■世界的な文化アイコンであるパティ・スミスとNY／ベルリンを拠点にする現代音響芸術
コレクティヴ「サウンドウォーク・コレクティヴ」によるエキシビションとライブパフォーマンスが日本初上陸。2025年4月から東京と京都で開催。

 

　

実験音楽、オーディオビジュアル、パフォーミングアーツを紹介するイベントシリーズ「MODE」は、世界的な文化アイコンであるパティ・スミス（Patti Smith）とNY／ベルリンを拠点に活動する現代音響芸術コレクティヴのサウンドウォーク・コレクティヴ（Soundwalk Collective）による最新プロジェクト「コレスポンデンス（CORRESPONDENCES）」を2025年4月から東京と京都で開催いたします。

「コレスポンデンス」はパティ・スミスとサウンドウォーク・コレクティヴによる10年以上におよぶ協働プロジェクトで、さまざまな地理や歴史、自然環境を横断する作品としてエキシビションとパフォーマンスの2形式で発表します。

 

エキシビションは4月26日から6月29日まで東京都現代美術館にて、パフォーマンスは4月29日（火・祝）にロームシアター京都 サウスホール（京都）、5月3日（土・祝）に新国立劇場 オペラパレス（東京）にて開催します。

 

 
■伝説の詩人、9年ぶりの来日！

  

©Zondag-Parcifal_Werkman

パティ・スミスは70年代のNYアート・カルチャーシーンを代表する伝説的なアイコンであり、詩人、画家、パフォーマーとして半世紀以上にわたり創作活動を続けています。1946年に生まれた彼女のキャリアは、1967年にNYへ移住したことから始まります。写真家ロバート・メイプルソープとの出会いやチェルシー・ホテルでの共同生活、アンディ・ウォーホルをはじめとするアーティストたちとの交流は彼女の創作に大きな影響を与えました。

 

デビューアルバム『ホーセス』（Horses, 1975）は詩とロックを融合させた革新的な作品として音楽史にその名を刻み、ソニック・ユースのキム・ゴードンやPJ ハーヴェイに霊感を与えるなど、パンクやロックおける表現の可能性を切り拓きました。パティの創造性は音楽のみにとどまらず、写真、ドローイングの展覧会やパフォーマンスを発表し、全米図書賞を受賞したベストセラー回顧録『ジャスト・キッズ』をはじめとした散文や詩集を多数執筆するほか、反戦や気候変動、人権問題についてくり返し発言し、アーティストの視点から社会への積極的なコミットメントを行なっています。

 

サウンドウォーク・コレクティヴは、アーティストのステファン・クラスニアンスキー（Stephan Crasneanscki）とプロデューサーのシモーヌ・メルリ（Simone Merli）が率いる現代音響芸術コレクティヴです。

 

アーティストやミュージシャンとの共同作業を通じてコンセプトや文学、芸術的テーマを探求し、場所や状況に応じたサウンドプロジェクトに取り組んできました。これまでに映画監督のジャン=リュック・ゴダール、写真家のナン・ゴールディン、振付家のサシャ・ヴァルツ、女優で歌手のシャルロット・ゲンズブールらとの長期的なコラボレーションを行ない、アートインスタレーションやダンス、音楽、映画などメディアを横断したプロジェクトを展開。ナン・ゴールディンを追ったドキュメンタリー映画『美と殺戮のすべて』では劇伴を手がけ、同作は2022年のベネチア国際映画祭で金獅子賞を受賞しています。

 

 
■ 10年間におよぶ「コレスポンデンス＝往復書簡」の到達点

 

かれらのコラボレーションは、パティとステファンが飛行機の機内で偶然出会ったことから始まりました。その創造的な共同制作は10年以上にわたって継続し、べネチア・ビエンナーレやコロンビアのメデジン近代美術館をはじめ世界各地でライブパフォーマンス、展覧会、上映、詩の朗読会、ワークショップと多岐にわたる形式で作品を発表してきました。2022年にはパリのポンピドゥー・センターで展覧会「エヴィデンス（Evidence）」を開催しています。

 

今回、日本で発表する「コレスポンデンス」はかれらの最新プロジェクトであり、パティとステファンが10年にわたり交わしてきた“対話”から生まれた作品です。現在進行中で絶えず進化し続けるこのコラボレーションプロジェクトは、さまざまな土地の「音の記憶」を呼び起こし、芸術家や革命家、そして気候変動の継続的な影響の足跡を体現しています。

 

ステファンが詩的な霊感や歴史的な重要性をもつ土地を訪れフィールドレコーディングによって「音の記憶」を採集し、パティがその録音との親密な対話を重ねて詩を書き下ろし、さらにそのサウンドトラックに合わせてサウンドウォーク・コレクティヴが映像を編集する。こうした“往復書簡（＝コレスポンデンス）”によって生まれたのが、本エキシビション／パフォーマンスの根幹を成す8つの映像作品です。

 

これらの映像は、チェルノブイリ原発事故や森林火災、動物の大量絶滅といったテーマを探求するとともに、アンドレイ・タルコフスキー、ジャン=リュック・ゴダール、ピエル・パオロ・パゾリーニ、ピョートル・クロポトキンといった芸術家や革命家を参照しながら、人間と自然の関係やアーティストの役割、人間の本質について観るものに問いかけます。

 

 

 

 【パフォーマンス出演】

 
・パティ・スミス（ヴォーカル）
・ステファン・クラスニアンスキー（フィールドレコーディング／フォーリー）
・シモーヌ・メルリ（シンセサイザー）
・ルーシー・レイルトン（チェロ）
・ディエゴ・エスピノサ・クルス・ゴンザレス（ドラム／パーカッション）
・ペドロ・マイア（ビジュアル／ライティング）
・セバスチャン・ビュロー（サウンドエンジニア）
 

・Patti Smith: VOCALS
・Stephan Crasneanscki: FIELD RECORDING/FOLEY
・Simone Merli: SYNTHESIZERS
・Lucy Railton: CELLO
・Diego Espinosa Cruz González: DRUMS/PERCUSSIONS
・Pedro Maia: VISUALS/LIGHTS
・Sebastien Bureau: SOUND ENGINEER

 

 

【プログラム概要】　

 

・ EXHIBITION MOT Plus　　サウンドウォーク・コレクティヴ & パティ・スミス|コレスポンデンス

 

エキシビション「コレスポンデンス」は、東京都現代美術館の「MOT Plusプロジェクト」による初の取り組みとなります。”MOT Plus”はパフォーマンスや上映など、従来の展覧会の形式にとどまらない、実験的なプロジェクトを展開する場として2025年に立ち上がった新企画。本展はその第一弾として、YYとの共同主催、MODEの企画協力により開催致します。

 

会期: 

2025年4月26日(土)~6月29日(日)  10:00-18:00(展示室入場は閉館の30分前まで)

休館日: 

月曜日(5月5日は開館)/ 5月7日(水)

会場: 

東京都現代美術館 企画展示室B2F   〒135-0022 東京都江東区三好4-1-1 

観覧料(税込):  

一般1,800円/小学生以下無料 ※小学生以下のお客様は保護者の同伴が必要です。

展覧会ウェブサイト: www.mot-art-museum.jp/exhibitions/MOTPlus-correspondences/

 

 

・PERFORMANCE IN KYOTO     KYOTOPHONIE in collaboration with MODE
サウンドウォーク・コレクティヴ & パティ・スミス|コレスポンデンス

 

「コレスポンデンス」の日本初公演を、ゴールデンウィーク初日の4月29日(火・祝)、ロームシアター京都 サウスホールにて、昼夜の2公演を開催致します。

 

本公演は、2025年4月12日から5月11日まで開催される「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭 2025」の姉妹イベント、「KYOTOPHONIE ボーダレスミュージックフェスティバル 2025 春」のプログラムとして、MODEと共同開催致します。

 

公演日時: 

2025年4月29日(火・祝)

[昼公演]12:00開場/ 13:00開演 [夜公演]16:30開場/ 17:30開演

会場: 

ロームシアター京都 サウスホール 〒606-8342 京都府京都市左京区岡崎最勝寺町13

チケット料金(前売り・税込):

SS席指定 20,000円/S席指定 11,500円/A席指定 9,500円/B席指定 5,500円
※未就学児童入場不可 ※小学生以上チケット必要 ※チケット購入後のキャンセル・変更・払い戻しはいたしません

チケット販売: 

イープラス  https://eplus.jp/correspondences/

[店頭販売]ファミリーマート店頭(店内マルチコピー機)

[店頭購入方法]https://support-qa.eplus.jp/hc/ja/articles/6638367888665

[オフィシャル先行抽選]2025年2月15日(土)10:00 ~ 2月24日(月・祝)23:59
[最終先行先着]2025年3月8日(土)10:00~

公式ウェブサイト: 

MODE : https://mode.exchange

KYOTOPHONIE: https://kyotophonie.jp/

公演に関する問い合わせ先:

KYOTOPHONIE事務局: info@kyotophonie.jp

・PERFORMANCE IN TOKYO  MODE 2025     サウンドウォーク・コレクティヴ & パティ・スミス|コレスポンデンス

実験音楽、オーディオビジュアル、パフォーミングアーツを紹介するイベントシリーズ「MODE」が、「コレスポンデンス」の日本公演を招致。

 

東京公演は、日本を代表するオペラ・バレエ専用劇場である新国立劇場 オペラパレスにて開催されます。本公演は、MODE史上最大規模の公演となります。

 

公演日時: 

2025年5月3日(土・祝)17:00開場/ 18:00開演

会場: 

新国立劇場 オペラパレス 

〒151-0071 東京都渋谷区本町1-1-1 

チケット料金(前売り・税込):SS席指定 20,000円/S席指定 11,500円/A席指定 9,900円
B席指定 7,700円/C席指定 5,500円

※未就学児童入場不可 ※小学生以上チケット必要 ※チケット購入後のキャンセル・変更・払い戻しはいたしません。

チケット販売: 

イープラス https://eplus.jp/correspondences/

[店頭販売]ファミリーマート店頭(店内マルチコピー機)

[店頭購入方法]https://support-qa.eplus.jp/hc/ja/articles/6638367888665

[オフィシャル先行抽選]2025年2月15日(土)10:00 ~ 2月24日(月・祝)23:59

公式ウェブサイト:

MODE  https://mode.exchange

公演に関する問い合わせ先: 

MODE: info@mode.exchang

 

【クレジット】

  

・エキシビション

主催：公益財団法人東京都歴史文化財団 東京都現代美術館／株式会社YY
企画協力：MODE
協賛：Audio-Technica / Analogue Foundation

 

・パフォーマンス京都公演

主催：一般社団法人 KYOTOPHONIE／MODE／株式会社YY

 
・パフォーマンス東京公演

主催：MODE／株式会社YY
助成：公益財団法人東京都歴史文化財団 アーツカウンシル東京【芸術文化魅力創出助成】
協賛：Audio-Technica / Analogue Foundation

 

 

■ Soundwalk Collective（サウンドウォーク・コレクティヴ）

 

Photo by Vanina Sorrenti 

サウンドウォーク・コレクティヴは、アーティストのステファン・クラスニアンスキーとプロデューサーのシモーヌ・メルリが率いる現代音響芸術コレクティヴ。

アーティストやミュージシャンとの共同作業により、コンセプトや文学、芸術的なテーマを検証するために、場所や状況に応じたサウンドプロジェクトを展開。パティ・スミスや映画監督のジャン=リュック・ゴダール、写真家のナン・ゴールディン、振付家のサシャ・ヴァルツ、女優で歌手のシャルロット・ゲンズブールといったアーティストたちとの長期的なコラボレーションを行なう。

 

彼らの実践はアートインスタレーション、ダンス、音楽、映画と多岐にわたり、音を詩的で感触を伴う素材として扱うことで異なるメディアを結びつけ、複層的な物語を創造することを可能にしている。ローラ・ポイトラス監督の『美と殺戮のすべて』ではオリジナルサウンドトラックを制作し、2022年のベネチア国際映画祭で金獅子賞を受賞。

