ロンドンのインディーロックバンド、Daughterが未発表曲「Not Enough」をリリースしました。この曲は、セカンドアルバム『Not To Disappear』の10周年を記念して発売された。
この新曲は、2023年のアルバム『Stereo Mind Game』以来、約3年ぶりの新曲となる。「Not Enough」は元々『Not To Disappear』のレコーディングセッション中に書かれたもので、バンドはデモも録音していたが、最終的なトラックリストには収録されず、長らくお蔵入りしていた。
2025年11月、ドーターはこの楽曲を再構築し、ロンドンのTotal Refreshmentスタジオで再録。ギタリストのイゴール・ヘーフェリがプロデュースを担当し、ニコラス・ヴァーン（Deerhunter、Animal Collective、War On Drugs）がミキシングを手掛けた。
バンドはこの曲について次のように語る。「『Not Enough』は『Not To Disappear』に収録されなかったが、私達はこの曲を愛していた。ライブで数回演奏したこともあったが、ハードドライブに埋もれたデモのままになっていた。今回、アルバム発売10周年を記念し、あの時代に未完成のまま残された楽曲の数々を再訪したいと思った。 2025年11月、ついに全員で再びロンドンに集結し、スタジオで『Not Enough』を共に録音した。今はそれぞれ別の場所に住み、最近の作業はリモートで行われることも多いが、この瞬間は昔を思い出させるものだった」
「Not Enough」
オーストラリア生まれで、最近ロサンゼルスに移住したシンガーソングライター、Jordan Anthony（ジョーダン・アンソニー）による豊かなインディーポップシングル「Lost In LA」がミュージックビデオと合わせて公開された。ジョーダン・アンソニーはベッドルームポップの新星で、今後の活躍が楽しみな存在だ。
「Lost In LA」は、彼の近々リリース予定のEPからの先行曲。 アコースティックギターの弾き語りの一曲で、センチメンタルな感覚に満ちている。エド・シーランを彷彿とさせる素晴らしいトラックである。
ジョーダンは14歳で脚光を浴び、オーストラリア版『The Voice』（2019年）でトップ4のファイナリストとして全国的な注目を集めた。同年、ジュニア・ユーロビジョン・ソング・コンテストにオーストラリア代表として出場し、自身の楽曲「We Will Rise」を披露し、国際的に8位に入賞。その後まもなく、パースのRACアリーナで開催された「One Big Voice」フェスティバルでヘッドライナーを務め、音楽を通じたストーリーテリングの力についてTEDxトークを行った。
昨年11月、ジョーダンは『Hurt Me Sooner』をリリース。この楽曲は、自分を形作ったと知りつつも、あの時を戻せたらと願う関係の回顧に宿る痛みを捉えている。ブレット・クーリックとの共作、テイラー・スパークスプロデュースによる本作は、壮大なポップ・プロダクションと生々しい感情の脆弱性を融合させ、ジョーダンのストーリーテリングの進化をさらに前進させた。
ニューシングル『Lost In LA』については、彼自身が「本当に重要」と語る、極めてパーソナルな楽曲である。「本来であればリリースしない予定だった」とアンソニーは明かす。「にもかかわらず聴けば聴くほど、この曲は世に出すべきではないかと気づいた。故郷（パース）を離れて、LAで過ごした最初の年だけでなく、アーティストとしての私の旅路そのものを物語っている」
さて、2026年の幕開けを飾る『Lost in LA』と、これまでで最も率直な作品となるであろう近々リリース予定のEPを通じ、ジョーダン・アンソニーは新しい世代のポップアーティストの最前線に躍り出る。彼は、弱さや脆さを恐れない。また、スピリットをさらけ出すことをためらわない。個人的な物語を普遍的なアンセムに昇華させるため、日々、自らの情熱を注いでいる。
「Lost In LA」
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At just 20 years old, Jordan Anthony has already lived a lifetime of music. The Perth-born, Los Angeles–based artist writes emotionally charged pop anthems that fuse storytelling with soul, transforming his own struggles and triumphs into songs that make people feel seen.
