Perfume Genius(別名マイク・ハドレアス)は、3月28日にマタドール・レコードから7枚目のスタジオ・アルバム『Glory』をリリースすることを明らかにした。

 

プロデューサーのブレイク・ミルズと共作キーボーディストのアラン・ワイフェルスと再び仕事をした彼は、この最新作を「最も直接的な告白的作品」と表現し、このアルバムの中心的な葛藤を「内面と外面の往復」と位置づけている。

 

ギタリストのメグ・ダフィー(ハンド・ハビッツ)とグレッグ・ウルマン、ドラマーのティム・カーとジム・ケルトナー、ニュージーランドのシンガー・ソングライター、アルダス・ハーディング、ベーシストのパット・ケリーなど、バラエティに富んだミュージシャンと時間を共有している。

 

マイク・ハドレアスは、アルバムのリードシングルとして、私たちの期待を裏切らない一方で、アリゾナの夏の暑さで枯れてしまいそうな、息をのむほどウージーなポップ作品「It's A Mirror」を提供している。彼の歌声が数マイル上空に昇るのに十分なスペースがあり、音楽が小刻みに流れ落ちる。彼の曲の中でも最も親しみやすい曲のひとつであるが、感情的な弱さという生の核を保っている。 ハドレアスは、「何もないときでも、私は圧倒されて目覚めるんだ」と言う。

 

 

その日の残りの時間は、家で一人で考え事をしている方が好きなんだ。でもどうして?ほとんど悪いことばかりだ。それも何十年も変わっていない。このような孤立したループにはまり込んでいるときに書いたのが、『It's a Mirror』だった。ドアを閉めたままにしておく練習をもっとたくさんしたんだ。

 

 

彼はまた、「It's a Mirror」のビデオも公開している。ビデオは、Too Brightのハイライト曲 「Queen」のビデオでハドレアスと初めて仕事をしたコラボレーター、コディ・クリッチローが監督した。 

 

 「It's a Mirror」

 

 

 

Perfume Genius 『Glory』

 

Label: Matdor

Release: 2025年3月28日

 

Tracklist:

1.It's a Mirror
2.No Front Teeth
3.Clean Heart
4.Me & Angel
5.Left For Tomorrow
6.Full On
7.Capezio
8.Dion
9.In a Row
10.Hanging Out
11.Glory

 


 

My Morning Jacketの10枚目のアルバム『is』が3月28日にATOからリリースされる。 (このアルバムは珍しく、外部のプロデューサー、ブレンダン・オブライエンを迎えて制作された。 

 

これまでは、手放しで誰かに舵取りを任せることができなかった」フロントマンのジム・ジェームスは言う。 "僕らより遥かに実績があり、たくさんのレコードを作っている人に、一歩下がってコントロールを委ねるのは、ほとんど体外離脱のような経験だった。" 最終的には、そのプロセスを今まで以上に楽しむことができたんだ。


アルバムからのファースト・シングルは、ドリーミーでとてもかわいらしい "Time Waited"。 

 

ピアノのトロをループさせて、散歩しながら聴いていたら、メロディーが浮かんできたんだ。 長い間、歌詞がないが、カフェにいて曲が流れている夢を見たんだ。その曲の歌詞が "Time Waited "の歌詞になった。 歌詞は、時間というものがいかに柔軟であるか、いかに時間を曲げたり、ゆめがしたりすることができるかということを歌っている。




 

 

 

My Morning Jacket 『IS』


Label: ATO

Release: 2025年3月28日 


Tracklist:

Out In The Open

Half A Lifetime

Everyday Magic

I Can Hear Your Love

Time Waited

Beginning From The Ending

Lemme Know

Squid Ink

Die For It

River Road

Porridge Radio


Porridge Radio(ポリッジ・レディオ)は、ニューシングル「Don't Want To Dance」とともに、EP『The Machine Starts To Sing』を発表した。2月21日に本作は発売予定。これらはバンドの最後のリリースとなる。(EPのプリセーブはこちらより)

 

これはポリッジ・レディオの最後の新曲であり、バンドの終わりを告げるものだ。このEPに収録されている曲は、"Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me"の重要な一部であり、私たちにとってとても大切なものです。

 

このEPに収録されている曲は、Clouds In The Sky They Will Always Be There For Meの大切な一部であり、私たちにとってとても大切な曲です。このバンドは僕らの人生であり、もう家族だ。このツアーが最後になるだろう。聴いてくれて本当にありがとう。


この発表は、バンドが今後予定している北米とヨーロッパのツアー日程に先駆けて行われ、ツアーは続行されるという。



このEPは、バンドが最近リリースし、高い評価を得た4枚目のアルバム『Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me』の制作中にレコーディングされた曲を集めたものだ。


アルバム・セッション中にレコーディングされたとはいえ、『The Machine Starts To Sing』に収録されている曲は、端切れでもおまけでもない。このEPには、アルバムのテーマやサウンド・パレットとは異なる人生を歩んだ曲の、エモーショナルで際立った瞬間が詰まっている。



「Don't Want To Dance」

ジャズとコンテンポラリーなエレクトロニック・ミュージックを繊細に融合させる才能溢れるプロデューサーによる新たな出発点


The Vernon Spiring
©︎Saoirise Fitzpatrick


UKロンドンのピアニスト/作曲家/プロデューサーThe Vernon Spring(ザ・ヴァーノン・スプリング)待望のニューシングル「Norton」をリリースした。


Ólafur Arnaldsのレーベル"OPIA Community"(日本、アメリカ以外の全世界)、"RVNG Intl"(アメリカ)、そして"インパートメント"(日本)の3レーベルからの共同リリースが示すとおり、2025年のアンビエント・シーンで最注目の存在となるでしょう。


ザ・ヴァーノン・スプリングは、断片化されたヴォーカル・フック、フェルト・ピアノのループ、シンセサイザー・サウンドとアーカイブ録音のサンプルのレイヤーからなる多次元的な音世界を通して、家族、友人、コミュニティへの愛、畏敬、感謝を映し出し、時には文字通り、友人や家族と共有した思い出の音を奏でる。

 

謎に包まれたプロデューサー”Iko Niche”によるプロデュースとなるこの曲は、ほとんど抽象的ともいえる壊れたヴォーカルがアヴァンギャルドでヒップホップの影響を受けたプロダクションによって、包み込むような暖かさを醸し出しています。

 

2021年のデビュー・アルバム『A Plane Over Woods』からの想像力豊かな進化を遂げた「Norton」は、このプロジェクトから何が生まれるかを示唆しています。


アートワークはBon Iverの『22, A Million』『i,i』を手がけるヴィジュアル・アーティストEric Timothy Carlsonが担当。ヴィジュアライザーは同じくBon Iverの『i,i』をCarlsonとともに手がけたヴィジュアル・アーティスト、Aaron Anderson(アーロン・アンダーソン)とEric Timothy Carlson(エリック・ティモシー・カールソン)によるもの。

 

 「Norton」

 

 

 

Vernon Spring  「Norton」-   New Single


ストリーミングリンク:  https://pdis.lnk.to/DDIP-3102


<プロフィール>

 

UKロンドンのオルタナ・ソウル・トリオHejira(ヘジラ)のメンバーとしても活動するロンドン生まれブライトン在住のピアニスト/作曲家/プロデューサー、サム・ベステによるソロ・プロジェクト。エイミー・ワインハウス、ハーバート、カインドネスなどの作品にも参加する経験豊富なマルチ・インストゥルメンタリストでもある。弱冠17歳でエイミー・ワインハウスのワールド・ツアーにピアニストとして参加。


2021年にリリースしたソロ・デビュー・アルバム『A Plane Over Woods』がロングセラー。同年、発売から50周年を迎えたマーヴィン・ゲイの代表作『What’s Going On』に対するレスポンスとなる作品『What’s Going On』をリリース。同アルバム収録の名曲群を独自の解釈でカヴァーしたこの作品は各所で大絶賛された。