これまでポンピドゥ・センター（パリ）、ドクメンタ（カッセル）、クンストヴェルケ現代美術センター（ベルリン）、ニューミュージアム（NY）などで展示やパフォーマンスを発表している。

 

 

 ■ Patti Smith（パティ・スミス）

 Photo by Jesse Paris Smith

パティ・スミスは1946年シカゴで生まれ、ニュージャージー州南部で育ったのち、1967年ニューヨークに移住。詩とロックを融合させた革新的なアルバム『ホーセス』（Horses, 1975）でデビューして以来、数々のアーティストやミュージシャンに影響を与え、世界的な文化アイコンとして知られる。

 

音楽、著作、パフォーマンス、視覚芸術における業績は各分野で高く評価されており、グラミー賞に4度ノミネートされたほか、『ホーセス』は米国議会図書館の国家保存重要録音物登録簿に登録されている。また写真や絵画、インスタレーションを手がけるアーティストとしても活躍し、世界中のギャラリーや美術館で展示を行なっている。

 

著作に全米図書賞を受賞したベストセラー回顧録『ジャスト・キッズ』のほか、『ウールギャザリング』『Mトレイン』『無垢の予兆』など多数。2020年にペン/フォークナー賞を受賞、コロンビア大学から名誉博士号を授与される。2022年には彼女の生涯の業績を称えて仏レジオンドヌール勲章を受勲した。

 

 

【MODE】

 
MODEは、2018年にロンドンで創設された実験音楽、オーディオビジュアル、パフォーミングアーツを紹介するプラットフォーム。坂本龍一がキュレーターを務めた初開催以降、ロンドンと東京を拠点に「音」を軸とした国際的な文化交流の場として展開している。都市の余白や歴史的な音楽芸術ベニューを舞台に、空間の建築的特性や場所がもつストーリーに呼応する多彩なプログラムを実施。アーティストとオーディエンスが音楽や芸術文化、その歴史的背景を分かち合い、インスピレーションを交わすことで、新たな実験的表現が生まれる場を創出している。

 

過去の主な出演者(抜粋)：

・2018 LONDON

 (The Barbican Centre / The Silver Building / Camden Art Centre)
坂本龍一 + Alva Noto / 坂本龍一 + David Toop / Beatrice Dillon / 空間現代 / 細野晴臣 + Acetone / Curl / 毛利悠子 +鈴木昭男

・2019 LONDON

 (Round Chapel / 55-57 Great Marlborough Street / South London Gallery) Rashad Becker / Eliane Radigue / Julia Eckhart / Bertrand Gauguet / Yannick Guédon / Wolfgang Voigt

 

・2023 TOKYO

 (淀橋教会 / Vacant Space in Aoyama / WWW)
Eli Keszler / Kafkaʼs Ibiki (Jim O'Rourke, 山本達久, 石橋英子) / Park Jiha / 伶楽舎 / Posuposu Otani / Merzbow / Kali Malone featuring Stephen O'Malley & Lucy Railton / Laurel Halo / Tashi Wada with Julia Holter / Riki Hidaka

・2024 TOKYO

 (草月ホール / 伊藤邸(旧園田高弘邸) / LIQUIDROOM)
INCAPACITANTS / Puce Mary / Yuko Araki / FUJI | | | | | || | | | | TA / Okkyung Lee / 坂 田 明 / Bendik Giske / Valentina Magaletti / Still House Plants / goat 

【KYOTOPHONIE】

 
京都で年2回開催される「KYOTOPHONIE ボーダレスミュージックフェスティバル」は、ルシール・レイボーズと仲西祐介(KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭の共同創設者)によって2023年からスタートした音楽フェスティバルです。2023年春から2024年秋までに、延べ約37,000人の観客を動員しました。

KYOTOPHONIEは、従来のジャンル、会場、形式にとらわれないクリエイティブな実験を促します。このような実験と分野横断的コラボレーションこそが、本フェスティバルの特徴です。京都府内のユニークな会場で、シーンを彩るアンダーグラウンドなアーティストから世界で活躍する国際的なアーティストまで、多彩なラインナップを紹介しています。

春開催の「KYOTOPHONIE Spring」は、姉妹イベントである「KYOTOGRAPHIE 京都国際写真祭」のその年のテーマからインスピレーションを受け、アーティストを選定し、写真や音楽の枠を超えて同時開催しています。「KYOTOPHONIE Autumn」は、さらに自由なラインナップによって未知の音楽体験を提供し、世界を旅するような感覚を共有します。以下は開催実績です。

 

・2023 Spring -Club METRO / 東福寺塔頭 光明院 / HOSOO Hall / 金剛能楽堂 / ロームシアター京都 サウスホール / 京都コンサートホール アンサンブルホール(小ホール) / 渉成園 / 八竹庵(旧川崎家住宅) 

ルーカス・サンタナ / 山川冬樹 / サリフ・ケイタ / EUTRO / TRIO SR9 / サンドラ・ンカケ / ラ・チカ/ SHOW-GO / KYOTO JAZZ SEXTET / 森山威男 / 中野公揮 /吉田簑紫郎(文楽人形遣い)/ バラケ・シソコ / ヴァンサン・セガール / ピエル・ファッチーニ / 大友良英/ 小山田圭吾 / 田中知之 (FPM) / ピーター・バラカン / Kobeta Piano 他


・2023 Autumn -天橋立　　

シシド・カフカ directs el tempo / シコ・セーザル / U-zhaan×環ROY×鎮座DOPENESS / baobab / ジュリア・ショートリード/ LUCA×山本啓×仙石 人 / 青葉市子 / 石橋英子 Band Set / ルエジ・ルナ / INNA DE YARD (HORACE ANDY,CEDRIC MYTON from The Congos and WINSTON MCANUFF, backed by Home Grown) / 西原鶴真 / Eki Shola / 仕立て屋のサーカス

・2024 Spring -八竹庵(旧川崎家住宅)/ 東本願寺視聴覚ホール / Club METRO

ロス・グラシオーソ / シェニア・フランサ / ダビ・コペナワ / イーモン・ドイル / ナイルスウィーニー / ダビッド・ドノホ / ケヴィン・バリー
/ Black Boboi / kott / CROSSBRED 他

 

・2024 Autumn　ロームシアター京都 メインホール

ジルベルト・ジル「アケリ・アブラッソ・ジャパンツアー 2024 京都公演」

【YY】

芸術、ファッション、音楽の分野における培った知識や専門性、豊かな文化的洞察力を活かし、他の文化領域や産業との接点を創出するカルチュラルプラットフォーム。

世界中のアーティストやクリエーター、専門家とのネットワークを活用し、クリエイティブ/アートディレクションやブランドマーケティング、アート・文化関連のプロジェクト企画・制作を行う。アート展示やライブパフォーマンス、ブランドとの協働を通じて、さまざまな創造分野の連携を促進し、国際的な視点で文化の発展に貢献するプロジェクトを展開している。

 

Luby Sparks

東京のオルタナティヴロック・バンド、Luby Sparks（ルービー・スパークス）の二作のEPが一つの音源としてLPバージョンで3/29に発売される。昨年からシングルとEPを発表していたルービー・スパークスですが、これらの音源がまとめてLP化され発売されます。音源の詳細を下記よりご覧ください。

 

また、バンドのツアーの開催が発表された。東京WWW X、大阪COMPASSにてワンマンライブが３月に行われる。会場ではLPも先行販売予定です。ライブに行かれる方はぜひチェックしてみてください。

 

 

【新作アルバム情報　* LPのみで発売】

 

■アーティスト｜　　　Luby Sparks（ルビースパークス）
■アルバムタイトル｜　Songs for The Daydreamers/Songs of The Hazy Memories [LP] (ソングス フォー ザ デイドリーマーズ ソングス フォー ザ ヘイジーメモリーズ エルピー）
■リリース日｜　　　　2025年3月29日（土）
■品番｜　　　　　　　DDJB-91255
■販売価格｜　　　　　4,000円+Tax
■仕様｜　　　　　　　LP
■レーベル｜　　　　　AWDR/LR2

 

 

 

【旧譜情報  *デジタルで配信済み】 

 
・Luby Sparks「Songs for The Daydreamers」EP

 

日本にとどまらず海外での活動が充実している昨今のLuby Sparksの集大成となるEP。この五人組のルーツであるシューゲイザー／インディサウンドに回帰した4曲入りEP「Songs for The Daydreamers」。

 

インディーロック/シューゲイザーのサウンド「Stayaway」。清涼感に溢れたインディポップ・ナンバー「Somebody Else」。打ち込みとシューゲイザーが共存する「NOT Okay」、Yeah Yeah Yeahsのカヴァー「Maps」の4曲を収録。

 

共同プロデュースは吉田仁、カバーアートは、ブルックリンのアーティスト、Annika White、マスタリングは、Kentaro Kimura (Kimken Studio)が担当。

 

 

収録曲：

A1. Stayaway [ https://youtu.be/_Tf2nE05NzA?si=s_t8VX07bDB4rmxC ]
A2. Somebody Else [ https://youtu.be/lg5w2vuCngI?si=sNEVYXy7ARtbrH1J ]
A3. NOT Okay [https://youtu.be/CtdlxjPGfNw ]
A4. Maps [ https://youtu.be/qSfViobYgW4?si=TmLUPF94pwxuMFId ]

・Luby Sparks「Songs of The Hazy Memories」 EP

 

2024年5月にリリースした4曲入りのEP「Songs for The Daydreamers」に続く、4曲入りのEP「Songs of The Hazy Memories」。彼等のルーツであるシューゲイザー／インディ・サウンドに回帰した前作「Songs for The Daydreamers」の要素を更に深化させた充実の4曲。

ヘヴィ・シューゲイズ「Broken Headphones」、オルタナオルタナティヴ・シンセ・ポップ「Overrated!」、インディポップ／ギターポップ・サウンド「Summer Days」の先行して発表した3曲に加え、シューゲイザーとダンサンブルなビート／シンセ・ベースラインが特徴のドラムンベースサウンドが融合した「Faith」が収録。

 

共同プロデュースは吉田仁、カバーアートは、ブルックリンのアーティスト、Annika White、マスタリングは、Kentaro Kimura (Kimken Studio)が担当。

 

 

収録曲：

B1. Broken Headphones [ https://youtu.be/K6V23csCt1g?si=-FjuDGXMbrji9PgG ]
B2. Overrated! [ https://youtu.be/489iqJSR8hg?si=8AXp-8Ta7xyhvNjd ]
B3. Summer Days [ https://youtu.be/qk9MX0INRTA?si=XXMSian-XqgGMZeM ]
B4. Faith [https://youtu.be/3Fd1qZIkyB4?si=4D-Wb_PYcIzRkGu9 ]

【Luby Sparks】

Natsuki (ba/vo)  Erika (vo)  Sunao (gt)  Tamio (gt)  Shin (dr)。2016年3月結成。2018年1月、Max Bloom (Yuck) と全編ロンドンで制作したデビューアルバム「Luby Sparks」を発売。

 

2019年9月に発表したシングル「Somewhere」では、Cocteau TwinsのRobin Guthrieによるリミックスもリリースされた。

 

2022年5月11日にMy Bloody Valentine、Rina Sawayamaなどのプロデュース／エンジニアを手掛けるAndy Savoursを共同プロデューサーに迎え、セカンドアルバム「Search + Destroy」をリリース。

 

同年6月には、初のワンマンライブ「Search + Destroy Live」(WWW X) も行い、ソールドアウトとなった。10月にはタイでの海外公演、2023年3月全米7都市にて「US Tour 2023」、9月「Strawberry Music Festival 2023」を含む中国全7都市「China Tour 2023」、10月韓国、11月インドネシア「Joyland Festival」へ出演を行うなど海外での展開も積極的に行なっている。

 

2024年5月にリリースした「Songs for The Daydreamers」EPに続き、2025年1月24日にも「Songs of The Hazy Memories」EPをリリース。