His journey began early. At age seven, Jordan wrote his first song, not a hit, as he jokes, but an outlet. Bullied at school and struggling to open up, songwriting became his escape. “It allowed me to say things I never could out loud,” he recalls. “From that point on, I knew this was what I was meant to do, to help people feel seen, heard, and less alone.”
By five, his parents had enrolled him in piano lessons, a decision he once resisted but now credits as the foundation of his self-sufficient musicianship. With that skill came the freedom to arrange and compose, and before long, he was writing songs with the kind of emotional honesty that would define his artistry.
At 14, Jordan stepped into the spotlight, earning national attention as a Top 4 finalist on The Voice Australia (2019). That same year, he represented Australia at the Junior Eurovision Song Contest, performing his original song “We Will Rise” and placing eighth internationally. Soon after, he was headlining Perth’s One Big Voice festival at RAC Arena and delivering a TEDx Talk on the power of storytelling through music.
But it was his leap into the global scene that truly set him apart. In 2024, Jordan was invited to compete on American Idol, where he made the Top 14 and introduced his music to a worldwide audience. The experience led him to relocate to Los Angeles, a move that marked the beginning of his next chapter.
His breakout collaboration “Cherry” with fellow Idol alum Ajii served as his first major introduction to global listeners, combining silky pop production with heartfelt lyricism and marking the beginning of Jordan’s evolution into a world-class pop storyteller.
In the months that followed, Jordan cemented his creative identity with a string of powerful singles, “Reckless” and “Tell Me”, each exploring a different shade of love, loss, and self-discovery. “Reckless” showcased Jordan’s pop sensibility and his ability to make heartbreak feel euphoric, while “Tell Me” leaned into vulnerability, pairing his soaring vocals with introspective lyricism that resonated deeply with fans. Together, the tracks set the stage for his most emotionally mature work to date.
In November 2025, Jordan released Hurt Me Sooner, a song that captures the ache of looking back on a relationship and wishing you could get that time back, even when you know it shaped you. Written with Brett Koolik and produced by Taylor Sparks, the track blends sweeping pop production with raw emotional vulnerability, marking another step forward in Jordan’s storytelling evolution.
Now, Jordan returns with his new single Lost in LA, a song he describes as “really important” and deeply personal. “I almost never even released it,” he admits, “but the more I listened to it, the more I realized this song actually needs to come out. It tells a lot of my story, not just my first year in LA away from home, but my journey as an artist overall. Being an artist can be so volatile, and this song kind of encapsulates those feelings of how easy it is to lose your way. I wanted to show people that it’s okay to feel like that and that it’s normal when pursuing your dreams, I just hope someone out there needs this song just as much as I do.”
While Lost in LA is a standalone single, Jordan hints that it’s just the beginning: “There’s an EP on the way this year that I’m genuinely so excited about. It’s a culmination of the best songs and stories I’ve written over the last year and a half, moving to LA, finding who I am as an artist, and making music I feel so genuinely passionate about. It’s taken a long time to get to this point sonically, and I feel like it’s always developing, but I can’t wait for everyone to hear it.”
The song was born in a moment of solitude. “I wasn’t intending to write that day,” Jordan recalls, “but I was really homesick and doubting everything. I picked up my guitar, and the song just fell out of me in thirty minutes.” Once he decided to release it, Jordan collaborated with Nashville producers Parker Matthews and Todd Tran, who elevated the track to its final cinematic pop form.
Lost in LA is meant to be felt as much as heard. Jordan envisions it as a “headphones-in-the-uber-looking-out-the-window-longingly main character moment” type of song, though he believes it can resonate anywhere. At its core, the track is a message to never give up on one’s pursuits: “Accept the lows and know it’s all part of the process. Use those days to make the small wins feel even sweeter. It’s something I struggle with every day, but writing songs like this makes it easier to cope.”
