themes were more “unconscious” than conscious, so I would have to keep it instrumental. I wanted to swim as deep as possible, and lyrics always float to the surface, because they are made of air. I guess lyrics and mysticism are not best friends.

--Can you tell us about the production process of this album? How did you record it? And what were the most important aspects of your compositions, recordings and performances in general??

Marshall: There’s definitely no formula. I made most of the drum parts when I was out and about in the city, on a little drum-machine that fits in your pocket. 

 “Mephistopheles” I wrote on my laptop in the middle of the night. “Fairy Business” was a piano improvisation, first thing in the morning after a gig. I was still half asleep. 

 “Cross the Dell” I wrote when I got my bass guitar. The first thing I played on it was that bassline, which is why it has that excitable feel. 

 “Lysianassa” was about a girl I liked who didn’t like me back - kind of cliché but you need to have at least one of those to write an album.

 Except for a few grand piano parts, all the recording was done at my flat in London. I have 8 plants, so I can tell if what I’m making is good because they grow and look healthier. 

--You drew inspiration from Herbie Hancock, Maurice Ravel and David Lynch for this album, what specific impacts have they had?


Marshall: Herbie’s 70s albums changed my life. The same goes for Chick Corea. Between those two, I already knew I was going to be a musician when I was at school.
 

 Ravel: A year ago I had attempted to “give up” music and get a normal job. It didn’t bring me much happiness, except sometimes in the evening I’d play this Ravel piano book I got years and years ago. 

 Whenever I opened that book, I felt music calling me back. Not in a pressurising way, but more in an ‘inevitable’ kind of way. It sounded like Ravel was saying “you can’t give up music anymore than you can give up breathing.” 

 David Lynch had a lot of unanswered questions in his work. Directors try to imitate him, but they fall short because they can’t help answering all the questions. I love Twin Peaks, especially Agent Cooper. 

 To me, Dale Cooper symbolises how all living beings follow a trail of mysteries through our lives. If we’re really determined, we can actually solve a few, but there will always be more mysteries than facts. It’s just the law of the universe. The day facts outnumber mysteries, the universe will collapse. 

 

-- I play the piano myself on a daily basis, and I also play Ravel a lot. When I play these pieces without thinking, I can forget the details of everyday life and return to my true self. It's really wonderful to have that kind of experience. I think great musicians make music their very way of life. 

Marshall: That’s awesome you’ve been playing some Ravel. His music is not the easiest, as you probably noticed. But there is so much to learn from just one page. He was a grandmaster...

 Yeah, you’re right about music being a way of life. It has all its own rules separate from life. Kind of scary when you think about it. I try not to think about it too much!!

--What would you like listeners to look out for when listening to this album?
 

Marshall: Ideally, they will look inside themselves. But if they want to listen out, I guess listen out for the keys… ? There’s quite a bit of keys.

--So far you have performed at world-class music festivals such as the Montreal Jazz Festival, Glastonbury. Are there any other events you would like to perform at in the future?

 
Marshall: I would love to do some shows in Japan with my own band. I might be wrong but it seems like a very civilised place. I’ve been into Japanese culture since I was really young. 

 We used to have foreign students staying in our house who came over to learn English. They were my favourite foreign students because one brought me and my brother a Gameboy. From that moment on I was a diehard Nintendo fan. 

- What software did the Game Boy do?

Marshall: About the games, they brought "Super Mario Bros 3" with the Game Boy. That game was way too hard! I don’t think we ever completed it, but we definitely got to the final boss. Then later my favourites were "Zelda Ocarina of Time", "Diddy Kong Racing", "Conker’s Bad Fur Day", "Super Smash Bros". Especially Zelda because of the music and all the temples. 

-What are your plans for future activities? 

Marshall: To tell the truth I have absolutely no idea. Some days I wake up wanting to sell everything and move to the Himalayas, others I want to start a TV show asking people awkward questions in the street. In all likelihood though, 

 I’ll be in London doing my gigs, because making music is when I feel most alive. There are so many great musicians to play with here.

・Reactions from the media and celebrities

“Sunshine-evoking beats”-The Telegraph

“He brings together a great heritage of the past, but also something very fresh and new.”-Jamie Cullum

“Marshall plunges into the uncanny valley and frolics in it, investing a fresh path for the genre with irreverent wit and divine grace.”-Okayplayer

“He’s what you would call a piano virtuoso”-Jamz Supernova

 Interview:  Midori Hirano

 

Midori Hirano & Bruder Selke　©Sylvia_Steinhäuser

 

 

互いの異質さや存在感をぶつけ合うのではなく、逆に互いの最大公約数を見出し、そこにフォーカスする- Midori Hirano

 

 

ベルリンを拠点に活動するピアニスト、シンセ奏者、作曲家として世界的に活躍するMidori Hiranoは、２０２５年に入り、ポツダムの兄弟デュオ、Bruder Selke（ブルーダー・ゼルケ）とのコラボレーションアルバム『Spilit Scale（スピリット・スケール）』をThrill Jockeyから１月末に発表しました。エレクトロニック、チェロ、ピアノを組み合わせたアルバムで、スケールの配置をテーマに制作された。

 

らせん階段のように、GからAのスケールが配置され、旧来のバロック音楽、現代的なエレクトロニックのメチエを組み合わせ、変奏曲、連曲、組曲ともつかない、珍らかな構成を持つモダンクラシカル、エレクトロニック作品に仕上がった。Yoshimi O、灰野敬二、Boredoms、石橋英子をはじめとする、日本のアンダーグランドの象徴的な実験音楽家を輩出するスリル・ジョッキーからのリリースは、ミュージシャンにとって象徴的なレコードの誕生を意味するでしょう。

今年は続いて、ロシア出身でスウェーデンを拠点に活動するミュージシャン、CoH(Ivan Pavlov）とのアルバム『Sudden Fruit』がフランスのレーベル”ici,d'alleurs”から4月に発売予定。エレクトロニックとピアノの融合した、オランダのKettelを彷彿とさせるアルバム。また、アーティストは今年４月に日本でライブを行う予定です。こちらの詳細についてもご確認下さい。

 

今回、平野さんはご旅行中でしたが、『Spilt Sacale』の制作全般について、最近のベルリンの暮らしや政治情勢について教えていただくことが出来ました。お忙しい中、お答えいただき、本当にありがとうございました。今後の活躍にも期待しています。以下よりインタビューをお読みください。

 

 

ーー1月24日にコラボレーションアルバム『Spilit Scale』がThrill Jockeyから発売されました。この作品の大まかな構想についてあらためて教えて下さい。

平野みどり：　このアルバムの構想は最初にゼルケ兄弟から提案されたのですが、一曲ごとのキーを西洋音階のピアノでいうところの白鍵にあたるAからGまでに設定して作るというとてもシンプルなものでした。ですので、一曲目がA-Minorで始まって、最後にまたA-Minorで終わる形になっています。マイナーキーにするかメジャーキーにするかまでは決めてなかったのですが、互いの音楽の内省的な傾向が影響したのか、自然にFとG以外は全部マイナーキーになりました。

このアルバムは、全てファイル交換のみで制作したのですが、段取りを明確にする為に、A, C, E, Gは私発信で、それ以外のB, D, F, AAはゼルケ発信で始める事にしました。

アイデアとしてはとてもシンプルだし、新鮮さは特にありませんが、私は自分の作品を作るときはこんなに分かりやすいルールを決めてから始めるという事はあまりなかったです。私に取っては決められたルールの中で、彼らの作る音も尊重しながら、どれだけ自由に表現を広げられるかという点では、とても新鮮な試みでしたね。



ーーゼルケ兄弟との親交は、いつ頃から始まったのでしょうか？　実際に一緒に制作を行ってみていかがでしたか。

平野：　最初にゼルケ兄弟と知り合ったのは、彼らの拠点でもあるポツダムで主催している「Q3Ambientfest」というフェスティバルに呼んでくれたのがきっかけでした。2017年の春で、その年が彼らにとっても第一回目のフェス開催でした。その当時は彼らは”CEEYS”というユニット名で活動していましたが、数年前からブルーダー・ゼルケと名乗るようになっていました。

その後にも何度か同じフェスだけでなく、別の主催イベントにも対バンで何度も呼んでくれるようになって、それを通じて次第に仲良くなっていったという感じです。

 

それから2021年に彼らの”Musikhaus”というリミックスアルバムの為に、一曲リミックスを依頼されて制作したのですが、そのリミックスを気に入ってくれたみたいで、その後に割とすぐコラボレーションをしないかと誘われたのが、このアルバムを作る事になったきっかけですね。

