UK/ロンドンを拠点に活動するDJ、プロデューサー、マルチ・インストゥルメンタリストのLawrence Hart(ローレンス・ハート)が、待望のデビューアルバム『Come In Out of the Rain』を4月4日にリリースする。テックハウスやディープ・ハウスを得意とするプロデューサーだ。
アルバムの発表と合わせて、リードシングル「Love U Bring」が公開された。爽快感のあるEDMのナンバー、オートチューンをかけたヴォーカルトラックで、今夏のダンスフロアを揺るがす。
”Love U Bring"は、ハートの使命に忠実で、神経質なエネルギーに満ちたアップビートなトラックで、スキットでブレイクなビートと、チョップされピッチシフトされたヴォーカルサンプルが、伸びやかなベースと落ち着いたメロディックなシンセ・コードによって重みを増している。テックの魔術師であるハートは、幼少期にクラシック音楽の訓練を受けた。
特に、コーラスの側面ではデビュー当時よりも磨きがかけられており、これらはホースガールのチームワークの良さを伺わせるもので、同時に現在のバンドとしての大きなストロングポイントとなっていると思われる。それらがノンエフェクトなギターサウンドと合致し、 心地良いサウンドを生み出す。ローファイなロックサウンドはマタドールが得意とするところで、Yo La Tengoの最新作と地続きにある。しかし、同じようなロックスタイルを選んだとしても、実際のサウンドはまったく異なるものになる。もっと言えば、ホースガールの主要なサウンドは、ヨ・ラ・テンゴやダイナソー・Jr.の90年代のサウンドに近いテイストを放つ。カレッジロックやグランジ的なサウンドを通過した後のカラリとした乾いたギターロックで、簡素であるがゆえに胸に迫るものがある。そして、適度に力の抜けたサウンドというのは作り出すのが意外に難しいけれど、それを難なくやっているのも素晴らしい。「Where'd You Go？」はラモーンズの系譜にあるガレージロック性を踏襲し、ラモーンズの重要な音楽性を形成しているビーチ・ボーイズ的なコーラスを交え、ホースガールらしいバンドサウンドが組み上がる。特にドラムの細かいスネアの刻みがつづくと、サーフロックのようなサウンドに近づくこともある。これは例えば、ニューヨークのBeach Fossilsのデビュー当時のサウンドと呼応するものがある。
最近では、インディーポップ界隈でもアナログの録音の質感を押し出したサウンドが流行っていることは再三再四述べているが、ホースガールもこの流れに上手く乗っている。厳密に言えば、アナログ風のデジタルサウンドということになるが、そういった現代のアナログ・リヴァイヴァルの運動を象徴付けるのが続く「Rock City」である。イントロを聴けば分かると思うが、ざらざらとして乾いた質感を持つカッティングギターの音色を強調させ、ピックアップのコイルが直に録音用のマイクに繋がるようなサウンドを作り上げている。これが結果的には、ブライアン・イーノがプロデュースしたTalking Heads（トーキング・ヘッズ）の『Remain In Light』のオープニングトラック「Born Under The Punches」のようなコアでマニアックなサウンドを構築する要因となった。しかし、ホースガールの場合は、基本的には、ほとんどリバーブやディレイを使わない。拡張するサウンドではなく、収束するサウンドを強調し、これらが、聴いていて心地よいギターのカッティングの録音を作り出している。いわば、ガレージロックやそのリバイバルの系譜にあるストレートなロックソングとしてアウトプットされている。そしてトーキング・ヘッズと同様にベースラインをギターの反復的なサウンドに呼応させ、さらにコーラスワークを交えながら、音楽的な世界を徐々に押し広げていく。まさしく彼女たちがデビュー当時から志向していたDIYのロックサウンドの進化系を捉えられることが出来る。
続く「Well I Know You're Shy」は、ポエティックなスポークンワードと原始的なロックの融合性がこの曲の持ち味となっている。アルバムの序盤の複数の収録曲と同様に、ニューヨークの原始的なパンクやロックのサウンドに依拠しており、それはヴェルヴェットの後期やルー・リードのソロ作のような古典的なロックサウンドの抽象的なイメージに縁取られている。意外とではあるが、自分が生きていない時代への興味を抱くのは、むしろ若い世代の場合が多い。それらは、同時に過去の人々に向けた憧憬や親しみのような感覚を通じて、音楽そのものにふいに現れ出ることがある。この曲までは、基本的にはデビューアルバムの延長線上にある内容だが、ホースガールの新しい音楽的な試みのようなものが垣間見えることもある。「Julie」は、その象徴となるハイライトで、外側に向けた若さの発露とは対象的に内省的な憂鬱を巧みに捉え、それらをアンニュイな感覚を持つギターロックに昇華させている。比較的音の数の多いガレージロックタイプの曲とは異なり、休符や間隔にポイントを当てたサウンドは、ホースガールの音楽的なストラクチャーや絵画に対する興味の表れでもある。ベースの演奏のほかは、ほとんどギターの演奏はまるでアクション・ペインティングのようでもあり、絵の具を全体的なサウンドというキャンバスに塗るというような表現性に似ている。これらはまた、ホースガールのアーティスティックな表現に対する興味を浮き彫りにしたようなトラックとして楽しめる。
