ロンドンのトリオであるPVAはセカンドアルバム『NO MORE LIKE THIS』を発表しました。

 

最初のプレビューとして「Boyface」が公開されています。デビューアルバム『Blush』では、先進的なテクノ・サウンドを特徴としていたが、これらのサウンドは官能的なポップサウンドへと進化している。従来のPVAらしさを残しつつも、驚くべき変貌ぶりが示されています。

本作のテーマについてはバンドは次のように明かしている。「『ボーイフェイス』は欲望と身体的な官能性についての曲です。ダンスフロアでの一瞬のつながりの美しさ、そしてもろさを描いている」

 

ミュージックビデオでは、撮影監督のSal Redpathと素晴らしいクィアの人々と協力を図っている。映像では、タッチ、インタラクション、感覚的な遊び、テクスチャーを探求しています。撮影は、人々がこれらのテーマを自由に表現し、具現化できるケアと探索の空間になりました。癒し、つながり、可能性の環境など、奇妙で安全な空間を反映した、本当に美しい日でした。

『No More Like This』は、生きていく上での様々な課題に向き合った作品となっている。欲望、遊び、献身、服従、繰り返し、反省のテーマを探求する。これらはすべて、人々と経験が私たちに残す永続的な痕跡である足跡のアイデアに組み立てられています。

 

夜明けに泣き、空に到達し、キャラクターはしばしば抑圧と解放の間に挟まれ、より大きな何かの表面に浮かんでいます。それは私たちを信憑性の拒絶として抑圧に没頭させるでしょう。私たちがどのように間違って記憶し、何が真実か真実かまだ確信が持てないかを振り返っています。

PVAは2022年に『Blush』でデビュー。その後、エラ・ハリス、ジョシュ・バクスター、ルイ・サッチェルで構成されたバンドは、2026年1月23日にIt's All For Fun（Secretly Distribution）によって到着する待望の続編への期待を湧き立てる。最初のプレビューをぜひご視聴ください。

 

「Boyface」

PVA「NO MORE LIKE THIS」

 

 

 

 

 

 

 

 

Label:It's All For Fun Secretly Distribution）

Release:2026年1月23日

 

Tracklist:

1. Rain

2. Enough

3. Mate

4. Send

5. Anger Song

6. Peel

7. Boyface

8. Flood

9. Okay

10. Moon

 

Pre-save:　https://lnk.to/nomorelikethisYT 

英国とインドネシアの血を引くSSW、Nadia KadekがデビュープロジェクトとなるEP『Green Car』を10月17日にトランスグレッシブ・レコードよりリリースすることを発表した。

この発表を記念し、22歳の新鋭アーティストは新曲「Always Almost Losing You」を初公開した。 透き通るような歌声と巧みなメロディックなフレーズで、カデックは抑制されたプロダクションの上にインディー・フォークの質感を重ね、高まる感情の重みでリスナーを深く引き込む楽曲を創り上げた。

ナディア・過デックは本曲について「この曲を書く時は感情が爆発しそうでした。友人への悲しみを覆い隠すような苛立ちと怒りが入り混じっていました。誰かを深く愛すればするほど、その人を心配してしまうという心情を歌っています。プロダクションでは、私のサウンドパレットのより暗い側面を探求し、複雑で苛立った感情に寄り添うことができました」と語ります。

オックスフォードシャーの田園地帯（フック・スタジオ）とスタジオ13で、プロデューサーのリカルド・ダミアン（Sampha、Jorja Smith、Yebba）とジェイミー・バイレス（Isaac Gracie、Hohnen Ford、Asha Banks）と共に録音されたシングル『フィーリング・イット・オール』と『レモネード』を含む全5曲を収録した『グリーン・カー』は、カデックが追求する「有機的なライブサウンド」と「大気的で美しいノイズ」が融合した作品だ。 

 

その結果生まれた音の世界は、彼女の蜜のように甘い歌声の周りをくるくると跳ね回り、まるで再生ボタンを押すたびに目の前でパフォーマンスが繰り広げられているかのようだ。晩夏のほろ苦い輝きに包まれたこの作品は、ノスタルジア、傷ついた家族関係、儚い恋愛、そして許しという静かな強靭さを巡る。

「息づいている感覚、聴いている時に誰かが同じ部屋にいるような感覚が必要だった」と彼女は説明する。「アコースティック・デモの親密さを保ちつつ、ライブ・サウンドと少し奇妙で歪んだ雰囲気を組み合わせることで、それらに命を吹き込みたかった」

これは、アーティストがSNSでの拡散を追い求めるプレッシャーが増す時代にあって、彼女の清々しい型破りな姿勢を物語っている。 ここ数年、ナディアは新たな常識を避け、代わりにライブ演奏を通じて熱心な聴衆を徐々に築いてきた。絹のような告白的なバラードで観客を魅了する一方で、その楽曲自体が聴き手との対話のようなものになったと彼女は語る。彼女の魅惑的なライブパフォーマンスは、やがてトランスグレッシブ・レコードの注目を集めた。この著名なレーベルは、現代で最も尊敬され、境界を押し広げるアーティストたちを擁護することで知られている。

ノーフォークの静かな田舎で育ったナディアは自らを「フェス育ち」と表現する。幼い頃の音楽的記憶は、フローレンス・アンド・ザ・マシーンやジェフ・バックリーらをBGMにキャンプ場へ向かう長い車旅で形作られた。 

 

フェスティバル参加者の肩の上から憧れのアーティストを見上げていた少女時代から、同レーベルの新人発掘コンテストで準優勝を果たし2024年グラストンベリー・フェスティバルに出演するまで、彼女の歩みはすでに「巡り巡る瞬間」と静かな非凡な決意に満ちた物語となっている。

ライブ実績には既にグラストンベリー、BSTハイドパーク、ラティチュード、ザ・グレート・エスケープへの2度の出演、パリ・パロマ、エッタ・マーカス、コーデリアのサポートアクトが含まれる。 今後の予定としては、ジョニー＆リリー・フリンのサポートとしてリージェンツ・パーク野外劇場での特別公演に出演後、ザ・クレーン・ワイブズとのツアー、さらにミューテーションズ、ピッチフォーク・フェスティバル、ユーロソニックなどへの出演が控えている。

 

 

「Always Almost Losing You」

Nadia Kadek『Green Car』　-EP

Label: Transgressive

Release: 2025年10月17日

 

Pre-save:　https://transgressive.lnk.to/greencar

 

 

Tour Date: 

 

24th September - Regent's Park Open Air Theatre (supporting Johnny & Lillie Flynn)

25th September - Birmingham Town Hall (supporting The Crane Wives)

26th September - O2 Ritz Manchester (supporting The Crane Wives)

27th September - O2 Academy Glasgow (supporting The Crane Wives)

29th September - SWX Bristol (supporting The Crane Wives)

30th September - Islington Assembly Hall London (supporting The Crane Wives)

14th - 18th October - Wild Paths Festival, Norwich

4th November - The Forge at The Lower Third, London

7th November - Mutations Festival, Brighton

8th November - Pitchfork Festival, London

14th - 17th January - ESNS, Groningen, NL

 

Nadia Kadek

エイドリアン・レンカーとリジー・マカルパインの鋭い感性を彷彿とさせるグリーン・カー・カデックは、ほのかなアコースティック・ギターの上に詩的な観察眼を紡ぎ出す。初EPながら、ナディアは言葉にできない感情を捉える才能を持つソングライターの系譜に、当然のように名を連ねている。

＊アーティスト名に誤りがございました。お詫びを申し上げます。

英国で注目を集めるBettina BCBの新曲「Messy Girl」を下記よりチェックしてみよう。このクリエイティブな才能は、エレクトロニック、R&B、ポップ、ヒップホップの要素を融合させ、2000年代初頭のティンバランド時代のポップを彷彿とさせるサウンドを新鮮でモダンな解釈で創り出す。

 

ニューシングル「Messy Girl」は急進的なダンスポップで次世代のシーンをリードする。その内容はちょいワルなガールになるのを厭わないという表明だ。ベティナの楽曲は、カタルシスをもたらしてくれる。彼女はこの曲について次のように語っています。　　

「この曲は噂話への反撃なの。 自分についての噂話や荒唐無稽な噂を聞くことにすっかり慣れてしまい、『よし、もし君たちが望むなら、私はその全てになれるわ。でもそうしたら、君たちにとって良い結末にはならないけどね』と思ったの」

 

「この曲は、私自身よりも私をよく知っていると思い込み、私の名前を口にせずにはいられない全ての人への挑戦状よ。 夏の終わりに訪れる、完全に無遠慮で野性的な夜のために、踊れるような切迫感あふれる曲を作りたかった。終わりが近づいていると分かっているからこそ、混沌と混乱に身を任せて思い切り楽しむ夜のためにね」

Bettina BCBは、英国的なルーツとR&B、ポップ、ヒップホップの要素を融合させ、2000年代初頭のティンバランド時代のポップを彷彿とさせるサウンドに現代的な新鮮さを加えた新進アーティストである。 ロサンゼルスの伝説的ユニット、スターゲートの指導を受け、A&Rのクリス・アノクテの支援も得ている。

 

彼女のプロジェクトは、最初の3枚のシングルが国際的なインディーズメディアやラジオ（iHeart Radioなど）で支持を集め、最新シングル「Whoopsie Daisy」はBBC Introducingで初披露された。 ベティナは遊び心のある皮肉を込めた歌詞とキャッチーなコーラスメロディー、ヒップホップの影響を受けたビートを融合させ、「今、誰もやっていないこと」（ケニー・ビーツ）を創造している。 

 

「Messy Girl」

Bettina BCB is a rising artist bringing together her British heritage with elements of R&B, pop and hip-hop to create a sound reminiscent of early 2000s Timbaland-era pop, with a fresh, modern twist. 

 

Mentored by the iconic Stargate in Los Angeles, her project also has the support of A&R Chris Anokute, and her first three singles have garnered support from international indie press, and radio play including iHeart Radio & her newest single ‘Whoopsie Daisy’ debuting on BBC Introducing. 

 

Bettina combines playful, tongue in cheek lyrics with catchy chorus melodies and hip-hop influenced beats to create something that ‘no one else is doing right now’ (Kenny Beats). 

Her dynamic vocal performance effortlessly ties these elements together, as on her new single "Messy Girl". She shares, "The single is my clapback to the gossip mill. I got so used to people talking and hearing crazy rumours about myself that I figured, ok bet, I can be all of that if you want me to, but it’s not gonna end well for you if I do. 

 

This song is a challenge to everyone who thinks they know me better than I do, and can’t keep my name out of their mouths. I also really wanted to make something danceable and urgent for those absolutely unapologetically feral nights at the end of summer, when you know it’s about to end so you just go full send on the chaos and the messiness."