 

最初に調性などのルールは決めたものの、それ以外は自分の直感に従い、自由に音を重ねていったように思います。ゼルケ兄弟の2人は本当に人が良くて平等精神に溢れた人達ですので、お互いに尊重するべきポイントもとても把握しやすく、最後まで気持ち良く作る事が出来ました。

ーー最新作ではピアノ、チェロ、シンセサイザーを中心にモダンクラシカル/アンビエントミュージックが展開されます。作曲から録音に至るまで、どのようなプロセスを経て完成したのでしょうか。

平野：　彼らが住んでいるポツダムから私の住むベルリンまでは電車で1時間弱と近いので、一緒にスタジオに入って録音する事も物理的には可能ではありましたが、３人のスケジュールを合わせるのはなかなか大変ですし、それぞれ自分のペースでゆっくり考えながら制作したいという思いもありましたので、先に話したように、全てファイル交換のみで仕上げました。途中、何ヶ月か中断しながらでしたが、2年ほどかけて丁寧に作りました。

 

録音したファイルは、毎回、4曲ずつをまとめてお互いに送り合って進めましたが、ファイルが往復した回数は2年の間で合計３回ぐらいだったと思います。

 

最終的な仕上げとミックスは私に任せるとゼルケ兄弟が言ってくれたので、最後の調整は私が1人で数ヶ月かけてやりました。最後の段階では曲によって10分以上あるものも多く、ちょっと長すぎるかなと思ったところを私の判断でいくつか切って短くしたり、さらに私が追加でピアノとパッド系のシンセを入れた曲も結構あります。

最終調整作業は、なかなか大変でしたが、結果的には満足のいくものに仕上がったと思っています。私は自分のソロでは結構実験的なアプローチで作っていたり、ピアノがメインの曲でもピアノの音自体を大きく加工して作ることも多いので、こんなに直球なモダンクラシカル的な作品をアルバム単位で作ったのは、私にとっては実は初めてかもしれませんね。

ーー今回のアルバムでは、ピアノ/シンセサイザー奏者が二人いるわけですが、それぞれの演奏パートをどのように割り振ったのか教えていただけますか？　また、ゼルケさんと平野さんの演奏者としての性質の違いのようなものはあるのでしょうか？

平野：　3人の中でチェロを演奏するのはセバスチャンだけなので、ここの割り振りは初めからはっきりしていました。ピアノに関してはダニエルと私で特別最初に申し合わせをした訳ではないのですが、ダニエルがピアノを弾いているのは「Scale C」と「E」だけで、それ以外の曲のピアノはほぼ全て私が担当しました。

最初に彼らから送られてきた曲のファイルにあまりピアノが入っていなかったので、あえて私の為に入るスペースを残してくれていたのかなとも思いました。逆に、私も自分発信の4曲の中の「Scale C」と「E」には、ダニエルがもしかしたらピアノを弾くかもしれないと思い、シンセしか使いませんでした。

段取りについては最初に明確にルールを決めたものの、楽器の割り振りについては毎回録音する度にお互いに探り合いをしながら、慎重に選んでいったように思います。最終ミックスの段階で、初めて何か足りないと思ったところを、私がシンセやピアノで一気に追加したような感じですね。

ピアノとパッド系のシンセや「Scale C」のイントロに出てくるようなデジタル感の強い音は主に私で、ダニエルはエレクトロニックパイプで控えめなノイズっぽい音と、時折シンセベースを出したりしています。

あと、「Scale AA」でのシンセのアルペジオもダニエルが演奏しています。アナログ機器とチェロの音がメインのゼルケ兄弟の音と、ピアノ以外ではデジタルシンセを多く使っている私の音をミックスするのはなかなか難しかったですが、その割には意外とうまくまとまったなと思っています。



ーー『Split Scale』は、インプロヴァイゼーション(即興演奏)の性質が強いように感じられました。トリオでの制作において、共通するイメージやコンセプトのようなものはありましたか。そして、そのイメージが通じる瞬間はありましたか？

平野：　ゼルケ兄弟も私も最初の録音の際には即興に近いスタイルで演奏したと思いますが、あとはお互いの音を聞きながら録音を重ねていっているのと、後から編集も結構加えているので、厳密に言えば、即興と作曲の中間のようなものです。

それでも、3人ともクラシック音楽のバックグラウンドがあるからなのか、ハーモニー構成の癖が似ている部分もあるかもしれません。ステージで一緒に演奏する時でもほぼ全部即興であるにもかかわらず、横も縦もはまりやすい。即興演奏として、それが面白いかどうかというと、人それぞれの意見があるとは思いますが......。でも、お互いの異質さや存在感をぶつけ合うのではなく、逆に互いの最大公約数を見出し、そこにフォーカスするような控えめな「即興演奏」を、私達はこの作品で繰り広げたのだと思ってますし、そこから生まれる美しさもあると思います。

 

 

Photo:Sylvia Steinhäuser

 

 

ーー最近のベルリンの生活はいかがでしょう？　現在の現地のミュージックシーンがどうなっているのかについてお聞きしたいです。

平野：　ベルリンに住んでもう16年が経ちますので、最初に引っ越してきた頃に感じていたような新鮮さは薄れかけていますが、私個人の印象では日本と比べると、風通しの良い人間関係を築きやすい気がします。そして、女性が自信を持って生きやすい場所だとも思えるところは変わらないです。ベルリンというのは、いろいろな人達が移住してきてはまた去っていく都市ですので、長く住んでいる身としては、たまに”部活の先生”みたいな気持ちになる事があります。

音楽シーンは変わらず活発です。地元のアーティストもそうですが、世界各地から頻繁にさまざまなミュージシャンがベルリンにツアーのために訪れますし、毎日のように、いつもどこかで大小様々なライブイベントが開かれています。運営側からすると、客取り合戦みたいになりがちです。それでも、この活発さがベルリンの特色だと思っています。例えば、エクスペリメンタル・ミュージックのような、ニッチなジャンルのイベントでも、日本の数倍規模の集客がある場合が多いです。そこはベルリンの文化助成が支えて育ててきた部分も大きい気がしますね。

とはいえ、2024年の暮れから、ベルリンの文化助成予算が大幅に削減される事になりましたので、少しずつ運営が難しくなるライブハウスやイベントも出てきているようです。当然、この政治的な変化に対する反対運動も大きく、今後どうなっていくのかなとは思っています。色々な意味で、今後、アーティストとして、どう生きていくかが問われてきているように思います。

ーー女性が自信を持って生きやすいということですが、日本や他のヨーロッパの国々と何か異なる文化的な背景や慣例があるのでしょうか？

 

 

平野： 私は、日本以外ではベルリンにしか住んだことがないので、あくまでも個人的な体感に過ぎませんが、ドイツのみならずヨーロッパは全体的に、社会における女性の存在感が大きいように思います。勿論、もっと厳密に分析すれば、北欧、東欧、西欧と南欧では、文化的背景がそれぞれ異なってくるため、一概には定義できませんが、自由と平等、人権の扱い方や平和構築など、いわゆる大義としての西洋の理念みたいなものは欧州全体で共有されているという実感はあります。

 

女性に限らず、男性同士でもおそらくそうだと思うのですが、日本に比べると年齢によって作られるヒエラルキーをあまり感じなくて済むし、何歳になったからと言って、こうであるべきだ、みたいな固定観念も無くはないんですけど、日本よりはその意識がかなり薄いという気がします。

 

また、メルケル元首相が、2005年にドイツで女性として初めての首相に就任し、その後16年も政権を築いてきたことも、ドイツにおける女性の地位向上を目指す気運をさらに高めたと思います。

 

 

それでも、3年ほど前にメルケルさんが引退してからショルツ首相に変わり、この数年の間に国際情勢も大きく変わってしまった。ドイツ政治崩壊の危機と言われてしまうぐらいに状況も変わってしまいましたが……。先に挙げた文化助成予算の削減もその一つの影響でしょう。今月下旬にドイツで総選挙が行われますが、移民排除を掲げた右派政党も台頭してきています。今まで”正義”とされてきた西洋の理念がドイツでも少しづつ揺らいできているように思います。

 

イタリアのメローニ首相もイタリア初の女性首相なのは喜ばしいことですが、相当の保守派で、ドイツの右翼政党AfDの共同党首も女性です。アリス・ヴァイデルという人物なのですが、この間、ヒトラーを擁護するような発言をし、ドイツのメディアがひっくり返るような大騒ぎでした。

 

 