Jordan’s artistry thrives in the balance between vulnerability and confidence, heartbreak and hope. His musical inspirations range from Ed Sheeran, Adele, and Sam Smith to Bruno Mars, Michael Jackson, Charlie Puth, Mike., Tate McRae, and Teddy Swims, artists whose emotional precision, presence, and authenticity have shaped both his sound and his approach to pursuing his dreams.
Outside the studio, Jordan stays grounded through family time, beach days, sushi outings, PlayStation sessions, and soccer, a lifelong passion rivaling music itself.
Jordan’s career is marked by early milestones and ongoing successes: Top 4 on The Voice Australia (2019), Top 14 on American Idol (2024), guest speaker at TEDx Perth (2023), headlining Perth’s One Big Voice festival (2019, 2022, 2023), representation of Australia at Junior Eurovision (2019), and a growing global fanbase fueled by breakout singles like “Cherry,” “Reckless,” “Tell Me,” and Hurt Me Sooner. His first single, Broken Love, amassed over 600,000 streams across platforms and earned spots on Spotify’s “Peaceful Pop” and “New Pop” playlists.
For Jordan, the ultimate goal is connection. “I want listeners to feel inspired and seen through my music,” he says. “If someone stops a song to replay a line and thinks, ‘THAT PART!!’ and really relates to it, I’ve done everything I set out to do.”
With Lost in LA kicking off 2026 and a forthcoming EP that promises to be his most honest work yet, Jordan Anthony continues to cement his place at the forefront of a new generation of pop artists, fearless in vulnerability, unafraid to bare his soul, and dedicated to transforming personal stories into universal anthems.
2025年８月にリリースされた「Shapeshifting on a Saturday Night(土曜の夜の変身)」がSpotify『Best of Fresh Finds Pop 2025』をはじめとする数々のプレイリストに選出され、TikTokで1500万回以上再生されるなど話題を呼んだエイヴリーが、情感あふれるアップビートなオルタナティブポップの傑作「Griever」で帰ってきた。エイヴリーは新曲についてこう語る。
最近のシングル——クィアのアンセムとして轟音を響かせる「Existential Crisis at the Tennis Club」と、LadyGunnが「抗いがたいキャッチーさ」と絶賛した「Shapeshifting on a Saturday Night」——は、エイヴリーを2026年のゲームチェンジャーへと導いている。
同曲はAmazonの新作BookTokインスパイアードシリーズ『Off Campus』の春シーズン放送向けにライセンス供与され、Spotifyの年末プレイリスト『Best of Fresh Finds 2025』にも選出された。
Among the best-kept secrets in emerging pop, Avery Cochrane is a dynamic Seattle-based singer-songwriter known for her emotive lyricism, cinematic sound, and magnetic live performances. Since breaking onto the scene, she’s drawn widespread attention for her ability to capture raw human experience while maintaining a timeless pop sensibility.
Her recent singles—“Existential Crisis at the Tennis Club,” a bombastic queer anthem, and the LadyGunn-praised “irresistibly catchy” “Shapeshifting on a Saturday Night”—have positioned Avery for a game-changing 2026.
The song was just licensed by Amazon’s new Book-Tok inspired series “Off Campus” for their spring launch and it also made Spotify’s year end ‘Best of Fresh Finds 2025’ playlist.
“Shapeshifting” propelled her to the forefront of indie pop in 2025, and with her new single and video “Griever,” plus a brand-new EP arriving in March, Avery is poised to emerge as a breakout LGBTQ+ pop star. Expect to see her on bigger stages this year, beginning with SXSW in March.
Rina Rain is a Bay Area-based meditation trainer with over twenty years of experience in mindfulness, career and personal development. She is also a mantra artist (Rina Rain) and meditation guide sharing peace, devotion, and healing through music. Blending soulful vocals and ancient mantras and modern soundscapes, she creates songs that inspire inner stillness and connection.