アルバムの最後には、ホースガールらしいサウンドに回帰する。これらはニューヨーク、シカゴ、西海岸という複数の地域をまたいで行われる音楽の旅行のようで興味をひかれる部分がある。「Sports Meets Sound」では、ローファイなロックとコーラスワークの妙が光る。しかし、それはやはりハイスクールバンドの文化祭の演奏のようにロック本来の衝動的な魅力にあふれている。そして最もソングライティングの側面で真価が表れたのが、続く「I Can't Stand to See You」であり、サーフロックの系譜にあるサウンドを展開させ、海岸の向こうに昇る夕日のようなエンディングを演出する。本作を聴いた後に爽やかな余韻に浸ることが出来るはずである。
80/100
「Julie」
ニューキャッスル出身のシンガーソングライターSam Fender(サム・フェンダー）は、リリース予定のピープル・ウォッチング』から4曲目のシングル、最後の曲として「Remember My Name」を発表した。発売日を前にチェックしてもらいたい。
「Everything Is Peaceful Love」は、HBOの「How to with John Wilson」のジョン・ウィルソンが監督したミュージック・ビデオと共に公開された。このビデオはEPのどの曲よりも生き生きとしており、暖かさと純粋な喜びを表現している。以下からチェックしてほしい。
ジャスティン・ヴァーノンは声明の中で次のように述べている。
『Everything Is Peaceful Love』を作った日から、どんなレコードを作りたいかは分かっていた。僕はいつも、それが最初に共有したいフィーリングになると思っていた。ビデオは、ただ人々が抑えきれずに微笑んでいるようなものにしたかったんだ。幸運なことに、エリック・ティモシー・カールソンが『How To with John Wilson』のジョン・ウィルソンと連絡を取ることを提案してくれた。
プロデュースはジェームス・フォード（フォンテーヌD.C)。推進力のあるファースト・シングル「Love Is All Pain(ラヴ・イズ・オール・ペイン)」は、ローズとグラハムのハーモニックなデュエットのヴォーカルに加え、エレクトロ・シンセのどよめきと抗いがたいトップ・ラインをフィーチャーしている。
サイモン・リーダーの監督による「Love Is All Pain」のビデオは、1980年代後半のポスト・パンク・シンセ時代の美学にちなんで、全編モノクロの8ミリフィルムで撮影され、先月、ロンドン南東部の象徴的なブルータリズムの地、テムズミードにあるサウスミア湖周辺でロケを行ったバンドの姿が収められている。
The WAEVE (Graham Coxon and Rose Elinor Dougall) have announced the release of a new 3-track EP titled 'Eternal', set for release via Transgressive on 14th March 2025, with first single 'Love Is All Pain' out now.
Produced by James Ford (Fontaines D.C., Arctic Monkeys, The Last Dinner Dinner Dinner Produced by James Ford (Fontaines D.C., Arctic Monkeys, The Last Dinner Party, blur), the three new tracks on 'Eternal' mark the follow up to the band's acclaimed two albums, The WAEVE (2023) and City Lights (2024).The propulsive first single 'Love Is All Pain' features the ever-harmonic duet of Rose and Graham on vocals, plus throbbing electro synths and irresistible top lines which come as a warning sign to hopeless romantics everywhere this Valentine's Day.
Directed by Simon Leeder, the video for 'Love Is All Pain' was shot entirely on black & white 8mm film in a nod to the post-punk synth-era aesthetic of the late 1980s, and captures the band on location around Southmere Lake at Thamesmead, South East London's iconic Brutalist estate, last month.