▪フランスのポピュラー音楽

 

フランスのポップミュージックは、他のヨーロッパ諸国の音楽ほど世界的に広く知られていないものの、その影響力は国際的に依然として感じられる。

フランス外務省と文化通信省は、国内でプロモーションされる音楽に劇的な影響力を持っている。フランコフォニー・ディフュージョンが発表する国内音楽チャートはフランス音楽に偏りがちだが、通常はアメリカやヨーロッパのヒット曲も含まれる。 フランス・パリ出身のトップアーティストの一人、デヴィッド・ゲッタは21世紀に入り、国際的に活躍するハウス音楽の第一人者、DJ／プロデューサーとして台頭した。彼の代表的なヒット曲には「When Love Takes Over」「One Love」「Gettin' Over You」などがある。

フランスのポピュラーミュージックのルーツは数世紀前に遡り、フランス民謡やオペラ音楽に由来する。洗練されたフランス音楽の発展を形作った二つの様式がアルス・ノーヴァとアルス・スビティオリである。同国で最も人気のあるクラシック作品の一つはジョルジュ・ビゼー作曲の「カルメン」だ。ジャン＝バティスト・リュリも不朽の作曲家である。

何世紀にもわたりフランス音楽で広く用いられてきた弦楽器に、バイオリンに似たハーディ・ガーディがある。バグパイプやフィドルも伝統的なフランス音楽のサウンド形成に貢献した。 多くの人々が「フレンチホルン」はフランス起源だと誤解しているが、実際にはドイツ発祥である。18世紀にフランスがカナダの一部を占領したため、その影響は現在もカナダやルイジアナ州（フランスが19世紀初頭まで支配）などで感じられる。

シャンソン（フランス語で歌われる宗教的でない叙情豊かな歌曲）の発展は数世紀にわたり続き、文化に深く根付いた。

ジャック・ブレルはキャリアを通じてシャンソンを重視した。ベルギー生まれながら、1950年代初頭から70年代後半の死に至るまでフランスのスーパースターとなった。 彼の録音の大半はフランス語で歌われた。その音楽活動はデヴィッド・ボウイやロッド・マックイーンといった国際的アーティストに多大な影響を与えた。また映画俳優としても活動した。

フランスはアメリカやイギリスのロックンロールの影響を受けた。ジョニー・アリデイは1960年代を代表するフランスのロックンローラーの一人だったが、その人気は主にフランスとケベックに限定されていた。 

1960年代初頭の彼の最大のヒット曲の一つは、チャビー・チェッカーのアメリカン・ヒット「レッツ・ツイスト・アゲイン」のカバーだった。その他のハリデイのヒット曲には「ケ・ジュ・テーム（君を愛している）」「モン・プリュ・ボー・ノエル（私の最も美しいクリスマス）」「オールウェイズ」などがある。ブリジット・バルドーも1950年代から70年代にかけてフランスを代表する女優／モデル／歌手として台頭した。 彼女のヒット曲には「Je Me Donne A Qui Me Plaît」、「Je Reviendrais Toujours Vers Toi」、「La Madrague」などがある。

ザ・シンギング・ナンの「ドミニク」は、アメリカ史上初めてかつ唯一フランス語で歌われたナンバーワン曲となったが、歌手はベルギー出身であった。フランス語の歌詞は、80年代のクラフトワークの「トゥール・ド・フランス」など、他の世界的ヒット曲にも登場している。 1968年、ビートルズの世界的ヒット曲「愛こそすべて」は、クロード・ジョゼフ・ルジェ・ド・リールが作曲したフランス国歌「ラ・マルセイエーズ」で始まる。

1970年代、ディスコがヨーロッパ全土に浸透する中、アメリカのチャートに影響を与えたフランスの主要ディスコアーティストはパトリック・エルナンデス、サンタ・エスメラルダ、セロンであった。1979年のディスコ時代で最も人気を博したヒット曲の一つがパトリック・エルナンデスの「ボーン・トゥ・ビー・アライブ」である。

国際的にはそれほど成功しなかった他のディスコアーティストにはダリダやシーラ＆B・デヴォーションがいる。 1980年代にはイギリスのニューウェーブがフランスに影響を与えたが、レ・リタ・ミツコやナイアガラなどフランスのニューウェーブ・アーティストの大半は国外ではあまり知られていない。ユーロダンス・ミュージックはハウス・ミュージックの礎を築き、ダフト・パンクは1990年代初頭から「ダ・ファンク」や「ワン・モア・タイム」などのヒットで強力な存在感を示している。 国際レコード産業協会（IFPI）によると、2011年時点でフランスの音楽売上高は世界第5位であった。

 

 

・イエイエの人気 　アメリカやイギリスのロックの流入

フランスではビートルズの人気に呼応するようにして、６０年代から７０年代にかけてフレンチポップ、別名、イエイエが流行した。このムーブメントを担ったのは、ラジオ曲や雑誌、それからなんといっても、VOGUEを筆頭とするファッション業界である。実際的にこれらのムーブメントの歌手はキュートなファッションセンスにより注目を集めた。

 

「Yé-Yéイエイエ)」という言葉の由来は、フランス語で「イエーイ！イエーイ！」を意味する表現に由来するとされる。これは、フランスのイエイエ歌手たちの楽曲で頻繁に用いられたフレーズであった。1959年から十年間続いたラジオ番組および雑誌『Saule les Copains』が「今週のアイドル」を特集した。雑誌では有名人の写真を掲載し、ラジオでは、「今週のSweetheatな一曲」という名物コーナーがあり、このコーナーから数々のスター歌手が登場した。

 

こうした歌手たちの極端な純真さは、恋愛や思春期の生活をテーマにした無邪気な歌を歌う彼女たちに魅力を与えた。また、封建制度的な社会からの解放や女性の人権の確立を意味した。かつての音楽文化の中心地は、ビートルズのようなロックミュージックからの影響を受け、それらをゲンスブールの前衛主義と結びつけ、新しい商業音楽のスタイルを確立させた。それがフレンチポップの正体で、フランス語と甘口のポップは日本でもヒットを記録することになった。それらのヒットには彼女たちのファッションセンスや西洋主義へのあこがれもあったろう。

フランスのイエイエ音楽は1960～70年代に全盛期を迎え、フランソワーズ・アルディ、シルヴィ・ヴァルタン、フランス・ギャル、ジェーン・バーキン、ブリジット・バルドーといった著名な名前を生み出した。これらのミュージシャンの多くは、映画俳優として活躍したのみならず、フアッション業界におけるアイコン的な存在となった。今なお専門誌などで紹介されることが多い。

 

 

・Sylvie Vartan

 

 

シルヴィ・ヴァルタンはハリウッドで成功を収めた女優である。ヴァルタンは芸能活動初期に『既婚女性』（1965年）や『マルペルトゥイ：呪われた家の物語』（1972年）など様々な作品に出演した。その後ヴァルタンは映画にキャリアを集中させ、トム・カストロノヴァのドキュメンタリー『サンセット・ピープル』（1984年）や『黒い天使』（1994年）に出演。近年では『トゥ・ヴー・オ・トゥ・ヴー・パ』（2014年）で演技を披露した。

1944年8月、シルヴィ・ヴァルタンはブルガリアで生まれた。ソ連軍によるブルガリア侵攻を受け、ヴァルタン家の4人はまずソフィアへ移り、その後フランス・パリへと亡命した。移民としての生活は容易ではなかった。シルヴィは小学校でフランス語を習得するため、非常に努力しなければいけなかった。パリでの最初の数年は、狭いホテルの一室で過ごした。

シルヴィーの兄エディ・ヴァルタンは彼女より7歳年上でした。シルヴィーが高校に通う頃、エディはRCAの芸術監督として働いていた。彼が担当していた歌手フランキー・ジョーダンが新EPで女性ボーカルを必要とした時、エディ・ヴァルタンは実の妹を推薦した。両親はこの案に反対したが、彼女が初めてのLPを録音できるよう折れた。  フランキーとのLPは大ヒットし、彼女は一躍人気者となった。やがて、17歳のシルヴィはRCAと契約し、学校を辞めてソロ歌手としてのキャリアをスタートさせた。シルヴィはフランス・イエイエ歌手がよく特集される雑誌『サリュ・ド・コパン』の創刊号で特集され、これが彼女の人気をさらに加速させた。

あるショーで、シルヴィの兄エディが彼女を「フランスのエルヴィス」と呼ばれる歌手ジョニー・ハラデイに紹介した。ジョニーは若いシルヴィに一目惚れした。ジョニーはシルヴィを追い続けたが、二人は関係を極秘にしていた。ある日、皆の驚きの中、ラジオで婚約を発表したのだ！シルヴィとジョニーはフランスで最も愛された恋人同士だった。

シルヴィは英語の曲をフランス語でカバーし、その後1962年に自身の名を冠したEPをリリースした。1962年から1964年にかけて、シルヴィはニューヨーク市とテネシー州ナッシュビルを訪れ、ジョーダネアーズ（エルヴィス・プレスリーとの共演でも有名）と共に音楽を録音した。フランスに戻ると、シルヴィはビートルズと共演した。彼女の名声は新たな機会をもたらした。  シルヴィは過去に映画出演経験があったが、『ピエロ・ラ・フー』や『シェルブールの雨傘』といった傑作映画で驚くべき役柄をオファーされた。奇妙なことに、彼女のエージェントは本人に知らせず役を断り、この絶好の機会を奪ってしまった。シルヴィは打ちのめされた。

しかし、音楽家としては国際的な評価が高まった。1965年、シルヴィーとジョニー・ホラデイは結婚し、新婚旅行からヨーロッパに戻ると、エリザベス女王のために特別なデュエットを披露した。1966年、シルヴィーは長男デイヴィッドを出産した。

60年代後半にかけて、シルヴィはパフォーマンスを進化させ、歌とダンスのルーティンを取り入れた。このスタイルはアメリカで人気だったが、シルヴィは歌いながら踊る技術を習得し、フランスで先駆者となった。多くのフランス人は彼女の新たな方向性に熱狂し、シルヴィはイエイエ・ガールからロックンロール・ガールへと変貌を遂げた。

彼女の声は他のイエイエ・ガールたちよりも常に低く、その声の荒々しさが人々に愛された。シルヴィは日本やアフリカをツアーし、ヒット曲を多言語で録音した。彼女は新たなEPを制作し、その多くは彼女とジョニーのデュエット曲で構成されていた。

シルヴィーとジョニーの未来は不安定で、1978年に離婚に至った。長年ゴシップ誌を賑わせてきた二人だが、離婚の噂が新聞を飾るのはこれが最後となった。シルヴィーは1980年代をアメリカで活動し、シェールやライザ・ミネリと比較される存在となった。  再婚した彼女はカリフォルニア州ビバリーヒルズで豪華な生活を送った。2000年代まで彼女は活動を続け、元夫ジョニーとの特別トリビュートコンサートも開催。母国ブルガリアでも公演を行い、子供支援のための慈善団体を設立した。

 

 

「Irrésistiblement」

・Brigitte Bardot

 

フランスのパリで、アンヌ＝マリー・ミュセルと裕福な実業家ルイ・バルドーの間に生まれた将来のスターは、パリで育った。幼い頃から音楽とダンスの勉強を勧められたバルドーはバレエに専念し、ロシア人振付師ボリス・クニャゼフに3年間師事。1947年にはパリ国立高等音楽・舞踊院の生徒として受け入れられた。15歳でモデル活動を始め、ファッション誌『ジャルダン・デ・モード』に登場。

 

1950年3月には憧れの『エル』誌の表紙を飾った。この表紙写真が若手映画監督ロジェ・ヴァディムの目に留まり、彼は友人であるマルク・アレグレ監督にバルドーを紹介した。モデルだった彼女は、すぐにアレグレ監督の映画『Les Lauriers sont coupés』のオーディションを受けることになった。バルドーは役を勝ち取ったものの、この映画は結局製作には至らなかった。

 

しかし、彼女はヴァディムに強い印象を残し、2人は1952年に結婚した。バルドーの両親は、彼女が18歳になるまで2人の交際を止めようとしていたため、この結婚を非常に嘆いた。バルドーは、その同じ年、ジャン・ボワイエのコメディ映画『Le Trou Normand』（『狂おしいほど愛して』）（1952年）で映画デビューし、その後、数多くのフランス映画で脇役を演じました。

 

バルドーは、カーク・ダグラス主演の『愛の行為』（1953年）でアメリカ映画デビューを果たし、ワーナー・ブラザースの壮大な作品『トロイのヘレン』（1956年）にも出演しました。スタジオから7年間の契約を提示されたものの、バルドーはこれを断り、フランスに戻ってマーク・アレグレの映画に出演しました。

 