ですので、女性が地位さえ持てば、かならずしも良い結果に繋がるとは私も思っていませんが、ジェンダーバイアスにとらわれず、一人一人の思想や資質が可視化されるような時代になってきているのだと思いますし、それはそれで社会としての一つの進歩に繋がっていると思います。

 

 

CoH&Midori Hirano Photo: Markus Wambsganss

ーー今年4月には、グリッチサウンドを得意とするロシア出身のエレクトロニック・プロデューサー、CoH（Ivan Pavlov）とのアルバムがフランスのレーベル”Ici d’ailleurs”からリリースされます。

 

さらに、同月に日本でのCoHとのライブも決定していますが、新作とライブについて簡単に教えていただければと思います。また、セットリストは決まっていますか。楽しみにしていることはありますか？

平野：　CoHのイヴァンとのアルバム「Sudden Fruit」は、ゼルケ兄弟とのアルバムと同じように途中中断しながらも、2022年から2年近くかけて、ファイル交換だけで完成させました。

 

私が仕上げをした「Split Scale」とは違って、次のアルバムでは、私が先にピアノとシンセだけで録音した全曲のファイルを一曲ずつイヴァンに送り、その後の仕上げは全てイヴァンにお任せでした。一曲だけ私の方でピアノを追加録音したものがあるくらいで、他の曲はファイルが往復する事なく、彼が私が最初に送ったピアノの全録音を再構築する形で出来上がっています。

 

ピアノの録音時に、各曲それぞれ、高音域、中音域、低音域と、いくつかのレイヤーに分割して録音したものを送っているので、イヴァンの方で、低音だけベースラインらしく人工的な音に作り変えたり、さらに、そこにビートが加えられたりしながらも、元のメロディラインやハーモニーは、最初の構想がそのまま生かされている場合が多いです。ですので、録音の時点では、BPMなどが明瞭ではなかったピアノの曲が、CoHの手を通して明確なBPMとグルーブが付与されたような感じになり、結果的にはとても上品でかっこいい作品になったと思いますね。

 

4月の日本でのイヴァンとのライブは私達にとって初めての経験となります。今頑張って準備中です。セットリストはライブ用にアレンジし直していますが、基本的にアルバムの曲を再現するような形でやろうと思っています。

 

イヴァンがラップトップ（PC）、MIDIコントローラー、私がピアノを担当するという、シンプルなセットアップですが、シンプルなので、原曲のハーモニー感とリズミックなパートが実際のステージで映えて聴こえると理想的であると考えています。おそらく、2月中には、ツアーの詳細を発表できる予定です。また、京都の公演では、ロームシアターのノースホールでマルチチャンネルシステムを使用してのライブになりますので、とてもスペシャルな体験になりそうです。

 

ちなみに、ゼルケ兄弟とも、そのうち日本でライブが出来ればと考えています。こちらのセットは使用する楽器の数が多くなりそうです。CoHとのセットのように、フットワークを軽くとはいかないかもしれませんが、ロジスティック（輸送）の問題さえクリアできるならいつか実現したいですね。

 

 

【アルバム情報】Brueder Selke & Midori Hirano 『Split Scale』:  Thrill Jockeyから１月２４日に発売

 

 

Tracklist:

1.Scale A
2.Scale B
3.Scale C
4.Scale D
5.Scale E
6.Scale F
7.Scale G
8.Scale AA 

 

「Scale A」

 

 

 

 

Midori Hirano & CoH 『Sudden Fruit』   マインド・トラベルズ・コレクション、Ici d'Ailleurs レーベル  2025年4月発売予定

陰で熟した果実のように、『Sudden Fruit(突然の果実)』は2人のアーティストのユニークな錬金術を表現している。

日本人ピアニストで作曲家の平野みどりと、CoHとして知られるサウンド・アーキテクトのイヴァン・パブロフ。 この2人のコラボレーションは、アコースティックとデジタルの間に宙吊りにされた作品を生み出し、自然と人工物が融合する繊細な瞬間をとらえ、まるで時間そのものが開花と消滅の間で逡巡しているかのようだ。

京都に生まれ、現在はベルリンを拠点に活動する平野みどりは、アコースティック・ピアノとエレクトロニック・テクスチャーがシームレスに融合した、ミニマルで幽玄な音楽を創作している。 坂本龍一の後期の作品（『Async』、『12』）に倣い、平野はクラシック音楽の伝統的な枠組みを探求、解体、再発明し、ピアノの一音一音を内省的で没入感のある旅へと変える。 彼女はまた、MimiCofという別名義で、よりエレクトロニックでアンビエントなテクノ／IDM志向の作品も制作している。 そのため、ミドリがイヴァン・パブロフと交わるのは、ほぼ必然的なことだった。

現在フランス在住のこのロシア人アーティストは、過去30年にわたるエクスペリメンタル・エレクトロニック・ミュージックの重要人物である。 数学と音響学のバックグラウンドを持つ元科学者のCoHは、外科的な鋭さを持つ自由な精神を持っている。 1990年代後半、前衛的で精密なポスト・テクノで頭角を現した後、グリッチに傾倒し、後に音響やアンビエント・サウンドを音の彫刻に取り入れた。 

ピーター・クリストファーソン（COIL）、コージー・ファンニ・トゥッティ、アブール・モガード（COH Meets Abul Mogard）とのコラボレーションや、ラスター・ノトーン、エディションズ・メゴといった高名なレーベルからのリリースは、アヴァンギャルドなエレクトロニック表現への彼の影響力と、コラボレーションにおける彼の卓越した能力の両方を裏付けている。

『Sudden Fruit』で、CoHと平野みどりは没入感のあるキメラ的な作品を発表した。 1曲目の「Wave to Wave」から、オーガニックとデジタルの微妙なバランス、自然の流動性、そして平野のピアノが体現する詩情と、イワン・パブロフの機械の低周波の重厚さが並置されているのが感じられる。 

アルバム3曲目の "Mirages, Memories "は、平野が奏でる一音一音が、ゆっくりとこの新しい空間に没入するよう誘う。 タイトル曲「Sudden Fruit」のように、アンビエントというよりインテリジェント・ダンス・ミュージック寄りの曲もあり、アルバムが進むにつれて、パブロフの音のテクスチャーは驚くべき物語性を発揮し、作品に思いがけない深みを与えている。

『Sudden Fruit』は、『Mind Travels』コレクションの理念と完璧に合致しており、ジャンルの枠を超え、分類にとらわれない。 調和のとれた共生の中で、平野みどりとCoHは、唯一無二でありながら普遍的なハイブリッド作品を作り上げた。 『Sudden Fruit』は大胆な音の探求であり、その領域に踏み込む勇気を持つ人々に深く共鳴することを約束する未知の領域である。

 

 

 

Midori Hirano：

 

京都出身の音楽家。ピアニスト、作曲家、シンセ奏者、そしてプロデューサーとして世界的に活躍する。現在はベルリンを拠点に活動している。”MimiCof”という別名義で作品を発表することもある。音楽的な蓄積を活かし、ドイツの電子音楽の系譜を踏まえたエレクトロニック、ポストクラシカルの系譜にある静謐なピアノ作品まで広汎な音楽を制作し発表しつづけている。　

平野みどりは、現代のデジタルサウンドをベースにし、モジュラーシンセを中心とする電子音楽、フィールドレコーディングを用いた実験的な作風で知られている。ピアノ作品としては、『Mirrors In Mirrors』（2019）、『Invisible Island』（2020）がある。ハロルド・バッドの音楽にも通じる澄んだ響きを持つ作品集。

 

2006年にデビューアルバム『LushRush』を発表。2008年、セカンドアルバム『klo:yuri』を発表し、TIME、BBC Radio、FACT Magazine（The Vinyl Factory)から称賛を受けた。２０００年代後半からベルリンに拠点を移し、ドイツのシーンに関わってきた。ベルリンのレーベル、Sonic Piecesから二作のアルバム『Minor Planet』、『Invisible Island』 を発表している。

平野みどりは、ソロ名義と別名義の作品を発表する中で、音楽という枠組みにとらわれない多角的な活動を行う。ドキュメンタリー音楽や映画音楽のスコアを制作し、著名なアートレジデンスに音楽作品を提供している。

ベルリン国際映画祭、クラクフ映画祭、SXSW映画祭で上映されたダンス・パフォーマンス、ビデオ・インスタレーション、映画音楽を担当した。2024年には、第40回ワルシャワ国際映画祭で初演された長編ドキュメンタリー映画「Tokito」のスコアを手掛けたほか、プレミアリーグのドキュメンタリーのサントラも制作している。Amazonで配信されたフットボールのドイツ代表に密着したドキュメンタリーの音楽も手掛けおり、ドイツ国内では著名な音楽家と言える。