The announcement comes ahead of the band's upcoming UK headline tour which kicks off next month on 16th March in Glasgow and will see the band visit Manchester (18th March), Sheffield (19th March) and Bristol (21st March), as well as a headline show at the iconic Camden venue KOKO on 20th March 2025. Full list of dates below.
Last month, the band released a new live album titled ‘Live from the City Lights Sessions’, available digitally on Transgressive Records.
The record features Graham and Rose joined by a full live band as they perform all 10 tracks from their acclaimed second studio album ‘City Lights’ in London’s Crouch End Studios, a special opportunity for fans to experience the songs in a whole new dimension. The live album release follows the performance film series, City Lights Sessions, directed by Natàlia Pages, which artfully captured every song on the album.
The WAEVE - UK Tour：
The WAEVE - UK Tour dates:
16th March - St. Luke’s, Glasgow
18th March - Academy 2, Manchester
19th March - The Leadmill, Sheffield
20th March - KOKO, London
21st March - Trinity, Bristol
22nd August - Colchester Castle Summer Series (w/ JAMES)
The coming together of two musicians who, through working together have formed a new, singular, sonic identity. A powerful elixir of cinematic British folk-rock, post-punk, organic song-writing and freefall jamming. Themes of oblivion and surrender are juxtaposed with suggestions of hopefulness and light. Against a brutal global backdrop of impending apocalypse and despair, Graham Coxon and Rose Elinor Dougall strive to free themselves through the defiant optimism of making music.
With the release of their acclaimed eponymous debut album in February 2023, The WAEVE established themselves as a songwriting partnership to watch, with a body of work that was "...ambitiously structured, lovingly arranged...unhurriedly crafted songs full of bona fide thrills, unexpected twists, and an elegant but never gratuitous grandeur." (UNCUT); a collection of tracks... "Cinematic in scope, often luscious in its arrangements, it's a singular gem." (DIY).
Now, after a year of touring and studio sessions, The WAEVE is back with City Lights, a brand new track taken from their forthcoming soon-to-be announced new studio album that illustrates the evolution of their collaborative musicianship, allowing this meeting of musical minds to further push the boundaries of their individual creativity.
元となるアルバムはどちらから読んでも20211202のリリースだった為、今作はそれに準え20250225の発売でタイトルの「Fa Forewarn Free Fall」は元となるアルバムFanfare For Farewellのアナグラムになっている。
リミキサー陣はインディ・シーンで絶大なる支持を得るドリームポップバンド”Yucca”から榎本勇作と品田文子、90’Sジャパニーズ・ギターポップを牽引したmarble gitar caseのバブ、 lol、AMEFURASSHIに作家として楽曲提供しているSSWのяieko等、バラエティに富んだ人選になっている。
DATE: 2025/02/25 PRICE: ¥2,025(on bandcamp) FORMAT: Digital LABEL: CHEAP TRIP RECORDS CATALOG NO.: CTLP-0003
【Track List】
1. PULSE-SE+SNUG=... ~theme from PULSNUG~ remix by Sister Summer Club 2. Heaven Stars~electro jumble up~ remix by sato boreal 3. Squash! the Pulsar remix by Fun+Tic 4. Marble Superballl remix by Yusaku Enomoto(Yucca) 5. Slow Starter~Slow Looper~ remix by JOHNNIE THE BULGARIA 6. Turn off remix by ayako Shinada(Yucca) 7. continue? ~GAME OVER~ remix by Яieko 8. Vanilla Sky remix by dodopop 9. Blue Screen/Blues Clean~in summer time~ remix by Taruho 10. Think It (too) Low remix by Tomoyuki Tsunoda(mig) 11. Teenage Funk LaB~Oh! papai yeah!~ remix by SHOW TEN GUYS 12. Ocean Colour Scene remix by Pulsar Squash 13. Bye-Bye!! Bicycle~chakapoko~ remix by TIYOKOMEITO 14. LooP PooL~inside my head~ remix by babu(marble guitar case) 15. Fanfare for Farewell remix by momomachine(mig)