 



ワシントン D.C.のソングライター、Bartees Strange(バーティーズ・ストレンジ)が2月14日に4ADからニューアルバム『Horror』をリリースする。その4枚目のシングル 「Wants Needs」を公開した。

 

彼のトレードマークであるギター、ソウルフルで渋さのあるボーカルが特徴だ。キャッチーでスタンダードなロックソングでありながら、変則的な構成を交えて、聴き応えのあるナンバーに仕上げている。マスタリングでは、アントノフ・サウンドとも言える硬質な音質がキラリと光る。ということで、全体的には中毒性のあるトラックとなっている。以下よりお聴き下さい。


この曲について、ストレンジはプレスリリースで次のように語っている。

 

 音楽が本当に長期的にうまくいくのであれば、より多くのファンが欲しい/必要だと数年前に気づいた。もちろん、それはタイミングと数のゲームだが、人種も強力な要素だ。インディーズの世界では、私のようにレコードで長期的に生計を立てている人はあまり見かけません。私は、私が自分たちのような外見や声ではないので、人々が私とつながるのが難しいのではないかと心配している。応援するのは楽しいけど、実際には支持されない。この曲は、私がどれだけそのことを心配しているかを歌っている。


ストレンジは、最初にイヴ・ロスマンとローレンス・ロスマンと『Horror』の制作に取り組み、その後、アントノフのバンド、ブリーチャーズとの仕事を経て、ジャック・アントノフと完成させた。


プレスリリースによれば、このアルバムは 「恐怖に直面し、恐怖になる 」ことをテーマにしている。


プレスリリースはこう付け加えている。

 

 ストレンジは恐怖の中で育ったんだ。彼の家族は人生の教訓を教えるために怖い話をし、幼い頃から強くなる練習をするために怖い映画を見始めた。世界は恐ろしい場所であり、アメリカの田舎に住む、若く、クィアで、黒人の人間にとって、その恐怖は直感的なものなんだ。『ホラー』は、そうした恐怖に立ち向かい、恐れられる存在に成長するためのアルバムなんだ。


ストレンジはさらに詳しく語る。

 

ある意味、このアルバムは、人生において恐れを感じている人たちに手を差し伸べるために作ったんだと思う。 私の場合、それは愛であり、場所であり、宇宙的な不運であり、あるいは物心ついたときから苦しんできた破滅の予感である。 周りのみんなが同じように感じていることに気づけば、人生の恐怖や奇妙さを乗り越えるのは簡単だと思う。 このアルバムは、私がつながろうとしているだけなんだ。 世界の大きさを縮めようとしているんだ。 身近に感じようとしているんだ。

 


「Wants Needs」

 

Bartees Strange、ニューアルバム『Horror』を発表 来年2月14日にリリース


 東京・原宿を拠点とするオークションハウス NEW AUCTIONは、2025年2月1日(土)に第8回目となる公開型オークション「NEW 008」を開催いたします。

 

この度は、マリリン・ミンターの「Up Close」と題された写真シリーズや、ヨハネス・イッテンのコラージュ、ルース・ルートのアルミニウムの上に重ねられた大胆な色彩の作品など形と色の関係に特徴のある作家、もの派の菅 木志雄や小清水 漸 、高松 次郎 のシャドーシリーズなど時代や表現方法を超えた様々な作品が取り揃いました。

 

今回ご紹介できる作品は、すでに作者の手を離れたものなので、それぞれの作品にどのような意図がありどのような想いで制作されたのか全てをお伝えする事ができませんができる限り作品の魅力が伝わるようにラインナップを組みました。静かに作品の声に耳を傾けながら、想像を膨らませていくことは何ものにも変えられない喜びです。是非この機会にご鑑賞いただけましたら幸いです。

 

渋谷MIYASHITA PARKにある「SAI」にて開催されるオークションプレビューでは、全ての出品作品を実際にご鑑賞いただけます。 また、今回のオークションは、プレビューと同じく「SAI」にて開催いたします。皆様のご来場、ご参加を心よりお待ち申し上げております。

 

 

 ●主な出品作品

 
Joseph Beuys(ヨーゼフ・ボイス)/ Mike Kelley(マイク・ケリー)/ Marilyn Minter(マリリン・ミンター)/ Johannes Itten(ヨハネス・イッテン)/ Edward Ruscha(エド・ルシェ)/ Ellsworth KELLY(エルズワース・ケリー)/ Robert Mapplethorpe(ロバート・メイプルソープ)/ Austin Lee(オースティン・リー)/ 高松 次郎/ 井上 有一/ 奈良 美智 / 宮島 達男 / 土屋 仁応  / 岡崎 和郎 / 今井 麗 /友沢 こたお / 上田 義彦 / 小清水 漸 etc...

 

 

 ●オークション情報

 
「NEW 008」
プレビュー
会期:2025年1月25日(土) - 1月31日(金)
時間:11:00 - 20:00
(最終日のみ17:00まで)
会場:SAI
住所:〒150-0001 東京都渋谷区神宮前 6-20-10RAYARD MIYASHITA PARK South 3F
 
オークション
会期:2025年2月1日(土)
時間:START 13:00 -(OPEN 12:30-)
会場:SAI
住所:〒150-0001 東京都渋谷区神宮前 6-20-10RAYARD MIYASHITA PARK South 3F

 

 

 

TAKAMATSU Jiro, ブラシの影 No.182, 1967, oil on wood, wall hook

 1960年代に「山手線事件」(1962年)や「首都圏清掃整理促進運動」(1964年)など、芸術を通して社会に対する「直接行動」を体現した前衛芸術集団ハイレッドセンターのメンバーの一人として広く知られる高松 次郎(1936-1998)。

 

個人名義で制作活動をしてきた高松は、絵画や立体作品、版画や写真など多岐にわたる媒体で作品を発表してきた。その作風には、存在といった全体像を捉えることが難しい〈空虚を充満した事物〉に対して徹底的な問いかけを行ってきた主知性のある姿勢が一貫して強く見受けられる。
 
高松は、1964年より「不在/存在」をテーマに〈影〉シリーズを作り始める。本作品《ブラシの影 No.182》は1967年に制作された絵画である。表面に取り付けられた実物のフックから伸びるようにブラシの影のみが描写されている。

 

2つの光源により壁に映し出された画面上には存在しないブラシの影をキャンヴァスへと描写することで、実在そのものを見なくとも2次元の影からその姿を想起させる。「見ることの曖昧さ」を逆手にとることで、実在に対する不信感を問いかけるのである。


KOSHIMIZU Susumu, レリーフ ‘91-17, 1991, pigment on carved wood panel


戦後華々しい高度経済成長を遂げた日本産業であったが、その一方で、1960 年代には大気汚染や水質汚染といった公害が影を落としていた。

 

〈モノ派〉は、そんな西洋主義的成長へと傾倒していく時流に対し疑問を呈するかのように、未加工の物質や物体を主役として作中に登場させることで、モノを越えたところに潜む存在の開示を追求した芸術傾向である。関根 伸夫の《位相 - 大地》(1968 年)を契機に、当時の多摩美術大学の学生数名と李禹煥らを巻き込みながら、各々の芸術実践を通して展開されていった。

 
当時、多摩美術大学彫刻科の学生であり、同現象を起こした主要メンバーの一人であった小清水 漸(1944-)も、関根の《位相 - 大地》に触発されるかのように、日本文化固有の自然観を根底に、木や石、紙、土、鉄といった素材との協働関係を通して、創作行為を行なっていく。

 