Her voice carries the essence of tranquility, each chant unfolding like a soft prayer, a return to presence. Rooted in sacred repetition and silence between the notes, Rina’s voice invites listeners to slow down, breathe, and come home to themselves. Through simple, spacious sound and guidance, she channels frequencies of peace, remembrance, and quiet transformation. Her sound is not performance, it is a threshold.
Her debut track “Lokah Samastah Sukhino Bhavantu” serves as the first glimpse of her forthcoming album Whispers of Rain, an album created for contemplation and deep peace. She shares, “‘Lokah Samastah Sukhino Bhavantu’ was the mantra that opened my voice and my heart.
This track is my prayer to help ease suffering in our minds, in our hearts, and for all beings everywhere, at all times. My wish is for this mantra to soften what feels heavy and awaken a deeper sense of belonging in everyone who listens. May we remember that we are all connected, and none of us are walking this journey alone.”
Her track "Om Tare Tuttare Ture Soha" is a prayer for liberation from suffering and protection from fear. The Buddhist Mantra in Sanskrit invokes feminine Green Tara, the embodiment of compassion in action. Good to practice when seeking protection from fears, inner or outer, and a path toward freedom.
Rina Rain's latest single "Om Mani Padme Hum" is a tranquil and transcending mantra. Rina shares, "The track is a mantra whose ancient wisdom continues to deepen the longer I sit with it. The union of the jewel in the lotus represents compassion, love, and wisdom, and each time I return to this Sanskrit phrase it guides me toward inner freedom.
The slow, steady repetition opens space for presence and insight, eventually rising into a faster rhythm - a realization that the jewel we seek has always been within us. When I recorded this track, I truly felt as if I were singing into the vastness, into the quiet of the void, where sound, thought, and feeling slowly dissolved into silence.”
For over two decades, Rina has held space for healing through mindfulness, coaching, and creative expression. Her music is a meditation. It’s an invitation to slow down, breathe, and return to the heart.
長年にわたり共にツアーを重ねてきたラティモアとバーウィックが、このフルアルバムの共同制作・録音で初めてタッグを組む。二人の創造的シナジーが、ハープ、声、アナログシンセを融合させ、深く情感に満ちた没入型のサウンドジャーニーを紡ぎ出す。 本作はパリ・フィルハーモニーにて共同プロデューサーのトレヴァー・スペンサー（フリート・フォックス、ビーチ・ハウス）と一緒にレコーディングされた。フランスのレーベル(InFine)と音楽博物館（Musée de la Musique）による現代作曲における歴史的楽器活用というユニークな共同プロジェクトの継続作となる。2017年よりインフィネとパリ・フィルハーモニーは、音楽博物館の卓越した楽器コレクションを際立たせるアルバムシリーズを共同開発している。