Mastered by Ryuji Yasukawa at Monauralab Studio(MONOLaB)
同時発売ノンストップ版:
Fa Forewarn Free Fall~Nein Stopp!~ / PULSNUG DATE: 2025/02/25 PRICE: Social Tipping(on bandcamp) FORMAT: Digital LABEL: CHEAP TRIP RECORDS CATALOG NO.: CTLP-0004
サブスクリプション版:
Fa Forewarn Free Fall(side F) / PULSNUG DATE: 2025/02/25 FORMAT: Streaming LABEL: CHEAP TRIP RECORDS
Fa Forewarn Free Fall(side P) / PULSNUG DATE: 2025/02/25 FORMAT: Streaming LABEL: CHEAP TRIP RECORDS
『End Of The Middle』は、切実なニュアンスを帯びています。アッパーとロウワーという二つの階級に現代社会が完全に分かたれていることを暗示する。そして多くの人は、その社会問題を矮小化したり、責任転嫁したり、もっと酷い場合には、まったく無きものとして無視したりすることもあるわけです。また、これらの二つの階級は、両者を敵視することも稀にあるでしょう。しかし、リチャード・ドーソンは、社会の基底にぽっかりと開いた空白のなかに位置取り、空想と現実がないまぜとなったフォークミュージックを説き聞かせるように優しく奏でます。それは現代社会に対する内向きな風刺のようでもあり、また、リリシズムの観点から見たアートの領域に属する。
リチャード・ドーソンのアコースティックギターは、ジム・オルークや彼のプロジェクトの出発であるGastr Del Solに近い。しかし、単なるアヴァンフォークなのかといえばそうとも言いがたい。彼の音楽にはセリエリズムは登場せず、しかも、明確な構成と和音の進行をもとに作られる。しかし、彼の演奏に前衛的な響きを感じるのはなぜなのか。ドーソンの音楽はカウンターに属し、ニューヨークパンクの源流に近く、The Fugsのようなアート志向のフォーク音楽の原点に近い。それは、以降のパティ・スミスのような詩的な感覚と現実感に満ちている。 彼の作品にひとたび触れれば、音楽という媒体が単なる絵空事とは言えないことが何となく理解してもらえるでしょう。
ドーソンの音楽は、米国の作家、ジャック・ケルアックの『On The Road』で有名な”ビートニク”の文化のヒッピー思想の系譜にある。ビートニクは西海岸から発生した文化と捉えられがちですが、ニューヨークのマンハッタンにもよく似たムーブメントがありました。例えば、アヴァンフォークの祖であるThe Fugsです。1965年の当時、マンハッタンのイースト/ウェストヴィレッジの路上で雑誌や詩集を販売していたトゥリ、そして、雑誌の編集長を務めていたエド・サンダースが「詩を読むだけでは不十分。曲を作って歌えるようにバンドをやろう」と結成したのが”The Fugs”だったのです。
『End Of The Middle』の素晴らしさは、世界からミドルが消えかけているという悲観論だけで終わらず、旧態依然とした世界から前に進むという建設的な考えがほのめかされている点にある。このアルバムの出発点はペシミズムにまみれていますが、アルバムの音楽の世界を歩き終わったあと、別の世界に繋がっていることに気づく。そのための道筋が以降の三曲に示唆されている。「Polytunnel」は、賛美歌をフォークミュージックでかたどったもので、何か清らかな感覚に充ちている。このアルバムの中では、最も気品に充ちた一曲かもしれません。
クローズ曲だけは作風がかなり異なります。「More Than Real」ではモジュラーシンセが登場し、悠々たる雰囲気でドーソンはバラードソングを歌い上げています。 これまで一貫してギミック的な音楽を避けて、質朴な音楽を提示してきたソングライターの真骨頂のような瞬間を味わえます。まるでこの曲だけは、舞台やオペラの主人公になったかのように、ドーソンは明るく開けた感覚のボーカルを披露しています。聴いていると、同調して、なぜか開放的な気分になり、前向きで明るい気分になれるはずです。また、そこに、失望に打ちひしがれた人の心を癒やす何かがあると思います。
Fake Dadは、Spotifyの公式プレイリストに1ダース以上もランクインする成功を収めている。FADER、LADYGUNN、DIY、Live Nation Ones to Watchなどから高い評価を受けている。 バンドはこの春と夏にツアーを行う予定だ。SXSW、Treefort Music Festivalに出演する。
「Machinery」
Los Angeles-based indie rock duo Fake Dad delivered their new single “Machinery” on (2/6). The song is a poignant rock song with crunchy guitars and synths. The song is a great reminder of the majestic desert areas of Los Angeles. It is sure to be an excellent choice for those looking for American indie rock.
stood in the corner feeling really sad that nobody was trying to connect, which is what we were all supposedly there to do. This song was written as a response to the way this kind of woman on woman (or more generally, artist on artist) hate perpetuates these spaces while the real culprits—our sick, sad society governed by narcissistic, billionaire white men—totally fly under the radar. In the end, the man is the real one we're calling out. The one that we're sick and tired of watching get what they want, while we sit back eating from their palm," shares Andrea.