また、人間の自然的性質(素材との関わり方)へと着目し、鉄であれば磨く、木であれば削るといった加工方法を通してその関係性を露出させる。しかし、その加工前と後を経ても、素材であるモノの本質はなんら変わりはないのである。その代表的な作品には、《垂線》(1969 年)、《かみ》(1969 年)、《鉄 I》(1970 年)、〈表面から表面へ〉シリーズなどがある。
 
 

本作品《レリーフ ʻ91-17》は、小清水が 70 年代後期より取り組み始めた木彫レリーフシリーズの一環で、1991 年に制作された。木の表面に広がる筆の点をイメージさせる彫りと鮮やかな緑青の視覚的な盛り上がりを表現した塗りが施されている。

 

絵画にも彫刻にも定義されないミディアム上に、双方の加工方法を用いることで、視覚的遊びが取り入れられている。小清水は、素材の保持する不変的本質を明らかにすることで、自身が 70 年代より探究し続ける揺るぎない実践を顕現するのである。

 


TSUCHIYA Yoshimasa, 鵺, 2021, painted camphor wood, labradorite, with original box



神奈川県に生まれた土屋仁応(1977-)は、東京藝術大学彫刻科を卒業後、同大学院で保存修復彫刻を学んだ。学生時代に拝んだ滋賀県渡岸寺の十一面観音に感銘を受け、仏像制作で目にあたる部分に水晶やガラスを嵌め込む〈玉眼〉の技法を用いて独自の木彫を展開していく。元来、玉眼に用いられる水晶は別の工人によって作られてきた。

 

土屋の木彫でも、目にあたる素材の制作は、ガラス作家の田中福男氏が担当する。伝統的な仏像とは対照的に、土屋の木彫は、形の持たない感情や想念といった存在を動物や幻獣といったシンボル的モチーフへと投影するかのように具現している。


 
本作品のモチーフである《鵺》は、日本に伝わる伝説上の妖怪を指す。『平家物語』にも登場し、仁平時代、天皇が不吉な黒い雲に怯えることから、源頼政に黒雲退治を命じたところ、中に怪しい姿を見つけ矢を放つと、猿の頭、狸の胴体、蛇の尾、虎の手足をした化け物が落ちてきた、という伝えが記録されている。

 

得体の知れない存在は、不吉や不安の象徴であった。本作は、2021 年に高島屋で開催された作家の個展「鵺ー土屋仁応展」の表題になった作品である。コロナ渦中に開催された同展は、未曾有の状況下で、目に見えない不安が姿形を宿したかのように時代を象徴している。


鵺のその静謐とした佇まいは、不安に怯える我々と対比するかのようであり、人智を超えた状況の中で、超自然的な〈カミ〉的存在を想定する人間的本質を示唆するのである。

 


Marilyn MINTER, Bad Habit, 2017, dye sublimation print

 

ニューヨークを拠点とするアメリカのビジュアル・アーティスト、マリリン・ミンター(1948-)は、セクシュアリティとエロティシズムに焦点を当てた写真作品で広く知られている。ミンターは、セクシュアリティを取り入れた作品で当初から物議を醸しており、女性のセクシュアリティから目を背け避けるのではなく、むしろ擁護する姿勢を示してきた。彼女にとって、女性の快楽や欲望を探求することは、女性アーティストが求められるとされる芸術作品の枠組みに対する反抗だった。

 

2000年代には、ミンターの作品にグラマー要素が加わり、官能性がさらに顕著に表現されるようになる。作家は撮影後にデジタル加工を一切行わず、フィルムで撮影することでイメージの「生の部分」を残している。また、撮影後に写真をトリミングすることなく、綿密なイメージ構成を体現している。このように、細部に至るまで驚くほど注意を払うことで、人目を引く作品を創り出す。


 
本作品は、絵画シリーズと並行して制作されている写真シリーズ「Up Close」の一作である。本シリーズは2000年から始まり、ペディキュアで塗られた足先、布からはみ出した乳首、華やかに彩られたまぶたや唇など、性的魅力の細部を探求している。ミンターは、社会における男女間のセクシュアリティに対するダブルスタンダードを声高に批判しており、本作品のタイトル《Bad Habit》も、女性のセクシュアリティが男性のそれよりも二次的と見なされる問題を皮肉ったものだと考えられる。快楽は反抗の行為であり、こうした個人的な性的充足の瞬間こそ、女性が家父長制的な権威を覆す手段となり得るかもしれない。

 

 

 ●ABOUT NEW AUCTION   

 

/ INTRODUCTION 


2021年6月、東京の文化発信地である原宿を拠点に新たなアートオークションハウス「NEW AUCTION」がスタートしました。私たちは従来のアートオークションという枠組みに縛られることなく、新しい体験、新しい価値観を提供することを目的とし、オークションの可能性を、原宿から世界に向けて拡張していきます。


/APPROACH

 

NEW AUCTIONでは、またアートマーケットの持続的な循環を促すための「アーティスト還元金」 の仕組みを導入している日本唯一のオークションハウスになります。 ご落札された作品の著作権者に対してアーティスト還元金を独自にお支払いすることで、 NEW AUCTIONを通じた取引が少しでもアーティストの支援に繋がることを目指します。NEW AUCTIONでは、国内外の様々なコレクターやギャラリー、ディーラーと独自のネットワークを構築すると同時に ファッション、カルチャー、建築、食、インフルエンサーなど業界を超えたチームとの連携を積極的に取り入れ、作品を最大限にプロモーションいたします。

 


デンマークの実験的なロックバンド、Efterklangは、2024年9月27日にLirico / City Slangから最新アルバム『Things We Have In Common』をリリース。以降、バンドは大規模なツアーに乗り出し、昨年10月には日本で4公演を行い、12年ぶり、単独としては初の来日ツアーを成功させた。

 

8日間にわたり、東京、京都、名古屋で公演を行い、その様子を写真で記録。それらの写真が、アルバム収録曲の中でも際立った曲のひとつである「Ambulance」の、熱狂的で心を揺さぶるミュージックビデオに生まれ変わった。

 

9,000枚以上の写真から作られたこのビデオは、以前に「Sentiment」のミュージックビデオでもコラボしたKenneth Sarupによって印象的に編集された、来日ツアーのドキュメンタリー的内容。1月中旬より、Efterklangは『Things We Have In Common』ツアーをヨーロッパ各地で行う予定だが、先日の来日ツアーは、バンドにとって鮮明で懐かしい思い出が詰まった傑出した瞬間であり続けている。


EfterklangのベーシストRasmus Stolbergは語る。

 

「この何年もの間で最高のツアーのひとつだった。日本のファンや、ツアーに参加してくれたテニスコーツやausのような旧友たちとやっと再会できたことは、とても意味のあることだったし、安堵感もあった。日本は信じられないほど刺激的で特別な場所で、また戻ってくるのが待ちきれない!「Ambulance」のビデオにはとても満足しているし、日本で過ごした素晴らしい時間だけでなく、曲の中にある生のエネルギーや感情も表現できている」


ヴォーカリストCasper Clausenは語る。

 

「最近、僕らは日本に行ったんだ。昔からの友人であるテニスコーツのさやとウエノと一緒にコンサートをしたり、日本を旅したりした。そこで「Ambulance」のストップモーション映像を撮影することにしたんだ。東京の夜の救急車が、僕らにこの曲を思い出させたんだ...。このビデオは、9,000枚以上の写真をつなぎ合わせて、ツアー・ドキュメンタリーにしたものだ。ライヴに足を運んでくれたみんなに感謝するよ。また、日本でのツアーを企画してくれた友人のシンにも心から感謝している。ありがとう!」

 

 

「Ambulance」



【この曲について】

僕らの住む地域では、冬は考えすぎの季節のように感じられ、グレーの重い布団の中で丸くなって過ごすことが多い。そんなとき、ナイフのような鋭い陽光が、青空に鮮明な、骨の髄まで凍りつくようなハイライトのように、灰色を切り裂き、僕らの心の中で何日も瞬きつづける。このような日、僕らは羽のように軽く、物事を置き去りにして手放し、内なる魂の遠吠えに向かって窓を開ける。僕らは空中にいるのだ。