 

さらに、リミックス作品も数多く手掛けている。Rival Consoles（Erased Tapes)、Robert Koch，Foam And Sand、Liarsなどのリミックス制作し、プロデュースの手腕も高い評価を受けている。

Interview:  Kenji Kihara　　アンビエント制作について語る　　地域コミュニティへの還元を重視する姿勢

Kenji Kihara アーティスト様からのご提供

 

Kenji Kihara（木原 健児）は、日本のエレクトロニックプロデューサー。現在、伊豆を拠点に活動しています。アンビエント、環境音楽、BGMの制作を得意とし、ソロ名義での電子音楽を中心に発表しています。『Hayama Ambient』、『Izu Ambient』、『Soothe & Sleep』を始めとする代表作を擁する。

 

また、ソロ活動の傍ら、宮内遊里との共同プロジェクト、”BGM LAB.”に取り組んでいます。

このプロジェクトでは、よりBGMに重点を置いたサウンドを追求。その他、CM音楽や館内BGMなど、他の媒体に向けて音楽を制作している。

 

今回、アンビエント制作全般について、『Izu Ambient』を始めとするシリーズ、さらにフィールドレコーディングに関して、貴重なご意見を伺うことが出来ました。 制作者は地域のコミュニティへの還元を重視し、従来のミュージシャンとは異なる概念を活動を通じて提示する。ミュージシャンが社会的にどのような存在であるべきか、彼は模範的な姿勢を示そうとしています。

 

ーーまずはじめに、アンビエントというジャンルに興味を持ったきっかけについて、お聞かせください。

キハラ・ケンジ:  きっかけは定かではないのですが、しいて言うのであれば、「Mother2」の「eight melodies」という曲が私の中のアンビエント作品として今もベースになっている気がします。（正確にはアンビエントではないと思いますが......）あとは、Aphex Twinの『Ambient Works』にはとても影響を受けました。「アンビエント」という名前を意識したきっかけだったかもしれません。

ーー「Mother」シリーズ(編注1)は、高木正勝さんも影響を受けたそうなんですが、電子音楽を制作するためのヒントのようなものが何かあるのでしょうか。

キハラ・ケンジ:  今でも「Mother」の音楽は聴くのですが、なんでこんなにも魅力的なのかよく考えます。まだ、私の中では答えが出ていないですね。

ーー木原さんの作品の中には「Hayama Ambient」というシリーズがありますね。葉山は、三浦半島の風光明媚な美しい町ですが、この土地とのつながりについて教えていただければと思います。

キハラ・ケンジ:  結婚を機に葉山に住みはじめました。現在は伊豆に居を移しましたが、今でも時々訪れています。思い出も多くとても好きな町です。そこでフィールド・レコーディングをするのがライフワークのような形になりました。

ーー全般的な作風を見た上で、木原さんのアンビエントはヒーリング・ミュージックに近い音楽性を感じますが、こういった作風に至った経緯について教えていただけますか。

キハラ・ケンジ:  アンビエント以外のジャンル全てにおいてですが、「穏やかで、心地よく、風通しの良い音楽」をコンセプトに楽曲を制作しています。心地よくいられる音楽を作っていたら、ヒーリングミュージックに近づいていったかもしれません。


ーー「ハヤマ・アンビエント」と合わせて「Soothe & Sleep」というシリーズにも取り組まれています。この作品のコンセプトや指針はどういった点にありますか。

キハラ・ケンジ:  タイトルの通り、眠る時や心を落ち着かせる時のために使う音楽を目的に制作しています。例えば、Bandcampでは、30分ほどかけて、音をゆっくりと変化させる作りになっています。心の移り変わりを感じたり、ときには、睡眠導入の一助になればと思っています。

ーー楽曲の最初のインスピレーションはどこからやってきますか。制作がどのように始まり、完成に近づいていくのか、ぜひお聞きしたいです。

キハラ・ケンジ:  自然やその時の天気だったり、身の回りの環境からインスピレーションを得ます。その時々ですが、フィールドレコーディングの音や、そのときに爪弾いたキーボードだったりギターの音などを起点とすることが多いですね。

制作に向かう時の自分の中の状態や周りの環境にあわせて、たとえば、心をゆっくり落ち着けたい時は「SOOTHE & SLEEP」シリーズのような曲、晴れて気持ちの良い時、その逆に曇りが続いて憂鬱な気分を変えたい時は、異なるアプローチから始まります。そんな形でスケッチした曲が大量にあって、ふとした時に曲が完成します。

ーーフィールド・レコーディングを行うときの楽しみについてはどうですか？

キハラ・ケンジ:  音の風景を切り取っているという感覚でしょうか。その時々、その場所に実際にあったものや事柄に思いを馳せることができるといいますか………。人それぞれ、思い思いに聴くこともできますし、「記憶」に直結している感覚。そういうのがとても面白いですね。

ーー木原さんは、これまでに、ご自身のプロジェクトの作曲のほか、CM制作や館内BGMも手掛けていらっしゃいます。映像音楽や環境音楽を制作する上でどのような点を重視していますか？

キハラ・ケンジ:  なるべく、こういう風に聴いて欲しい。といったような自分の想いは入れないよう心掛けています。

ーーほかにも、宮内優里さんとのプロジェクト「Music Lab」の活動に取り組んでいらっしゃいます。このプロジェクトを始めた理由は何でしょう？

キハラ・ケンジ:  ”BGM LAB.”は、BGM（背景音楽）のための音楽研究室として2016年から活動しています。

日常のBGMが、いわゆる普段聴いているような「聴くため」の音楽ではなく、例えば、お香を焚き、その場の空間が少し変わるような、道具としての音楽をつくれたらということで始まりました。日常をより日常として充実させる手助けが出来る道具として、”BGM LAB.”はそんな音楽を目指しています。



ーー直近では「Izu Ambient(イズ・アンビエント)」もリリースされました。この曲には、波の音、鳥の声のフィールド・レコーディングが入っていて、かなり癒されました。この作品について、くわしく教えていただけますか。日本の名所シリーズは今後も続けていく感じでしょうか？

キハラ・ケンジ:  フィールド・レコーディングは、特別ではない日々の営みの音を切り取る、そんな感覚が好きで日々の記録としておこなっています。（ちょっとした趣味みたいなものです）
  

私は、海や山といった自然に近い場所に住んでいるのですが、その自然やそこで暮らす生き物などの営みに日々インスピレーションを受けて楽曲制作することが多いです。そこから受けたものを、どうにかしてその「場所」にお返しできないか、音楽を通じて何かできないか......。ということを考えていました。

いわゆる”地産地消”(編注2)といったようなものを、自分の作った音楽で表現できたらと......。そのため、シリーズの売上はすべて、伊豆でスモールビジネスを営むお店や場所などで使用しています。そして、その場所で「イズ・アンビエント」を制作することによって循環が生まれたら良いなと思っています。

今後も同じような感覚で、訪れた先でのフィールド・レコーディングを通した作品を制作する予定です。

編注1 :「Mother」: 1989年に任天堂から発売された日本のゲーム。コピーライターの糸井重里さんがゲームデザインを手がけた。オリジナル・バージョンの音楽を担当したのは、鈴木慶一さん。「Mother 2」は1994年に発売された。音楽は''たなかひろかず''さんが手掛けた。たなかさんは、その他にも、アーケード版「ドンキーコング」、「マリオブラザーズ」の音楽を手掛けている。

編注2:   地産地消:  地域生産・地域消費の略語で、地域で生産された様々な生産物や資源をその地域で消費すること。

・Bandcampのサブスクリプションはこちらから登録出来ます。ぜひアーティストの活動をご支援ください。

Interview- Passepartout Duo 

 

~  Music exists as a communicator of ideas outside of language~(音楽は言語外にあるアイデアの伝達者として存在する)  - Passepartout Duo（Nicoletta Favari)

Passepartout Duoは、ニコレッタ・ファヴァリ（イタリア）とクリストファー・サルヴィト（イタリア/アメリカ）により結成され、エレクトロ・アコースティックのテクスチャーと変幻自在のリズムから厳選されたパレットを作り上げる。2015年から世界中を旅しながら「スローミュージック」と呼ぶ創造的な楽曲を発表している。環境音楽から実験音楽まで幅広いですが、共通するのは、デュオの音楽は従来の系譜に属するものではなく、未知の体験に溢れていることです。

 