Fake Dad has seen success landing over a dozen official Spotify playlists and has received acclaim from the likes of FADER, LADYGUNN, DIY, and Live Nation Ones to Watch. The band is set to tour this spring and summer and will perform at SXSW as well as Treefort Music Festival.
EP『Holly Wholesome and the Slut Machine』で、Fake Dadは、怒り狂ったハンバーガーを平らげるピエロ、星条旗を掲げた騎士、仮面をかぶった睡眠麻痺の悪魔など、彼らの世界に住むキャラクターを作り上げた。 その過程を通して、アンドレアとジョシュは、自分たちの生活体験の非常に現実的な側面（ストレート・パスな関係の恋愛パートナーとしてのアイデンティティやセクシュアリティなど）を、フィクションを使って解き明かしていることに気づいた。
Andrea de Varona (she/her) and Josh Ford (he/him) aka Fake Dad are a Los Angeles based, NYC bred indie rock meets dream pop duo. Formed in 2020, the two met at a college party in the East Village and have been inseparable ever since.
Melting their own unique artistic visions to build a shared sonic shorthand, Fake Dad create an intoxicating and colorful musical fusion complete with catchy pop-laden hooks, crunchy, 90s inspired guitars, grooving bass lines, and buoyant synths. With a distinctive production sound and a signature vocal delivery, the two write and record expansive musical moments from their apartment. Although Andrea and Josh come from different musical backgrounds, they share a common goal: to create music that understands you.
In the past year, Fake Dad have been fixated on posers. Specifically, rock music posers—there’s just something fascinating about music made by an artist who’s pretending to be someone they’re not. In the different subgenres of rock especially, “fake” can be a dirty word. But as Andrea and Josh dug into some of their favorite artists from before their time, it became clear that playing a character is pretty deeply entwined with the legacy of rock music.
PJ Harvey was a skinny, 5’4 woman who bellowed about being 50 feet tall and “man-sized.” Stevie Nicks wore her don’t mess with me or I’ll put a spell on you, witchy persona to break through the gender boundaries of rock and roll. Tina Turner was a background singer turned untouchable superstar who reinvented herself through decades of hard fought battles. LCD Soundsystem was an introvert pretending to be the life of the party, and David Bowie was pretending to be a space alien. And yet, there’s a kind of wish fulfillment there: these are people who found more than just creative expression in their art—they found reinvention.
Within the false image, they were able to find something true about themselves. Since the beginning of 2024, this is what Fake Dad has been able to do as well, embracing the freeing process of writing music through the lens of a character, which has allowed them to explore the sonic trappings of their favorite rock, punk, and new wave legends, as well as better understand themselves.
In their upcoming EP, Holly Wholesome and the Slut Machine, Fake Dad have created characters that live in their made up world of angry, burger-flipping clowns, star-crossed knights, and masked sleep paralysis demons. Throughout the process, Andrea and Josh realized that they were using the fiction to unpack very real aspects of their lived experiences—including their identities and sexualities as romantic partners in a straight-passing relationship.
The latest offering off the project, “Machinery” is about the pressure for women in music to package themselves as consumable, f*ckable products just to be taken seriously—and how that pits them against each other and themselves. Andrea confides, "This angry, teeth-grinding rock/pop track was written right after an industry showcase where every girl performing wore the exact same spike-studded bra—too concerned with sizing each other up to actually have a good time.
As they eyed each other with loathing and borderline obsession, I stood in the corner feeling really sad that nobody was trying to connect, which is what we were all supposedly there to do. This song was written as a response to the way this kind of woman on woman (or more generally, artist on artist) hate perpetuates these spaces while the real culprits—our sick, sad society governed by narcissistic, billionaire white men—totally fly under the radar. In the end, the man is the real one we're calling out. The one that we're sick and tired of watching get what they want, while we sit back eating from their palm."
