ロサンゼルスで活動する電子音楽家/マルチ奏者、ブライアン・アレン・サイモンによるプロジェクト、Anenon。2010年以降、複数の実験音楽を中心とするLP/EPをリリースし、いずれも高い評価を得ている。
ブライアンは、ローレル・ヘイロー、ジュリア・ホルター、リチャード・ヘル、モートン・スボトニック、ケリー・モーランなどのアーティストのサポートで国際的に演奏している。
そのほか、サム・ゲンデル、ライラ・サキニ、ナイト・ジュエル、ミハ・トリファ、シャンタル・ミシェル、伝説的ポストパンクバンド、Vazzのヒュー・スモール（Melody As Truth、2021年）、ビジュアル・パフォーマンス・アーティストのスーザン・チャンチオロ（2022年、パリのザ・コミュニティでの彼女のショーのヴァーニサージュで共演）とコラボレーションしている。
ブライアンは2018年に坂本龍一の「Life, Life」を公式にリミックスし、2016年にはロサンゼルス現代美術館でアンビエント・ミュージック・パフォーマンスのシリーズ「Monument」の共同キュレーターを務めた。また、LAのラジオ、dublabの月例番組「Non Projections」の司会を長年務めている。
アネノンとしてニューアルバム『Dream Tempareture』を4月24日にリリース予定。6月には海外ツアーを敢行。英国/ストークにあるザ・オールド・チャーチで公演予定。
この度、最新アルバム『 Dream Temperature』についてミュージシャンに簡単に尋ねてみました。その中で、ミュージシャンの音楽観、及びアートの意義についての考えについても伺うことが出来ました。
ーー 改めてお伺いしたいのですが、アルバム『Dream Temperature』では、具体的にどのような音楽的な方向性を目指されていたのでしょうか？
Anenon: 『Dream Temperature』では、もう少し夜の雰囲気があり、テクスチャーを重視し、自由なサウンドを目指しました。
重厚なサブベースに、その上で変化するテクスチャーとメロディーが重なるようなイメージです。前作は完全にアコースティックな作品でしたが、ウィンドシンセサイザーと、その全音域で良い音を出せる可能性を発見したことが、このサウンドを追求するきっかけとなりました。
ーー今作では、前作に比べてテナーサックスの存在感が際立っています。演奏者として影響を受けたアーティストはいますか？また、その影響は今作においてどのように反映されたのでしょう？
そうですね、このアルバムでテナーサックスがフィーチャーされているのは3曲だけですが、おっしゃる通り、レコードが終わった後も長く耳に残るサウンドの一つです。 テナーサックスは私のメインの楽器となり、最も練習している楽器ですが、最近はピアノも私の人生において大きな部分を占めるようになりました。
長年にわたり、キース・ジャレット、デヴィッド・S・ウェア、バーリアル、クリス・エイブラハムズがパフォーマーとしての私に最も影響を与えてきましたが、率直に言って、スタジオで作品を作ったりライブで演奏したりする際は、そうした影響を忘れようと努めています。とはいえ、彼らは今や私の血筋の中に確かに存在しています。
ーーこのアルバムでは、ウィンド・シンセサイザーが比較的大きな役割を果たしており、時には命の息吹のように感じられます。なぜ今回の作品にこのシンセサイザーを取り入れることにしたのですか？
これはまさに魔法のような楽器だと思います。箱から取り出した瞬間、すぐに可能性が広がりました。私はキーボードベースのシンセサイザーやモジュラー・セットアップはあまり好みではないのですが、ブレスを使ってメロディやテクスチャー、ベースラインをすべて引き出せるというのは、まさに目から鱗が落ちるような体験でした。
ーー「Dream Temperature」にはいくつかのフィールドレコーディングが使用されています。ビバリーヒルズ、サルデーニャ、そして日本など、幅広い場所からの録音を取り入れているようですが、フィールドレコーディングを行う時、どのような点を楽しんでいますか？
フィールドレコーディングは、自分の個人的な生活を即座に楽曲に刻み込む手段として機能すると感じています。自然の中で、自分自身の視点から収録された音源を、他人が再現することは不可能です。私たちは皆、内面と外面のハーモニーと共に振動しており、どんな録音素材を使っても、それを組み合わせる「音楽」とは相性が良いのです。