今年、2022年6月以来となるワンマンツアー「Luby Sparks 2025 Tour - One-man Shows –」の開催が決定。3月17日（月）WWW X（東京）、3月20日（木・祝）CONPASS（大阪）にて行われる。現在、チケット発売中。

 

 

【Luby Sparks ２０２５ Tour Date】

・Luby Sparks 2025 Tour - One-man Shows –　　・両日ともにワンマン開催

イベントの紹介動画:  https://youtube.com/shorts/5HWVQxnG264 

 

・2025.03.17 [Mon] WWW X [Tokyo] Open 19:00 / Start 20:00

・2025.03.20 [Thu] CONPASS [Osaka] Open 18:00 / Start 18:30

 

Adv. 3500 Yen [+1D] / U-22 2500 Yen [+1D]

Ticket ( 2025.01.24 [Fri]_2025.02.21 [Fri] )

チケットの詳細(eplus)：https://eplus.jp/lubysparks

 
Tour Flyer Design : Max Bloom (YUCK)

 

ロサンゼルスのPeel Dream Magazine(ピール・ドリーム・マガジン）は、昨年、ニューアルバム『Rose Main Reading Room』をTopshelf Recordsから発表しました。このアルバムは、SPIN、Pitchforkから注目された。日本国内では、タワーレコードもこの新作に注目していました。

 

ピール・ドリーム・マガジンは現在は北米ツアーを開催中です。 一連のライブツアーは、今年２月から３月まで続き、３月７日のニューヨーク/ブルックリンの公演（Music Hall of Williamburg)で一連の日程を終了する。今後、プロジェクトの人気を拡大しそうな気配を見せています。

 

ピール・ドリーム・マガジンは、ジョセフ・スティーヴンス、オリビア・ブラック、イアン・ギブス、イアン・リプソンから構成される。昨年１１月にシアトルのラジオ放送局”KEXP”に出演し、四曲をライブパフォーマンスで披露した。ライブパフォーマンスの映像は、KEXPの公式チャンネルで２月７日に配信されています。ラジオ局の収録ではトリオ編成により収録が行われました。

 

最新作からは、「Central Park West」、「Lie In The Gutter」、「Four Leaf Clover」がセレクトされています。

 

２０２５年に入り、Peel Dream Magazineは、『Modern Meta Physic』のデラックス・エディションをリリースしています。最新アルバムに関するPeel Dream Magazineのボーカリスト、ジョセフ・スティーヴンスさんのインタビュー（Q&A）はこちらからお読みいただけます。

 

 

KEXP- Live Performance

 

フィラデルフィアを拠点に活動するシンガーソングライター、BATTLEFLAGG(バトルフラッグ）の新作EP『Solastalgia』をリリースしました。EPの詳細とアーティストのバイオグラフィーを掲載します。(１月上旬に発売。昨日、プレスリリースが海外のマネージメントから到着しました） 

 

EPに収録されている「Ghost」のオフィシャルビデオが公開されています。下記よりご視聴ください。

ダニエル・ノウルズ（シャロン・ヴァン・エッテン、シガレッツ・アフター・セックス）がプロデュースしたこの音楽は、既知の世界がリアビューに消えていく間に見逃してしまった繋がりにインスパイアされている。 

 

”ソラスタルジア”とは、哲学者のグレン・アルブレヒトが2005年に発表した論文である。"まだ家にいるときに感じるホームシック"と定義されている。 生活、記憶、場所が消え去り、ある場所に立ち尽くすようなものだ。一般的なノスタルジアとは少し異なり、ソラスタルジアは苦悩に満ちたもので、自分ではどうすることもできない環境やその他の変化に起因することが多い。

BATTLEFLAGG（バトルフラッグ）は、ラモーンズ、サード・アイ・ブラインド、ケーキ、トレインのオープニングアクトを務めるなど、他の音楽プロジェクトでも成功を収めています。 アトウッド誌、ノーザン・トランスミッション誌などから高い評価を受けています。 

 

「Ghost」

 

 

 

 

 

 

Philadelphia-based singer-songwriter BATTLEFLAGG (Battle Flag) has released a new EP, Solastalgia. (It was released in early January, but a press release arrived yesterday from his international management.) 

He shares, "Solastalgia is defined by philosopher Glenn Albrecht in his 2005 article on the subject as “the homesickness you have when you are still at home,” where you may find your home environment changing in distressing ways. It is a lived evanescence of what you have always known, like standing in one place as the life, memories and places fade away.  Unlike nostalgia, solastalgia is distressing and is often attributed to environmental or other changes completely out of one's control."

BATTLEFLAGG has found success in other musical projects opening for the Ramones, Third Eye Blind, Cake and Train. He has received acclaim from the likes of Atwood Magazine, Northern Transmissions, and more.

 

 

[BATTLEFLAGG]

 

フィラデルフィアを拠点に活動するシンガー・ソングライター、ジェフ・ハートウィグのプロジェクトであるバトルフラッグは、新曲のデモを制作した後、個人的、社会的、政治的不安の時代に主体性を取り戻す必要性を感じ、2020年に構想された。

 バトルフラッグはバンドというより、志を同じくするミュージシャンやヴィジュアル・アーティストの集団であり、忍び寄るシニシズムの時代と闘うためにパンデミックの最中に結成された。 伝統的なロック・インストゥルメントとアンビエント・シンセ、ドラム・ループ、サンプルを融合させたサウンドを持つハートウィグのバトルフラッグの曲は、ハートランド／アメリカーナ／インディー・ロックの境界線をまたごうとするもので、心に響く直接的な歌詞とアリーナ・サイズのシンガロング・コーラスに傾倒している。

ハートウィッグの音楽的経歴は多岐にわたる。 彼のプロとしての最初の仕事は、パンク・ロックの革新者プラズマティックスの元メンバーで構成されたキング・フラックスのリード・シンガーとしてラモーンズのオープニングを飾ったことだった。 CBGBsやロウアー・イースト・サイドのクラブで1年間ダウンタウンのシーンを賑わせた後、キング・フラックスは解散し、バンドの創設者であるリッチー・ストッツは大学院に進学した。

サウンドと景色を変えたいと思ったシンガー・ソングライターは、90年代後半にサンフランシスコに移り住み、すぐに盛んなインディ／アメリカーナ／パンク・シーンに飛び込んだ。 ダングスというアメリカーナ（っぽい）バンドの前座を務めた彼は、当時人気急上昇中だったバンド、サード・アイ・ブラインド、ケイク、トレインと共演し、トレインのデビュー・アルバム発売時にはフィルモア・オーディトリアムでオープニングを務めた。 ダングスはまた、ツアー中にデイヴ・アルヴィン、ザ・コーネルズ、ダッシュ・リップ・ロックなど多くのアメリカーナ／インディー系アーティストとステージを共にした。

新世紀が近づくにつれ、ハートウィグはソロ・アーティストとして、ベテラン音楽エグゼクティブのジョージ・デイリーとプロデューサー／エンジニアのチャック・プロトキン（ブルース・スプリングスティーン）によって結成されたUMG配給のアバウト・レコードと契約を結び、1年をかけて最初のリリースのための曲作りと曲作りを行った。 しかし、アバウトがドットコム・バブル崩壊の影響を受けて再編成されたとき、ハートウィグは勢いを失い、今度はロー・スクールに移る覚悟を決めた。

その後10年間、ハートウィグは企業法務のキャリアを追求する一方で、曲作りを続け、時折ライブを行った。 2019年、数多くのデモを手にし、音楽流通の民主化の一翼を担いたいという新たな願望を抱いたハートウィグは、ブリット賞を受賞したプロデューサー、クリス・ポッター（リチャード・アシュクロフト、ローリング・ストーンズ）と連絡を取り、バトルフラッグの1st EP『The Blood Meridians』をプロデュースすることに同意、2022年11月にハートウィグ自身のレーベル、レゾリュート・ジュークからリリースされた。  

『The Blood Meridians』はロンドンとイングランド南部でレコーディングされ、ロブ・マーシャル（ヒューマニスト）とスティーヴ・ワイレマン（リチャード・アシュクロフト）のギターワーク、スティーヴ・シデルニク（シール）のドラミング、ミコ・マークスの魂を揺さぶるヴォーカルなど、英米両国の才能をフィーチャーすることになる。

The Blood Meridians』のリリース後、ハートウィグは再び制作を開始した。 シャロン・ヴァン・エッテンのヒット・シングル "Mistakes "を聴き、そのサウンドの雰囲気が気に入った彼は、そのプロデューサーのダニエル・ノウルズ（SVE, Cigarettes After Sex）に連絡を取り、ノウルズが彼の次のEPをプロデュースしてくれないかと頼んだ。  

ノウルズはデモを聴き、プロジェクトに参加することを快諾した。  約1年半に及ぶレコーディングとミキシングを経て、新作EP『Solastalgia』がリリースされた。  ノウルズとバトルフラッグが共同プロデュースした『Solastalgia』には、ザ・ブラッド・メリディアンズを凌ぐ幅広い音楽的コラボレーターが参加しており、ザ・ウォー・オン・ドラッグス、エセル・カイン、ジャパニーズ・ブレックファスト、エルヴィス・コステロのメンバーも参加している。

新曲を聴いて何を感じ取ってほしいかとの質問に、ハートウィグはこう答えている。「これらの曲を聴くとき、リスナーにはその中に描かれているシンプルなスナップショットの力を理解し、感じてほしい。 願わくば、曲の中の体験が、特に大きな変化に直面している私たち全員に共通するものだと理解することで、リスナーは自分の周りの人々や場所とのより深いつながりを見出すだろう」

 

 

The project of Philadelphia-based singer/songwriter, Jeff Hartwig, Battleflagg was conceived in 2020 after demoing a new set of songs and feeling the need to regain some agency in an age of personal, social and political unrest. Battleflagg is not so much a band but a collective of like-minded musicians and visual artists, formed during the pandemic to combat an age of creeping cynicism. With a sound that blends traditional rock instrumentation with ambient synths, drum loops and samples, Hartwig’s Battleflagg songs seek to straddle the Heartland/Americana/Indie rock divides, leaning into direct, heart-on-sleeve lyrics and arena-size, sing-along choruses.

Hartwig’s musical backstory is prolific. His first pro gig was opening for the Ramones as the lead singer of King Flux, made up of former members of punk rock innovators the Plasmatics, a show for which he was castigated by Johnny Ramone for jumping on Johnny's stage box during the opening set. After a year of powering through the downtown scene at CBGBs and other Lower East Side clubs, King Flux dissolved -- Richie Stotts, the band's founder, went on to grad school -- and Hartwig found himself opening as a solo act for bands on the Blues/Americana circuit, including The Holmes Brothers, Clarence Gatemouth Brown and Commander Cody.

Looking for a change of sound and scenery, the singer-songwriter moved to San Francisco in the late 90s, where he immediately fell into a thriving Indie/Americana/Punk scene. Fronting an Americana(ish) band called the Dangs, he established a strong following playing with then-rising bands Third Eye Blind, Cake and Train, who the Dangs opened for at the Fillmore Auditorium on the release of Train’s debut album. The Dangs also shared stages with many Americana/Indie acts while on tour, including Dave Alvin, The Connells, and Dash Rip Rock.

As the new Millenium approached, Hartwig inked a deal with About Records -- a UMG-distributed imprint formed by veteran music executive George Daly and producer/engineer Chuck Plotkin (Bruce Springsteen) -- as a solo artist, spending a year writing and developing songs for his first release. When About reorganized in the wake of the bursting dotcom bubble, however, Hartwig lost the momentum and was ready to make a change, this time to law school.

Over the next decade, Hartwig pursued a career in corporate law, all the while continuing to write songs and playing the occasional live show. In 2019, with numerous demos in hand and a new desire to be a part of the democratization of music distribution, Hartwig contacted Brit-Award winning producer, Chris Potter (Richard Ashcroft, Rolling Stones), who agreed to produce Battleflagg's first EP, The Blood Meridians, which was released by Hartwig's own label, Resolute Juke, in November 2022.  The Blood Meridians was recorded in London and the south of England and would feature talent from both the UK and US, including the guitar work of Rob Marshall (Humanist) and Steve Wyremann (Richard Ashcroft), the drumming of Steve Sidelnyk (Seal), and the soul-searing vocals of Miko Marks.