With a unique musical perspective, and an unparalleled communal bond with their listeners, Fake Dad have already garnered much deserved attention, landing over a dozen official Spotify playlists and selling out shows in their hometown of NYC as well as their new home of Los Angeles.
The duo’s upcoming project, Holly Wholesome and The Slut Machine reveals a new era in their evolution as artists—preparing listeners for the expansiveness and singularity of what’s to come in 2025 and beyond. "Machinery" is the final single off Fake Dad's upcoming EP, Holly Wholesome and the Slut Machine out March 14th (featuring editorial picks "So Simple!" and "ON/OFF").
The single "Machinery" is "about the pressure for women in music to package themselves as consumable, f*ckable products just to be taken seriously—and how that pits them against each other and themselves. This angry, teeth-grinding rock/pop track was written right after an industry showcase where every girl performing wore the exact same spike-studded bra—too concerned with sizing each other up to actually have a good time.
As they eyed each other with loathing and borderline obsession, I stood in the corner feeling really sad that nobody was trying to connect, which is what we were all supposedly there to do. This song was written as a response to the way this kind of woman on woman (or more generally, artist on artist) hate perpetuates these spaces while the real culprits—our sick, sad society governed by narcissistic, billionaire white men—totally fly under the radar. In the end, the man is the real one we're calling out. The one that we're sick and tired of watching get what they want, while we sit back eating from their palm," shares Andrea.
The release will be followed by FD's first full band US tour with Pom Poko—including official festival plays at SXSW, Treefort, and more to be announced.
カナダのパンクバンド、PUPが5thアルバム『Who Will Look After The Dogs?』のリリースを発表した。
PUPは、ステファン・バブコック、ネスター・チュマック、ザック・マイクラ、スティーヴ・スラドコウスキーからなる。彼らは、『The Unraveling Of PUPTHEBAND』に続く作品を5月2日にLittle Dipper / Rise Recordsからリリースする。
偶然にも『The Unraveling Of PUPTHEBAND』というタイトルの前作を発表した数日後、私の人生は予期せず崩壊した。
『Hallways』の歌詞を書いたのは、そんなことが起こっている最中だった。 奇妙な1週間だった。 『Who Will Look After The Dogs? 』というタイトルは破壊的だと思うけど、”なんてこった、これは大げさなんだ！”という感じだ。 少なくとも、その前の行の文脈から見ればね。 それが僕らにとっては面白いんだ。
最も冒険的でマキシマムなフルアルバム、2022年の『The Unraveling of PUPTHEBAND』のリリース後、バンドの生活は大きく変化した。ギタリストのスティーヴ・スラドコフスキーは結婚し、ベーシストのネスター・チュマックは父親としての生活に落ち着き、ドラマーのザック・マイクラはトロントの新しい場所に引っ越し、自宅スタジオを拡張することができた。他のメンバーたちが大きな決断を下し、行動を共にする中、バブコックは孤独を感じていた。彼は10年来の交際に終止符を打ち、バンドメンバーとも距離を置いたばかりだった。
「レコードを作っているときは仲が悪いから、引きこもりがちになるんだ」とバブコックは言う。「以前は別の人に安らぎを見出したものだが、今回は一人だった。退屈で寂しかったから、ただひたすら曲を書き始めたんだ」。以前のアルバムでは、12曲を完成させるのに2〜3年かかったが、『Who Will Look After The Dogs?』では一年で３０曲をスピーディーに書き上げた。
アルバムのオープナーから軽快な印象です。「Share You Care」ではファジーなシンセポップにヘレン・ガーニャの華麗なボーカルが乗せられる。全体的な音楽の枠組みが西洋に依拠しているからと言えども、そのメロディーの節々にはアジアのテイストが漂う。聴く人にとっては少しエキゾチックにも聞こえるかもしれませんが、懐かしい感覚が蘇る。それらをスタイリッシュな感覚に充ちたポップスに落とし込むという点では、ニューヨークのインディーポップシーンに呼応するもので、セイント・ヴィンセントのデビューアルバムを彷彿とさせます。アジアのよな抜き音階を踏襲したシンセのベースライン、そしてボーカルが心地良いサウンドを生み出している。ダンス・ポップ、ないしはシンセ・ポップとして申し分のないナンバーでしょう。
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