著名なアーティスト・レジデンスのゲストや文化スペースでのライブ・パフォーマンスなど、カテゴライズされる事なく活動を続ける。ウォーターミル・センター（米国）、スウォッチ・アート・ピース・ホテル（中国）、ロジャース・アート・ロフト（米国）、外国芸術家大使館（スイス）など、世界各地で多数のアーティスト・レジデンスの機会を得た。また、2023 年には「中之条ビエンナーレ」に参加、同年4月には「Daisy Holiday! 細野晴臣」に出演。2024 年には”ゆいぽーと”のアーティスト・イン・レジデンスとして来日し、東北・北海道を訪れています。

 

Passepartout Duoは、２０２０年のグラミー賞の最優秀ヒストリカルアルバム部門にノミネートされた『KANKYO ONGAKU』にも参加しています。2024年の夏にリリースされたイノヤマランドとのコラボレーション・アルバム『Radio Yugawara』に続き、ニューアルバム『Arogot』を１１月２９日にリリースする。本作は、ストックホルムのレジデンス開催中に考案され、モジュラーシンセのBuchla、Sergeとの出会いを通じて制作された。今回、デュオのメンバーでピアニスト、楽器の開発者でもあるニコレッタ・ファヴァーリに話を聞いた。

 

ーー前作『Radio Yugawara』が環境音楽を中心に構成されていたのに対し、『Argot』の作風は大きく異なります。アルバムでは、アコースティック・ピアノとアナログ・シンセによる前衛的なライブ・セッションを聴くことができました。このアルバムの制作のインスピレーションと全体的な構想について教えていただけますか？

 

Passepartout Duo(Nicoletta Favari):  私たちの活動は非常に雑食的であることを目指しているので、私たちの異なるプロジェクトが異なるスコープに分類されることは、それほど驚くことではありません。『Argot』は一種のサウンド・リサーチであり、私たちが数年間追求し、培ってきたもので、非常に原始的で高品質なサウンド・レコーディングにも努めている。

このアルバムは、『エピグラム』というタイトルの前作EPにつながるもので、ユニークなアナログ・シンセサイザーと、私たちが演奏するアコースティック楽器、アコースティック・ピアノやパーカッションを組み合わせるというアイデアなんだ。

このアルバムでは、特定の''Buchla''や''Serge''のシンセサイザーを初めて使う機会があったので、マシンのロジックやどのような音を作ることができるのかについて多くを学ぶことができた。そのおかげで、ピアノのための作曲の新しい可能性を想像するようにもなった。『ラジオ湯河原』では、イノヤマランドとの初めてのコラボレーションで何が可能かを想像していたし、他方『アルゴット』では、シンセサイザーとピアノの組み合わせで何が可能かを想像している。

ーーBuchlaやSergeなどのシンセサイザーはどのような機材ですか？普通のモジュラー・シンセサイザーとの違いはありますか？  大まかに教えてください。

Passepartout Duo(Nicoletta Favari):　現在のシンセサイザーは、何百という先代のシンセサイザーを参考にして、インターフェースや素材、機能性を決定することができますが、BuchlaやSergeにはそのような余裕はありませんでした。これらのモデルが作られた60年代や70年代には、純粋なエレクトロニック・ミュージックを作ることは可能でしたが、ミュージシャンにとって理にかなったアプローチを作るには時間と労力が必要でした。古いBuchlaやSergeのシステムで興味深いのは、これらの新しい疑問のすべてに答えようとする非常にユニークな試みだということだ。

これらのシステムは大部分がアナログであるため、非常に特殊な特性と不安定性を持っており、それが私たちの音の扱いや機械との共同作業のプロセスにとって非常に重要なのです。システムには（Buchlaタイム・ドメイン・プロセッサーのような）デジタルの要素もありますが、同様にテクノロジーの初期バージョンを探求しているため、興味深いアーティファクト(人工物)があります。

ーーレコーディングではインプロヴァイゼーション(即興性)が強調されているように感じました。どのようなサウンドを目指したのでしょうか？　また、制作の中で最もエキサイティングな瞬間を挙げるとしたらそれはどんな瞬間にありましたか？

Passepartout Duo: 私たちは主に、シンセサイザーと一緒に作曲することで、シンセサイザーをそのプロセスにおけるもう1つの能動的なエージェント(代理)として扱い、独自の決定を下していくことをアルバムのプロセスとして考えていました。

これはマシンとのインタビュー(対話)のようなもので、パッチ(データやモジュール)を設定し、音符のセットを確立することで、いくつかの質問を投げかけます。マシンは、私たちが完全に予測できず、時には理解できないような答えを返してくる。これによって、レコーディング時に私たちが反応する会話が生まれ、すべての音響パートは、そうした音楽的会話から派生したものなのです。

実は、ピアノ・パートは、シンセサイザー・パートからトランスクリプション(曲ないしは音を譜面に起こすこと（記譜のこと)によって抽出されたコンポジションです。私たちは、シンセサイザーの音の最もメロディアスでハーモニックな要素を際立たせるため、主にユニゾンのテクスチャーに焦点を当てたいと思い、聴こえたものをできるだけ正確に記譜し、また、興味深い予測不可能な結果を生み出すことができるトランスクリプション・ソフトウェアも活用しました。

この2番目のステップによって、私たちの耳は、次に録音するアコースティック楽器のパートで、より精巧にしたり、より装飾的にしたりするような、作品のさまざまな方向性を聴き取ることができました。さらにフルート、コントラバス、弦楽四重奏など、ゲスト・ミュージシャンがさまざまなトラックに参加したことで、即興の世界がより鮮明になりました！　　

まず第一に、私たちは彼ら全員を素晴らしいミュージシャンと見ていますので、完全な信頼を置いて決断しました。そして第二に、これらのトラックがまったく新しい次元で生き返ったのを聴くのは本当に信じられないことでした。

ーーこのアルバムでは、日本人の打楽器奏者の住吉さんが和笛を吹いています。彼をコラボレーターに選んだ理由はなぜでしょうか？

Passepartout Duo: 今年の初め、私たちはアーティスト・イン・レジデンスとして新潟で数カ月を過ごしました。思いつきの旅行で佐渡の鼓童村を訪ねたのですが、裕太はとても素晴らしいホストとして私たちを迎え入れてくれました。

彼はまた、自身の0onプロジェクトや、音楽レーベル、自身の音楽、そしてレコーディングのセットアップについて少しだけ話してくれた。

 

その後すぐに、新潟での小さなライブ・セットで即興演奏をする機会があったのですが、裕太がいかに簡単にプロジェクトに飛び込み、彼自身のユニークな声をシームレスに織り交ぜることができるのかと、信じられませんでした。ですから、私たちは、一緒に仕事をする機会を与えてくれたことに感謝していますし、このような寛大な心の持ち主に出会えたことに感謝しています。

『Argot』のためにコラボレーターに声をかけることを決めたとき、私たちはフルートが興味深いレイヤーを加えてくれるだろうとも考えました。フルートのフレージングは言語と同じように、呼吸(ブレス)の持続時間と強く結びついているからです。

ーーお二人は以前、細野晴臣さんのラジオ番組に出演されたことがあり、最後のアルバムは湯河原の温泉地でレコーディングされたそうですね。日本との関係はどのように始まりましたか？　また、日本文化のどこに魅力を感じますか？

Passepartout Duo: 　日本的な文化が好きな友人が、文学やさまざまな証言を通して彼女が心に描いてきた日本が、現実には存在しないことに気づくだろうから、日本には絶対に行きたくないな、と言ったことがありました。

たまたまクリスと私はここ数年のあいだ、何度も日本を旅行する機会があったけれど、その度に私たちの日本への想像は現実と出会い、そして離れている間に独自の成長を遂げ、再び現実に引き戻されたような気がしました。それはある種、興味深いダイナミックな関係を意味します。

ーー思っていたのと違った箇所もあったけれど、実体験によって、より深い理解を得たということですね。日本文化に対する見方について具体的に、どのようなときに予想外だと感じましたか？

に対する見方について。具体的に、どのようなときに「思ってい

Passepartout Duo:　地理的に日本のさまざまな地域を訪れることができ、その違いを感じることができたと思います。青森から佐渡まで、東京から京都まで、長野から徳島まで、地域によってリズムが違ったり、季節によって生活の意味合いが違ったりするのは、いつも驚きましたし新鮮でした。

ーーPassepartout Duoの音楽性を「スロー・ミュージック」と表現していますね。この音楽は「くつろげる、ゆったりとした音楽」と定義されるのでしょうか？　この考えを「Argot」にも当てはめることはできますか？

Passepartout Duo: 　私たちが "スロー・ミュージック "と言う場合、一般的には、構想や楽器の設計から最終的な音楽の完成に至るまで、多くの時間を要する段階からなるプロセスとしての音楽制作に対する私たちの全般的なアプローチを指しています。