スタジオから7年間の契約を提示されたが、バルドーはこれを断り、フランスに戻ってマルク・アレグレ監督の『未来のスターたち』（原題：Futures Vedettes、1955年）に出演した。次にバルドーは英国のコメディ『海上の医師』（1955年）に出演し、初の主演作『向かい合う光』（原題：La Lumière d'en Face、1956年）で主演を務めた。

 

まだ新進女優だったバルドーは、その後『この厄介な娘』（1956年）、『ミ・フィリオ・ネローネ』（1956年）、アレグレ監督の『エン・エフユイ・ラ・マルゲリット』（『デイジーを摘む』）（1956年）など数々の人気フランス映画に出演した。（1956年）。バルドーのキャリアが飛躍し始めた頃、ヴァディムは妻を主演に『そして神は女を創った』（1956年）の監督を務める機会を得ました。サン・トロペの男性たちの目を惹きつける美貌を持つ孤児、恥ずかしがり屋でセクシーなジュリエット・ハーディを演じたバルドーは、国際的なスターへと躍進しました。

ブリジット・アンヌ＝マリー・バルドーは1960年代から70年代にかけて、セルジュ・ゲンズブールらと共に数多くの楽曲を録音した。フランスポップの不朽の名歌手、ジェーン・バーキンと並び、ゲンスブールとの共同制作が多い。バルドーには女性ファンが多いらしい。これは彼女の主な名声の源である映画活動と並行して行われたものだ。ブリジットを題材にした楽曲がヒットした後、彼女は自身の名前が成功するレコーディング活動に役立つかもしれないと考えた。  

彼女は楽曲のレコーディングを始め、自身の映画サウンドトラックにも歌唱を提供しました。やがてセルジュ・ゲンズブールの目に留まり、二人はレコーディングパートナーシップを築きます。ゲンズブールはブリジットの恋人となり、全身黒革のセクシーなバイカー・シックや、ボニーとクライドのデュオにおける不気味なボニー像など、彼女を象徴的な存在へと昇華させたのです。

ブリジットもゲンスブールと『J'taime Moi Non Plus』（日本でもヒット）を録音したが、この曲のリリースを懇願して止めた。彼女が曲の巻き起こす騒動を懸念していたのは想像に難くない。後にセルジュは恋人ジェーン・バーキンとこの曲を録音し、彼女の息をのむような歌声がこの有名な挑発的な楽曲で聴かれることとなった。実際に音源にまつわるゴシップ的な話題も呼んだ。

ブリジットは旺盛な創作意欲を発揮し、1970年代に引退するまで、約80曲もの楽曲を録音した。今日でもブリジットは話題を呼んでいるが、女優や歌手としてではなく、確固たる動物権利活動家としてだ！彼女は優雅に年を重ねることを許容しており、印象的な容姿と美しい心を備えた愛らしい女性であり続けている。フレンチ・ポップの中でも随一の実力派のシンガーである。その歌声は不朽の魅力があり現在のポピュラー・ソングにも通用する。

 

 

「La Madrague」

 

 

・Francoise Hardy

フランソワーズ・ハーディは、その驚異的な才能と完璧なスタイルにより、フランスのアイコンの殿堂入りを果たした、典型的なシャンテューズ。ハーディは、1960年代初頭に流行した。官能的なポップソングを歌うフランスの「イエイエ」歌手たちの波の中でデビューしたが、そのほとんどを自ら作曲することで、他の歌手たちの音楽とは一線を画していました。1962年にリリースしたアルバム『Tous les garçons et les filles』は、シンプルなジャジーなビートに乗せて失恋の感情を表現する才能を持つ、魅力的な歌声の歌手としての彼女の地位を確立した。

 

タイトル曲は、恥ずかしがり屋で有名なハーディを国際的なスターに押し上げ、かつてフランスのポップス界を支配していた男性優位の業界に衝撃を与えた大ヒット曲となった。その後、1971年のボサノバ調の『La question』や、1996年のオルタナティブロックに影響を受けたアルバム『Le danger』など、ジャンルを超えた成功作を何十年にもわたって発表し続けた。映画出演や占星術師としてのキャリアに加え、ハーディは 21 世紀に入ってもアルバムをリリースし続け、2018 年には『Personne d’autre』を発表しました。彼女は 2024 年 6 月、80 歳で亡くなりました。

  

フランソワーズ・アルディは2024年に喉頭がんにより惜しまれつつこの世を去った。フレンチ・ポップやイエイエ界隈で、抜群のファッションセンスを発揮し、VOGUEとの専属契約を交わしたこともあり、お抱えの歌手とも言える。しかし、ファッションアイコンのような存在であったが、意外にも恥ずかしがり屋であったという。

 

生粋のパリジャンで、パリ9区にアルディは生まれた。疎遠だった父親から子供の頃にギターを贈られた。十代前半で、前述のジョニー・アロデイと初の両面EPを録音。彼女の曲「トゥ・レ・ガルソン・エ・レ・フィーユ」は、フランスのイエイエ・ポップ歌手として初のヒット曲となった。当初はビートルズの最初期からの影響を元にした歌謡的なオールディーズを中心としていたが、後にはフォーク・ミュージックを始めとする広義のポピュラー・ソングを華麗に歌い上げた。

自らを「内気な歌手」と称した彼女は、33枚のアルバムを制作し、テレビや映画に出演し、数多くの映画サウンドトラックにも参加した。フランソワーズはジャック・デュトロンと結婚し、一人の息子をもうけた。

1963年から1966年にかけて、フランソワーズ・アルディは毎年1枚のフランス語アルバムを発表した。厳密に言えば、いずれも自身の名を冠したタイトルで、当時の主流フォーマットであった4トラック録音の7インチ・ピクチャー・スリーブEP（フランスでは「ル・スーペール45」として知られた）をまとめたものだった。

 

ファッション界との新たな繋がり、映画界への慎重な進出、高まる国際的認知、そして彼女の存在そのものがもたらす注目にもかかわらず、音楽はフランソワーズの焦点であり続け、これらのアルバムはそれを十二分に証明してみせた。

 

 

「Tous les garçons et les filles」

 

 

 

・France Gall

 

フランスのイエイエ歌手フランス・ガルは、エディット・ピアフやシャルル・アズナヴールと仕事をした作詞家である父の励ましを受け、15歳で音楽キャリアを歩み始めた。1963年にリリースされた彼女のデビューシングル「ネ・ソワ・パ・シ・ベテ」は、16歳の誕生日に発表された軽快なホーン主体の楽曲で、フランス国内で20万枚以上を売り上げた。セルジュ・ゲンズブールがガールのために書いた数々のヒット曲の一つ「蝋人形、音の人形」は、フランスでチャート1位を獲得し、他の10カ国でもトップ10入りを果たした。

 

1966年から1972年にかけてドイツで複数のヒットを記録。そのうち「Ich Liebe Dich」と「Mein Herz Kann Man Nicht Kaufen」の2曲は、後にユーロディスコの伝説となるジョルジオ・モロダーとの共作である。1974年のカムバックヒットとなったソフトロックのアンセム「La Déclaration d’amour」は、夫ミシェル・ベルジェが彼女のために書いた数多くの楽曲の最初の作品となった。

 

1980年のヒット曲「レ・ヴォー」では、エルトン・ジョンがミシェル・ベルジェと共作した楽曲でガルのデュエットパートナーを務めた。1987年発表のアルバム『ババカール』は100万枚以上を売り上げ、彼女に「レ・ヴィクトワール・ド・ラ・ミュジーク」年間最優秀女性アーティスト賞をもたらした。

 

フランス・ギャルことイザベル・ジュヌヴィエーヴ・マリー・アンヌ・ガルは1947年にパリで生まれ、創造的な音楽環境の中で育った。

 

父は作詞家のロベール・ガル。エディット・ピアフやシャルル・アズナヴールにヒット曲を提供した人物。母は歌手セシル・ベルティエで、オーセール大聖堂のオルガニストであり、有名なフランス児童合唱団「クロワ・ド・ボワの小歌手たち」の共同創設者であるポール・ベルティエの娘であった。

イザベルは幼い頃からピアノとギターを習い、10代前半には兄弟と共に自身のグループを結成した。1963年、ロベール・ガルは娘に楽曲の録音とデモテープを音楽出版社デニス・ブルジョワへ送るよう勧めた。

 

彼女はパリのシャンゼリゼ劇場でブルジョワのオーディションを受け、その後フィリップスと契約を結んだ。 ブルジョワはフランスのジャズミュージシャン、編曲家、作曲家であるアラン・ゴラゲールと共に4曲を録音させた。

 

初シングル『Ne Sois Pas Si Bête(恋のお返し)』（Don't Be So Silly）が初めてラジオで放送されたのは彼女の16歳の誕生日だった。 この曲は瞬く間にフランスチャート首位に躍り出て、20万枚という驚異的な売上を記録。彼女はその後、イェイェーブーム（アングロサクソン系ロックンロールとフランス・ヴァリエテを融合させた1960年代の流行音楽）の中で大きな名声を得た。

ブルジョワはセルジュ・ゲンズブールにフランス・ギャルの楽曲提供を依頼した。ゲンズブール作「N'écoute pas les idoles」（アイドルばかり聞かないで）がギャルの2作目のシングルとなり、1964年3月にフランスチャート首位を獲得。 同時にベルギーでサシャ・ディステルの前座を務め、ライブデビューを果たした。

 

サシャ・ディステルのビジネスマネージャー/作詞家でもあったモーリス・テゼと組むことで、当時のイェイェ歌手の大半が英語圏のヒット曲のカバーを歌う中、独自のレパートリーを構築する道が開けた。

 

ギャルの楽曲は往々にして、十代の心理に対するステレオタイプ的な見方に基づく歌詞を特徴としていた。 アラン・ゴラゲールによる精巧な編曲は様々なスタイルを融合させ、ジャズから童謡まであらゆる音楽の間を自在にクロスオーバー。この混合ジャンルスタイルの代表例が『Jazz A Go Go(ジャズ・ア・ゴーゴー)』や『メ・プリミエール・ヴレ・ヴァンカンス』である。

1964年夏、ギャルとゲンスブールの共同作業からヒット曲「娘たちにかまわないで』（原題：Laisse tomber les filles）が生まれ、続いて『Christiansen(クリスチャンセン)』が発表された。当初は抵抗していたギャルも、1964年末にマネージャーの説得を受け入れ、子供向けシングルを録音した。 

1965年、楽曲『Sacré Charlemagne）シャルルマーニュ大王』は200万枚を売り上げる大ヒットを記録。これらの楽曲は両面のシングルとして発売される。その後、フランス・ギャルは1965年ユーロビジョン・ソング・コンテストのルクセンブルク代表に選出された。

提案された10曲の中から、彼女はゲンズブールの『Poupée de cire, poupée de son（夢見るシャンソン人形）』を選んだ。 1965年3月20日、ゲインズブール、ギャル、ゴラゲールはナポリで開催された決勝戦に出席したが、リハーサル中にこの曲はブーイングを浴びた。彼女のパフォーマンスは1億5000万人の視聴者に生中継され、本番での歌い方は最高水準とは言えなかったものの、彼女は見事に勝利を収めた。

ユーロビジョンでの成功により、ギャルの欧州外での知名度も高まり、彼女は『夢見るシャンソン人形』をフランス語、ドイツ語、イタリア語、日本語で録音。 フランス・ガル自身による英語版はリリースされていないが、60年代の英国のスター、トゥインクルによる英語カバーは存在する。

一部のフランス批評家は、ギャルとゲンスブールが自国ではなくルクセンブルグ代表として優勝したことを非難した。にもかかわらず、『夢見るシャンソン人形』はその後フランスで大ヒットを記録。フランス・ギャルは日本語バージョンでこの曲を録音し、日本でも人気を博した。

 

 