ーー前作に続き、今回のアルバムにもいくつかのピアノ曲が収録されています。特に最後の曲は、清々しい余韻を残してくれます。ピアノ曲を作曲する際、どのようなことを意識していますか？
先ほども触れましたが、アコースティックピアノは私の家庭生活において大きな存在となっています。父が亡くなった約5年前にピアノを購入して以来、毎朝コーヒーが淹れるのを待つ間から、ほぼ毎日弾いてます。 実はピアノで何かを作曲することはなく、このアルバムの曲も含めてすべて即興演奏です。
また、最後の曲についても同感です。あれはアルバムで最後に録音した曲でもありました。レコーディング期間の締めくくりとなった曲で、今でもその余韻を感じています。
ーー個人的には、このアルバムはジャズ、クラシック、そしてエレクトロニック・ミュージックの間にあるような気がします。10年以上にわたるあなたのキャリアを振り返って、音楽スタイルはどのように進化してきたと思いますか？
ありがとうございます。私も同感です。あらためてキャリアを振り返ると、不思議なほどシンプルに感じられます。ビート作りを始めた初期の頃からずっと直感に従ってきただけで、当時の音楽にはあまり共感できなくなりましたが、それでもやはり「自分らしさ」は残っていると思います。息遣いやテンポは今も変わらず自分そのもので、そのことがとても興味深いと感じています。
ある時点で、スタジオでのビート作りや純粋なエレクトロニック・ミュージックにマンネリを感じ始め、リード楽器やピアノのような、より触覚的なアコースティックなプロセスに憧れるようになりました。『Dream Temperature』を作った時は、過去のエレクトロニックな世界と現在のアコースティックな世界を融合させたかったのです。
ーー音楽制作であれ、ライブパフォーマンスであれ、ミュージシャンとして最も充実感を感じる瞬間は？また、音楽を通じてリスナーに何を伝えたいとお考えでしょうか？
アルバム制作、つまり最初から最後まで物語を紡ぎ、何ヶ月も特定のサウンドの世界に浸りきることが本当に大好きです。
ライブ演奏も大好きですが、会場やシチュエーションにはますますこだわりを持つようになりました。 今は友人たちと型破りな場所で演奏し、その瞬間だけ音楽を生き生きとさせるのが好きです。
「エレクトロニック」という傘の下に存在するアーティストとして、ライブで演奏する際に人々がレコードやその残響を聴きたがることに、もどかしさを感じます。年を重ねるにつれて、シンプルになってきて、テナーサックスで20分間ソロを演奏したり、親しい友人と即興演奏をしたりすることが、今一番ワクワクする瞬間。 とはいえ、ある意味では、音楽に対して本当に満たされたと感じたことはありません。たぶん、だからこそ、作り続けてしまうのでしょう :)
私が、リスナーの皆さんに伝えたいのは、''ありのままの自分でいて、自分の心に従ってほしい''ということです。最も深い音楽は、いかなる枠組みやジャンル、固定観念の外にも存在し得ます。そんなものは必要ないのです！
かねてから、私は、芸術や社会は直線的に進歩していくものだと思っていましたが、2026年になった今、そうではないかもしれないと気づきました。 社会としては、大きく後退してしまったけれど、それでも芸術は、依然として自由でいられる場所であり続けています。私の芸術を通じて、人々が「自分には何でもできる」と気づいてほしいのです。自分の心に従い、本当に作りたいものを創るアーティストが増えれば増えるほど、この世界はより良い場所になるはずです。
▪︎EN
Anenon is Brian Allen Simon, whom since 2010 has released multiple LPs and EPs, all critically acclaimed. Brian has performed internationally in support of artists such as Laurel Halo, Julia Holter, Richard Hell, Morton Subotnick, Kelly Moran, and many more.