After the release of The Blood Meridians, Hartwig again set the production process in motion. Upon hearing Sharon Van Etten's hit single, "Mistakes", and loving the sonic vibe, he reached out to its producer, Daniel Knowles (SVE, Cigarettes After Sex), to see if Mr. Knowles would have interest in producing his upcoming EP.  Knowles listened to the demos and readily agreed to be a part of the project.  After almost 18 months of recording and mixing, the new EP, Solastalgia, is out now.  Co-produced by Knowles and Battleflagg, the breadth of musical collaborators on Solastalgia even exceeds that of The Blood Meridians and includes members of The War on Drugs, Ethel Cain, Japanese Breakfast and Elvis Costello.

When asked what he hopes people would take away from listening to his new music, Hartwig says "When listening to these songs, I want the listener to understand, and feel the power of, the simple snapshots described within, and how such moments are common to many. Hopefully, in understanding that the experiences in the songs are common to all of us, particularly in the face of massive change, the listener will find a deeper connection to the people and places around them."

 

 

２０２５年度の「Rock & Roll Of Fame（ロックの殿堂入り）」の候補者が本日発表された。今年度のノミネート候補は、ロックからポップスまでバランスの取れた選出が行われている。

 

ロックの殿堂にノミネートされるための条件は、候補が発表される年度の２５年前に商業録音を発表済みのアーティストということで、相当厳しい条件となっていることが分かるはずだ。この賞の問題点は、商業的に大きな成功を収めてからかなり後年になって殿堂入りを果たすということだろう。少なくとも、生前に受賞の知らせを受けるためには長生きしないといけない。

 

今年のファイナリストには、ジョイ・デイヴィジョン/ニュー・オーダー、シンディー・ローパー、ビリー・アイドル、マライア・キャリー、マナ（MANA)、フィッシュ（Phish）、ジョー・コッカー、アウトキャスト、チャビー・チェッカー、サウンドガーデン、ザ・ブラック・クロウズ、ザ・ホワイト・ストライプス、バッド・カンパニー、そしてオアシスが選ばれた。

 

注目すべきは、ロックの殿堂入りに関して批判的な意見を示してきたリアム・ギャラガー擁するオアシスだろう。今年、バンドはワールドツアーを控えている。ノミネートの一報を受けたリアム・ギャラガー氏は、ソーシャルメディアで持論を展開させた。この賞にたずねられると、「ロックの殿堂はオカマのための賞だ」といい、さらに、ファンに「もし受賞したらどうする？」と聞かれると、「もちろん現地に行って、これまでで最高のことを話すよ」と言った。

 

ロックの殿堂の受賞者の発表は、２０２５年４月に行われ、通例ではライブパフォーマンスなども行われる。また公式サイトでのファン投票に加えて、１，２００人以上のアーティストや音楽業界関係者、そして識者によって選出される。昨年の受賞者は、オジー・オズボーン、メアリーJ、ブライジ、ピーター・フランプトン、クール＆ザ・ギャングなどがロックの殿堂入りを果たした。ロックの殿堂はクリーブランドにあり、伝説的なミュージシャンの記念品が展示されている。１９８１年にこの博物館は開設され、現在も当地の名物的な施設として知られている。

◆静謐なピアノ・ミュージックをヒップホップ的手法で拡張させた新感覚のサウンドスケープ
 現代アンビエント・シーンで注目を集めるザ・ヴァーノン・スプリング最新作

現代アンビエント・シーンの注目株であるUKのThe Vernon Spring(ザ・ヴァーノン・スプリング)のニューアルバム『Under a Familiar Sun』が5/9リリース決定。(配信の予約はこちらから)

本日アルバムからの先行シングルとして、作家のMax Porterのポエトリーリーディングをフィーチャーした「The Breadline (feat. Max Porter)」と、その姉妹曲「Requiem For Reem」が配信開始されました。(ストリーミング配信はこちら)

ノース・ロンドン出身で、ブライトン在住のアーティスト／作曲家／ピアニスト／プロデューサーのザ・ヴァーノン・スプリング）ことサム・ベステ。大きな飛躍を遂げる可能性に満ちた待望のニュー・アルバム『Under a Familiar Sun』がついにリリース。2025年のアンビエント・シーンで大きな注目を集める可能性があります。

2008年に弱冠17歳にして故エイミー・ワインハウスのワールド・ツアーのピアニストに抜擢され、彼女との仕事はその後、MF DOOM、ケンドリック・ラマーのプロデューサーSounwave、Beth Orton、Joy Crookes、Kano、Gabriels、マシュー・ハーバートとのコラボレーションへの道を拓きました。



20代半ばにオルタナ・ソウル・トリオ・ヘジラ（ヘジラ）を結成し、自主レーベル・リマ・リモを創設。ジャズのバックグラウンドと現代的なエレクトロニック・プロダクションを融合させ、ジャズでもポスト・クラシカルでもない幽玄で繊細なピアノ・ミュージックを確立し、2021年のデビューアルバム『A Plane Over Woods』はロングセラーを記録。その後、LPのみでリリースしたマーヴィン・ゲイの名作『What's Going On』を独自に解釈したアルバム『What's Going On』も高い評価を獲得しました。

最新作『見慣れた太陽の下で』、『彼の芸術的進化の幅の広さと深みを物語る作品です。作曲とプロセスに基づく長い実験期間を経て生まれたもので、これまでの即興的なプロダクションから、より複雑なアプローチへの転換を果たしました。

プロデューサーのIko Nicheとともにアルバム制作を進めるなかで、ヒップホップの影響や、サンプリングを活用した手法を取り入れながら、The Vernon Springならではのピアノ・コンポジションを全編にわたって貫き、前人未到のサウンドスケープを描き出しています。

ベステのスタジオで制作・ミックスされたこのアルバムには、「The Breadline」の詩でアルバム全体のコンセプトにインスピレーションを与えた作家のマックス・ポーター、直感的なアレンジが没入感のあるレイヤーと深みを加えたチェリストのケイト・エリス、NYブルックリンの拠点に活動するヴォーカリスト、プロデューサー、作家、天体物理学博士のadenなどが参加し、それぞれ魅惑的な表現で作品に命を吹き込んでいます。

現在、パートナーと3人の息子とともにブライトで暮らすベステは、本作を「家庭内の親密な探求」であると同時に、「この不確かな時代における責任についてのより広い瞑想」として作り上げました。親密なテーマと普遍的なテーマの間を揺れ動き、交差する現実が音楽そのものをはるかに超える共鳴する音空間を構築します。

個人的な献身と道徳的な意識を融合させながら、新たなサウンドの可能性を追求するアーティストの姿を示し、知覚がきらめく新たな光のなかで反響する深遠な作品となっています。

このアルバムは核家族へのラブレターだ。私はその愛がより広い世界とどのように関係しているのかを問うている。芸術は政治主義を切り開くために政治的である必要はない。これは希望に満ちたレコードなんだ。

ヴァーノン・スプリングの音楽は近年、静かで美しい音楽を求めるリスナーの耳を魅了してしつづけています。その芸術的ヴィジョンを抽出し、拡張させた本作は、このプロジェクトが新たな革新の段階へと転換点となるもの、優雅でありながら勇敢なアプローチに驚嘆する意欲作となっています。

アートワークはBon Iverの『22, A Million』『i,i』を手がけるヴィジュアル・アーティストEric Timothy Carlsonが担当。収録曲のヴィジュアライザーは同じくボン・イヴェールの『i,i』をカールソンとともに手がけたヴィジュアル・アーティスト、アーロン・アンダーソンとエリック・ティモシー・カールソンによるもの。

【新作アルバム情報】

 

 

アーティスト：The Vernon Spring（ザ・ヴァーノン・スプリング）

タイトル：アンダー・ア・ファミリア・サン（Under a Familiar Sun）

品番： CD： PDIP-6612 / LP： PDIP-6613LP

価格：CD：2,500円（税抜）／LP：2,750円（税込）

LP: 5,000円（税抜） / 5,500円（税込）

発売日：2025年5月9日（金）

バーコード：CD: 4532813536125 / LP: 4532813536132

フォーマット：国内盤CD / LP / デジタル

ジャンル：ポスト・クラシカル・ジャズ / アンビエント

レーベル：p*dis

販売元・発売元：株式会社インパートメント

パッケージ仕様：ブラックヴァイナル＋グロススポット加工ジャケット＋プリントインナースリーヴ＋帯トラックリスト

トラックリスト:

 1. Norton

2. The Breadline (feat. Max Porter)

3. Mustafa (feat. Iko Niche)

4. Other Tongues

5. Under a Familiar Sun

6. Fume

7. In The Middle

8. Fitz

9. Esrever Ni Rehtaf (feat. aden)

10. Counted Strings (feat. aden)

11. Requiem For Reem

12. Known

＜プロフィール＞

UKノース・ロンドン生まれブライトン在住のアーティスト／作曲家／ピアニスト／プロデューサー、サム・ベステスによるソロ・プロジェクト。弱冠17歳でエイミー・ワインハウスのワールド・ツアーのピアニストに抜擢され、キャリアをスタート。豊富なマルチ・インストゥルメンタリストでもある。

2021年にリリースしたソロ・デビュー・アルバム『A Plane Over Woods』がロングセラー。同年、発売から50周年を迎えたマーヴィン・ゲゲイの代表作『What's Going On』に対するレスポンスとなる作品『What's Going On』をリリース。同アルバム収録の名曲群を独自の解釈でカヴァーしたこの作品は各所で大絶賛された。

 Squid  『Cowards』

 

Label: Warp

Release: 2025年２月７日

 

 

Review

 

最もレビューに手こずった覚えがあるのが、Oneohtrix Point Never（ダニエル・ロパティン）の『Again』だったが、ブリストルのポストパンクバンド、Squidの『Cowards』もまた難物だ。いずれも、Warpからの発売というのも面白い共通点だろう。

そして、いずれのアルバムも成果主義に支配された現代的な観念からの脱却を意味している。スクイッドは無気力と悪魔的な考えがこのアルバムに通底するとバンドキャンプの特集で語った。また、サマーソニックの来日時の日本でのプロモーション撮影など、日本に纏わる追憶も織り交ぜられており、日本の映像監督が先行曲のMVを制作している。従来、スクイッドは、一般的なロンドンのポストパンクシーンと呼応するような形で登場。同時に、ポストパンクの衝動性というのがテーマであったが、ボーカルのシャウトの側面は前作『O Monolith』から少し封印されつつある。それとは別のマスロックの進化系となる複雑なロックソングを中心に制作している。さて、今回のイカの作品は音楽ファンにどのような印象をもって迎え入れられるのだろう。

 

 

近年、複雑な音楽を忌避するリスナーは多い。スクイッドも、時々、日本国内のリスナーの間でやり玉に挙げられることもあり、評論家筋の評価ばかり高いという意見を持つ人もいるらしい。少なくとも、最新の商業音楽の傾向としては、年々、楽曲そのものが単純化されるか、省略化されることが多いというデータもあるらしい。また、それはTikTokのような短いスニペットで音楽が聞かれる場合が増加傾向にあることを推察しえる。ただ、音楽全体の聞き方自体が多様化しているという印象も受ける。以前、日本のTVに出演したマティ・ヒーリーは短いスニペットのような音楽のみが本質ではないと述べていた。結局、音楽の楽しみ方というのは多彩化しており、簡潔な音楽を好む人もいれば、それとは反対に、70年代のプログレッシヴロックのような音楽の複雑さや深みのような感覚を好き好むと人もいるため、人それぞれであろう。ちゃちゃっとアンセミックなサビを聞きたいという人もいれば、レコードで休日にじっくりと愛聴盤を聞き耽りたいという人もいるわけで、それぞれの価値観を押し付けることは出来ない。