「Nous ne Sommes Pas des Anges」  

・Jane Birkin

 1960年代には軽妙な映画役をいくつか演じ、その美貌は当時のスウィンギング・スピリットを象徴する存在となった（1965年の映画『ナック』でデヴュー。アントニオーニ監督の1966年作『ブローアップ』ではヌードモデルの一人を演じた）。その後フランスで評価される女優として再登場した。

ロンドンの出身で、本格的な映画俳優として活動するために1968年にフランスに渡った。ジェーン・バーキンは、アグネス・ヴァルダによるドキュメンタリー映画『ジェーン・B. パル・アグネス・ヴァルダ』（1988年）の主人公となり、ベルトラン・タヴェルニエ監督の『パパ、ノスタルジア』（1990年）では、ダーク・ボガードと共演し、感動的な演技を見せた。作曲家であり映画監督でもあるセルジュ・ゲンズブールとの間に生まれた次女のシャルロット・ゲンズブールも女優であり、兄は作家であり映画監督でもあるアンドルー・バーキン。

超高級品であるバーキンのバッグは、1984年にエルメスの社長ジャン＝ルイ・デュマが、女優であり歌手でもある彼女と会った際に、彼女が「本当に気に入った革のハンドバッグが見つからない」と不満を漏らしたことに触発されて製作した。英国人映画作曲家ジョン・バリーとの娘であるファッションフォトグラファーのケイト・バリーは、2013年12月11日に亡くなった。ジェーン・バーキンは、2023年7月16日、76歳で死去。

「Je T'Aime Molnon Plus」は、1967年の冬、パリのスタジオで2時間のセッションで録音されたが、エンジニアのウィリアム・フラジョレは身も蓋もない噂話を流した。彼はレコーディング中に「激しいベッティング」を目撃したと吹聴した。ウィリアム・フラジョレのこの話がマスコミに伝わるなり、世間の大騒ぎになった。　

 「Yesterday yes a day」    

サブリナ・カーペンターが、自身の『ロッキー・ホラー・ショー』に着想を得た「ティアーズ」ミュージックビデオの不気味な結末を書き直している。いかにも夏らしい映像で楽しませてくれる。

8月29日（金）、26歳のポップスターは、7枚目のスタジオアルバム『マンズ・ベスト・フレンド』のリリースに合わせて、不気味な「ティアーズ」のオリジナル版ビデオを公開した。

ビルボードによれば、約5分間の映像では、カーペンターが同行者を死亡させたと思われる交通事故から回復する様子が描かれるという。

孤独で混乱した彼女は不気味な孤立した家に出くわす。内部ではセックスと快楽主義の世界を発見し、カルト的な古典ホラーミュージカル『ロッキー・ホラー・ピクチャー・ショー』を想起させる。ビデオはカーペンターが死亡したと思われていた恋人の命を絶つ場面でクライマックスを迎える。

「待って、違う、君は前に死んだんじゃなかった？ ビデオごとに誰かが死ぬのが決まりなんだから」と彼女は言いながら、彼の胸にハイヒールの先を突き刺す。「ごめんね。でも、私たちはいつまでも君を忘れないわ」

カーペンターが不気味な家から追い出されると、彼女は見上げると森から男が現れる。「ベイブ、無事でよかった」と彼は言いながら、足を引きずり咳き込む。 「ずっと君を探してたんだ」突然、稲妻が走り、彼は火花を散らしながら神経質な笑い声を漏らす。カーペンターは割れるような音が近づく中、彼に退くよう警告する。反応する間もなく、木が彼の上に倒れ込む。「どけって言ったのに」と彼女は立ち上がり、帽子を掴みながら言う。

映像にはアカデミー賞ノミネート俳優コールマン・ドミンゴの女装姿も登場。カーペンターがジャック・アントノフと制作した新曲「マンズ・ベスト・フレンド」のミュージックビデオで、2024年リリース「ショート・ン・スウィート」に続く作品。同作はビルボード200で4週連続1位を記録した。

「Tears」

 

ニューヨークを拠点とするシンガーソングライター兼ミュージシャン、ROREYの力強い新曲「Hurts Me To Hate You」を下記よりチェックしてみて下さい。内的な痛みを独白する繊細な楽曲。

この衝撃的で変容をもたらす楽曲は、ロレイと彼女の母親が出演するパーソナルなミュージックビデオと共に公開されています。 幼い頃になしえなかった和解、分かり合えなかった経験、それでもなおその抱擁は人間的な温かさをどこかにとどめている。

ローリーはApple Musicのゼイン・ロウ、LADYGUNN、オフィス・マガジンなどから称賛を受けている。彼女の楽曲はSpotifyのプレイリスト「Fresh Finds」「Fresh Finds Indie」「New Music Daily」「New in Pop」などに選出されている。

ニューヨークを拠点とするシンガーソングライター兼ミュージシャン、Roreyは、生々しい告白を癒しと不安を同時に呼び起こす芸術へと昇華させる。セカンドEP『Dysphoria』は精神疾患の矛盾へ恐れを知らぬ飛び込みであり、心に残るメロディと幽玄なボーカルが、催眠的な渦巻く楽器演奏と融合する。

長年の共同制作者であるスコット・エフマンと2021年に共同制作したこのプロジェクトは、躁状態の中で意味を求めてもがく若きアーティストの混沌、美しさ、そして方向感覚の喪失を捉えている。

ROREYの音楽は単に共鳴するだけでなく、口に出すのを恐れる真実を示し、その感情を抱くのは自分だけではないと気づかせてくれる。新曲「Hurts Me To Hate You」について、ロレイはこう打ち明ける。

「『Hurts Me To Hate You』は21歳の時に書いたの。母への怒りが自分を護っているわけじゃなく、ただ痛みのサイクルに閉じ込めているだけだと気づいた時。 そして彼女を憎むことが私を傷つけた」

「たとえ彼女が私を完全に理解できなくても、私は彼女を人生に留めておきたかった。それは彼女のありのままの姿と、彼女が与えられるものを認めることを意味した。これは私にとって、徹底的な受容を受け入れる重大な転機となった。結局、私の感情に責任を持つべきなのは母ではなく私自身。他人をコントロールすることはできない。この境地に達するまで何年もかかった」

「Hurts Me To Hate You」

 

USポップシーンで最も大胆かつ独創的な歌声を持つシンガーソングライター、Madeline(マデリン)のニューシングル「Happy as Hell」を今週最後にご紹介致します。

マデリンは、ポップミュージック界で最も大胆で独創的なボーカリストのひとりとして急浮上しています。マデリンは、人生、死、メンタルヘルスといった重いテーマを扱った、主流から外れた歌詞のポップナンバーを創作する。機知に富んだ歌詞と演劇的なステージパフォーマンスを駆使し、音楽、ダンス、パフォーマンスアートを融合させた独自のスタイルで観客を魅了しています。そのスタイルは、まさに「キャットウォーク」と「キャバレー」を融合させたかのよう。

 

現代のヒットシンガーはその多くがSNSから登場することが多いですが、その例に違わず、マデリンの音楽は最初にオンラインで共感を呼びました。インスタグラムとティックトックで複数のバズる瞬間を生み出し、月間約50万人のリスナーからなる熱心なファン層を獲得しています。

特筆すべきは、バイリンガルのダブルシングル「dopamine」が1500万回以上のストリーミングを記録し、ダンスポップアンセム「I’m Only Here for the Beat」がビルボードのダンス/ミックスショーエアプレイチャートで1位を獲得している。

リリー・アレン、マリーナ、テイラー・スウィフトにアシュニコの要素を加えたような存在と形容されるマデリンは、ポップ音楽に新鮮で楽しいエネルギーをもたらし、ライブパフォーマンスを忘れがたくしている。

魅力的で大胆なニューシングル「Happy as Hell」について、アーティストは次のように説明してくれています。

 

「このシングルは、人生で取り残されているような感覚について歌っている。このアンセム的な曲は、映画のようなストリングスのサウンドが特徴であり、私が「シアターポップ」と呼ぶ新しい時代を先導する作品です。''Happy as Hell''は、アーサー・ベスナ（Nessa Barrett、Lay Banks）とジョン・ブセマ（Sophie Truax）がプロデュースしてくれた」 

マデリンは、月間50万人以上のリスナー、2,000万回以上のストリーミング再生、40万人以上という驚異的なフォロワーを誇っている。アーティストは最近、Em Beihold と Sub Urban のツアーに参加し、Cat Con 2025 でフィーチャーされたパフォーマーです。シングル「I’m Only Here for the Beat」は、ビルボードのダンス/ミックスショーエアプレイチャートで1位を獲得しました。今後ブレイクの可能性のあるシンガーです。早耳のリスナーはぜひ押さえておきたいところです。

 

 

「Happy As Hell」

イギリスのシンガーソングライター、フローレンス＋ザ・マシーン（別名フローレンス・ウェルチとバックバンド）がニューアルバム『Everybody Scream』を発表し、タイトル曲のビデオを公開した。

 

『Everybody Scream』は10月31日（ハロウィン）にリパブリックからリリースされる。タイトル曲とビデオはオータム・デ・ワイルドが監督した。ミュージックビデオは下記よりご覧ください。

アルバムは、IDLESのマーク・ボーウェン、ザ・ナショナルのアーロン・デスナー、そしてミツキとのコラボレーションで制作された。ボーウェンは「Everybody Scream」のビデオに出演している。アルバムは昨日発表され、「Everybody Scream」は本日リリースされた。

『Everybody Scream』は2002年の『Dance Fever』に続くアルバムである。このアルバムのツアー中、ウェルチは救命手術を必要とし、その回復がニューアルバムに影響を与えた。プレス・リリースによると、回復した彼女は「自分の肉体の限界を感じ、"癒される "とはどういうことかを探求するうちに、スピリチュアルな神秘主義、魔術、フォーク・ホラーの道を歩むことになった」という。このアルバムは、女性らしさ、パートナーシップ、老い、そして死に至るまでを踏みしめ、ありふれたものの中にある泥沼を暴き出している」

アルバムのトラックリストはまだ明らかにされていない。以下はアルバムのカバー・アートワーク。

2023年、フローレンス＋ザ・マシーンはノー・ダウトの1995年のヒット曲「Just a Girl」を、Showtimeのドラマ『Yellowjackets』シーズン2（1990年代が一部舞台）でカバーした。

「Everybody Scream」

 

 

Florence + The Machine 『Everybody Scream』

 

ニューヨークのプラチナセールスを記録するポップロックバンド、American Authors(アメリカン・オーサーズ)がニューシングル「Race Car」をリリースしました。このトラックは、重厚なハーモニー、メロディックで温かいギターリフ、そして中毒性のあるリズムが特徴で、必聴の1曲。  

 「Race Car」は、『それが季節限定だと分かっていても、誰かに一瞬で恋に落ちる感覚』を描いた曲。『旅行や休暇中に感じるあの激しい情熱が現実に戻った瞬間に消えてしまうような感覚』だとザックは語っている。

2014年にデビューアルバム『Oh, What a Life』をリリース以来、ニューヨークを拠点とするポップ・ロックバンドのAmerican Authorsは、多くのバンドが夢見るようなマイルストーンを経験してきました。彼らの音楽はチャート上位にランクインし、シングルはマルチプラチナを獲得しました。

彼らはアワードショーに出演し、世界中の伝説的な会場のステージに立ち、Andy Grammar、OAR、OneRepublic、The Revivalists、The Frayといったバンドと共に世界ツアーを敢行してきました。彼らのアンセム的なヒットシングル「Best Day of My Life」は、600を超える映画予告編、テレビ番組、CM、そしてスタンリー・カップ・プレイオフのテーマ曲として採用されています。

しかし、これらの栄誉にもかかわらず、リードボーカルのザック・バーネットは「人生で最高の日はまだ来ていない」と誓っています。「私たちはただ続けたいだけなんだ。この冒険を続けることを楽しみにしています」