He has collaborated with Sam Gendel, Laila Sakini, Nite Jewel, Miha Trifa, Chantal Michelle, Hugh Small of legendary post punk band Vazz (Melody As Truth, 2021), and with the visual and performance artist Susan Cianciolo, during the vernissage of her show at The Community in Paris, 2022.
Brian officially remixed Ryuichi Sakamoto's "Life, Life" in 2018, and In 2016 was co-curator of Monument—a series of ambient music performances at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles. He is also a long time host of Non Projections, a monthly show on LA radio institution dublab. Brian lives and works in Los Angeles.
Anenon is set to release their new album, *Dream Temperature*, on April 24. They will embark on an overseas tour in June, with a scheduled performance at The Old Church in Stoke, UK.
--I’d like to ask you again: what specific musical direction were you aiming for with the album ''Dream Temperature''?
Anenon: With Dream Temperature, I was after something a bit more nocturnal, textural and free. Heavy sub bass with shifting textures and melodies on top. My last album was entirely acoustic, so my discovery of the wind synthesizer and its capabilities to sound good in all ranges led me to go after this sound.
-- The tenor saxophone has a more prominent presence on this album than on your previous work. Are there any artists who have influenced you as a performer? Also, how did that influence come to life in this album?
Well, the tenor is only featured on three tracks on this album, and yet I do agree with you—it is one of the sounds that stays in my mind’s ear long after the record is over. The tenor has become my main instrument, and it is what I practice the most, although the piano has become a bigger part of my life recently as well. Keith Jarrett, David S. Ware, Burial, Chris Abrahams have influenced me the most as a performer over the years, but frankly I try to forget my influences when making work in the studio or performing live. But they all do exist in my bloodline now.
-- On this album, the wind synthesizer plays a relatively significant role and sometimes feels like a breath of life. Why did you decide to incorporate this synthesizer into your latest work?
I think this is an absolutely magical instrument, and it really opened up possibilities quickly for me the moment I took it out of the box. I’m not a big fan of keyboard based synthesizers nor modular setups, so being able to trigger melodies, textures, and bass lines all with my lungs was a complete revelation.
--*Dream Temperature" features several field recordings. It seems you’ve incorporated recordings from a wide range of locations, including Beverly Hills, Sardinia, and Japan. Could you tell us what you enjoy about doing field recordings?
I find field recordings function as a way to stamp my own personal life onto a piece of music instantly. No one else can duplicate a recording that has been taken out in the wild from one’s own perspective. We all vibrate with our own inner and outer harmonies, and no matter what the recording is that I use, it always sounds good with whatever piece of “music” I mesh it with.
--Following your previous album, this one also includes several piano pieces. The final track, in particular, leaves a refreshing afterglow. What do you keep in mind when composing piano pieces?
As I mentioned earlier, piano has become a large part of my life at home. I purchased a piano about five years ago after my father passed away, and I play it almost every day, starting with while I wait for my coffee to brew in the mornings. I don’t actually compose anything on the piano, everything is improvised, including the pieces on this album. I agree about the last piece as well, which was also the last thing I recorded for the record. It marked the end of the recording period, and I still feel the glow from it today.
--Personally, I feel this album sits somewhere between jazz, classical, and electronic music. Looking back on your career spanning over a decade, how do you think your musical style has evolved?
Thank you, I would agree with that too. It’s strange and yet simple looking back on my career. I’ve just followed my intuition since the earlier days of making beats, and while I don’t connect with my music of that era so much, I have to say that it still sounds like me. The breath and tempo are very much me still, and I find this fascinating. At a certain point, beats and purely electronic music began to feel stale for me in the studio, and I started to long for more tactile acoustic processes like reeds instruments and piano. When making Dream Temperature, I wanted to meld my electronic world of yesterday with my acoustic worlds of today.