 

一方、スクイッドの場合は、間違いなく、長い時間をかけて音楽を聞きたいというヘヴィーなリスナー向けの作品をリリースしている。また、『Cowards』の場合は、前作よりも拍車がかかっており、まさしくダニエル・ロパティのエレクトロニクスによる長大な叙事詩『Again』のポストロックバージョンである。スクイッドは、このアルバムの冒頭でチップチューンを絡めたマスロックを展開させ、数学的な譜割りをもとに、ミニマリズムの極致を構築しようとしている。

 

スクイッドはアンサンブルの力量のみで、エキサイティングなスパークを発生させようと試みる。バンドが語るアパシーという感覚は、間違いなくボーカルの側面に感じ取られるが、バンドのセッションを通じてアウトロに至ると、そのイメージが覆されるような瞬間もある。それは観念というものを打ち破るために実践を行うというスクイッドの重要な主題があるわけだ。激動ともいえるこの数年の大きな流れからしてみれば、小市民は何をやっても無駄ではないのかという、音楽から見た世界というメタの視点から、無気力に対して挑もうとする。これが「Crispy Skin」という日常的な出来事から始まり、大きな視点へと向かっていくという主題が、ミニマリズムを強調した数学的な構成を持つマスロック、そしてそれとは対象的な物憂げな雰囲気を放つボーカルやニューウェイヴ調の進行を通じて展開されていく。この音楽は結果論ではなく、「過程を楽しむ」という現代人が忘れかけた価値観を思い出させてくれるのではないか。

 

以前、ピーター・ガブリエルのリアル・ワールド・スタジオ（実際はその近くの防空壕のようなスタジオ）で録音したとき、スクイッドは成果主義という多くのミュージシャンの慣例に倣い実践していたものと思われる。だが、このアルバムでは彼等は一貫して成果主義に囚われず、結果を求めない。それがゆえ、非常にマニアックでニッチ（言葉は悪いが)なアルバムが誕生したと言える。その一方で、音楽ファンに新しい指針を示唆してくれていることも事実だろう。

 

そして「プロセスを重視する」という指針は、「Building ５００」、「Blood On The Boulders」に色濃く反映されている。ベースラインとギターラインのバランスを図ったサウンドは、従来のスクイッドの楽曲よりも研ぎ澄まされた印象もあり、尚且つ、即興演奏の側面が強調されたという印象もある。いずれにしても、ジャジーな印象を放つロックソングは、彼等がジャズとロックの融合という新しい節目に差し掛かったことを意味している、というように私自身は考えた。

続く「Blood On The Boulders」では、ダークな音楽性を通して、アヴァンギャルドなアートロックへと転じている。ハープシコードの音色を彷彿とさせるシンセのトリルの進行の中で、従来から培われたポストパンクというジャンルのコアの部分を洗い出す。この曲の中では、女性ボーカルのゲスト参加や、サッドコアやスロウコアのオルタネイトな性質を突き出して、そしてまるで感情の上がり下がりを的確に表現するかのように、静と動という二つのダイナミクスの変遷を通じて、スクイッドのオリジナルのサウンドを構築するべく奮闘している。まるでそれは、バンド全体に通底する”内的な奮闘の様子”を収めたかのようで、独特な緊張感を放つ。また、いっとき封印したかと思えたジャッジのシャウトも断片的に登場することもあり、これまで禁則的な法則を重視していたバンドは、もはやタブーのような局面を設けなくなっている。これが実際的な曲の印象とは裏腹に、何か心がスッとするような快感をもたらすこともある。

 

 

同じように、連曲の構成を持つ「Fieldworks Ⅰ、Ⅱ」では、ハープシコードの音色を用い、ジャズ、クラシックとロックが共存する余地があるのかを試している。もっとも、こういった試みが出来るというのがスクイッドの音楽的な観念が円熟期に達しつつある証拠で、アンサンブルとしての演奏技術の高いから、技巧的な試みも実践出来る。しかし、必ずしも彼等が技巧派やスノビズムにかぶれているというわけではない。

例えば、「Ⅰ」では、ボーカルそのものはスポークワンドに近く、一見すると、回りくどい表現のように思えるが、ハープシコードの対旋律的な音の配置を行い、その中でポピュラーソングやフォーク・ソングを組み立てるというチャレンジが行われている。そして「Ⅰ」の後半部では、シンセによるストリングスと音楽的な抑揚が同調するようにして、フィル・スペクターの「ウォール・オブ・サウンド」のオーケストラストリングを用いて、息を飲むような美しい瞬間がたちあらわれる。この曲では必ずしも自己満足的なサウンドに陥っていないことがわかる。ある意味では、音楽のエンターテインメント性を強調づけるムーブメントがたちあらわれる。

 

また、「Ⅱ」の方では、バンドによるリズムの実験が行われる。クリック音（メトロノーム）をベースにして、リズムから音楽全体を組み上げていくという手法である。また、その中にはジャズ的なスケール進行から音楽的な細部を抽出するというスタイルも含まれている。一つの枠組みのようなものを決めておいて、そのなかでバンドメンバーがそれぞれ自由な音楽的表現を実践するという形式をスクイッドは強調している。それらがグラスやライヒのミニマリズムと融合したという形である。それが最終的にはロックという視点からどのように構築されるかを試み、終盤に音量的なダイナミクスを設け、プログレやロック・オペラの次世代にあるUKミュージックを構築しようというのである。試みはすべてが上手くいったかはわからないけれども、こういったチャレンジ精神を失えば、音楽表現そのものがやせほそる要因ともなりえる。

 

以後、楽曲自体は、聞きやすい曲と手強い曲が交互に収録されている。「Co-Magnon Man」ではロックバンドとしてのセリエリズムに挑戦し、その中でゲストボーカルとのデュエットというポピュラーなポイントを設けている。シュトックハウゼンのような原始的な電子音楽の醍醐味に加えて、明確に言えば、調性を避けた十二音技法の範疇にある技法が取り入れられるが、一方で、後半では珍しくポップパンクに依拠したようなサビの箇所が登場する。明確にはセリエリズムといえるのか微妙なところで、オリヴィエ・メシアンのような「調性の中で展開される無調」（反復的な楽節の連続を通して「調性転回」の技法を用いるクラシック音楽の作曲方法で ''Sequence''と言う）というのが、スクイッドの包括的なサウンドの核心にあるのだろう。これらの実験音楽の中にあるポップネスというのが、今後のバンドのテーマになりそうな予感だ。また、ギターロックとして聞かせる曲もあり、タイトル曲「Cowards」はそれに該当する。ここでは、本作のなかで唯一、ホーンセクション（金管楽器）が登場し、バンドサウンドの中で鳴り響く。アメリカン・フットボールの系譜にあるエモソングとしても楽しめるかもしれない。

 

どうやら、アルバムの中には、UKの近年のポストロックやポストパンクシーンをリアルタイムに見てきた彼等にしか制作しえない楽曲も存在する。「Showtime!」は、最初期のBlack Midiのポスト・インダストリアルのサウンドを彷彿とさせ、イントロの簡潔な決めとブレイクの後、ドラムを中心としたスムーズな曲が繰り広げられる。そして、アルバムの序盤から聴いていくと、観念から離れ、現在にあることを楽しむという深い主題も見いだせる。そのとき、スクイッドのメンバーは、おそれや不安、緊張から離れ、本来の素晴らしい感覚に戻り、そして心から音楽を楽しもうという、おそらく彼等が最初にバンドを始めた頃の年代の立ち位置に戻る。

アルバムの最後では、彼等のジャンルの括りを離れて、音楽の本質や核心に迫っていく。ある意味では、積み上げていったものや蓄積されたものが、ある時期に沸点のような瞬間を迎え、それが瓦解し、最終的には理想的な音楽に立ち返る。その瞬間、彼等はアートロックバンドではなくなり、もちろんポストパンクバンドでもなくなる。しかし、それは同時に、心から音楽をやるということを楽しむようになる瞬間だ。「Cowards」は、音楽的に苦しみに苦しみ抜いた結果にもたらされた清々しい感覚、そして、次なるジャイアント・ステップへの布石なのである。

 

 

 

 

 ８２/１００

 

 

Best Track 「Blood On The Boulders」

©Anaïs Ramos

カナダの注目のシンガーソングライター、Helena Deland（ヘレナ・デランド）は、同地のアートポップシーンで存在感を放っている。

 

ヘレナ・デランドは「Altogether Unaccompanied」と銘打たれたシリーズを四作発表しているが、その第5弾として、2曲の新曲「Silver and Red」と「Bigger Pieces」を同時に発表した。

 

特に「Silver and Red」の方は短いエレメントであるが、ローファイなインディーフォークソングで良い雰囲気を醸し出している。さらにもう一曲は、アナログなオルトポップでカナダのシンディー・リーのようなベースメントの音楽性を吸収している。いずれもフォーク・ミュージックがベースにある。

 

「Silver and Red」には、ニック・アーサーが撮影したミュージックビデオも収録されている。2曲とも下記からチェックしてみてください。

「2017年、ファースト・アルバムになると思ってレコーディングを終えたとき、私は雑多な曲の束に直面しました」とデランドは声明で説明した。「私はそれらを期待されたフォーマットにくねくねさせる代わりに、Altogether Unaccompanied, volumes I-IVと呼ばれる一連の短いEPとしてリリースした。このシリーズは、アルバムに収録されなかった曲や、多かれ少なかれ無伴奏で単独で存在しているような曲を共有するための、オープンエンドな場所となっている」

 

「Silver and Red」
 

 

 

「Bigger Pieces」

 

 

 

【Helena Deland】 

 

ヘレナ・デランドはカナダのシンガーソングライター。これまでに5枚のEPをリリースしている。『 Drawing Room』（2016年）、『From the Series of Songs 「Altogether Unaccompanied」 Vol.I, II, III & IV』（2018年）は彼女が作詞・作曲したもの。2020年10月15日に1stフルアルバム『Someone New』をリリース。

 

セカンド・フル・アルバム『おやすみサマーランド』は2023年10月13日にリリースされた。デランドは現在、世界ではルミネール・レコーディングス（ゴリラ VS ベア＆ファット・ポッサム・レコードが設立したレーベル）、カナダではチヴィ・チヴィと契約している。キャリア初期からカナダ、アメリカ、ヨーロッパでコンスタントにツアーを行っている。

 

ジャスティン・ヴァーノンは昨年、ボン・アイヴァーとしての新作EP『SABLE』を発表したが、今回、同プロジェクトの6年ぶりとなるフルアルバムを発表した。『SABLE, fABLE』は4月11日にJagjaguwarからリリースされる。ヴァーノンはジム＝E・スタックと共にこのアルバムをプロデュースし、ほとんどのレコーディングはウィスコンシン州にある彼のエイプリル・ベース・スタジオで行われた。ダニエル・ハイム、ディジョン、フロック・オブ・ダイムスが参加している。

「SABLE」がプロローグだとすれば、「fABLE」は一冊の本であり、「SABLE, fABLE」はアルバムである。夢中になること、そしてそれがこれらの曲にもたらす強烈な明晰さ、集中力、正直さ、祝福には、紛れもない癒しがあるのかもしれない。「Everything Is Peaceful Love "は、恋に落ちる相手に出会って幸福感に打ちひしがれる男の肖像である。しかし、SABLEの影はまだ迫っており、リセットして再出発しようと努力しても、古い感情が戻ってくることがある。

寓話のように、それぞれの曲は教訓を植え付けている。fABLEは、他者や恋人と関わるときに必要とされる無私のリズム、つまり、より良くなるためのペースを見つけるための忍耐強いコミットメント、そして一体感について歌っている。i,i』や『22, A Million』でジャスティン・ヴァーノンの声を守っていた、回避的で濃密な音の層はもうない。SABLE,fABLE』は、真実を剥き出しにしたキャンバスなのだ。

 