実際、私たちが音楽制作をコントロールする上で、一方ではかなり具体的であるとしても、他方では、人々が私たちの音楽を聴くときの心の状態について、本当に予測することはありません。Argotでは、いくつかの曲を聴いた後の感情の状態をどう表現したらいいのか本当にわからない。私たちが音楽を聴くとき、特に興味があるのは、音楽を理解することと理解しないことの間の押し引き(境界線)なのかもしれない。私たちの考えでは、音楽は言語の外にあるアイデアの伝達者として存在し、楽曲の目的、反応、感覚を表現するのに通常の言語では不十分と感じています。しかし、私たちの側からアルゴについて確実に言えることは、「妥協のない音楽」ということです。

Argotは私たちが話していた「スローミュージック」のプロセスに入るのでしょうか？というのも、このプロジェクトは、私たちが新しい楽器を発明したり、作ったりする必要がなかったからです。また、ライブ・パフォーマンスという形式をとっていないため、聴く人それぞれが、どこでどのように聴くかによって、自分自身のリスニング体験を作り上げることになるからです。

ーーさて、お二人は頻繁に世界中を旅していらっしゃるようですね。旅先で出会った人々や文化、風景は、あなたの作品に影響を与えていますか？　旅の素晴らしさや醍醐味について教えてくださいますか。

Passepartout Duo: 　私たちはこの7年間、旅を続けていますが、本当に幸運なことだと思います。この旅はまず私たちを人間として変化させましたし、そうして音楽にも浸透させている。作品を発表するために呼ばれる場所や状況が絶えず移り変わるので、私たちは常に練習方法を見直したり、新しく発見した音楽のテクニックや楽器の素材、リズムやアイデアに触発されることがよくあります。私たちは行く先々で、素晴らしいアーティストやミュージシャンに出会うだけでなく、美しいコミュニティやアーティスト・スペースの運営方法にも出会うこともある。

『Argot』に関しては、この微妙なプロセスを如実に表しています。というのも、もともとオーストリアのレジデンスでのブクラ・シンセサイザーとの出会いに触発され、スウェーデン、フランス、アメリカでのレジデンスのおかげで実現したものだし、中国や日本での旅からのインスピレーションも含まれています。もっと多くの人が旅行や旅をする機会を持てば、社会はもっと良くなると私たちは心から思っています！

ーーArgotは音楽として聴くことも、芸術作品として解釈することもできます。このアルバムに接した人たちに、どのような面白さを感じてほしいですか？

『Argot』のリスナーが、エレクトロニック・ミュージックとアコースティック・ピアノの両方に対する新しい考え方を発見できるような、新鮮なアルバムだと感じてくれることを願っています。

ーーPassepartout Duoの今後について教えてください。また、あなたにとって最も理想的な音楽と芸術の形は何ですか？

新しい旅の計画は続けていますし、新しいライブセットも現在開発中です。数ヶ月後には、ベルリンのKOMA Elektronik社と共同で製作・販売を開始した楽器、''Chromaplane''が多くの人の手元に届き、使われ始めるでしょう。自然はおそらく私たちにとって最もパワフルな音楽で芸術でもあるのです！

 

『Argot』に関するリリース情報はこちらからご覧ください。

【Episode In English】

 

The Passepartout Duo, formed by Nicoletta Favari (Italy) and Christopher Salvito (Italy/USA), create a carefully selected palette of electro-acoustic textures and mutable rhythms. Since 2015, the group has been traveling the world, presenting creative compositions they call “slow music”. The music ranges from environmental to experimental, but the common thread is that the duo's music is not part of a traditional musical lineage, but rather an experience of the unknown.


They continue to work without categorization as guests of prominent artist residencies and live performances in cultural spaces. He has had numerous artist residency opportunities around the world, including the Watermill Center (USA), Swatch Art Peace Hotel (China), Rogers Art Loft (USA), and Embassy of Foreign Artists (Switzerland). In 2023, they participated in the Nakanojo Biennale, and in April of the same year, they performed in “Daisy Holiday! Haruomi Hosono”. In 2024, they came to Japan as artists-in-residence for “Yui Port”, visiting Tohoku and Hokkaido.


The Passepartout Duo also performed on “KANKYO ONGAKU,” nominated for a 2020 Grammy Award in the Best Historical Album category, and released a collaborative album with Inoyama Land, “Radio Yugawara,” in the summer of 2024. Following this, he will release his new album “Argot” on November 29. 

 

This work was conceived during a residency in Stockholm, and was created through an encounter with modular synths "Buchla" and "Serge". We contacted with Nicoletta Favari, a member of the duo, pianist, and instruments developer.

--While the previous album "Radio Yugawara" was composed mainly of environmental music, the style of "Argot" is very different. On the album, we can hear an avant-garde live session of acoustic piano and analog synths. Can you tell us about the inspiration and general conception of the production of this album?

 

Passepartout Duo: Our practice aims to be quite omnivorous, so it is not really a surprise for us that our different projects fall into different scopes. Argot is a sort of sound research, something that we have been seeking and cultivating for a couple of years, and where we strive for very pristine and high quality sound recording too. It reconnects to our previous EP titled Epigrams, and the idea is to couple very unique analog synthesizers with the acoustic instruments we play, acoustic piano and percussion. 

In this album, we had the opportunity to use some specific Buchla and Serge synthesizers for the first time, and so we learned a lot about the logic of the machine and the kind of sound it can create. Because of this, we also started imagining new possibilities for writing for piano. Maybe what is in common between all of our work at a very basic level, is the understanding of music as the magic materialization of a possibility: in Radio Yugawara we were imagining what would be possible in a first time collaboration with Inoyama Land, and in Argot we are imagining what is possible pairing synthesizers and piano.

ーーWhat kind of equipment are synthesizers such as Buchla and Serge? Are there any differences between them and ordinary modular synthesizers?  Could you give us a general idea?

Passepartout Duo: When a synthesizer is made today, we can pull from its hundreds of predecessors to make decisions about the interface, materials, and functionality, but Buchla and Serge did not have this luxury. When a technology is new, there are no answers yet, just many questions - in the 60s and 70s when these models were made, it was possible to create pure electronic music, but creating an approach that made sense for musicians took time and effort, and so conventions were developed slowly. What is interesting about the older Buchla and Serge systems is that they are very unique attempts to answer all of these new questions.

Because the systems are largely analog, they have a very special character and instability that is very important to our treatment of the sound, and the process of collaborating with the machine. There are some digital elements to the systems (like the Buchla Time Domain Processor), but because they are similarly exploring early versions of the technology, they have interesting artifacts too.

--It seemed to me that improvisation was emphasized in the recording. What kind of sound did you aim for in this production? And if you had to name the most exciting moment in the production?

Passepartout Duo:  We mainly saw the process of the album as composing together with the synthesizer, treating the synthesizer as another active agent in the process contributing its own decisions. It was a sort of interview with the machine, where we pose some questions by setting up a patch and establishing a set of notes. The machine generates some answers back, answers that we cannot fully predict and sometimes cannot understand, even if they make sense based on the question asked. This creates a conversation that we’re reacting to when recording, and all the acoustic parts are derived from those musical conversations.

The piano parts are compositions that are extracted from the synthesizer part through transcription. We wanted to focus on primarily unison textures to highlight the most melodic and harmonic elements of the synthesizers’ sounds, notating out what we heard as accurately as we could, also making use of some transcription software that can produce interesting and unpredictable results. This second step helped our ears hear different directions the pieces could go, that we would elaborate or embellish in the acoustic instrument parts that were recorded next.

The contributions that guest musicians gave to different tracks on flutes, double bass, and string quartet live more clearly in the world of improvisation, and this was possibly the most exciting moment of the production for us! First of all, it was a step that we took with complete trust, because we see all of them as incredible musicians; and secondly, it was just incredible to hear these tracks come alive again in a completely new dimension: something that we thought we knew so well, was now sounding like we could have never imagined on our own, and this was really magical!

--On this album, Sumiyoshi-san, a Japanese drummer, plays the Japanese flute. What made you choose him as your collaborator?

Passepartout Duo:  Earlier this year we spent a couple of months as artists in residence in Niigata, and we were so lucky to meet a bunch of wonderful people involved with music. On a spontaneous trip we were taken to visit Kodo on Sado Island and Yuta hosted us as such a wonderful host. He also shared with us a bit about his 0on project, his music label, his own music, and his recording setup. 