この曲は、誰もいない大都会、月夜の通りを静かに疾走する救急車のようだ。


「Ambulance」は、Rune Mølgaard, Tatu Rönkkö, Mabe Fratti, Hector Tosta, Jarrett Gilgoreとともに、アルバム『Things We Have In Common』のためにレコーディングした。

 

 

【新作情報】 Efterklang 『Things We Have In Common』 - New Album



<トラックリスト>

1. Balancing Stones

2. Plant

3. Getting Reminders

4. Ambulance

5. Leave It All Behind


詳細:https://www.inpartmaint.com/?p=40366

デジタル・ダウンロード/ストリーミング リンク:https://efterklang.lnk.to/TWHICYD



【Efterklang: プロフィール】


デンマークのコペンハーゲンの3人組バンド。マッズ・ブラウアー、キャスパー・クラウセン、ラスマス・ストールバーグという幼少期からの友人3人によって、2000年に結成。2003年に自主レーベルRumraketよりEP『Springer』でデビュー。


2004年にはUKのレーベルLeafと契約し、1stアルバム『Tripper』をリリース。エレクトロニカとチェンバー・ミュージックが高次元で融合したサウンドは国際的に高い評価を得た。2010年には世界的名門レーベル4ADと契約し、3rdアルバム『Magic Chairs』をリリース。


2012年に4thアルバム『Piramida』をリリースした後、バンドは伝統的なアルバム・サイクルから離れ、フィンランドのパーカッショニスト、タトゥ・ロンコ(Tatu Rönkkö)とリーマ(Liima)を結成し、2作のアルバムをリリース。


またコペンハーゲン・オペラ・フェスティバルの一環として、没入型オペラ『LEAVES: The Colour of Falling』を共作。2019年にはベルギーのバロック・アンサンブルB.O.Xとのコラボレーションによる全編デンマーク語のアルバム『Altid Sammen』をリリース。2021年の『Windflowers』に続き、2024年最新作『Things We Have In Common』をリリース。映画のような魅惑的な楽曲と、不朽の実験性と包容力で、長年にわたって熱狂的なファンを増やしてきた。

 

Samiaは3rdアルバム『Bloodless』を発表した。本作は、4月25日にGrand Juryからリリースされる。

 

2022年の『Honey』に続くアルバムは、硬質なカントリーロックソング「Bovine Excision」を筆頭に構成されている。シンガーソングライターは、「自己抽出のメタファーとして、無血の牛の切除という現象に惹かれました」と説明する。

 

Samiaは、共同プロデューサーのCaleb Wright(キャレブ・ライト)とJake Luppen(ジェイク・ルペン)、そしてソングライティング・パートナーのChristian Lee Hutson(クリスティアン・リー・ハットソン)とRaffaela(ラフェエラ)と共にニュー・アルバムを制作した。"可能な限り何も与えない方が、誰かが望むものになりやすい "と彼女は振り返った。"私は、誰かの頭の中で私がなった人物のように生きたいという私の人生のパターンに気づいた。


「過去20年間、私は知らず知らずのうちに、男性という抽象的な概念と神への理解を混同して過ごしてきた」とサミアは付け加えた。

 

「この想像上の人物に感銘を与えるために私がなった人物は、今の私とは切り離せない。私の人格のかなりの部分は、観察であれ伝聞であれ、男性に好かれると信じていた特徴や行動を中心に構築されていた。このアルバムで、私はそのことに正面から向き合おうとした」



Samia 『Bloodless』


Tracklist:

1. Biscuits Intro

2. Bovine Excision

3. Hole In A Frame

4. Lizard

5. Dare

6. Fair Game

7. Spine Oil

8. Craziest Person

9. Sacred

10. Carousel

11. Proof

12. North Poles

13. Pants

 

 



トロントを拠点に活動するシンガー・ソングライター、タマラ・リンデマンのプロジェクトThe Weather Station(ウェザー・ステーション)は、今週金曜日にファット・ポッサムからニューアルバム『Humanhood』をリリースする。発売日を目前に新曲をチェックしてほしい。

 

今回、彼女は最後のシングル「Mirror」を公開した。フィリップ・レオナールがこの曲のビデオを監督した。


リンデマンは歌う。 「あなたは畑に化学雨を降らせ、自分の痛みを超越するために私の腕を切った。


「この対決は穏やかなものだ。「しかし、人生と自然は巨大なバイオフィードバック装置だ。しかし、人生と自然は巨大なバイオフィードバック装置なのだ。そしてあなたも反応する。それが常に起こっていることなんだ。私が "神は鏡である "と言ったのは、そういう意味なんだ」


リンドマンはこう付け加えた。「幻想や認知的不協和を支える架空の足場のように、曲が歪んだり崩壊したりするようにしたかった。最後には、バンドは文字化けしてバラバラになり、シンセとストリングスのテクスチャーが宙吊りになる。曲の中で私が話していた光かもしれない」


「Mirror」

 

 

The Weather Station、ニューアルバム『Humanhood』を発表 1月17日にリリース

 

ジュリアン・ベイカーとトーレスは双方ともにポピュラーシーンで活躍目覚ましいが、年末からコラボレーションを企画している。昨年末、米国の深夜番組”The Tonight Show Starring Jimmy Fallon”で二人はこの曲を演奏した後、ジュリアン・ベイカー&トーレスは2024年を締めくくるデビューシングル 「Sugar in the Tank」をマタドール・レコードからリリースした。

 

昨日、彼らはクィア・カントリー・ダンス・パーティー、スタッド・カントリーとのコラボレーションで撮影された同曲のオフィシャル・ビデオを公開した。この映像には、Stud Countryの共同創設者であるショーン・モナハンとStud Countryコミュニティのスター・メンバーによるオリジナルの振り付けが収録されている。 

 

「ニューヨークで30年間踊り続けているジオ(ジェドリッカ)をはじめ、私たちのコミュニティからキャスティングできたことにとても興奮しています。ジュリアンやTORRESのような実績のあるアーティストが、私たちのイベントに実際に来てくれて、このカントリー・リバイバルの間に私たちとコラボしてくれるなんて、信じられないことです」とモナハンは言う。

 

スタッド・カントリーの常連でDJのジェー・クライプは、「南部で育ったトランスジェンダーの私にとって、安全で協力的で、とてもホットで素敵なクィアの人たちがたくさんいる場所で、自分の一部と再びつながることは、とても癒しになりました」と語る。

 

ジュリアン・ベイカーとTORRESは、このビデオについて次のように語っている。「スタッド・カントリーの皆さんが、私たちと一緒に楽しみながら、この曲のためにラインダンスを用意してくれたことを本当に光栄に思っています!関係者の皆さんはとても才能があり、私たちが動きを覚える間、忍耐強く優しく接してくれました。僕らにとって、ここニューヨークでカウボーイを一緒に踊れる場所と仲間を見つけることは特別なことなんだ」 



「Sugar in the Tank」

 

©V Haddad 

 

Floristはニューアルバム『Jellywish』を発表した。

 

 ニューヨークのインディー・フォーク・バンドの2022年発表のセルフタイトルに続くセカンドアルバムは、Double Double Whammyから4月4日にリリースされる。 本作には、先にリリースされた「This Was a Gift」に加え、魅惑的なリードシングル「Have Heaven」が収録されており、コハナ・ウィルソンがアニメーションを手がけたビデオと同時に公開されています。 アルバムのアートワーク(V Haddadによる)とトラックリストは下記よりご覧ください。


シンガー/ギタリスト/ソングライターのエミリー・スプラグは、このアルバムについて次のように説明しています。

 