BON IVER 　『SABLE, FABLE』

Label: jagujaguwar

Release:  2025年４月１１日

Tracklist:

 

THINGS BEHIND THINGS BEHIND THINGS

S P E Y S I D E

AWARDS SEASON

Short Story

Everything Is Peaceful Love

Walk Home

Day One (feat. Dijon and Flock of Dimes)

From

I’ll Be There

If Only I Could Wait

(feat. Danielle Haim)

There’s A Rhythmn

Au Revoir

 

 

 

Lucy Dacus（ルーシー・ダカス）が3月28日にGeffenからニューアルバム『Forever Is a Feeling』をリリースする。３作目のシングル「Best Guess」のミュージックビデオが公開された。ビデオは1990年代のカルバン・クラインの広告を引用し、ナオミ・マクファーソン、カーラ・デルヴィーニュ、トワ・バード、ERファイトマスターらが出演している。PVは以下より。

プレスリリースによると、「Best Guess」はルーシー・デイカスによるユニークなラブソングで、クィアな優しさのアンセムである。

「Forever Is A Feeling』は、2021年にマタドールからリリースされたアルバム『Home Video』に続く作品。2023年には、ジュリアン・ベイカーとフィービー・ブリジャーズとともにダカスをフィーチャーしたスーパーグループ、boygeniusの一員としても同アルバムをリリースしている。

ブリジャーズ、ベイカー、ブレイク・ミルズ、バーティーズ・ストレンジ、ホージャー、マディソン・カニンガム、コリン・パストーレ、ジェイク・フィンチ、メリーナ・ドゥテルテらが新作に参加している。

ダカスは2022年秋から2024年夏にかけてアルバムのほとんどの曲を書いた。「感情で頭を蹴られた」と彼女は以前のプレスリリースで語っている。「恋に落ち、恋に落ち...。物事を創造するためには、物事を破壊しなければならない。そして、私は本当に美しい人生を壊してしまった」

アルバムのタイトルについて、デイカスはこう付け加えた。でも、私たちは瞬間に永遠を感じていると思う。永遠の中でどれだけの時間を過ごしたかはわからないけど、訪れたことはある。"

「Ankles」のビデオはパリで撮影され、女優のハヴァナ・ローズ・リューがダカスと一緒に出演し、有名な絵画から抜け出した人物を演じている。アルバムのカバー・アートワークは、ビジュアル・アーティストのウィル・セント・ジョンによるダカスの別の絵である。

この新しいツアーのために、ダカスはPLUS1と提携し、チケット1枚につき1ドルが "PLUS1 LA Fires Fundを通じて、壊滅的なLAの山火事の影響を受けた個人、家族、コミュニティへの重要な救済と長期的な復興支援に寄付される。

 

「Best Guess」

▪️LUCY DACUS、新作アルバム『FOREVER IS A FEELING』をゲフィンから3月28日にリリース

ジャンルを超えて活躍するハルの4人組、bdrmm(ベッドルーム）が、モグワイのレーベル・ロックアクションから2月28日にリリースされるサードアルバム『Microtonic』から3曲目を発表した。 

アルバムの先行シングル「John On The Ceiling」、「Infinity Peaking」の脈打つような深夜の雰囲気に続き、3枚目のシングル『』のブリスターなエレクトロニクスは、自分たちのサウンドを覆すだけでなく、臆することなく食い下がるバンドのサウンドだ。 

 

ダニエル・エイブリーのサポートを依頼されたこともあり、フィールド・デイのグループ・レイヴに参加したこともあり、最近のリリースですでに着実に向かっていたサウンドに、よりダンス・ミュージックの要素を取り入れることをバンドが決意するきっかけとなった。

ギタリスト兼ヴォーカリストのライアン・スミスは、最新リリースについて次のように語っている。

「Lake Disappointment」は今までで一番アグレッシブでエキサイティングな曲だと思う。 アレックス（プロデューサーにこの曲を送ったんだけど、彼があんなに興奮しているのを見たのは初めてだった。 とても夢のような曲だった。 このアルバムのメランコリーの中には、たくさんの怒りも含まれているような気がします。 これは、私たちがそれを吐き出し、悪者たちにくたばれと言ったものだ。 

ビデオを撮影したことは、とてもいい思い出だ。 シェフィールドの廃墟と化した倉庫で、素晴らしい制作チームを集め、（マイクロテックのボスの強い命令で）自分たちだけのディストピアtvショッピング・チャンネルを作ったんだ。 病院のガウンを着て12時間も寒空の下で立ち尽くしたため、その後1週間は体調を崩したに違いないが、それだけの価値はあった。 ノー・ペイン、ノー・ゲイン（我々はまだゲインを待っている）。

長年のコラボレーターであるアレックス・グリーヴスと共にレコーディングされ、ワーキング・メンズ・クラブのシドニーミンスキー・サージャントとナイトバスのオリヴェスクがゲスト参加した10曲入りの『マイクロトニック』は、トーンと雰囲気のスペクトルをフルに取り入れた。グループにとって、疑いなく、大胆な飛躍である。 

「ライアンは言う。「自分たちが得意とする）ジャンルに合うように、ある種の音楽を書くことにとても制約を感じていたんだ。 ダンス・ミュージックからアンビエント、より実験的なソースまで、エレクトロニカの様々なスパンから影響を受けているんだ」

 

「Lake Disappointment」

▪️BDRMM　　三作目のアルバム『MICROTONIC』を発表　ROCK ACTIONから2/28に発売

 

©Alec Basse

 

Beach Bunny（ビーチ・バニー）は、4月25日にAWALからリリースされるニューアルバム『Tunnel Vision』を発表した。 当初ビーチ・バニーはリリー・トリフォリオのソロ・プロジェクトとして発足したが、バンドへと移行している。ベッドルームポップからメロディックパンク、エモ、インディーポップの中間に位置するサウンドへと変化しつつある。彼らの新代名詞のキャッチーなポップソングは次の作品でどのように生まれかわったのか。非常に楽しみだ。

 

先行配信されたシングル「Vertigo」と「Clueless」を収録したこのアルバムでは、バンドは2022年の『Emotional Creature』のプロデューサー、ショーン・オキーフとレコーディングを行っている。 この発表に伴うタイトル曲は、リリ・トリフィリオが震えるような激しさで歌う高揚感のある曲だ。 アルバムのカバー・アートワークとトラックリストは以下よりご覧ください。

 

 

「Tunnel Vision」

 

 

『Tunnel Vision』は、新契約を結んでのリリースとなるようだ。ビーチ・バニーにとって『Emotional Creature』をリリースした2022年以来のアルバムとなる。また、2018年以来Mom+Popのもとで活動してきた彼らにとって、AWALのもとで新曲をリリースするのは初めてとなる。

Beach Bunny　『Tunnel Vision』

Label: AWAL

Release： ２０２５年４月２５日

Tracklist：

1. Mr. Predictable
2. Big Pink Bubble
3. Chasm
4. Tunnel Vision
5. Clueless
6. Pixie Cut
7. Vertigo
8. Violence
9. Just Around the Corner
10. Cycles

 

カルト的な人気を誇るノッティンガムのアートロックバンド、Panchikoのニューアルバム『Ginkgo(ギンコ)』の日本盤のリリースが決定した。本作は4月4日に発売される。二曲の先行シングル、「Ginkgo」、「Shandy In The Graveyard」が公開されていますので、下記よりご試聴ください。

イギリスでは、夢が叶った後に何が待っているのか？　チャリティーショップで発掘されたデモ音源が世界中で話題となったPanchiko。数百万人のリスナーから支持される彼らが作り出した現在進行形のサウンド。彼らにはNYTをはじめ各メディアから次のような賞賛の声が寄せられている。

ノッティンガムの小さなチャリティーショップでの偶然の発見から始まったものが今や世界的なカルト的ベースファンへと発展。間違いなくパンチコのメンバーの人生を永遠に変えるだろう。 - Vice Magazine

トム・ヨーク風の雰囲気漂う音楽を求めているなら『イチョウ』は間違いなく次にハマる作品になるはずだ。 -Consequence

美しく穏やかで明確なトリップホップの影響が感じられる。 - The Gurdian

夢幻的なアートロックの一撃でラジオヘッドのより神秘的でトリッピーな側面を思わせる。 - Brooklyn Vegan

「ノスタルジーと不穏さが静かに交差する。 - New York Times

「今回のプロダクションはこれまでの10倍のスケールになった」とライトは語る。注目すべき楽曲 「 Shandy In The Graveyard(墓場のシャンディ)」 では、ラッパーのBilly Woods(ビリー・ウッズ)をフィーチャー、バンドが自身の青春時代とライブに集まる若い観客層に思いを馳せる。彼らの若々しいスピリットは楽曲のサウンドの随所に表れている。とりわけトリップホップとオーケストラ・フォークを自在に行き来するプロダクションが新鮮な音の対比を生み出す。

彼らが10代のデモ音源がファンを惹きつけたのがストレートな表現だったように、今作『Ginko(日本語ではイチョウ)』にも変わらぬ誠実さが貫かれている。タイトル曲ではデイヴィスが「君は葉を落とすよう命じる/イチョウの木は意のままに枝を曲げる」と歌う。コントロールの限界、協力、そして運命についての思索を描いたももの楽曲は、偶然と芸術性、そして明確な意志によって復活を果たしたバンドにとってふさわしい瞑想のような一曲に仕上げています。

 

「Ginkgo」
 

「Shandy In The Graveyard」

 

今年、Panchikoは、UK、USツアーを開催する予定です。USツアーでは伝説的なシューゲイズバンドで昨年末、奇跡的に再結成したAllison's Halo、昨年、新作EPをリリースしたオークランドの Tanukicyan、ベッドルームポップの最初期の重要アーティスト、Kitty Craftとツアーを回る。

[アルバム情報]

アーティスト : Panchiko (パンチコ) 

タイトル: Ginkgo (ギンコ) 

レーベル : Thomason sounds 

ジャンル : ROCK/POPS <国内盤CD>

品番:TSIP-2072

 

価格 : 2,500円 + 税

発売日 : 2024年4月4日(金) バーコード : 4532813130729

Tracklist :

1.Florida

2.Ginkgo

3.Shandy In The Graveyard 

4.Honeycomb

5.Shelled and Cooked

 6.Lifestyle Trainers 

7.Chapel of Salt

<Panchiko　プロフィール> 

 

2016年にインターネットユーザーがノッティンガムのチャリティーショップで Panchikoの2000年にリリースされたデモCD『D>E>A>T>H>M>E>T>A>L』を発見し 4chanに投稿したことで話題となった。

 

それから4年後に熱心なファンがバンド本人を突き止めることに成功。そして数百万の好奇心旺盛なリスナーがバンド の青春時代の作品に魅了されていった。

 

自分たちの音楽が突如として話題になっていることを知ったPanchikoはオリジナルメンバーのアンディ・ライト(キーボー ド/プロデューサー)、オーワイン・デイヴィス(ボーカル/ギター)、ショーン・フェレ ディ(ベース)に新メンバーのロバート・ハリス(ギター)とジョン・スコフィールド(ドラム)を加えて再結成。

 

ワールドツアーを行い、20年以上ぶりのアルバム『Failed At Maths』を2023年にリリースした。ついで、2025年に待望の新作『Ginkgo』がリリースされる。

スーパーボウル・ハーフタイムショー  ビュイックリーガルの実車が登場した

Kendrick Lamar（ケンドリック・ラマー）は、グラミー賞の受賞式から充実した日々を送っている。2月9日、ラマーはアップル・ミュージックのスーパーボウル・ハーフタイム・ショーに出演し、ソロアーティストとして同イベントのヘッドライナーを務めた初のラッパーとなった。

 

ショーでは1980年代のビュイックリーガルの黒塗りの実車も登場するというド派手な演出が行われた。どうやら、ラマーのパフォーマンスはヒット曲を中心とするメドレー形式で行われ、その中では『GNX』でゲスト参加したSZAも登場。さらに、パフォーマンスはダンスを中心の演出であったが、アメリカの国旗をモチーフにした青、赤、白の色彩をあしらった衣装をバックダンサーは身につけていた。 