--Whether it’s music production or live performances, when do you feel most fulfilled as a musician? Also, what do you hope to convey to your listeners through your music?
I really love making albums, telling a story from beginning to end, and living within a certain palate of sound for months and months on end. I love to play live as well, but I am more and more picky about spaces and scenarios. I like to play in unorthodox settings now with friends, and let the music live for just that moment. As an artist who exists somewhere under the “electronic” umbrella, I find it frustrating that people want to hear the record or echoes of my records when I play live. As I get older I am simplifying, and just playing solo on the tenor saxophone for 20 minutes, or in an improvisation with a good friend is what gets me most excited. In a way though, I’m never truly fulfilled with music. Perhaps this is why I keep making more :)
What I would like to convey to my listeners is for them to just be themselves, and to follow their hearts. The deepest music can exist outside of any structures or genre or box. We don’t need these! I used to think that art and society progressed in a linear fashion, and in 2026 I see that this isn’t the case. We have regressed so much as a society, and yet art still remains a place to be free. I want my art to make people realize that they can do anything they want. The more artists who follow their heart and make the things that they truly want to make, the better off this world will be.
▪︎『Dream Temperature』- NEW ALBUM OUT APRIL 24 VIA ''TONAL UNION(UK)''
▪︎Work Details
サックス奏者、プロデューサー、作曲家ブライアン・アレン・サイモンは、より暗い色合いを探求し、覚醒状態と変性意識状態を変容した意識状態をスタジオのベール「アネノン」の下で転調する。深く喚起的な新作アルバム『ドリーム・テンプラチャー』において電子処理を前面に押し出し、デジタル化された管楽器とこの世のものとは思えないアトモスフィアを導入。これは彼の革新的な2010年代中盤～後半の作品以来となる試みだ。
楽器と非現実的な雰囲気を提示する。これは彼の革新的だった2010年代中盤から後半の作品を以来初めて聴かれる内容だ。生まれ育ったロサンゼルスに長年在住するブライアン・アレン・サイモンは、アネノン名義で活動し、高く評価された『ペトロル』（2016年）、『Tongue』（2018年）、そして内面を揺さぶる美しい『Moons Melt Milk Light』（2023年）を発表し、揺るぎない音楽的対話を続けてきた。その前作は意図的な簡素化と完全なアコースティックへの逸脱だった。
しかし『ドリーム・テンプラチャー』では、ブライアンが新たに発見したウィンドシンセサイザーを中心的な作曲ツールとして活用し、アコースティックピアノとテナーサックスを組み合わせている。本作の全電子音はブライアンの肺によって駆動され、彼の肺がトリガーとなり、異世界的なシンセサウンドを生み出し、変調を加えている。
アルバムの電子音は全てブライアンのブレスによってトリガーされ、表現豊かな呼吸制御によって変調され、追加のテクスチャ要素とフィールドレコーディングのための処理室として機能するラップトップを経由して導かれる。テクスチャー要素とフィールドレコーディングを加える。自由自在に漂いながらも重くのしかかる感情的な共鳴が『ドリーム・テンプラチャー』を最初から最後まで貫き、半ば記憶に残る夢の夜からまだ重く目覚めた感覚を呼び起こし、この状態で一日を過ごす。
この状態で一日を過ごす感覚を呼び起こす。サイモンはアルバムの空間的な声の在り方を、冒頭のタイトル曲で早くも描き出す。深くも凝縮されたこの楽曲は、至近距離で唸るデジタルサックスの荒々しい音色から生成され、霞んだテクスチャーとサブベースが絡み合う。
都会的な荒さと牧歌的な漂う音の揺らぎが全編にわたり感じられ、内省的な思考のように流れる各トラックは、緊張感と幽玄さを併せ持つ質を育み、アルバムの基盤を成す。間奏的なソロ／パートソロのピアノ即興『ラスト・サン1』と『2』は緩衝的なデジタル音風景に隣接して配置されている。それらの柔らかく、なお処理された音色が憂いを帯びた表層を突き抜け、対照的な優しさを提示する。それは坂本龍一の優雅さ、ECMのキース・ジャレットの精神的な厳格さ、そしてエイフェックス・ツインを思わせる一触を彷彿とさせる。