「本当に混沌としていて、混乱していて、多面的なものを優しく表現している。 "私たちの世界にインスパイアされたこのテクニカラーと、私たちの世界から脱出するために使えるファンタジーの要素がある」


「”Have Heaven”について、スプレイグは次のように付け加えた。「私たちは、人生と個人の知覚の間の限界空間を浮遊する観察的な熱の夢の中に入っていく。 私たちの魂が生き、着地するための平和な場所を望むことを通して、喜びと苦しみの中で私たちがつながっていることへの考察がある。” Have Heaven”は、このアルバムの世界が常に明晰であるとは言い難く、むしろ私たちの周りに渦巻く魔法と死の世界の中に溶け込んだ視点であることを立証している。 コーラスは、これらの世界と、私たちが存在しなければならないシステムに縛られながら、互いに生き残ろうとする地上の姿との、よりよい共生を嘆願する聖歌である」



「Have Heaven」




ニューヨークのフォークバンド、Florist(フローリスト)が繊細で哀愁漂うシングル「Gloom Designs」を発表した。 

 

この曲は、前作「Have Heaven」と「This Was a Gift」に続くシングルです。近日発売予定のアルバム『Jellywish』に収録される。『Jellywish』はDouble Double Whammyより4月4日にリリースされます。


フローリストは、インディーフォークをベースとしたサウンドを特徴とし、とくにサンプリングやフィールド録音、シンセのマテリアルを取り入れた実験的なアプローチで知られている。

 

彼らは2022年のセルフアルバムで大きな手応えを掴んだが、続く作品ではさらにアメリカーナやカントリー、フォークの核心に近づきつつある。やさしくも儚いフォークソング。アコースティックギターにエミリー・スプラグのゆったりとしていて、繊細なボーカルが特徴のナンバーとなっている。この新曲について、フローリストのエミリー・スプラグは次のように語っています。

 

 

砂の上のマイルマーカー......。 ジェリーウィッシュのテーゼステートメント......。 生きていくことのマクロな清算.......。 最初は自分自身の人生の物語を内観し、次に死に向かって日常をふるいにかけ続けることの意味、魔法と恐怖、疲れていること、地上の欲望、破壊、恐怖、絶望、感謝、共感、幻想、平凡、願いについて振り返る。

 

人間の悪を目撃する。 私たちの全歴史、次に来るものへの疑問符。 私たちの惑星である地球への愛と、多くの人々が今も地球と互いのために発揮している善意。 考えること。 最終的ではあるが、終わってはいない。



「Gloom Designs」


 

©︎V Haddad

Floristは『Jellywish』からの新曲「Moon, Sea, Devil」を公開した。 4月4日にDouble Double Whammyからリリースされるアルバムの収録曲。本シングルは、過去にリリースされた「Gloom Designs」、「This Was A Gift」、「Have Heaven」に続くものだ。 以下よりチェックしてほしい。


『Moon,Sea,Devil』は、地球の身体の中にある多次元的な意識について歌っている」とバンドのエミリー・スプラグは説明する。


 セルフタイトルのレコードをリリースしてから数年間、私たち(人間)は集合体として、多くの小さな行動、感情、反応によって互いに影響し合い、周りの世界に影響を与えている。 この曲は、私たちのそばにある目に見えない世界を信じ、その視点を使ってベールを突き破り、謙虚な現実の中でより大きな共感、愛、他者とのつながりを生み出すための強力なツールを作ることを提案している。 


私たちの種としての力を引き出し、実際の善のための変化を生み出し、すべての人々の人生をより良く、より平等にするために、私たちはあえて互いを大切にし、地球上の生命を大切にしないすべてのものに反対しなければならない。

 


「Moon, Sea, Devil」

  


 

ニューヨークを拠点に活動する4人組、Florist(フローリスト)が今週金曜日にDouble Double Whammyよりニューアルバム『Jellywish』をリリースします。今回、タイトル曲 "Jellywish "が公開された。フローリストらしいアコースティックギターをフィーチャーした柔らかなインディーフォークソング。歌詞や音楽からはフローリストの博愛主義の美しい精神が滲み出ている。


バンドのエミリー・スプラグはプレスリリースでこのニューシングルについて次のように語っています。

 

 "Jellyfish "はアップビートな曲でありながら、私たちが本当はどれほど破滅的な運命にあるのか、私たちの一生が何をもたらすのか、そしてそれに対して私たちに何ができるのかを必死に考えている暗い曲でもある。

 

この曲は、私たちの世界の神秘に驚嘆すると同時に、人間の手によってその多くが破壊されたことを嘆いている。

 

「Jellyfish」は、私たちの心と自然界との間に一本の線を引き、この曲とレコードの重要なテーマを確立しようとしている。

 

この曲は、リスナーに対して、私たちは幸せと愛に値するというパワーセンターを思い出させることで終わっている。これは、以前の歌詞を反映している。"地球のすべてを破壊する "という歌詞は、物事がどのように見えるかについての観察であるが、そうである必要はなく、挑戦しなければならない。

 

 「Jellywish」


Florist 『Jellywish』

 

Label: Double Double Whammy

Release: 2025年4月4日


 Tracklist


1 Levitate 
2 Have Heaven
3 Jellyfish
4 Started To Glow
5 This Was A Gift
6 All The Same Light
7 Sparkle Song
8 Moon, Sea, Devil
9 Our Hearts In A Room
10 Gloom Designs

最初の掲載時に記事に誤りがございました。訂正とお詫びいたします。

 


その兆候はすでに前作からはっきりとした形で見え始めていたが、ハルの4人組バンドbdrmm(ベッドルーム)は単なるシューゲイズバンドではない。エレクトロニクスを含めた多彩な音楽性をもとにして、新世代のロック・ミュージックを構築しようと模索しているところである。

 

bdrmmはニューシングル「Infinity Peaking」を公開した。同曲は、彼らをツアー中に発掘したモグワイの主宰するレーベル”Rock Action”から2月28日にリリースされるアルバム『Microtonic』に収録される。「And it feels like I'm losing my way/ And it feels like I'm losing the way」とライアン・スミスが歌うこの曲は、陰鬱だが、迷い込むには本当に楽しい曲だ。


「Infinity Peaking」は、シューゲイザーとエレクトロニカの慎重なバランスという、かつてのバンドと今のバンドを完璧に表現している。 イントロのエレクトロニクスからゆったりとしたドラムが始まり、そして創造性の高いロックソングが組み上がっていく。ボーカルにも注目だ。

 

「この曲はマラガにいた時に書いた。薄暗いベッドルーム以外で書いた最初の曲だ。 ドゥルッティ・コラムの『湖のホテル』(1990年)を彷彿とさせるロケーションを捉えているような気がする」


「歌詞とは裏腹に)真の喜びに満ちたトラックで、スタジオで作業するのが楽しかった」と彼は付け加えた。 「この曲は(歌詞とは裏腹に)真の喜びに満ちていて、スタジオで作業するのが楽しかった。 スタジオの床に座って、買ったばかりのペダルを囲んでいるときが一番幸せなんだ」

 


「Infinity Peaking」

 

bdrmm  三作目のアルバム『Microtonic』を発表 Rock Actionから2/28に発売

 

 

オークランドのエクスペリメンタルポップミュージシャン、クリスティア・カブラルによるプロジェクト、SPELLLINGは4枚目のアルバムを発表した。

 

『Portrait of My Heart』は、Sacred Bonesから3月28日にリリースされる予定だ。このアルバムには、Toro y Moi(トロ・イ・モア)のチャズ・ベアがヴォーカルで参加し、Turnstileのギタリスト、Pat McCrory、ZuluのBraxton Marcellousがインストゥルメンタルで参加している。

 

カブラルはプレス・リリースで、「タイトル・トラックの歌詞がまとまったとき、これまで私が取り組んできたような気まぐれな風景ではなく、よりエネルギッシュな方向へとすべてが変化し始めた」