2006年にボストンのバークリー音楽大学で結成されたアメリカン・オーサーズ（ザック・バーネット[ボーカル/ギター]、デイヴ・ルブリン[ベース]、マット・サンチェス[ドラムス]）は、やがて大学を中退し、ブルックリンに移住して、彼らの完璧な曲作りをさらに磨き上げました。

「バークリー音楽大学に通った理由は、バンドを始めるための同じ志を持つミュージシャンを見つけるためだった。最初の夜にジャムセッションをした後、その人たちがいると確信した」とバーネットは主張する。

ブルックリンに移住して間もなく、アメリカン・オーサーズは、同都市でのライブ演奏中にシェップ・グッドマンと出会いました。

最終的にグッドマンのプロダクション会社、ダーティ・キャンバスと契約したバンドは、「Believer」を作曲、録音し、この曲はすぐにシリウスXMのAlt Nationラジオでオンエアされるようになりました。次の曲「Best Day of My Life」は、ロウズのコマーシャルキャンペーンで採用されました。その直後、アメリカン・オーサーズはアイランド・レコードと契約を結びました。

「ボストンは、私たちのキャリアをスタートさせるには素晴らしい街でしたが、ブルックリンに移住したことで、私たちの生活は完全に変わりました」と、ドラマーのマット・サンチェスは説明します。「常に多くの新しいクリエイティブな人々やアーティストたちに囲まれていることで、私たちの音楽はまったく新しいレベルへと飛躍しました」

2018年までに、彼らは一連の印象的で壮大なヒット曲で、世界中で10億回を超えるストリーミング再生数を記録しました。彼らのブレイク曲「Best Day of My Life」は、RIAAからトリプル・プラチナ認定を受け、ビルボード・ホット100で11位にランクインしている。さらに数多くの映画、テレビ、ビデオゲーム、スポーツのシンクロナイズにも採用されました。

2014年のフルアルバム・デビュー作『Oh, What A Life』はゴールド認定を獲得し、2016年の続編『What We Live For』からもう1つのトップ20ヒット「Go Big or Go Home」が生まれました。その過程で、彼らは世界中で公演を完売させ、ロラパルーザ、ファイアフライ・ミュージック・フェスティバル、ボトルロック・ナパ・バレー、リーディング・フェスティバル、リーズ・フェスティバルなど、数多くのフェスティバルのステージを沸かせた。

 バンドは5枚目のフルアルバム『Call Your Mother』をリリースしました。このアルバムには、新しいフォーク調のシングル「Daisies」「My Last Dime」「Can’t Stand the Mourning」が収録されています。  

「私たちは新しい音楽ジャンルに挑戦することを恐れたことはありませんが、音楽に希望のメッセージを込めることを常に心がけています」とボーカルのザックは述べている。

「私たちにとって、何も簡単には手に入らなかった」とベースのデイヴは明かします。「私たちはこの狂った夢を抱き、すべてを自分たちでやり、毎日より一層努力を重ねて、その夢を現実にするために頑張り続けた」

彼らの最新シングル「Race Car」は、「一時的な愛と、それが季節限定だと分かっていても、誰かに一瞬で恋に落ちることを描いた曲です。それは旅行や休暇中に感じる激しい情熱の感覚で、現実に戻ると消えてしまうものなのです」とザックは語ります。

「Race Car」

Since releasing their debut album Oh, What a Life in 2014, New York-based pop-rock outfit American Authors have experienced milestones most bands only dream about. They’ve watched their music climb to the top of the charts, and seen singles go multi-platinum.

 They’ve played awards shows, hit the stages of legendary venues all over the world, and toured the world with bands such as Andy Grammar, OAR, OneRepublic, The Revivalists, and The Fray. Their anthemic hit single “Best Day of My Life” has been featured in over 600 movie trailers, TV shows, commercials, and as a theme song for the Stanley Cup Playoffs. Despite these accolades, however, lead singer Zac Barnett vows that the best day of their lives is still yet to come. “We just want to keep going,” he says. “We can’t wait to continue this adventure.”

Originally formed in 2006 at Berklee College of Music in Boston, American Authors - Zac Barnett [vocals/guitar], Dave Rublin [bass], and Matt Sanchez [drums] - eventually dropped out of college and moved to Brooklyn to continue refining their airtight songcraft. 

“My whole reason for attending Berklee College of Music was to find other like-minded musicians to start a band with. I knew I had found those people after the first night we jammed,” claims Barnett.

Shortly after moving to Brooklyn, American Authors crossed paths with Shep Goodman while playing a gig in the city. Eventually signing with Goodman’s production company Dirty Canvas, the band wrote and recorded “Believer” and quickly saw the track thrown into rotation on Sirius XM’s Alt Nation radio. Their next song “Best Day of My Life” was featured in a commercial campaign for Lowes. Shortly after, American Authors inked a deal with Island Records.

“Boston was a great city to get our feet wet in but moving to Brooklyn completely changed our lives,” drummer Matt Sanchez explains. “Constantly surrounded by so many new creatives and artists fueled our music to a whole new level.”

By 2018, the guys had impressively generated over 1 billion global streams on a string of alternately striking and soaring smashes. Their inescapable and instantly recognizable breakthrough “Best Day of My Life” earned a triple-platinum certification from the RIAA and vaulted to #11 on the Billboard Hot 100 in addition to receiving countless film, television, video game, and sports syncs. 

Their 2014 full-length debut, Oh, What A Life, achieved gold status, while the follow-up What We Live For, spawned another Top 20 hit, “Go Big or Go Home,” in 2016. Along the way, they sold out shows around the globe and ignited stages at festivals, including Lollapalooza, Firefly Music Festival, BottleRock Napa Valley, Reading Festival, and Leeds Festival, to name a few.

“I don’t think anyone knew how special Best Day of My Life really was when we first wrote it,” bassist Dave Rublin reflects. “It just kept snowballing from TV to commercials then one day into a number one record.”

 The band released their 5th full length LP, Call Your Mother that includes the new folk-tinged singles “Daisies”, “My Last Dime”, and “Can’t Stand the Mourning”.

“We’ve never been afraid to explore new musical genres but we always try to maintain a message of hope in our music,” states Zac.

It all comes together to present a vision of the band that’s at once recognizable and unfamiliar. 

“Nothing ever came easy for us,” Dave reveals. “We had this crazy dream and we had to do everything ourselves and keep working harder and harder every day to make those dreams a reality.”

Their latest single "Race Car" "is a song about momentary love & falling for someone fast even though you know it’s only going to last a season. It’s that intense feeling of passion you find on a trip or vacation only for it to disintegrate once you get back to reality," shares Zac. 

 

 

 

 

オーストラリア（パース）のポップシーンで注目を集めるジョーダン・アンソニーが新たな深夜のアンセム「Reckless」をリリースした。この実力派のシンガーは世界的な注目を浴びる可能性がある。ニューシングルを聞けば明らかである。

このシングルは、グラミー賞ノミネートのプロデューサー、エミール・ガンタウスと作詞家のサム・ズンドとのセッションから生まれました。「Reckless」は、R&Bの要素がたっぷりと詰まった深夜のポップアンセムで、誰かに一瞬で、そしてもしかしたら少しばかり激しく恋に落ちる興奮を捉えた曲です。

この歌手は、アメリカン・アイドルのトップ14に選出されたことで注目を集め、デビューシングル「Broken Love」（Spotifyの「Peaceful Pop」に収録）で60万回以上のストリーミングを記録する成功を収めています。  

脆弱さと高揚感の鼓動を宿す声で、ジョーダン・アンソニーはポップ音楽界で最も感情に響く新星として台頭しています。オーストラリア出身で現在ロサンゼルスを拠点とするジョーダンの音楽は、内面的な魂をさらけ出すソングライティングと、洗練されたアリーナ向けのポップを融合させたサウンド——彼自身が「心を動かすバラード」と表現するスタイルです。失恋を反映させたり、恋に落ちたりする瞬間を捉えたジョーダンの音楽は、リアルで生々しく、誰もが共感できるものとなっています。

ジョーダンの音楽への道は、命綱のような存在でした。7歳の時に、学校でのいじめに対処するために最初の曲を書き上げました。「ヒット曲ではなかったけど、曲だった」と彼は回想します。「それは、口に出せないことを表現する手助けになった」その瞬間から、彼は音楽が自分の全てだと悟った——単なる情熱ではなく、目的だ。「自分の物語を通じて人々とつながり、他人が孤独を感じないようにしたいと気づいた。それが今でも私の『なぜ』なんだ」

彼は両親が基盤を築いてくれたと感謝しています。5歳でピアノのレッスンに通い始めた（最初は渋々だった）ジョーダンは、10代前半でミュージシャンとソングライターとして自立しました。「彼らはいつも『後で感謝するだろう』と言っていた。彼らは正しかった」と。プランBなしで音楽に没頭し、世界が彼に気づくまで時間はかかりませんでした。

2019年、彼は『The Voice Australia』でトップ4に入賞し、その後オリジナル曲「We Will Rise」でオーストラリア代表としてジュニア・ユーロビジョン・ソング・コンテストに出場し、世界8位に入賞しました。同年、彼はパースのRACアリーナで開催された『One Big Voice』のヘッドライナーを務め、この快挙は2022年と2023年にも繰り返されました。2024年、ジョーダンは『アメリカン・アイドル』に選出され、トップ14のファイナリストに選出。迫力のある歌声と地に足の着いた本物らしさでアメリカ audiences を魅了しました。この機会をきっかけに、彼はキャリアをグローバルに展開するため、ロサンゼルスへの移住を決めました。

ジョーダンの最新シングル「Reckless」は、彼のサウンドの次なる進化を象徴する作品です。グラミー賞ノミネートのプロデューサー、エミール・ガンタウスと作詞家のサム・ズンドとのセッションで生まれたこの曲は、当初は別のアーティストのための提案曲として制作されました。

 

しかし、彼らが曲を聴いた瞬間、これは彼の曲でなければならないと確信しました。「それはまさに自分の心に響いた。誰かに深く恋に落ち、もしかしたら少し過剰に恋に落ち、あなたを少し狂わせても、それが最高の形で感じられるような感覚だ」とジョーダンは語る。「私たちは、歌いやすく、感情的で、でも楽しくて中毒性のある曲にしたかった。深夜のドライブで歌詞を叫ぶようなトラックだ」

「Reckless」は、ジョーダンの前作「Cherry」（アイドルの同窓生Ajiiとのコラボ）の勢いを継承し、ポップシーンにおける彼の独自のポジションをさらに確立しています：感情的に知性があり、メロディが感染力があり、ジャンル境界を恐れずに越える音楽。ポップ、R&B、そして懐かしさを感じさせる要素を融合させ、ジョーダンは考え深く、繰り返し聴きたくなる音楽を創造しています。

デビューシングル「Broken Love」（Spotifyの「Peaceful Pop」と「New Pop」プレイリストに収録）で60万回以上のストリーミングを記録し、故郷のパースで複数のヘッドライン公演を成功させ、国際的なファンベースを拡大する中、ジョーダンの物語はまだまだ始まったばかりです。これまでのコラボレーターには、MSquared（マイケル・デロレンツィスとマイケル・ペインター）、アンドロ・ポップ、ジェイク・クラーク、エミール・ガンタウス、ポン・ポン、グレッグ・ワッテンバーグ、ブレット・クーリック、テイラー・スパークスなど、ヒットメーカーの面々が名を連ね、彼のビジョンを支持している。

失恋、喜び、切望、愛など、あらゆる感情を表現するジョーダンのソングライティングは、実際の経験に根ざしている。「私は真実から書く——私が経験していることを」と彼は語る。「もし誰かが私の曲を聞いて、私がまさに彼らが感じていたことを捉えたと感じたら、私は目指していたことを成し遂げたことになる」  