音楽的にも聴きやすく、そして叙情性に満ちた音楽になっているが、その中に現代的な要素として組みこまれるのがアンビエントや実験音楽の要素にも注目したい。ラティモアのハープの演奏は、時々、日本の琴のような味わい深い響きが出てくるが、同時に、バーウィックのボーカルはドローン奏法のような音響効果を司り、持続音がデジタルエフェクトで強調されながら、無限を感じさせる奥行きのある音楽的な空間が構築されている。古典性と現代性という二つのベクトルが絡み合い、未曾有の音楽世界が拡張される。「The Four Sleeping Princess」は、音楽を聴くという一般的な行為よりも、音楽に浸るというリスニング体験に近いかもしれない。特に曲の後半部でのボーカルの録音が重なると、幻想的な音楽が生み出される瞬間がある。
続いて、「Temple of The Wind」はヒーリング音楽の視点から、中世の民族音楽や宗教音楽を掘り下げた内容となっている。メアリー・ラティモアのハープの演奏は依然として、ツィターやリュートのような古風な音の響きを携えながら、ジュリアナ・バーウィックのボーカルとより瞑想的な音楽を構築していく。ここには両者の音におけるコミュニケーションの結晶が生み出され、それはやはり前の二曲と同様に、クリスタルの結晶のような澄明な響きという形で表側に滲み出ている。分けても、この曲では、西欧に根ざした音楽的な感性にとどまらず、西アジアのヒマラヤやチベットのような、密教的な音楽やキリスト/イスラム神秘主義の音楽の雰囲気が表されている。まるで古めかしい奥処の僧院に聞こえる音楽のような、祈りの音楽である。
「The Haze With No Haze」は間違いなく、このアルバムのハイライトで、重要なバックボーンとなる一曲である。ささやかなハープの演奏からボーカルや現代的なエレクトロニックの文脈を通じて、推測出来ないほどの壮大なマクロコスモスの音楽が構築される。 全般的な音楽性としては、物悲しい感傷性に満ち溢れているが、バーウィックのボーカルはそれほど悲観的ではなく、むしろ壮大な感覚や開放的な空気感に満ちている。この曲では、前進する明るいエネルギーがみなぎっているように思える。特に、両者の美的なセンスが上手く発揮された圧倒的な瞬間が曲の終盤に訪れる。ボーカルアートとはかくなるべきというような模範例が示されている。それはやはり、このアルバム全般と同様に、簡素化や集約化の手法で体現される。
『Ö』は、Fcukersを米国新世代エレクトロニック・ポップの注目株へと押し上げた勢いを凝縮した作品であり、BBC Radio 1の「Future Artist of the Month」、BBC 6 Musicの「New Music Fix Daily Next Up」、Spotifyの「Artist to Watch」に選出されたのも当然と言える。
トラックリストには既に公開済みの「Play Me」と「I Like It Like That」が収録されているが、アルバムからの新たな先行曲「L.U.C.K.Y.」が公開された。
「L.U.C.K.Y.」
Fuckers 『Ö』
Label: Ninja Tune
Release: 2026年3月27日
Tracklist
1.Beatback
2.L.U.C.K.Y
3.Butterflies
4.if you wanna party, come over to my house
5.Play Me
6.Shake It Up
7.I Like It Like That
8.TTYGF
9.Lonely
10.Getaway
11.Feel The Real
ニューヨーク随一のパーティースターターとしての地位を確立した奔放なエネルギーを凝縮している。ブレイクした新曲「Play Me」と「I Like It Like That」を収録（後者は既に彼らの熱狂的なヘッドライン公演で定番ライブ曲に）し、Fcukersの世界における比喩的な夜遊びの浮き沈みを聴き手に体験させる。
Anjimile(アンジマイル)がニューアルバム『You’re Free to Go』を発表。2023年作『The King』に続く本作のリード曲となる軽やかで優しい『Like You Really Mean It』は、ケイティ・アーサー監督によるミュージックビデオと共に公開された。下記でチェックを。
『You're Free to Go』は、プロデューサーのブラッド・クック（Waxahatchee、Hurray for the Riff Raff、メイヴィス・ステイプルズ）とともに制作されました。このアルバムには、ネイサン・ストッカー（Hippo Campus）、マット・マッコーハン（Bon Iver）、ゲストボーカルとしてサム・ビーム（Iron & Wine）が参加しています。 「このアルバムは、私の人生経験に非常に忠実な作品だと思います」と、シンガーソングライターは振り返ります。「このアルバムは、私という人間を、アルバムで知りうる限り最も深く知ることのできる作品だと思います」
「Like You Really Mean It」
・2nd Single 「Waits For Me」
Anjimileのセカンドシングル「Waits For Me」が公開された。ここにはミュージシャンのフラストレーションが炸裂している。
1.You’re Free to Go 2.Rust & Wire 3.Waits for Me 4.Like You Really Mean It 5.Turning Away 6.Exquisite Skeleton 7.The Store 8.Ready or Not 9.Point of View 10.Afarin 11.Destroying You 12.Enough