 

「よりドライブし、より高いエネルギーを持ち、より集中するようになった。そのため、私はこの作品に大きな愛着を持っている。変容に耐えたような感じが気に入っている。時代を超越した感覚を持っていてほしい。こんな風に存在したり、あんな風に存在したり、こんな風に存在したりというように」


「Portrait of My Heart』をレコーディングするために、カブラルはツアー中のバンド仲間(ミステリー・スクールとして活動)であるワイアット・オーヴァーソン(ギター)、パトリック・シェリー(ドラムス)、ジュリオ・ザビエル・チェット(ベース)と一緒に参加した。 アルバムの最後にはMBVのカバーが収録されている。

 

エクスペリメンタルポップと紹介されることがあるSpellingであるが、今回のアルバムではよりジャンルを絞り、ドリームポップやシューゲイズを絡めたギターロックに傾倒しているようだ。


 

「Portrait Of Heart」

 


・2nd Single 「Alibi」


 

SPELLLINGはエクスペリメンタルポップのシーンに新鮮な息吹を吹き込むアーティスト。今回、3月28日に発売予定のアルバム『Portrait Of My Heart』から「Alibi 」と題された美しいバンガーをリリースした。ハードロック的な雄大で重厚なギターリフ、しかし、ボーカルは驚くほど軽やかでポップ。曲の流れにしたがってエモーショナルなイメージが前面に押し出される。

 

ニューシングル「Alibi」は北米のモダンなポストハードコアのアイコン、TurnstileのギタリストであるPat McCroryをフィーチャリングしている。さらに、Chrystia CabralがLiz Phairをチャネリングしている。 このエクスペリメンタルポップアーティストは、この曲について次のように語っている。


「Alibi」では、有害な人間関係の裏側から抜け出したときの、喜劇的でヒステリックな安堵感を表現している。 いったん呪縛が解け、明晰さが良識を取り戻せば、不条理を笑い飛ばせるような浮揚感が人生に生まれるんだ。

 

私はリズ・フェアーの大ファンで、彼女の率直で突き抜けた平明な歌詞のアプローチに自分自身を重ねた。 この曲は間違いなく、自分の中にある怒りっぽい一面を解き放ったもので、とてもカタルシスがあり、解放するのが楽しかった。

 

「Alibi」はもともとピアノバラードだった。 「Portrait Of My Heart」と同様、"Alibi "は高揚感と勝利に満ちた爆発的なサウンド。

 

「Alibi」


  ・3rd Single「Destiny Arrives」


 

先行シングルはそれぞれロック的なアプローチとドリーム・ポップ的なアプローチが混在していた。3作目のシングルは70-80年代のR&B風のシングルで、シンセサイザーが甘い歌声と匠に混ざり合う。

 

このアルバムでは、『The Turning Wheel』のように、私の大好きなストリングスや、気まぐれでロマンチックなスティービー・ワンダーの『Secret Life Of Plants』(シークレット・ライフ)風のシンセシアトリックスに敬意を表したかった。

 

SPELLLINGのそういった要素がこの曲で輝いているのが本当に嬉しい。『Destiny Arrives』は、『Portrait Of My Heart』のよりパンチの効いた攻撃的な曲の中で、純粋さと楽観主義の甘い瞬間のような役割を果たしているんだ。


私は勇気について考えていて、変化を受け入れ、人生の本当の道を歩むことがどれほど怖いことなのかを考えていたの。このビデオでは、狼男の変身を微妙に暗示することで、運命とは、自分の真の使命に抵抗するときの苦悩や呪いであるという考えを表現している。未知の危険を受け入れることは、曲の終わりには陶酔的な状態になる。


SPELLINGのニューアルバム『Portrait Of My Heart』はSacred Bonesから3月28日に発売されます。

 

 「Destiny Arrives」



Spelling 『Portrait of My Heart』

Label:Sacred Bones

Release:2025年3月28日


Tracklist:

1. Portrait of My Heart
2. Keep It Alive
3. Alibi
4. Waterfall
5. Destiny Arrives
6. Ammunition
7. Mount Analogue
8. Drain
9. Satisfaction
10. Love Ray Eyes
11. Sometimes (My Bloody Valentine cover)

Darkside
©Lefteris Paraskevaidis


ダークサイドダークサイド(DARKSIDE)は、ニューヨークを拠点とするアメリカのバンド。バンドは2011年、当時ブラウン大学の学生だったエレクトロニック・ミュージシャンのニコラス・ジャーとマルチ・インストゥルメンタリストのデイヴ・ハリントンによってロードアイランド州プロビデンスで結成された。

 

ニューアルバム『Nothing』を発表し、リード・シングル「S.N.C.」のミュージック・ビデオを公開した。「Nothing』はMatadorから2月28日にリリースされる。


ダークサイドは現在、ニコラス・ジャー、デイヴ・ハリントン、新メンバーのトラカエル・エスパルサの3人組のラインナップを組んでいる。待望のニューアルバム『Nothing』は、2021年の『Spiral』、2013年の『Psychic』に続くサード・アルバムとなる。このアルバムは南フランス、ロサンゼルス、パリの3箇所でレコーディングされ、即興的なジャムから構成されている。


アルバムのタイトルについて次のように詳しく説明されている。

 

「ジャールにとって、この "何もない "というコンセプトは、人生の他の側面にも当てはまるようになった。ジャールにとって、この "何もない "という概念は、人生の他の側面にも適用できるようになった。"何もない "というのは、何が問題なのかと尋ねられたときの反射的な答えであり、表現し始めることさえできないほど多くのことがあるときの答えなのだ」

 

「この枠組みでは、「何もない」はその鏡の反対を意味する。あるいは、「何もない」ことは、世界に変化がないことを示す忌まわしい説明にもなる。気候変動に対する気の遠くなるような不作為、政治的偽善、パレスチナやスーダンなどの人々に対する暴力の繰り返されるサイクル」

 

リードシングルではよりバンドサウンドにポイントが置かれている。ファンクをベースをしたカッティングギターがループサウンドの中で、様々な変容を見せながら拡張していく。反復の中で、ベース、ギター、パーカッションを中心に自由性の高い即興的な演奏やセッションが繰り広げられる。彼らのサウンドは見る角度によって異なり、ファンクにも、サイケにも、ジャジーなテイストを醸しだすロックにもなりえる。その多彩性こそが現在のダークサイドの魅力である。


「S.N.C.」



 

Darkside 『Nothing』

 Label: Matador

Release:2024年2月28日

 

Tracklist


1. Slau
2. S.N.C
3. Are You Tired
4. Graucha Max
5. American References
6. Heavy is Good For This
7. Hell Suite (Part I)
8. Hell Suite (Part II)
9. Sin El Sol No Hay Nada

 

Darkside Tour Date:


Thursday, March 13, 2025
Chicago, IL, US
Friday, March 14, 2025
Detroit, MI, US
Saturday, March 15, 2025
Toronto, ON, Canada
Sunday, March 16, 2025
Montreal, QC, Canada
Tuesday, March 18, 2025
Boston, MA, US
Wednesday, March 19, 2025
Philadelphia, PA, US
Friday, March 21, 2025
Brooklyn, NY, US
Saturday, March 22, 2025
Brooklyn, NY, US
Sunday, March 23, 2025
Washington, DC, US
Tuesday, March 25, 2025
Nashville, TN, US
Wednesday, March 26, 2025
Atlanta, GA, US
Thursday, March 27, 2025
Knoxville, TN, US
Friday, April 4, 2025
Portland, OR, US
Saturday, April 5, 2025
Vancouver, BC, Canada
Sunday, April 6, 2025
Seattle, WA, US
Friday, April 11, 2025
Indio, CA, US
Tuesday, April 15, 2025
Salt Lake City, UT, US
Wednesday, April 16, 2025
Denver, CO, US
Friday, April 18, 2025
Indio, CA, US