最新アルバム『GNX』から「Luther」をデュエットしたほか、『Black Panther（ブラックパンサー）』のサウンドトラック「All the Stars」を披露した。 コンプトンのラッパーは、サミュエル・L・ジャクソンをアンクルサムとして登場させ、ドレイクの元恋人であるセリーナ・ウィリアムズがサイドステージで「Not Like Us」を踊った。 パフォーマンスのリプレイは以下から。

ラマーはショーのオープニングをGNXの「bodies」で飾った後、シングル曲「scabble up」に移行した。 ジャクソンは、ラマーが "うるさすぎる、無謀すぎる、ゲットーすぎる "と批判し、"引き締めろ "と促した。 彼は『DAMN.』のヒット曲「HUMBLE」、「DNA」、昨年の「Euphoria」を披露した。

 『GNX』から「man at the garden」と「peekaboo」をライヴデビューさせ、SZAを連れてきて、「Not Like Us」のフルパフォーマンスに突入した。ドレイクへのディストラックとして有名になったことによるものか。 「本当にやるの？」とダンサーが言うと、ラマーは新しいヴァースで応えた。

「これは音楽よりも大きなことだ。彼らはゲームを不正に操作しようとしたが、影響力を偽ることはできない」　彼はカメラを直視し、"Say, Drake, I hear you like 'em young. "とラップした。 最後に、DJマスタードは「tv off」のクロージング・パフォーマンスにカメオ出演した。

また、今回のスーパーボウルのハーフタイムショーでは、ラッパーの発言に注目が集まった。とくに、ギル・スコット・ヘロンの１９７１年の詩「The Revolution Will Not Be Televised」に言及し、１９６０年代の公民権運動に触れている。さらに、ケンドリックは大観衆の前で次のように語った。

 

革命はテレビの前で放映されようとしている。あなたたちは”正しい時”を選んだけれども、”間違った人”を選んでしまった。

 

この発言にネットはヒートアップし、今年１月の大統領選挙について言及しているという噂でもちきりになっている。なお、この日の観客席にはテイラー・スウィフトの姿もカメラで捉えられた。

Kendrick Lamar says "turn this TV off" before ending his Super Bowl halftime performance.

He should have told us that at the beginning of the performance. pic.twitter.com/E1blmW6ni7

— Collin Rugg (@CollinRugg) February 10, 2025

 Interview:  Midori Hirano

 

Midori Hirano & Bruder Selke　©Sylvia_Steinhäuser

 

 

互いの異質さや存在感をぶつけ合うのではなく、逆に互いの最大公約数を見出し、そこにフォーカスする- Midori Hirano

 

 

ベルリンを拠点に活動するピアニスト、シンセ奏者、作曲家として世界的に活躍するMidori Hiranoは、２０２５年に入り、ポツダムの兄弟デュオ、Bruder Selke（ブルーダー・ゼルケ）とのコラボレーションアルバム『Spilit Scale（スピリット・スケール）』をThrill Jockeyから１月末に発表しました。エレクトロニック、チェロ、ピアノを組み合わせたアルバムで、スケールの配置をテーマに制作された。

 

らせん階段のように、GからAのスケールが配置され、旧来のバロック音楽、現代的なエレクトロニックのメチエを組み合わせ、変奏曲、連曲、組曲ともつかない、珍らかな構成を持つモダンクラシカル、エレクトロニック作品に仕上がった。Yoshimi O、灰野敬二、Boredoms、石橋英子をはじめとする、日本のアンダーグランドの象徴的な実験音楽家を輩出するスリル・ジョッキーからのリリースは、ミュージシャンにとって象徴的なレコードの誕生を意味するでしょう。

今年は続いて、ロシア出身でスウェーデンを拠点に活動するミュージシャン、CoH(Ivan Pavlov）とのアルバム『Sudden Fruit』がフランスのレーベル”ici,d'alleurs”から4月に発売予定。エレクトロニックとピアノの融合した、オランダのKettelを彷彿とさせるアルバム。また、アーティストは今年４月に日本でライブを行う予定です。こちらの詳細についてもご確認下さい。

 

今回、平野さんはご旅行中でしたが、『Spilt Sacale』の制作全般について、最近のベルリンの暮らしや政治情勢について教えていただくことが出来ました。お忙しい中、お答えいただき、本当にありがとうございました。今後の活躍にも期待しています。以下よりインタビューをお読みください。

 

 

ーー1月24日にコラボレーションアルバム『Spilit Scale』がThrill Jockeyから発売されました。この作品の大まかな構想についてあらためて教えて下さい。

平野みどり：　このアルバムの構想は最初にゼルケ兄弟から提案されたのですが、一曲ごとのキーを西洋音階のピアノでいうところの白鍵にあたるAからGまでに設定して作るというとてもシンプルなものでした。ですので、一曲目がA-Minorで始まって、最後にまたA-Minorで終わる形になっています。マイナーキーにするかメジャーキーにするかまでは決めてなかったのですが、互いの音楽の内省的な傾向が影響したのか、自然にFとG以外は全部マイナーキーになりました。

このアルバムは、全てファイル交換のみで制作したのですが、段取りを明確にする為に、A, C, E, Gは私発信で、それ以外のB, D, F, AAはゼルケ発信で始める事にしました。

アイデアとしてはとてもシンプルだし、新鮮さは特にありませんが、私は自分の作品を作るときはこんなに分かりやすいルールを決めてから始めるという事はあまりなかったです。私に取っては決められたルールの中で、彼らの作る音も尊重しながら、どれだけ自由に表現を広げられるかという点では、とても新鮮な試みでしたね。



ーーゼルケ兄弟との親交は、いつ頃から始まったのでしょうか？　実際に一緒に制作を行ってみていかがでしたか。

平野：　最初にゼルケ兄弟と知り合ったのは、彼らの拠点でもあるポツダムで主催している「Q3Ambientfest」というフェスティバルに呼んでくれたのがきっかけでした。2017年の春で、その年が彼らにとっても第一回目のフェス開催でした。その当時は彼らは”CEEYS”というユニット名で活動していましたが、数年前からブルーダー・ゼルケと名乗るようになっていました。

その後にも何度か同じフェスだけでなく、別の主催イベントにも対バンで何度も呼んでくれるようになって、それを通じて次第に仲良くなっていったという感じです。

 

それから2021年に彼らの”Musikhaus”というリミックスアルバムの為に、一曲リミックスを依頼されて制作したのですが、そのリミックスを気に入ってくれたみたいで、その後に割とすぐコラボレーションをしないかと誘われたのが、このアルバムを作る事になったきっかけですね。

 

最初に調性などのルールは決めたものの、それ以外は自分の直感に従い、自由に音を重ねていったように思います。ゼルケ兄弟の2人は本当に人が良くて平等精神に溢れた人達ですので、お互いに尊重するべきポイントもとても把握しやすく、最後まで気持ち良く作る事が出来ました。

ーー最新作ではピアノ、チェロ、シンセサイザーを中心にモダンクラシカル/アンビエントミュージックが展開されます。作曲から録音に至るまで、どのようなプロセスを経て完成したのでしょうか。

平野：　彼らが住んでいるポツダムから私の住むベルリンまでは電車で1時間弱と近いので、一緒にスタジオに入って録音する事も物理的には可能ではありましたが、３人のスケジュールを合わせるのはなかなか大変ですし、それぞれ自分のペースでゆっくり考えながら制作したいという思いもありましたので、先に話したように、全てファイル交換のみで仕上げました。途中、何ヶ月か中断しながらでしたが、2年ほどかけて丁寧に作りました。

 

録音したファイルは、毎回、4曲ずつをまとめてお互いに送り合って進めましたが、ファイルが往復した回数は2年の間で合計３回ぐらいだったと思います。

 

最終的な仕上げとミックスは私に任せるとゼルケ兄弟が言ってくれたので、最後の調整は私が1人で数ヶ月かけてやりました。最後の段階では曲によって10分以上あるものも多く、ちょっと長すぎるかなと思ったところを私の判断でいくつか切って短くしたり、さらに私が追加でピアノとパッド系のシンセを入れた曲も結構あります。

最終調整作業は、なかなか大変でしたが、結果的には満足のいくものに仕上がったと思っています。私は自分のソロでは結構実験的なアプローチで作っていたり、ピアノがメインの曲でもピアノの音自体を大きく加工して作ることも多いので、こんなに直球なモダンクラシカル的な作品をアルバム単位で作ったのは、私にとっては実は初めてかもしれませんね。

ーー今回のアルバムでは、ピアノ/シンセサイザー奏者が二人いるわけですが、それぞれの演奏パートをどのように割り振ったのか教えていただけますか？　また、ゼルケさんと平野さんの演奏者としての性質の違いのようなものはあるのでしょうか？

平野：　3人の中でチェロを演奏するのはセバスチャンだけなので、ここの割り振りは初めからはっきりしていました。ピアノに関してはダニエルと私で特別最初に申し合わせをした訳ではないのですが、ダニエルがピアノを弾いているのは「Scale C」と「E」だけで、それ以外の曲のピアノはほぼ全て私が担当しました。

最初に彼らから送られてきた曲のファイルにあまりピアノが入っていなかったので、あえて私の為に入るスペースを残してくれていたのかなとも思いました。逆に、私も自分発信の4曲の中の「Scale C」と「E」には、ダニエルがもしかしたらピアノを弾くかもしれないと思い、シンセしか使いませんでした。

段取りについては最初に明確にルールを決めたものの、楽器の割り振りについては毎回録音する度にお互いに探り合いをしながら、慎重に選んでいったように思います。最終ミックスの段階で、初めて何か足りないと思ったところを、私がシンセやピアノで一気に追加したような感じですね。

ピアノとパッド系のシンセや「Scale C」のイントロに出てくるようなデジタル感の強い音は主に私で、ダニエルはエレクトロニックパイプで控えめなノイズっぽい音と、時折シンセベースを出したりしています。

あと、「Scale AA」でのシンセのアルペジオもダニエルが演奏しています。アナログ機器とチェロの音がメインのゼルケ兄弟の音と、ピアノ以外ではデジタルシンセを多く使っている私の音をミックスするのはなかなか難しかったですが、その割には意外とうまくまとまったなと思っています。



ーー『Split Scale』は、インプロヴァイゼーション(即興演奏)の性質が強いように感じられました。トリオでの制作において、共通するイメージやコンセプトのようなものはありましたか。そして、そのイメージが通じる瞬間はありましたか？

平野：　ゼルケ兄弟も私も最初の録音の際には即興に近いスタイルで演奏したと思いますが、あとはお互いの音を聞きながら録音を重ねていっているのと、後から編集も結構加えているので、厳密に言えば、即興と作曲の中間のようなものです。

それでも、3人ともクラシック音楽のバックグラウンドがあるからなのか、ハーモニー構成の癖が似ている部分もあるかもしれません。ステージで一緒に演奏する時でもほぼ全部即興であるにもかかわらず、横も縦もはまりやすい。即興演奏として、それが面白いかどうかというと、人それぞれの意見があるとは思いますが......。でも、お互いの異質さや存在感をぶつけ合うのではなく、逆に互いの最大公約数を見出し、そこにフォーカスするような控えめな「即興演奏」を、私達はこの作品で繰り広げたのだと思ってますし、そこから生まれる美しさもあると思います。

 

 

Photo:Sylvia Steinhäuser

 

 

ーー最近のベルリンの生活はいかがでしょう？　現在の現地のミュージックシーンがどうなっているのかについてお聞きしたいです。

平野：　ベルリンに住んでもう16年が経ちますので、最初に引っ越してきた頃に感じていたような新鮮さは薄れかけていますが、私個人の印象では日本と比べると、風通しの良い人間関係を築きやすい気がします。そして、女性が自信を持って生きやすい場所だとも思えるところは変わらないです。ベルリンというのは、いろいろな人達が移住してきてはまた去っていく都市ですので、長く住んでいる身としては、たまに”部活の先生”みたいな気持ちになる事があります。