スタジオの外では、ジョーダンはサッカー狂、ビーチ愛好家、プレイステーションの熱狂的ファンであり、誇り高い兄貴分だ。彼は最近、パースでTEDxトークを行い、自身の旅路と音楽を癒しのツールとして使う力の重要性について語りました——このミッションは、彼のキャリアを今も導き続けています。

ジョーダン・アンソニーは、単にカタログを築いているだけではありません——彼はつながりを築いています。そして、毎曲、毎歌詞、毎ライブパフォーマンスを通じて、彼は脆弱さが強さであり、ポップ音楽は巨大でありながら意味深いものになれることを証明しています。

 

 

「Reckless」

 

 

 

ロサンゼルスのアルタデナを拠点に活動し、数々の賞を受賞、チャート上位にランクインしているカントリーポップシンガーソングライター、Eileen Careyが新曲「Carry Me Away 」をリリースした。 

アイリーン・キャリーは、ニューミュージック・ウィークリーのインディ・トップ40チャートで1位、メインストリーム・トップ40チャートで5位を獲得し、ラジオ・チャートのトップを何度も飾っている。 彼女はさらに、ドン・マクリーン、リタ・クーリッジ、ジェファーソン・スターシップ、ザ・モーテルズなどの伝説的アーティストと共演している。

アイリーン・キャリーは、カリフォルニア州アルタデナを拠点に活動する受賞歴のあるカントリー・ポップ・シンガーソングライター。 感染力のある楽観主義とジャンルを超えたサウンドで知られる。

キャリーは、ニューミュージックアワードのAC/Hot AC Breakthrough Artist of 2025や、インディペンデント・ミュージック・ネットワークのEntertainer of the Year in 2025などの賞賛を獲得し、インディペンデント音楽シーンで傑出した存在となっている。

ウエストコースト・ポップ・カントリー」と形容される彼女の音楽は、アップビートで親しみやすく、感情に響く。 「Land with You」や「Good Bad Girl」といったキャリーのシングルはラジオ・チャートの上位にランクインし、その力づけるメッセージとダンサブルなメロディーが賞賛されている1。

ダイナミックなライブ・パフォーマーであるキャリーは、ドン・マクリーン、リタ・クーリッジ、ジェファーソン・スターシップ、ザ・モーテルズなどの伝説的アーティストとステージを共にし、「グレッチェン・ウィルソンとミーツ・ミランダ・ランバート」のようなステージで観客を魅了してきた。 彼女のショーは、ラインダンス、シンガロング、スタンディングオベーションなど、受動的なリスナーを能動的な参加者に変えることで知られている。 

彼女のニューシングル "Carry Me Away "は、今を生きることの魔法にかかり、逃避する特別な場所を見つけることをテーマにしている。 この魅惑的でアップビートなポップ・カントリー・ソングは、人生に必要な重要な変化を起こすための場所を見つけることを歌っている。 彼女はこう歌っている。"チャンスをつかみたい気分／真新しい気分／負けたくない"。 この曲では、アイリーンのソウルを感じさせるハニーなヴォーカルが、重ねたギターと豊かなリズムの上でアンセミックなコーラスを歌い、魅力的な一曲となっている。 

音楽活動にとどまらず、キャリーはジョー・ブラスコ・コスメティックスのビューティ・アンバサダーとして、自己表現とエンパワーメントに取り組んでいる。 また、ブログ「The Music Mom」の創設者でもあり、母性、健康、創造性についての洞察を共有している。

アイリーン・キャリーは、25以上の受賞歴、80近くの有名な会場でのパフォーマンス、そして増え続ける国際的なファンベースを持ち、その信頼性、ポジティブさ、そして紛れもない才能で音楽業界を照らし続けている。 

 

 

「Carry Me Away 」

  

ロサンゼルスを拠点とするエレクトロポップアーティスト、Evalyn（エヴァリン）が新曲とミュージックビデオ「Playstation」をリリースした。 

 

「Playstation」は、激しいギターとハイパーポップのメロディが詰まった、情緒豊かなダークエレクトロポップのアンセム。カタルシスをもたらすようなポップロックです。

魅惑的なミュージックビデオは、新曲の転換点であり、アルバムの真の暗闇を表現している。彼女はさらに「このビデオには、新曲の核心的な要素——テクノロジー、画面に圧倒される感覚、不安、感情に溺れる——が盛り込まれています。古いテレビを壊すシーンや、私が水に浸かるシーンがあり、曲のエネルギーと一致していたと思います」と語ります。

 

エヴァリンは、個人的な混乱をポップなカタルシスに変換する作業に10年以上を費やしてきました。ロサンゼルスを拠点とするアーティストで、Spotifyでの再生回数が1億3000万回を超える作品を手がける彼女は、最も野心的なプロジェクト『A Quiet Life』で帰還します。このアルバムは、迫りくる母性を通じて現代の意識の存続的な崩壊を捉えた作品です。

生々しい感情の強度を魅力的なメロディで包み込むことで知られるエヴァリンは、ルイ・ザ・チャイルドのブレイク曲「Fire」のボーカルとして初めて聴衆を魅了し、その後、求められ続けるコラボレーター兼強力なソロアーティストとして確立した。

 

2018年のサイケデリック・ポップ大作『Salvation』は、自己救済のテーマを探求し、彼女の芸術的なトレードマークとなる作品として熱心なファン層を築きた。2024年のビニール再発盤（新曲を含む）は、ダンスフロアの下に潜む深さを求めるファンたちとの持続的な共鳴を証明した。

『A Quiet Life』はさらに概念的な領域へ踏み込み、アペックス・ツイン、アルカ、グライムスの不協和音から制作のインスピレーションを得ている。最初の妊娠期間中にほぼ全てが執筆・録音された13曲のコレクションは、変容の物理的・心理的な混沌を反映している——不安の吐き気、無限のスクロールの騒音、新しい生命を創造する中で自分自身を失うめまい。

これは彼女の最も生々しい作品であり、ロサンゼルスの最も革新的なプロデューサーたちと共創し、意識、緊張、そして降伏のサウンド・ナラティブを織り成している。

 

ライブアーティストとして、エヴァリンは小規模な会場からフェスティバルのメインステージまで、あらゆるステージを圧倒的な存在感で支配しています。彼女はジェイ・ウルフと共にコーチェラのサハラ・テントでパフォーマンスを披露し、ザ・ギリシャ・シアターで演奏し、SXSWとCRSSDで観客を魅了してきた。

 

彼女のコラボレーションは、エレクトロニック・ミュージックの先駆者たちの名だたる面々を列挙したようなラインナップです。ディロン・フランシス、サン・ホロ、トリトナル、イッツ・マーフ、RACなど、彼らは皆、彼女がデジタルな世界に人間味を注入する独自の能力を活かすために彼女とタッグを組んできた。

HBOからSpotifyの最も人気のあるプレイリスト（New Music Friday、Young & Free、Metropolis）まで、彼女の音楽はあらゆる場所でフィーチャーされ、Billboard、Paper、Nylonなどの主要メディアからも支持を受けている。

 

エヴァリンは、ポップの親しみやすさと芸術的な野心の境界線を曖昧にし続けています。『A Quiet Life』では、彼女は最も大胆な姿を見せ、聴き手が破片から自分自身の意味を組み立てるよう誘います。いつものように、彼女は簡単な答えを提供しません——ただ、すべてを大声で感じる許可を与える。

 

彼女のシングル「The Feeling」は、2010年代の陶酔的なサウンドからインスパイアされた、聴覚的なアドレナリンラッシュです。このシングルは、一種のメインアを表現した魅惑的なミュージックビデオと共に公開されています。 

 エヴァリンはこう語ります。「この曲は、感情や原始的な本能に支配されることについてのもので、その感覚を動きを通じて表現したかったのです。私は妊娠6ヶ月で、ヒールとピンクのタイツを履いて床を這いずり回っていました——その混沌を捉えるのに役立ったと思います。」  

 

トラック「Boysgirls」は、過去をロマンチックに美化するのが好きな私たちにとって、懐かしさあふれる名曲です。エヴァリンは次のように語っている。「制作を繰り返し手直しする過程で、本当に楽しい時間を過ごしました。インスタグラムで元カレの状況をのぞき見するような感覚を捉えたかったんです。そして、その感覚から少しだけ逸脱したような曲に仕上げたかったんです」

彼女の最新シングル「Playstation」は、激しいギターとハイパーポップのメロディが特徴の、ムード豊かなダークエレクトロポップアンセムです。彼女は次の通り打ち明けます。「Playstationは、LAの灼熱の日に妊娠中で吐き気があり、ほぼ毎日寝たきりだった時に書かれました。私たちは、スマホでドローンを飛ばしたり、ゲームやリアリティTVをベッドで観ていて、そこから抜け出せなくなる感覚——その罪悪感に満ちた快楽を捉えたかった。この曲は、アルバムのサウンドの方向性がより暗く、より激しいものへと変化した転換点を象徴している」

 

 

「Playstation」

 

 

オーストラリア人シンガーソングライター、Stella Donnelly(ステラ・ドネリー)が、久しぶりにミュージック・シーンに復帰を果たした。両A面シングル "Baths"/"Standing Ovation "をリリースし、Dot Dash Recordingsとの契約を発表した。このうち、「Bath」のミュージックビデオが公開された。桟橋を歩きながら、心温まるようなゴスペル風の歌を歌っている。そして水の中に飛び込む。ナショナルアンセムのような壮大さがある。

ニューシングル"Baths"の制作を振り返って、ステラ・ドネリーは次のように回想している。 

 

「このメロディは、ブランズウィック・バスで泳いでいるときに思いついたの。プールのフィルターが、ある音でハミングのような音を出していて、その音にメロディを乗せて歌うことができたの。 家に帰り、浴室の換気扇をつけながらシャワーを浴びているときも、その音は続いていた。 どちらも歌詞を書き留めるのを難しくした。 ようやくキーボードの前に座り、音を出したら、すべてがひとつになったんだ。 私のこれまでの人生の小さな年表よ」

Dot Dash Recordingsとの契約についてステラ・ドネリーは、「クリエイティブな面でも、個人的な面でも、プロフェッショナルな面でも、リセットのタイミングだと感じた。 これらの曲にとって、ドット・ダッシュほど良いホームはないと思いました。 純粋に音楽を信じ、この次の章がどのようなものかを探求する場を与えてくれるチームに出会えたことにとても感謝している。 すぐにとてもくつろげました！」

レーベルは、今回の新契約について次のように述べている。「デビューEP『Thrush Metal』以来、ステラの素晴らしいソングライティングのファンでした。 これらの新曲は、私たちの心を打つもので、音楽制作からしばらく離れていたステラが復帰し、ドットダッシュを信頼して彼女と共に新しい章に参加してくれたことに深く感謝しています」

 

「Bath」

【Feature+】　Your Future Ghost、ニューアルバム『Impatient for the Dream』をリリース　　　~黙示録的な世界の混沌の中で、楽しみ、パーティー、避難所を見つける~

 

Your Future Ghost（ユア・フューチャー・ゴースト）は、ビルボードにチャートインするシンガー・ソングライター、ミュージシャン、女優のケイト・ヴォーゲルと、ソングライター、プロデューサー、作曲家、俳優と多方面で活躍するマイケル・グラブスの新しいシンセ・ポップ／ロック音楽プロジェクトである。

 

Your Future Ghostは2023年頃に1度話題を呼んだデュオである。マイケル・グラブスとケイト・ヴォーゲルのコンビは、まさに陰と陽の性質を持つが、表側に出てくるのは、どこまでも痛快なポップバンガーだ。デュオは今週、ニューアルバム『Impatient for the Dream』をリリースした。