ミュージックフェスティバルが商業的なイベントとして確立され始めたのは、1960年代後半のことでしょう。ロックやポピュラー音楽の世界的な普及とともに、ライブ興行として楽しみたいというファンが増えてきました。このフェスティバルは、日頃、ソロ公演に行く機会の少ない音楽ファンを取り込み、一大的な商業イベントとして発展してきた経緯がある。

 

モントレー・ポップ・フェスティバル、ウッドストック、ワイト島など、ハードなロックが人気を獲得する中で、大音量のPAシステムを組み上げることも可能になりました。特に、ライブ・フェスの普及に関しては、ビートルズ時代までは、音量やモニターの返しに限界があったため、満足のいくライブパフォーマンスになることは稀でした。当時は、マーシャルのアンプを渦高く積み上げ、ギターを鳴らすギターヒーローの姿も映像の中でご覧になったこともあるでしょう。それがPAシステムの機能の工場、そしてオーディオの進化により、大規模な観衆全体に聴取可能なサウンドシステムが構築された。

 

特に、音楽フェスティバルの発展と合わせてロック、ダンスミュージックがよりダイナミックな意味を持ち始めたのは事実でしょう。それまでは数千人規模にしか鳴り響かなかったサウンドが70年代ごろになると、数万人規模のライブ空間へと広がっていきました。1980年代にはニール・ヤングのファーム・エイドなど、慈善的な意味を持つフェスティバルも開催されるようになりました。以降、音楽フェスティバルは、多くのプロモーターが夢見る空間となり、商業的なベースを拡大し、エンターテイメントの中核を担うようになったといえるでしょう。

 

近年、顕著なのは、根幹となる地域とは別の地域や海外でサブ的なミュージックフェスバルが開催される傾向にあるようです。ロラパルーザ、プリマヴェーラなどはこの代表的な事例です。


日本でも90年代頃から、大型フェスティバルが開催されるようになりました。自然一体型の音楽祭、フジロックフェスティバル、レディングの都市型を受け継いだサマーソニック、またそれに付随する補足的なフェスティバルなど、例を挙げるときりがありません。近年、日本では独立系の音楽祭も増加しており、注目すべきフェスも開催されるようになっています。ジャンルも多岐にわたり、ポピュラー、ダンス、クラシカルに特化したイヴェントも開催されるようになってきています。


音楽祭を楽しむ上では、観光的な楽しみとグルメ、グッズ販売などは切り離せません。現地の独特の空気感や風景、そして会場で楽しめる食事等、アーティストやイベントのグッズ等、その時にしか購入できないグッズもあります。ぜひ会場でこういったスペシャルな楽しみを探ると良いかもしれません。今回のセレクションでは、世界の10大ミュージックフェスティバルを選びました。




1. Lollapalooza (US)


8月上旬にシカゴのグラント・パークにて開催されるイベント。トレンドのポピュラーからロック、ダンス、パンク、ヒップホップまでジャンルレスに網羅している。US版グラストンベリーといえるでしょう。

 

ロラパルーザ(Lollapalooza)はアメリカ合衆国イリノイ州シカゴで毎年開催されるロック・フェスティバル、及び同名を冠した世界各地で開催されているフェスティバル・ブランド。現在は、シカゴの他に、チリ、ブラジル、アルゼンチン、ベルリン、パリ、ストックホルムで開催されています。


 

ミュージシャンの出演のほか、バラエティに富んだイベントが開催される。ダンスパフォーマンスやコメディなどの公演も行われる。1991年にジェーンズ・アディクションのボーカル、ペリー・ファレルが組織したロラパルーザは北米各地をツアーする形態をとったロックフェスティバルで、オルタナティブ・ミュージックの隆盛に伴い、1990年代のアメリカの若者文化の重要な一部を担いました。



1997年で終了した後、2003年に復活したが、チケットの売り上げが思わしくなかったこともあり2004年は開催されなかった。2005年以降、テキサス州オースティンに本拠をおくキャピタル・スポーツ・エンタテインメントが運営を行い、シカゴ都心の大規模公園グラント・パークを毎年の会場とする週末開催型の野外フェスティバルに変更された。2011年から国外進出をはじめ、シカゴの他にも世界各地で開催されるようになりました。 



2. Coachella(US)


コーチェラはカルフォルニアのインディオで開催される文字通り砂漠のミュージックフェスティバル。4月11日から三週にわたって開催され、一年の中で最も早い時期の音楽祭のひとつとなっています。米国内でも最大規模を誇る。毎年のように凄まじい総数のミュージシャンが出演するが、ヘッドライナーに注目が集まります。その年のアメリカのミュージック・シーンを占うような意味が込められている。また、例年、Youtubeで公式パフォーマンスが生中継される。

 

コーチェラ・バレー・ミュージック・アンド・アーツ・フェスティバル(Coachella Valley Music and Arts Festival)は、アメリカ合衆国カリフォルニア州インディオの砂漠地帯“コーアチェラ・バレー”(コロラド砂漠の一角)にて行なわれている野外音楽フェスティバルである。正式名称は「コーチェラ・バレー・ミュージック・アンド・アーツ・フェスティバル」だが、一般的にはコーチェラ・フェスティバル、あるいは単にコーチェラ(Coachella)と簡略化されて呼称される。



1993年にパール・ジャムが行ったインディオでの大規模野外ライブを前身として、その興行ノウハウを整えた運営組織がアメリカ合衆国西海岸のロックフェスとして1999年に開催をスタートさせました。当初は、2日間の開催(2000年は開催せず、2001年の第2回のみ1日開催)でしたが、2007年より3日間開催に移行。さらに2012年より金・土・日のラインナップを固定して行う2週間開催に拡大した。現在その開催規模はロラパルーザ、ボナルーと並びアメリカ合衆国最大を誇り、今や世界屈指の音楽フェスとして認知される。イギリスのグラストンベリー、日本のフジロックと同様に大自然の中で開催される巨大フェスティバルです。 

 

 

3.Primavera Sound (Spain)


スペイン最大級のミュージックフェスティバル。主要開催地のバルセロナのほか、ポルト、サンパウロでも開催されます。

 

解釈の仕様によっては最もヨーロッパ的な音楽イベントのひとつに挙げられます。特に、ダンスミュージックに力を入れまくっている印象を受けるが、全般的なラインナップはオルトロック、メタル、ジャズ、ヒップホップとジャンルレス。現在は6月5日から7日に開催されます。フェスティバルの参加と合わせて、フェスティバル主催側はバルセロナ観光も推奨しています。

 

当初、プリマヴェーラ・サウンドは1990年代からバルセロナで小規模なイベントとして開催されていました。2001年にPoble Espanyolで大規模イベントとして複数のステージで開催されるようになり、約7,700人がこのイベントに集まるようになりました。それ以降、スペインで最も規模の大きいフェスティヴァルへと成長した。2010年には10万人、2017年には20万人を超える観客を動員した。 現在ではヨーロッパの最大規模のイベントへと発展しています。



4.Rock In Rio(Brazil)


南米で最も情熱的なミュージックフェスティバル、ロックインリオ。メタルやロックの大御所が出演し、時々、伝説的なライブ・アルバムもこの音楽祭からは登場することも。ただ、隔年で開催されることが多く、不定期のイベントとして知られている。22年に開催されてから音沙汰がありません。

 

最初の開催は1985年1月11日から20日までの10日間開催され、クイーン、アイアン・メイデン、ジョージ・ベンソン、ジェームス・テイラー、ロッド・スチュワート、ゴーゴーズ、ニーナ・ハーゲン、AC/DC、スコーピオンズ、オジー・オズボーン、イエス、B-52'sらが出演、特にクイーンが出演した11日と19日の公演はグローボを通じ世界60カ国で中継され、2億人が視聴したとも言われています。