『ヌル・パール 1+2』では初めてアコースティック管楽器が登場し、テナーサックスの華麗な旋律がノイズのドローンと並置され、虚無に向かって叫びながら、音符が失われたデジタルデータのように再び浮かび上がる。
本作は2024年9月から2025年10月にかけて、夕暮れ時あるいは夜間に自宅で録音された。ブライアンは新たな音響的野望の中で、顕著な質感を探求するため、長く親密なスタジオ時間を切望していた時期であった。テクスチャーの質を追求する中で、 顕著な音響的野望を見いだそうとしていた。
『When The Light Appears, Boy』は、この深遠な宇宙のさらなる証拠を示し、アルバムの核心となる青写真が音響的に刻まれるにつれ、より荒削りなエッジを露わにし、アルバムの本質的な青写真が音響的に刻まれる。広がりゆく風のシンセがリスナーを包み込み、夢幻的で幽玄な雰囲気が『Toyama』を覆う。
このサウンドはポスト・ダブステップ時代の巨匠たち、例えばBurialやより孤立感を増し包み込むこの音楽は、同時に混乱させながらも温かく誘う。本質的に音響の日記作家である彼は、個人的なフィールドレコーディングをサルデーニャ、日本、ビッグ・サー、ロサンゼルスで録音されたフィールド・レコーディングも、アルバム全編の31分間にわたり予期せぬ瞬間に交錯する。
『ドリーム・テンプラチャー』は、サイモンの電子音楽とアコースティック音楽の両方の実践が、初期作品に似た再構築された電子音は、幽玄で優雅でありながら、なお深く個人的なものである。サイモンは音楽の道を歩む実験的な異端児としての存在感を揺るぎなく示している。この音楽は確固として未知のオーラを放ち、放電を待つ未開発のエネルギー源のように。アネノンはいう。「ある意味で、このアルバムは個人的記憶と集合的現実の歪みから本質を導き出している。」
ブライアンは故アーティスト、エテル・アドナンの「夢を見ている時、その内容を理解することは稀だ」という言葉に心を奪われた。だが目覚めた時、夢の温度をほぼそのまま内に宿している」という言葉に心を奪われた。
彼は続ける。「聴いていることすら忘れさせる音楽を作りたかった。実際に没入し、いつ始まったのか、いつ終わったのかを忘れてしまうような音楽。聴き終わった後、聴き手が自らの本質を感じ取れるような音楽を」
▪︎EN(Excerpt)
Los Angeles Saxophonist, producer and composer Brian Allen Simon explores darker hues, transposing waking and altered states under his studio veil Anenon. On the deeply evocative new album ‘Dream Temperature’, he shifts electronic processing to the foreground, introducing digitized wind instruments and unworldly atmospherics, not heard since his innovating mid-late 2010s output. The full album will be released April 24th on Tonal Union.
The track ‘Dream Temperature' features wind syntheizer and digital soprano sax played like an actual soprano sax over layered synth textures and deep bass. Compact and deep it serves as a mission statement for the rest of the record. As Simon explains, “In a sense, this album derives essence from the distortions of both personal memories and collective realities. I wanted to make music that triggers the listener to forget that they’re even listening to it, but rather dreaming through it. Music that you actually get lost in, forgetting when it started and when it ends. I want the listener to feel their own essence after listening to it.”
Brian was taken by a quote of the late artist Etel Adnan that said “When you dream, you rarely know it. But when you wake, you carry within yourself almost the temperature of the dream.”
He continues: “I wanted to make music that triggers the listener to forget that they’re even listening to it, but rather dreaming through it. Music that you actually get lost in, forgetting when it started and when it ends. I want the listener to feel their own essences after listening to it.”
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