ケイトとマイケルが最初に出会ったのは、The CW（The CW Television Network: Waner系列の放送局)の人気ヒットTVシリーズ『One Tree Hill』の撮影現場だった。 急接近した友情と相互のクリエイティヴな尊敬の念を抱いた2人は、パンデミックの最中、ズーム越しに音楽的なコラボレーションを始めた。 

 

「テキサス州オースティンで行われた数ヶ月にわたるスタジオ・セッションの後、にぎやかな裏庭でのタコスの休憩を織り交ぜて、意気投合したとき、Your Future Ghostのプロジェクトが誕生した」とケイト・ヴォーゲルは、2人のクリエイティヴな融合のきっかけについて語っている。 

 

2人はすぐにマイアミで開催された国際的に有名なアート・バーゼル・フェスティバルで、彼らの特徴であるダーティーなインディー・シンセ・ポップを披露し、圧倒的な反響を得た。

ニューアルバム『Impatient for the Dream』には、陽気でワイルド、そしてダークなポップ・ソングが収録されている。  大きなギター、轟音ドラム、印象的なシンセサイザーのパワフルなブレンドで、Your Future Ghostは、ヴォーゲルによれば、"ポスト黙示録的な世界の混沌の中で、楽しみ、パーティー、避難所を見つける "ことにインスパイアされたアルバムを作り上げた。 

 

彼女はさらに、「このアルバムは、ちょっとお荷物で、悪いタトゥーや疑わしい考えを持っているけれど、いつもどんなハング（抱擁）も忘れられないものにしてくれる友達」だと語っている。 また、マイケルは、「このアルバムは、ケイトと僕のありのままの姿でもあるんだ。 夜中の1時にバーで、大胆不敵で、楽しい時間に酔っぱらっていて、完全に気が狂っているような感じだ。でも、それこそ僕らの姿なんだ」と話す。

「リード・シングルの "We've Got Places "は、世の中で起こっているどんなノイズからも逃れられる場所、それが実際の場所であれ、人であれ、何か他のものであれ、混沌から逃れて自分らしくいられる場所は誰にでもあることだと思う」とケイトは打ち明ける。 この曲は、重なり合うハーモニーとみずみずしい楽器の音色が魅力的だ。

ハイライト曲「I'm Like Money』は、自己表現と臆面もない完全な独自性の宣言である。 「この曲は、ありのままの自分でいることの喜びを味わうことを自分自身に許可している証なの」とケイトは述べている。 

 

「ある意味では、この曲は自分がワルであることを祝い、自分がワルであることを自覚することを歌っている。 音楽業界やエンターテインメント業界で働く女性として、私はこのようなことをよく経験してきました。人々は、あなたがどのような人間であってほしいか、どのようにあなたを型にはめ、そのように形作るかという、とても具体的な考えを持っている。 この曲は、パワーを取り戻すこと、自分の価値と自分がもたらすものを知ること、そして必要なときには "自分に触らないで "と言うことを恐れないことについて歌っているんだ」

 

骨太でハードなギター・リフ、パンチの効いたインストゥルメンテーション、そして止まらないポップ・フックを持つ "I'm Like Money "は、爽快で大胆不敵な自己愛バンガーだ。 

このアルバムには、社会から課せられた制限を掘り下げ、個人の多次元性を強調した「Oh La La (Animal)」などの追加シングルが収録されている。 この力強い物語は、「セクシュアリティを理由にパワフルな女性が悪者にされること」をテーマにしている、とグラブスは打ち明ける。 自信に満ちたヴォーカルとブリブリとしたハーモニーは、このカタルシスをもたらす重低音のインディートロニカ・トラックで際立っている。 

一方、爆発的なインディー・ダンス・パーティー・アンセム "PRITTY "は、ニュー・ウェーブ、パンク、エレクトロ・ポップを融合させ、夢中になる魅力と、誰かの乱雑な行動を許容するために私たちがどこまでやるかを探求する、酔わせるようなブレンドを生み出している。

コミュニティ、スポットライトを浴びた経験、正真正銘に堂々と生きる自由からインスピレーションを得たYour Future Ghostは、魅惑的なパラドックスを体現している。  グラブスは次のように語っている。 「それは簡単なことじゃないんだ。 僕はサッドボーイのようなエモい男で、ケイトはシンガーソングライターのポップ・スターなんだ」  彼らの音楽は、ユア・フューチャー・ゴーストの無限の才能と奔放な創造性を見せつけ、大きな反響を呼ぶに違いない。

「I'm Like Money」 

 

 

Your Future Ghost　『Impatient for the Dream』- New Album Out Now!! 

 

 

 

イギリス系インドネシア人アーティストのNadia Kadek(ナディア・カデック)が、セカンド・シングル「Lemonade」で鮮烈な復活を遂げた。爽やかな涼風のようなフォークポップソングで、夏の暑さを和らげてくれる。

このインディーアルトポップは、22歳の彼女の明瞭な歌詞、爽やかなプロダクション、そして控えめな感情が炸裂するメロディーを披露している。 ロマンスへの生来の美しい憧れを探求したこの曲は、静かな自信に満ちたソングライターの注目すべき紹介曲となっている。

このリリースには、Pale WavesやMatt Malteseとの仕事で知られ、権威あるBAFTA CONNECTのメンバーでもある、数々の賞を受賞している脚本家兼映画監督のGeorgie Cowan-Turnerが監督した公式ビデオが付属している。下記よりご覧ください。

今日のシングル・リリースについて、ナディアは次のように語っている。

『レモネード』を書いた当時は、ロマンスや親密さとの暑苦しい関係について書いていたの。 それから2年が経ち、この曲は私の人生には馴染まなくなったが、私の周りの多くの人々の中にこの曲があるのを目にするようになった。 

この曲は、憧れを祝福し、それがいかに人間らしい経験のひとつであるかを認めている。 巨大なドラムと何層にも重なったきらびやかなギターでこの曲をレコーディングすることで、私の中の子供が10代のインディーズ・バンドの夢を実現することができました。

ミニマルなアルト・ポップとシンガー・ソングライターの感性がブレンドされたこのデビュー・シングル「Feeling It All」で、ナディア・カデックは瞬く間に人々を魅了する力を証明した。

 

BBC Radio 1で何度も再生されデビュー、BBC 6 Musicでインタビューを受けほか、NME、CLASH、The Line of Best Fit、DIY、Wonderland、COLORS、Music Weekなどのテイストメーカーから早くも支持を得た。

ノーフォークの静かな田園地帯で育ったナディアは、自分自身を「フェスティバル・ベイビー」と表現し、フローレンス＋ザ・マシーンやジェフ・バックリーなどのサウンドトラックを聴きながら、キャンプ場までの長い車中泊の旅の中で、初期の音楽的記憶を形成していった。 

フェスティバルを楽しむ仲間たちの肩の上でヒーローを見守り、グラストンベリー2024のエマージング・タレント・コンペティションで準優勝して演奏するまでになった彼女の物語は、すでに一周した瞬間と静かな並外れた決意のひとつである。

現在、ロンドンを拠点に活動するカデックは、ライブ・パフォーマンスの力で着実に熱狂的なファンを増やしている。 彼女の生の才能と粘り強さを見せつけるセルフ・ブッキング・ライブの後、Kadekは、今日最も尊敬され、境界を押し広げるアーティストを育てていることで有名なレーベル、Transgressive Recordsの目に留まった。

「Lemonade」と「Feeling It All」は、ノスタルジア、傷ついた家族の絆、つかの間のロマンス、そして赦しの静かな回復力をナビゲートする、夏の終わりのほろ苦い輝きの中にあるコレクションである。 エイドリアン・レンカー、リジー・マクアルパイン、マギー・ロジャースといったアーティストの明晰な感情を思い起こさせる。

 

「Lemonede」

Nadia Kadec 「Lemonede」-New Single

ナディアの印象的なライブの経歴には、今年のグラストンベリー・フェスティバルでのパフォーマンス、BSTハイド・パークでの見事なセット、グレート・エスケープでの2回のショー、パリス・パロマ、エタ・マーカス、コーデリアのサポート・スロットが含まれる。 今後は、ラティテュードやピッチフォーク・フェスティバルなどへの出演が決定しており、次のロンドン公演は8月14日にザ・ウェイティング・ルームで行われる。 今後のライブ日程は以下の通り。

 

Tour Date:

 

26th July - Latitude Festival

 

27th July - Deer Shed Festival, Topcliffe

 

14th August - The Waiting Room, London (free event)

 

14th-18th October - Wild Paths Festival, Norwich

 

7th November - Mutations Festival, Brighton

 

8th November - Pitchfork Festival, London

 

 

 

Speaking about today’s single release, Nadia shares “At the time I wrote Lemonade, it was about my hot and cold relationship with romance and intimacy. Feeling weak for relying on validation because it was the closest thing to love I could find (classic uni experience). Two years later, this song has grown to fit less into my life but I see it in so many of the people around me. It’s a celebration of longing, acknowledging how it’s one of the most human experiences we can have. Recording this song with huge drums and layers of sparkly guitars allowed my inner child to live out her teenage indie band dreams which was so cool.”

With her recent debut single ‘Feeling It All’ - an evocative blend of minimalist alt-pop and singer-songwriter sensitivity - Nadia Kadek quickly proved her ability to captivate, earning multiple plays and a debut on BBC Radio 1, an interview on BBC 6 Music, and early support from tastemakers including NME, CLASH, The Line of Best Fit, DIY, Wonderland, COLORS, and Music Week.

Raised in the quiet countryside of Norfolk, Nadia describes herself as a “festival baby,” with early musical memories formed on long car journeys to campsites, soundtracked by the likes of Florence + The Machine and Jeff Buckley. From watching her heroes on the shoulders of fellow festival-goers, to playing Glastonbury 2024 after placing runner up in their Emerging Talent Competition, her story is already one of full-circle moments and quietly extraordinary determination.

Now based in London, Kadek has steadily built a devoted following through the power of her live performances. After a string of self-booked live shows that showcased both her raw talent and tenacity, Kadek caught the attention of Transgressive Records, a label renowned for nurturing some of the most respected and boundary-pushing artists of today.

‘Lemonade’ and ‘Feeling It All’ provide a glimpse into a forthcoming project – a collection that sits in the bittersweet glow of late summer, navigating nostalgia, bruised family dynamics, fleeting romances, and the quiet resilience of forgiveness. Her lyricism is both disarmingly honest and delicately poetic, recalling the emotional clarity of artists like Adrianne Lenker, Lizzy McAlpine and Maggie Rogers.