音楽シーンは変わらず活発です。地元のアーティストもそうですが、世界各地から頻繁にさまざまなミュージシャンがベルリンにツアーのために訪れますし、毎日のように、いつもどこかで大小様々なライブイベントが開かれています。運営側からすると、客取り合戦みたいになりがちです。それでも、この活発さがベルリンの特色だと思っています。例えば、エクスペリメンタル・ミュージックのような、ニッチなジャンルのイベントでも、日本の数倍規模の集客がある場合が多いです。そこはベルリンの文化助成が支えて育ててきた部分も大きい気がしますね。

とはいえ、2024年の暮れから、ベルリンの文化助成予算が大幅に削減される事になりましたので、少しずつ運営が難しくなるライブハウスやイベントも出てきているようです。当然、この政治的な変化に対する反対運動も大きく、今後どうなっていくのかなとは思っています。色々な意味で、今後、アーティストとして、どう生きていくかが問われてきているように思います。

ーー女性が自信を持って生きやすいということですが、日本や他のヨーロッパの国々と何か異なる文化的な背景や慣例があるのでしょうか？

 

 

平野： 私は、日本以外ではベルリンにしか住んだことがないので、あくまでも個人的な体感に過ぎませんが、ドイツのみならずヨーロッパは全体的に、社会における女性の存在感が大きいように思います。勿論、もっと厳密に分析すれば、北欧、東欧、西欧と南欧では、文化的背景がそれぞれ異なってくるため、一概には定義できませんが、自由と平等、人権の扱い方や平和構築など、いわゆる大義としての西洋の理念みたいなものは欧州全体で共有されているという実感はあります。

 

女性に限らず、男性同士でもおそらくそうだと思うのですが、日本に比べると年齢によって作られるヒエラルキーをあまり感じなくて済むし、何歳になったからと言って、こうであるべきだ、みたいな固定観念も無くはないんですけど、日本よりはその意識がかなり薄いという気がします。

 

また、メルケル元首相が、2005年にドイツで女性として初めての首相に就任し、その後16年も政権を築いてきたことも、ドイツにおける女性の地位向上を目指す気運をさらに高めたと思います。

 

 

それでも、3年ほど前にメルケルさんが引退してからショルツ首相に変わり、この数年の間に国際情勢も大きく変わってしまった。ドイツ政治崩壊の危機と言われてしまうぐらいに状況も変わってしまいましたが……。先に挙げた文化助成予算の削減もその一つの影響でしょう。今月下旬にドイツで総選挙が行われますが、移民排除を掲げた右派政党も台頭してきています。今まで”正義”とされてきた西洋の理念がドイツでも少しづつ揺らいできているように思います。

 

イタリアのメローニ首相もイタリア初の女性首相なのは喜ばしいことですが、相当の保守派で、ドイツの右翼政党AfDの共同党首も女性です。アリス・ヴァイデルという人物なのですが、この間、ヒトラーを擁護するような発言をし、ドイツのメディアがひっくり返るような大騒ぎでした。

 

 

ですので、女性が地位さえ持てば、かならずしも良い結果に繋がるとは私も思っていませんが、ジェンダーバイアスにとらわれず、一人一人の思想や資質が可視化されるような時代になってきているのだと思いますし、それはそれで社会としての一つの進歩に繋がっていると思います。

 

 

CoH&Midori Hirano Photo: Markus Wambsganss

ーー今年4月には、グリッチサウンドを得意とするロシア出身のエレクトロニック・プロデューサー、CoH（Ivan Pavlov）とのアルバムがフランスのレーベル”Ici d’ailleurs”からリリースされます。

 

さらに、同月に日本でのCoHとのライブも決定していますが、新作とライブについて簡単に教えていただければと思います。また、セットリストは決まっていますか。楽しみにしていることはありますか？

平野：　CoHのイヴァンとのアルバム「Sudden Fruit」は、ゼルケ兄弟とのアルバムと同じように途中中断しながらも、2022年から2年近くかけて、ファイル交換だけで完成させました。

 

私が仕上げをした「Split Scale」とは違って、次のアルバムでは、私が先にピアノとシンセだけで録音した全曲のファイルを一曲ずつイヴァンに送り、その後の仕上げは全てイヴァンにお任せでした。一曲だけ私の方でピアノを追加録音したものがあるくらいで、他の曲はファイルが往復する事なく、彼が私が最初に送ったピアノの全録音を再構築する形で出来上がっています。

 

ピアノの録音時に、各曲それぞれ、高音域、中音域、低音域と、いくつかのレイヤーに分割して録音したものを送っているので、イヴァンの方で、低音だけベースラインらしく人工的な音に作り変えたり、さらに、そこにビートが加えられたりしながらも、元のメロディラインやハーモニーは、最初の構想がそのまま生かされている場合が多いです。ですので、録音の時点では、BPMなどが明瞭ではなかったピアノの曲が、CoHの手を通して明確なBPMとグルーブが付与されたような感じになり、結果的にはとても上品でかっこいい作品になったと思いますね。

 

4月の日本でのイヴァンとのライブは私達にとって初めての経験となります。今頑張って準備中です。セットリストはライブ用にアレンジし直していますが、基本的にアルバムの曲を再現するような形でやろうと思っています。

 

イヴァンがラップトップ（PC）、MIDIコントローラー、私がピアノを担当するという、シンプルなセットアップですが、シンプルなので、原曲のハーモニー感とリズミックなパートが実際のステージで映えて聴こえると理想的であると考えています。おそらく、2月中には、ツアーの詳細を発表できる予定です。また、京都の公演では、ロームシアターのノースホールでマルチチャンネルシステムを使用してのライブになりますので、とてもスペシャルな体験になりそうです。

 

ちなみに、ゼルケ兄弟とも、そのうち日本でライブが出来ればと考えています。こちらのセットは使用する楽器の数が多くなりそうです。CoHとのセットのように、フットワークを軽くとはいかないかもしれませんが、ロジスティック（輸送）の問題さえクリアできるならいつか実現したいですね。

 

 

【アルバム情報】Brueder Selke & Midori Hirano 『Split Scale』:  Thrill Jockeyから１月２４日に発売

 

 

Tracklist:

1.Scale A
2.Scale B
3.Scale C
4.Scale D
5.Scale E
6.Scale F
7.Scale G
8.Scale AA 

 

「Scale A」

 

 

 

 

Midori Hirano & CoH 『Sudden Fruit』   マインド・トラベルズ・コレクション、Ici d'Ailleurs レーベル  2025年4月発売予定

陰で熟した果実のように、『Sudden Fruit(突然の果実)』は2人のアーティストのユニークな錬金術を表現している。

日本人ピアニストで作曲家の平野みどりと、CoHとして知られるサウンド・アーキテクトのイヴァン・パブロフ。 この2人のコラボレーションは、アコースティックとデジタルの間に宙吊りにされた作品を生み出し、自然と人工物が融合する繊細な瞬間をとらえ、まるで時間そのものが開花と消滅の間で逡巡しているかのようだ。

京都に生まれ、現在はベルリンを拠点に活動する平野みどりは、アコースティック・ピアノとエレクトロニック・テクスチャーがシームレスに融合した、ミニマルで幽玄な音楽を創作している。 坂本龍一の後期の作品（『Async』、『12』）に倣い、平野はクラシック音楽の伝統的な枠組みを探求、解体、再発明し、ピアノの一音一音を内省的で没入感のある旅へと変える。 彼女はまた、MimiCofという別名義で、よりエレクトロニックでアンビエントなテクノ／IDM志向の作品も制作している。 そのため、ミドリがイヴァン・パブロフと交わるのは、ほぼ必然的なことだった。

現在フランス在住のこのロシア人アーティストは、過去30年にわたるエクスペリメンタル・エレクトロニック・ミュージックの重要人物である。 数学と音響学のバックグラウンドを持つ元科学者のCoHは、外科的な鋭さを持つ自由な精神を持っている。 1990年代後半、前衛的で精密なポスト・テクノで頭角を現した後、グリッチに傾倒し、後に音響やアンビエント・サウンドを音の彫刻に取り入れた。 

ピーター・クリストファーソン（COIL）、コージー・ファンニ・トゥッティ、アブール・モガード（COH Meets Abul Mogard）とのコラボレーションや、ラスター・ノトーン、エディションズ・メゴといった高名なレーベルからのリリースは、アヴァンギャルドなエレクトロニック表現への彼の影響力と、コラボレーションにおける彼の卓越した能力の両方を裏付けている。

『Sudden Fruit』で、CoHと平野みどりは没入感のあるキメラ的な作品を発表した。 1曲目の「Wave to Wave」から、オーガニックとデジタルの微妙なバランス、自然の流動性、そして平野のピアノが体現する詩情と、イワン・パブロフの機械の低周波の重厚さが並置されているのが感じられる。 

アルバム3曲目の "Mirages, Memories "は、平野が奏でる一音一音が、ゆっくりとこの新しい空間に没入するよう誘う。 タイトル曲「Sudden Fruit」のように、アンビエントというよりインテリジェント・ダンス・ミュージック寄りの曲もあり、アルバムが進むにつれて、パブロフの音のテクスチャーは驚くべき物語性を発揮し、作品に思いがけない深みを与えている。

『Sudden Fruit』は、『Mind Travels』コレクションの理念と完璧に合致しており、ジャンルの枠を超え、分類にとらわれない。 調和のとれた共生の中で、平野みどりとCoHは、唯一無二でありながら普遍的なハイブリッド作品を作り上げた。 『Sudden Fruit』は大胆な音の探求であり、その領域に踏み込む勇気を持つ人々に深く共鳴することを約束する未知の領域である。

 

 

 

Midori Hirano：

 

京都出身の音楽家。ピアニスト、作曲家、シンセ奏者、そしてプロデューサーとして世界的に活躍する。現在はベルリンを拠点に活動している。”MimiCof”という別名義で作品を発表することもある。音楽的な蓄積を活かし、ドイツの電子音楽の系譜を踏まえたエレクトロニック、ポストクラシカルの系譜にある静謐なピアノ作品まで広汎な音楽を制作し発表しつづけている。　

平野みどりは、現代のデジタルサウンドをベースにし、モジュラーシンセを中心とする電子音楽、フィールドレコーディングを用いた実験的な作風で知られている。ピアノ作品としては、『Mirrors In Mirrors』（2019）、『Invisible Island』（2020）がある。ハロルド・バッドの音楽にも通じる澄んだ響きを持つ作品集。

 

2006年にデビューアルバム『LushRush』を発表。2008年、セカンドアルバム『klo:yuri』を発表し、TIME、BBC Radio、FACT Magazine（The Vinyl Factory)から称賛を受けた。２０００年代後半からベルリンに拠点を移し、ドイツのシーンに関わってきた。ベルリンのレーベル、Sonic Piecesから二作のアルバム『Minor Planet』、『Invisible Island』 を発表している。

平野みどりは、ソロ名義と別名義の作品を発表する中で、音楽という枠組みにとらわれない多角的な活動を行う。ドキュメンタリー音楽や映画音楽のスコアを制作し、著名なアートレジデンスに音楽作品を提供している。

ベルリン国際映画祭、クラクフ映画祭、SXSW映画祭で上映されたダンス・パフォーマンス、ビデオ・インスタレーション、映画音楽を担当した。2024年には、第40回ワルシャワ国際映画祭で初演された長編ドキュメンタリー映画「Tokito」のスコアを手掛けたほか、プレミアリーグのドキュメンタリーのサントラも制作している。Amazonで配信されたフットボールのドイツ代表に密着したドキュメンタリーの音楽も手掛けおり、ドイツ国内では著名な音楽家と言える。

 

さらに、リミックス作品も数多く手掛けている。Rival Consoles（Erased Tapes)、Robert Koch，Foam And Sand、Liarsなどのリミックス制作し、プロデュースの手腕も高い評価を受けている。