Soon after, we had the chance to improvise during a small live set in Niigata, and it was so incredible how easily Yuta could jump into a project and seamlessly weave in his own unique voice. So we are very grateful for the chance to work together, and thankful for meeting such a generous soul! When we were deciding to reach out to collaborators for Argot, we also thought that these flutes would add an interesting layer because their phrasing is, like language, strongly connected to the duration of the breath.

--The two of you have appeared on Haruomi Hosono's radio program before, and your last album was recorded in the hot spring resort of Yugawara. How did your relationship with Japan begin? Also, what do you find favorable about Japanese culture?

Passepartout Duo:  A friend who is very fond of everything that is Japanese once told me that she would never want to visit Japan, because she would realize that the Japan she had cultivated in her mind through literature and different accounts does not exist in real life. 

It happened that Chris and I had many opportunities to travel back to Japan in the last few years, and I feel like every time our imagination of Japan meets reality and then has some time to grow on its own when we are away, and then back to reality again. That is a sort of interesting dynamic relationship.

--So you have gained a deeper understanding. Specifically, when did you find your view of Japanese culture unexpected?

Passepartout Duo: I think I was able to visit different parts of Japan geographically and feel the differences! From Aomori to Sado, from Tokyo to Kyoto, from Nagano to Tokushima, it was always surprising and refreshing to see the different rhythms in different regions and the different meanings of life in different seasons.

--You guys describe the musicality of Passepartout Duo as "slow music". Is this music defined as "relaxing, laid-back music that makes you feel at home"? Can we apply this idea to "Argot" as well?

Passepartout Duo:  When we speak of “slow music” we generally refer to our overall approach to music making as a process, made of many time-consuming phases from conception and instrument design to final fruition of the music. In fact, if from one side we are quite specific in the control that we have over the production of the music, on the other side we really don’t have predictions about the state of mind that people should have when listening to our music. 

And especially with Argot, we are really not sure how to describe the emotive state after we listen to some of the tracks. Maybe what we are particularly interested in when we listen to music is this push and pull between understanding and not understanding the music, so that in fact the act of listening is expanding our own understanding. In our view, music exists as a communicator of ideas outside of language, and we don’t feel language is normally sufficient to describe the purpose, response, and feeling of a piece. But from our side, what we can certainly tell about Argot is that it is music of no compromises.

Now, does Argot fall in the process of “slow music” that we were talking about? I think only partially, because this project did not require us to invent and build new musical instruments, and also because it does not really exist in the format of a live performance, so every listener will be curating their own listening experience depending on how and where they are listening to it.

--It seems that you two often travel around the world. Do the people, cultures, and sights you encounter on your travels have any influence on your work? Can you tell us about the beauty of travel?

Passepartout Duo:  We have been continually traveling for the past seven years, and we know we are really fortunate. This travel is first changing us as people, and in this way seeping through into the music too. Because of the shifting grounds and circumstances where we are called to present our work, we are constantly reframing our practice, and we are often inspired by newly discovered music techniques, materials for musical instruments, rhythms or ideas. 

Everywhere we go we encounter incredible artists and musicians, but also beautiful communities, and ways of running artist spaces, and the dedication of all of these people give us a lot of strength and motivation.

Argot is really a clear example of this subtle process, because it was originally inspired by our encounter with the Buchla synthesizer at a residency in Austria, it actually was made possible thanks to residencies in Sweden, France, and the US, and also includes inspiration from travels in China and Japan.

We truly think that if more people had the chance to travel or travel more often, our societies would improve!

--“Argot" can be listened to as music and interpreted as a work of art. What do you hope people who come into contact with this album will find interesting?

Passepartout Duo:  We hope that listeners of Argot will find it a refreshing album that allows them to discover new ways of thinking about both electronic music and acoustic piano, which is exactly what happened to us in the process of making it too.

--Can you tell us about the future of Passepartout Duo? Also, what is the most ideal form of music and art for you?

Passepartout Duo:  We continue to have plans for new travels, and we are developing at the moment a new live set as well, that will include some older and some newer instruments. 

In a few months many people will also start receiving and using the Chromaplane, the instrument that we have started producing and selling together with the Berlin-based company KOMA Elektronik, so we are really excited to see where that will take understanding of the instrument and of electronic music.Nature is probably the most powerful form of music and art for us!

Masayoshi Fujita(藤田正嘉)  -Erased Tapesとの出会い、最新アルバム『Migratory』について-

Masayoshi Fujita 　©Erased Tapes

「自分のルーツである日本やアジアの音楽に興味がありますが、単にそれを取り入れるのではなく、自分の中で解釈し、表現していくというプロセスに重きを置いています」  -Masayoshi Fujita

　兵庫県を拠点に活動するヴィブラフォン/マリンバ奏者、藤田正嘉さんの音楽と出会ったのは、このサイトを初めてまもない2021年のことでした。以来、彼の演奏からもたらされる瞑想的な倍音の神秘性に魅せられてしまったのです。この年、私は、日本のアンビエントシーンのアーティストを宣伝したいと思い、2019年のアルバム『Stories』を拙いながらもご紹介しました。その日、私は、夕暮れの東京を歩いていて、数羽の美しい鳥が夕空の向こうに去っていくのをぼんやり眺めていました。そのイメージはなぜか今も脳裏に灼きついています。そして、最新アルバムに渡り鳥のテーマが込められているのを知った時、不思議な興味を掻き立てられた。

　藤田さんの演奏の素晴らしさを最初に見出したのは、ロンドンの実験音楽を得意とするレーベル、Erased Tapesの創設者であるロバート・ラス氏でした。ヴィブラフォンが魅力的な楽器だからという理由だけでなくて、彼の楽器の扱い方、幽玄で重層的なサウンドの描き方に、ラスさんは心から魅了されたといいます。

マサ(敬称略)は、まず最初にドラムを習い、その後、ヴィブラフォンを徹底的に練習して、ジャズやエレクトロニカに影響を受けた独自の楽曲を制作し、プレイするようになった。ヴィブラフォンのアンビエント・ベース／エレクトロニックな録音作品を''el fog''という別名義で発表するうち、藤田さんはヴィブラフォンの音色そのものに惹かれていったのだそうです。伝統的なヴィブラフォンのスタイルや奏法にこだわらず、楽器の新たな音響の可能性を探し求めて、金属片や箔などを使って演奏し始めました。その結果、生まれたフレッシュなサウンドは、楽器本来の音響性の特徴をなんら損なうことなく、ヴィブラフォンのスペクトルを敷衍させた。それ以降、アコースティック作品の作曲を始め、2013年初頭にはMasayoshi Fujita名義で初のソロアルバム『Stories』をリリースしました。

　2015年のErased Tapesからのデビュー作『Apologues』では初めてリード楽器以外の楽器、ヴァイオリン、チェロ、フルート、クラリネット、フレンチ・ホルン、アコーディオン、ピアノ、スネア・ドラムを使い、友人が演奏し、彼自身がアレンジした。ドイツの電子音楽家ヤン・イェリネクとのコラボレーションは、イギリスの雑誌『The Wire』の推薦により、世界中の実験音楽ファンから注目を浴びるようになった。

　以降も、英国のミュージックシーンと深い関わりを持ち続けた。レコード・ストア・デイ2016では、藤田と英国のエレクトロニック・プロデューサー、ガイ・アンドリュースの即興セッションをマイダ・ベイル・スタジオで収録した27分のBBC録音作品『Needle Six』を共同リリースしました。

　BBCラジオ3のレイト・ジャンクションの一環として録音されたパフォーマンスは、両者のミュージシャンの魅力を紹介し、普段の各々の準備を放棄し、斬新なアプローチを採用して展開される、予測不可能で説得力のあるサウンドを記録する、という当番組の伝統性を引き継いでいました。

　その後、2018年に高評価を得たアルバム『Book of Life』をリリースし、ヴィブラフォン・トリプティークを完成させた。ベルリンでの13年間の暮らしを経たのち、自然の中で音楽を制作したいという長年の夢を実現するため、兵庫県の香美町に転居し、スタジオを構えました。2021年5月28日、彼は続くアルバム『Bird Ambience』において未知の音楽性を示すことに成功しました。

　この作品は音楽的なアプローチに変化をもたらすことになった。これまで藤田さんは、アコースティックなソロ・レコーディング、エル・フォグという別名義のエレクトロニック・ダブ、ヤン・イェリネクら同世代のアーティストとの実験的な即興演奏を共有していましたが、この新しいアルバムにおいて、彼はこれらの異なる側面を初めて明確なビジョンにまとめ上げることに成功しました。また、彼の代表的な演奏楽器であるヴィブラフォンから、ドラム、パーカッション、シンセ、エフェクト、テープレコーダーと並んで、「マリンバ」が主役となったのです。