ジーナ・ゾーのニューシングル「I Need to Cry」は、自分の仲間を見つけ、ありのままの自分を受け入れ、感情に身を任せることを歌ったシンセに浸ったサマーアンセム。 

グラミー賞を受賞したティム・ソネフェルドとジャスティン・ミラーとの共作で、バイセクシュアル・アーティスト、ジーナ・ゾーの大胆で陽気なリリースであり、私たちの新しいクィア・サマー・オブセッション。 

フィラデルフィアの郊外出身で、現在はLAで波紋を広げているパワフルなヴォーカリスト、ジーナ・ゾーは、単なるロックポップシンガーソングライターではない。 

2023年のアンセム「Faking It」でバイセクシュアルであることを大胆に宣言したジーナは、個人的な旅をLGBTQIA+コミュニティのための力強い物語へと変貌させ、真のアイデンティティとは型にはまったものに対する反抗の一形態であること、そして自分が本当に所属している場所とは共に走る仲間であることを証明した。 

彼女の旅は、チーム・ブレイクのメンバーとして『ザ・ヴォイス』に出演したことでさらに形づくられた。グウェン・ステファニーの指導により、彼女は自分自身の中にあるユニークな真正性を発見した。

ノラ・ジョーンズのソウルフルな系統からスティーヴィー・ニックスの神秘的な魅力に至るまで、彼女が影響を受けた音楽は、若い頃から彼女の芸術性を形作った。 彼女の青春時代の祖父母との家族のひとときは、懐中電灯をストロボ・ライトにして踊ったり、その場しのぎのマイクに向かって歌ったりした。これは後に彼女のキャリアに火をつける情熱の基礎を築いた。 ジーナの初期は、自家製ビデオと即興パフォーマンスの渦中であり、彼女の不屈の精神の証であった。

わずか18歳で、ジーナはフィラデルフィアのインディ・レーベルと契約し、そこですぐに音楽業界の厳しい現実に直面した。 

そのダークな側面に幻滅し、一度は離れたが、ある別離の後、紛れもない引き戻しを感じ、失われたアイデンティティを探し求めるようになった。 オリジナル・バンドと再会した彼女は、反抗と芸術的自由の追求を体現するロック・バンド、ヴェルヴェット・ルージュを結成した。

2024年にリリースされたヴェルヴェット・ルージュのデビューEPは、ジーナの魂を貫く直感的な旅である。 Lonely Since The Day We Met（逢った日から孤独）」の愛したことのない人と一緒にいることの胸に迫る真実から、「I Don't Know Why（なぜわからない）」の自分が誰なのか、どうあるべきなのかわからないという深い葛藤まで、このEPは生々しく率直な感情に共鳴している。 

尊敬するブライアン・マクティアーとエイミー・モリッシー（ザ・ウォー・オン・ドラッグス、ドクター・ドッグ、シャロン・ヴァン・エッテン）がプロデュースしたこのEPは、2000年代初期のロックと90年代の硬質なエッセンスを取り入れ、自分探しの葛藤と勝利のサウンドトラックとなっている。

ジーナの業界への復帰は、単なるカムバックではなく、革命だった。 ヴェルヴェット・ルージュとともに、彼女は音楽界の女性が直面する制度的障壁に反対し、ステージ上でも舞台裏でも変化を提唱している。 ローレン・シューラーがデザインした2023年のグラミー賞のドレスは、エレガンスと反骨精神の融合を体現し、ファッションを超越したステートメントとなった。

2022年末にフィリーのベスト・ロック・バンドに選ばれ、フィリー・スタイル・マガジンで「フィリーで最もホットなロック・バンド」として賞賛されたヴェルヴェット・ルージュの影響力は否定できない。 XPoNential Fest、MusikFest、Beardfestなどのフェスティバルでのパワフルなパフォーマンス、NPRのNational Public Radio DayやWXPNのFree At Noonでの特集は、ロック・ジャンルの先駆者としての彼らの役割を示している。

2025年、ジーナは初のソロ・シングル『Dirty Habits』をリリース。このロック・ポップ・バラードは、夢は現実よりも素晴らしいということを歌っている。 グラミー賞を受賞したジャスティン・ミラー（ジャズミン・サリヴァン、ザック・ブライアン）とティム・ソネフェルド（アッシャー）がプロデュースしたこの曲は、絶賛を浴び、リリース後1週間で3万以上のストリーミングを記録し、彼女の歌声はジャンルを超えて広く響くものとして確固たるものとなった。 

LADYGUNN は、「『Dirty Habits』で、ジーナ・ゾーはルールに縛られないキャリアの基礎を築いた。 それは大胆で、厄介で、深く感じられるもので、そこがポイントなのだ"。 このシングルは、彼女の芸術性における大胆な新章を示すものであり、弱さとアンセム的な力強さが出会うものだ。

彼女のセカンド・シングル "Only Bad Men Make Me Feel This Way "は、強さと弱さが同居した、内省的な別れのアンセムだ。  

ジーナはこの曲でシンガー・ソングライターとしてのルーツに完全に傾倒し、長い間彼女を際立たせてきた叙情的な深みと感情的な明瞭さを披露している。 温かみのあるアコースティック・ギターと揺らめくシンセのテクスチャーを融合させたこの曲は、別れた後の自由のジェットコースター、より良くなったと分かっていながら、まだ去ってしまったものの刺々しさを感じる瞬間を捉えている。

ジーナ・ゾの "I Need to Cry "は、仲間を見つけ、自分らしさを受け入れ、感情に身を任せることを歌ったシンセに浸ったサマー・アンセムだ。 グラミー賞受賞者ティム・ソネフェルドとジャスティン・ミラーとの共作で、バイセクシュアル・アーティスト、ジーナ・ゾーの大胆で陽気なリリースだ。 これは、2023年にカミングアウトして以来、ジーナ・ゾーにとって2曲目のプライド・アンセムである。

LAに住む彼女は、一から料理を作り、シルバーレイク貯水池を散歩し、殺人小説に没頭することに癒しを見出している（元恋人を殺そうと企んでいるわけではないと約束する）。 ジーナ・ゾーにとって、音楽はキャリア以上のものであり、若い女性たちが本当の自分を受け入れ、アイデンティティ、セクシュアリティ、キャリアにおいて自分たちを閉じ込めようとする型にはまることを拒絶するよう鼓舞するプラットフォームなのだ。 大胆不敵な芸術性と不屈の精神を通して、ジーナ・ゾーはルールを塗り替え、ポップ・ロック界の革命をリードしている。 

 

 

「I Need To Cry」 

 

ニューヨークのシンガーソングライター、カサンドラ・ジェンキンス(Cassandra Jenkins)がニューアルバム『My Light, My Massage Parlor』を発表した。先週末に、ニューシングル「Delphinium Bliss」が同時に公開された。アルバムはデッド・オーシャンズから発表された前作から続くコンセプトアルバムの一貫として制作された。

カサンドラ・ジェンキンスは、主なリリースと並行して、コンパニオンアルバム『(An Overview on) An Overview on Phenomenal Nature』（2022年）と、間もなくリリースされる『My Light, My Massage Parlor』を制作している。二つの作品とも９月５日に発売される。

『My Light, My Massage Parlor』では彼女は最初の芸術的発言では辿り着けなかった道への探求を深めている。 前作では、ボイスノートの延長やカッティング・ルーム・フロアからの楽曲が公開されたが、今度のコンセプト・アルバムは、彼女の長年のコラボレーターであるマイケル・コールマンをフィーチャーしたインストゥルメンタル・コンセプト・アルバムとなっている。

 

生粋のニューヨーカーであるジェンキンズは、2010年代半ばにソロ・キャリアをスタートさせるまで、家族のバンドで演奏しながら東海岸のフォーク・シーンで育ってきた。また、エレノア・フリードバーガー、クレイグ・フィン、パープル・マウンテンズのツアー・バンドで演奏するなど、コラボレーターとしても活躍するようになった。

 

2017年の『Play 'til You Win』や2021年の『Overview on Phenomenal Nature』のようなソロ・リリースでは、彼女の音楽はドリーム・ポップや薄暗いインディー・ロックの要素を折り込んだ実験的な傾向を帯びていた。

 

後者のアルバムは、ジェンキンスにとってブレイクのきっかけとなった作品であり、多くの人にとって、彼女のサウンドを定義するようになった、人類学的好奇心に満ちた独特の視点と、緻密で印象主義的なソングライティングへの入り口となった。ジェンキンスがバンドメイトのデヴィッド・バーマンを亡くして悲しんでいた時期に書かれたこのアルバムは、批評家から高い評価を受け、彼女の旅は完敗に近かった。

彼女はその後、『My Light, My Destroyer』（2024年、Dead Oceansよりリリース）を発表し、さらに自己主張を強め、制作面でも不快感を受け入れるという点でも、これまでで最も野心的な作品となった。光と破壊、希望と幻滅、確信と無根拠という対照的なテーマで、ジェンキンスは、人間の経験や宇宙に存在する二元性を分ける微妙な境界線への飽くなき興味を探求している。彼女は、私たちが見過ごしがちな心理的な限界とその中間を指摘する。そのすべてを通して、ジェンキンスは稀有なソングライティングを提供している。それは、好奇心、脆弱性、そして驚きの感覚をもって聴き手を迎え、語るのと同じくらい耳を傾けるものである。

そして、飽くなき好奇心旺盛なソングライターであるジェンキンスにとって、アルバム制作という世界構築の作業は、その中に潜む無限のワームホールの存在を暗示している。ジェンキンズは、主なリリースにひっそりと付随して、コンパニオン・アルバム『（An Overview on）An Overview on Phenomenal Nature』（2022年）と、まもなくリリースされる『My Light, My Massage Parlor』（9月5日、Dead Oceansよりリリース予定）を制作した。リスナーは、彼女が最初の芸術的声明で踏み出さなかった道についての調査を深めながら、彼女のサイドクエストについていくよう誘われる。

 

前作では、ボイスノートの延長やカッティング・ルーム・フロアの楽曲が公開されたが、今度のコンセプト・アルバムは、新たにアレンジされたレコーディングで、文字通りガラスの向こう側にある部屋を探求している。その結果、彼女の長年のコラボレーターであるマイケル・コールマンが9フィートのスタインウェイのアイボリーを刻み、木管楽器、ホルン、弦楽器、ウィンド・チャイム、そしてコオロギが加わったインストゥルメンタル・コンセプト・アルバムが完成した。

 

 

「Delphinium Bliss」

Cassandra Jenkins　『My Light, My Massage Parlor』

Label: Dead Oceans

Release： 2025年9月5日

Tracklist:

1.Still Rambling

2.Only Relaxation

3.Omakase of Time

4.Delphinium Bliss

5.Wormhold Music

6.Betelgeuse Masseuse

7.Haley

8.Bebop Extravaganza

Brett Warre

Amanda Shires(アマンダ・シャイアーズ)が新作アルバム『ノーバディーズ・ガール（Nobody's Girl）』を発表した。 2022年の『Take It Like a Man』に続くこのアルバムは、9月26日にATOからリリースされる。 

 

リードシングルとして最初に先行リリースされた「A Way It Goes」は、ダイナミックなパーカッションを活かしたポピュラー・ソングで、映像からも分かる通り、シネマティックな印象を帯びている。"I can show you how he left me/ Paint a picture, growing flowers for nobody/ But I'd rather you see me thriving. "という歌詞で始まる。 以下からチェックみよう。

『Nobody's Girl』はローレンス・ロスマンがプロデュースし、シャイアーズとロスマンが共作を行った。 シャイアーズにとって、ジェイソン・イズベルとの離婚後初のアルバムとなる。 『「ノーバディ・ガール」は、その残骸、沈黙、再構築の後に生まれたものです」と彼女はプレスリリースで語っている。 「永遠に続くと思っていた人生の後遺症に立ち向かい、誰もあなたを救いに来てくれないことに気づくという内容です」と彼女はプレスリリースで語っている。

ナッシュヴィルのサウンド・エンポリアム・スタジオで録音されたこのアルバムには、フレッド・エルトリンガムとジュリアン・ドリオがドラム、ドミニク・デイヴィスがベース、ピーター・レヴィンが鍵盤、ザック・セッチフィールドがギター、ロスマンがギターを担当している。 フリードマンはまた、カリフォルニア州ロサンゼルスのロスマン・レコーダーズでも録音し、ジェイ・ベレローズがドラム、ピノ・パラディーノとジンボ・ハートがベース、ジョー・ケネディがピアノとギター、ロスマンが再びギターを担当した。

 

 

「A Way It Goes」

Amanda Shires　『Nobody's Girl』

Label: ATO

Release: 2025年9月26日

 

Tracklist:

1. A Way It Goes

2. Maybe I

3. The Details

4. Living

5. Lose It For A While

6. Piece of Mind

7. Streetlights and Stars

8. Lately

9. Friend Zone

10. Strange Dreams

11. Can’t Hold Your Breath

12.Not Feeling Anything