第2回は1991年1月18日から27日まで開催。プリンス、ガンズ・アンド・ローゼズ、ジョージ・マイケルらが出演した。第3回は2001年1月に開催。スティング、R.E.M.、オアシス、ブリトニー・スピアーズ、ニール・ヤング、レッド・ホット・チリ・ペッパーズらが出演しました。

ロック・イン・リオは2004年にポルトガルのリスボンにて海外初公演を実施。その後マドリード、メキシコシティでも開催された。2011年9月には第4回ロック・イン・リオが開催されました。

 

 

5.Glastonbury(UK)



1980年代から世界的なミュージックフェスティバルとして知られてきたグラストンベリー。ヘッドライナーの3日目には伝説的なミュージシャンが抜擢され、注目が集まります。元々はイギリスのロックミュージシャンが強かったが、近年ではアメリカのヒップなミュージシャンがサブヘッドライナーに抜擢されることも。特色を挙げるとすれば、キリスト教区で開催され、キャンプを設営したりというように、自然との一体型フェスティバルの原型でもある。間違いなくイギリス国内では最も人気がある音楽祭です。チケットは販売開始後、一時間ほどでソールドアウト。サイトがダウンするときもあり、ファンは緊張した一時間を過ごすことになる。

 

近年ではチケットの高騰やヘッドライナーの選出に関して問題視されることもあるが、私自身最も好きな音楽フェスの一つ。近年では、BBCが放映権を所有し、Youtubeの公式チャンネルで動画が分割して公開されます。 とくに、メインとなるピラミッドステージの他、複数のステージでタイムテーブルが組まれる。特に面白いのは、イベントの開始時にはピントンの門が開かれ、主催者がフェスティバル開始の合図を行う。大物ミュージシャンがお忍びで参加しているのも確認される年もある。ピントンの丘であの有名ミュージシャンに出会うことも不可能ではありません。


6.South By Southwest(US)



テキサス州オースティンで開催されるイベント。 一般的な音楽フェスティバルが音楽に特化したイベントを組む中で、音楽という枠組みにとらわれない多彩な企画を発案し、フェスティバルという考えに革新性をもたらしています。都市型フェスティバルに位置づけられ、ミュージシャンやバンドも多数出演しますが、サウスバイサウスウェストの魅力はそれだけにとどまりません。

 

サウス・バイ・サウスウエストの特色は、ビジネスの側面で新しさをPRすることにある。起業家が集う対話型のカンファレンスも開催されるほか、TVやフィルムも上映されるという多面体のイベントである。どの分野に注目するのかは参加者次第で、また見え方というのも異なる。特に、このイベント内のインタラクティヴフェスティバルでは、注目のマルチメディアがPRされる。サウス・バイ・サウスウエストは2007年にTwitterを表彰し、このメディアの普及に貢献しました。

 

サウス・バイ・サウスウエストは音楽だけではなく、マルチメディアとしての核心的なイベントの一つであり、今後も注目が集まりそう。ロンドンでの開催を発表しており、今後複数の都市での開催が期待されます。


 

7.Fuji Rock Festival(Japan)


グラストンベリーの自然一体型をより強調付けたイベントがフジロックである。通例では、7月26日から28日にかけて開催される。日本の夏を象徴するようなイベントの一つ。海外の有名アーティストから日本の新人アーティストまで幅広く出演します。

 

自然を楽しみながら音楽に夜中まで浸ることが出来る。例年、南魚沼の苗場スキー場で開催され、音抜けの良いイベントとして知られています。例年ではスペシャルグッズが販売され、かわいらしいマスコットみたいなのも登場します。サマーソニックと並んで、アーティストの招聘も素晴らしく、近年ではコーチェラやグラストンベリーに匹敵する豪華なラインナップが組まれる。また、同時並行型のタイムテーブルが組まれるのは、サマーソニックと同様である。苗場まで遠くてアクセスしづらいという方には朝霧JAMへの参加がおすすめ。こちらは10月に開催されます。

 

 

8.Summer Sonic(Japan)



こちらも日本の夏を象徴するライブ・イベント。東京・大阪の二都市で例年は8月17日から18日に開催されます。東京は、メイン会場であるZOZOマリンスタジアムの他、幕張メッセでも同時開催されます。大阪は、万博記念公園に会場を移転しました。自然一体型のフジロックとは対象的にレディング・フェスティバルの都市型をより強調付けるイベントとなっている。

元々はインディーズミュージックを推進しており、当時一般的に知られていなかったレディオヘッドを国内に紹介し、知名度を高めました。フジロックのラインナップとかぶる点もあるが、ヘッドライナーに関しては、主催者側の特色が力強く反映されるという印象を受けます。ある意味では、その年の洋楽を占うようなイベントに位置づけられるでしょう。もちろん邦楽の注目アーティストも出演します。

 

昨年、東京/大阪の主要都市に加え、アジア開催を行い、話題を呼んだ。最近では、ソニックマニアのほか、パンクロックに照準を絞ったパンクスプリング、ロッキング・オン誌との共催で行われるロッキング・オン・ソニックとジャンルごとに狙いを絞ったイベントを開催しています。基本的にはフジロックと同様にジャンルレスで楽しめますが、伝統的にロックに力を入れている印象を受けます。


 

 

9.Tomorrow Land (Belgium)


2000年代はヨーロッパを中心にダンスミュージック、EDMが流行した。その流れを受けてか、2010年代にはヨーロッパでダンスミュージックに特化したイベントが注目を浴びるようになってきた。その流れを決定付けたのがベルギーのトゥモローランド・フェスティバル。アントワープは歴史あるヨーロッパ建築が多く、観光がてらフェスティバルに参加するのもおすすめ。

 

このイベントはマニュ・ベアーズとマイケル・ベアーズの兄弟によって発案され、2005年にデ・ショール州立レクリエーション公園内で開催。インターナショナル・ダンス・ミュージック・アワードでは、5回連続で「年間最優秀音楽イベント」に選ばれるなど、数々の賞賛や賞を受賞しています。



Tomorrowlandの成功は、スピンオフ・フェスティバルの創設につながった。2013年から2015年にかけて、このコンセプトは、TomorrowWorldという名前でアトランタ近郊のアメリカに短期間輸出されました。 2015年には、Tomorrowland Brasilとして知られるフェスティバルが第三国のブラジルで始まりました。2019年からは、フランスのアルプ・デュエズというオリンピック・リゾートの中心部で、冬季版「Tomorrowland Winter」が開催されるようになりました。


 

10.Green Man Festival(Wales)


グリーンマン・フェスティバルは、ウェールズのブレコン・ビーコンズで毎年8月中旬に開催される音楽、科学、アートを中心とする独立系のフェスティバル。グラストンベリーと同じように、自然一体型のイベントに位置づけられます。ウェールズらしさのあるお祭りといった感じで、独特な巨大な人形が登場します。総合型マルチメディアのイベントとして注目したいところでしょう。

 

グリーン・マンはオルタナティブ、インディー、ロック、フォーク、ダンス、アメリカーナを中心にライブミュージックを紹介する、25,000人収容の1週間にわたるイベントに発展しました。フェスティバル会場は10のエリアに分かれ、文学、映画、コメディ、科学、演劇、ウェルネス、ファミリー向けのアクトが催されます。

 

このフェスティバルは、グリーンマン・トラスト(Green Man Trust)と呼ばれる慈善事業部門を設立したり、グリーンマン・グロウラー(Green Man Growler)と呼ばれる独自のビールシリーズを発売するなど、他の事業にも進出しています。これまでのヘッドライナーは、クラフトワーク、ビセップ、ローラ・マーリング、ヴァン・モリソン、マイケル・キワヌカなどが務めています。