　先月同レーベルから発売された最新作『Migratory』には、実験音楽で活躍する二人のボーカリスト、Moor Mother、Hatis Noit、そしてスウェーデンの笙奏者であるMattias Hållstenが参加しています。前作と同じように、友人から深いインスピレーションを受けたという。タイトルは、アフリカ、東南アジア、日本の土地を旅する渡り鳥のイメージに因んでいます。彼らが下界から音楽を聴き、上空から世界を見る視点が音楽と土地の境界を曖昧にする様子を想像しています。

　音楽的にはアンビエント、ジャズが中心となり、マリンバの演奏を通して、サックス、シンセ、笙、ボーカルとどのような化学反応が起きるのかという制作者の試作の変遷を捉えられます。それはアルバムの主要な収録曲「Higurashi」、「Yodaka」をはじめとする日本語のトラックで大きく花開く。重層的で微細なハーモニクスの中には、西洋音階にはない微分音を用いるインドネシアのガムラン、日本の雅楽からのフィードバックを掴むこともできるかも知れません。

－－今回のアルバム『Migratory』では「自然」というのがテーマになっているようです。あらためてお聞きしますが、具体的にどのような情景が音楽のイメージを作り上げていったのかあらためて教えていただきたいです。

Masayoshi Fujita: 僕は、何かを見て、それを直接音楽に反映したり、それをモチーフにして作曲するということはあまりないのですが、山の中の豊かな自然に囲まれて暮らし制作していることで、そこで日々自分の中に蓄積されていった景色や情景が、間接的に影響しているとは思います。あと、スタジオから見える山や木々、雲や霧に囲まれた環境で音楽を作っていて、そういった自然の中に違和感なく響く音というのを探っている気はします。

－－ロンドンのレーベル、Erased Tapesからリリースを行うようになってから、およそ10年が経過しました。レーベルとの出会いや長年の付き合いについてあらためて教えていただくことは出来ますか。

Masayoshi Fujita: レーベルオーナーのロバートも一時期ベルリンに住んでいて、ちょうどその頃ニルス・フラームのライブで知り合いました。その後、アルバムが完成するたびにデモを送っていたのですが、「Apologues」のデモを気に入ってもらい、リリースする運びになりました。

Erased Tapesはロバートの人柄が色濃く反映されたレーベルで、音楽やアーティストをとても大事にしてくれますし、自由にやらせてくれます。レーベルのチームみんなが家族のような友人のような関係で、とても居心地が良いです。このレーベルに出会えて長く協働できていることを本当にありがたく思っています。

ーー昨年、お母さまを亡くされ心痛であったと思いますが、最新アルバムの音楽には、何かしら個人的な追憶や回想のような感慨が含まれているのでしょうか。

Masayoshi Fujita:　個人的な追憶や回想といったものは、あまり含まれていないかもしれませんね。間接的にはあるのかもしれませんが、どちらかというと現在進行形で自分が興味のあるテーマ、音楽をやっているという感覚です。もっというと、個人的な部分を超えたーー普遍的な部分ーーに興味があるのだと思います。

ーー藤田さんは、これまで実験音楽を数多く制作されてきました。最新アルバムは、終盤の収録曲にある、ひぐらしのフィールドレコーディングを聞くかぎり、個人的にはアジア的でありながら、日本的であるとも感じました。制作全般を通して、日本的な感性やエモーションを表現したいという思いはありましたか。

Masayoshi Fujita:　今回のアルバム制作の過程を通して、「渡り鳥」というイメージが出てきました。それは、架空の渡り鳥がアフリカからアジア、そして日本へと渡っていくようなイメージです。ここ数年、自分のルーツである日本やアジアの音楽に興味がありますが、単にそれを取り入れるのではなく、自分の中で解釈し、表現していくというプロセスに重点を置いています。今回のアルバムもその探求の一環ですね。

ーー他方、この作品には、MOOR MOTHER、Hatis Noit等、実験音楽をメインに活躍する著名なコラボレーターが参加しています。両者ともボーカルのタイプが全然異なります。作品への参加の経緯をお聞きしたいのと、この作品にどのような影響を及ぼしたのか教えていただけますか。

Masayoshi Fujita: 　Moor Motherは、最初に彼女の曲にヴィブラフォンを弾いてほしいと依頼され、録音しました。その後、そのお返しに「あなたの曲に参加することもできるけど」と提案され、新曲にポエトリー・リーディングを乗せてもらうことになりました。

彼女が参加した「Our Mother’s Lights」は、当初はボーカルを入れることは想定していなかったんです。どこかアフリカからアジアを飛ぶ鳥のイメージがあったので彼女のイメージに合うんじゃないかと思い、ヴォーカルを入れていただいたところ、想像以上によくて別次元に昇華してくれました。


Hatis Noitさんとは、以前からアジアの音楽やルーツについて話していたこともあり、僕から一緒に曲を作る提案をしました。まずはスタジオ近くでヒグラシの音を録音し、彼女に送り、彼女がそれにボーカルをつけ、その上に僕がまた少し音を重ねて完成しました。二人とも声という要素でこの作品の幅を広げてくれているのと同時に、渡り鳥というテーマにも深みを与えてくれています。

ーーこのアルバムには、個人的には、ニューエイジ、アンビエント、ジャズに至るまで非常に多彩な音楽性が含まれているように感じました。とりわけ、以前の作風よりもクロスオーバー性が強まったという印象を受けました。制作者として、その点はどのようにお考えでしょうか。

Masayoshi Fujita: 前作『Bird Ambience』は、楽曲ごとに音楽性が異なり、アルバムとしての統一感に欠ける部分がありました。あの作品は、それまで自分が試みてきた様々なタイプの音楽を全て取り込んで一緒くたにするというアイデアのもと作ったので無理もないのですが、次作品はさらに方向性を絞ったものにしたいという思いがありました。今回は、アンビエントの方向性に絞りつつも、参加アーティストの影響もあり、クロスオーバーな要素も加わったと感じています。

ーーまた、その中で、個人的にはスティーヴ・ライヒの系譜にあるミニマル・ミュージックの影響も見出すことが出来ました。藤田さんにとって、ライヒはどのような存在でしょうか。また、演奏者として、この数年、どのようなプレイヤーを目指してきたのか教えていただければと思います。

Masayoshi Fujita:　正直に言うと、僕はスティーヴ・ライヒの音楽をあまり聴かないので、直接的な影響は少ないかもしれませんね。ライヒはマリンバをよく使うので、連想されることは多いですね。もちろん知識としては知っていますし、曲も色々聞いたこともありますが、あまり個人的に感銘を受けたという曲は少ないでしょう。「Music for Pieces of Wood」という作品は例外的にとても好きなんですが………。でも、僕が直接的に影響を受けたミュージシャンでライヒの音楽から影響を受けた人は多いと思うので、間接的には少なからず影響は受けているかなと思います。

また、一演奏者としては、自分にしか表現できないヴィブラフォンやマリンバの音を追求し続けたいと思っています。確固たる自分の音を持った演奏者でありたいですね。

ーー 最後に、藤田さんは、長年のベルリンの生活を終えられて、現在、関西で活動されていらっしゃるようですね。ドイツと日本の暮らしの違いであるとか、それぞれの国の魅力などについて実体験を元に教えていただけますか。また、以前と比べて日本の印象は変わりましたか。

Masayoshi Fujita:　ドイツから、兵庫県の北部に移住しました。違いは多くありますが、日本はやはり自分の故郷であり、根を下ろして長く生活しながら音楽を作りたいという夢がようやく実現した感覚です。今住んでいる場所は、私にとって全く新しい土地でとても自然豊かなところでなので、日々新鮮な発見があります。

田舎暮らしには、まだ慣れない部分もありますが、ゆっくりと新しい生活を築いていっている最中です。帰国前と比べて日本の印象が変わったというよりは、もっと深く日本の自然や文化を知り、感じられるようになったと思います。なんとなく知っていると思っていたこと、想像していたことが具体的に見えてきて、さらに奥深い魅力も発見していっているという感じでしょうか。

 

 

◾️アルバム情報　　Masayoshi Fujita　『Migratory』 - Erased Tapes

Tracklist:

Tower of Cloud
Pale Purple
Blue Rock Thrush
Our Mother's Lights (feat. Moor Mother)
Desonata
Ocean Flow
Distant Planet
In a Sunny Meadow
Higurashi (feat. Hatis Noit)
Valley
Yodaka

 

Listen/Purchase：　https://idol-io.ffm.to/Migratory