ニューヨークのプラチナセールスを記録するポップロックバンド、American Authors(アメリカン・オーサーズ)がニューシングル「Race Car」をリリースしました。このトラックは、重厚なハーモニー、メロディックで温かいギターリフ、そして中毒性のあるリズムが特徴で、必聴の1曲。  

 「Race Car」は、『それが季節限定だと分かっていても、誰かに一瞬で恋に落ちる感覚』を描いた曲。『旅行や休暇中に感じるあの激しい情熱が現実に戻った瞬間に消えてしまうような感覚』だとザックは語っている。

2014年にデビューアルバム『Oh, What a Life』をリリース以来、ニューヨークを拠点とするポップ・ロックバンドのAmerican Authorsは、多くのバンドが夢見るようなマイルストーンを経験してきました。彼らの音楽はチャート上位にランクインし、シングルはマルチプラチナを獲得しました。

彼らはアワードショーに出演し、世界中の伝説的な会場のステージに立ち、Andy Grammar、OAR、OneRepublic、The Revivalists、The Frayといったバンドと共に世界ツアーを敢行してきました。彼らのアンセム的なヒットシングル「Best Day of My Life」は、600を超える映画予告編、テレビ番組、CM、そしてスタンリー・カップ・プレイオフのテーマ曲として採用されています。

しかし、これらの栄誉にもかかわらず、リードボーカルのザック・バーネットは「人生で最高の日はまだ来ていない」と誓っています。「私たちはただ続けたいだけなんだ。この冒険を続けることを楽しみにしています」

2006年にボストンのバークリー音楽大学で結成されたアメリカン・オーサーズ（ザック・バーネット[ボーカル/ギター]、デイヴ・ルブリン[ベース]、マット・サンチェス[ドラムス]）は、やがて大学を中退し、ブルックリンに移住して、彼らの完璧な曲作りをさらに磨き上げました。

「バークリー音楽大学に通った理由は、バンドを始めるための同じ志を持つミュージシャンを見つけるためだった。最初の夜にジャムセッションをした後、その人たちがいると確信した」とバーネットは主張する。

ブルックリンに移住して間もなく、アメリカン・オーサーズは、同都市でのライブ演奏中にシェップ・グッドマンと出会いました。

最終的にグッドマンのプロダクション会社、ダーティ・キャンバスと契約したバンドは、「Believer」を作曲、録音し、この曲はすぐにシリウスXMのAlt Nationラジオでオンエアされるようになりました。次の曲「Best Day of My Life」は、ロウズのコマーシャルキャンペーンで採用されました。その直後、アメリカン・オーサーズはアイランド・レコードと契約を結びました。

「ボストンは、私たちのキャリアをスタートさせるには素晴らしい街でしたが、ブルックリンに移住したことで、私たちの生活は完全に変わりました」と、ドラマーのマット・サンチェスは説明します。「常に多くの新しいクリエイティブな人々やアーティストたちに囲まれていることで、私たちの音楽はまったく新しいレベルへと飛躍しました」

2018年までに、彼らは一連の印象的で壮大なヒット曲で、世界中で10億回を超えるストリーミング再生数を記録しました。彼らのブレイク曲「Best Day of My Life」は、RIAAからトリプル・プラチナ認定を受け、ビルボード・ホット100で11位にランクインしている。さらに数多くの映画、テレビ、ビデオゲーム、スポーツのシンクロナイズにも採用されました。

2014年のフルアルバム・デビュー作『Oh, What A Life』はゴールド認定を獲得し、2016年の続編『What We Live For』からもう1つのトップ20ヒット「Go Big or Go Home」が生まれました。その過程で、彼らは世界中で公演を完売させ、ロラパルーザ、ファイアフライ・ミュージック・フェスティバル、ボトルロック・ナパ・バレー、リーディング・フェスティバル、リーズ・フェスティバルなど、数多くのフェスティバルのステージを沸かせた。

 バンドは5枚目のフルアルバム『Call Your Mother』をリリースしました。このアルバムには、新しいフォーク調のシングル「Daisies」「My Last Dime」「Can’t Stand the Mourning」が収録されています。  

「私たちは新しい音楽ジャンルに挑戦することを恐れたことはありませんが、音楽に希望のメッセージを込めることを常に心がけています」とボーカルのザックは述べている。

「私たちにとって、何も簡単には手に入らなかった」とベースのデイヴは明かします。「私たちはこの狂った夢を抱き、すべてを自分たちでやり、毎日より一層努力を重ねて、その夢を現実にするために頑張り続けた」

彼らの最新シングル「Race Car」は、「一時的な愛と、それが季節限定だと分かっていても、誰かに一瞬で恋に落ちることを描いた曲です。それは旅行や休暇中に感じる激しい情熱の感覚で、現実に戻ると消えてしまうものなのです」とザックは語ります。

「Race Car」

Since releasing their debut album Oh, What a Life in 2014, New York-based pop-rock outfit American Authors have experienced milestones most bands only dream about. They’ve watched their music climb to the top of the charts, and seen singles go multi-platinum.

 They’ve played awards shows, hit the stages of legendary venues all over the world, and toured the world with bands such as Andy Grammar, OAR, OneRepublic, The Revivalists, and The Fray. Their anthemic hit single “Best Day of My Life” has been featured in over 600 movie trailers, TV shows, commercials, and as a theme song for the Stanley Cup Playoffs. Despite these accolades, however, lead singer Zac Barnett vows that the best day of their lives is still yet to come. “We just want to keep going,” he says. “We can’t wait to continue this adventure.”

Originally formed in 2006 at Berklee College of Music in Boston, American Authors - Zac Barnett [vocals/guitar], Dave Rublin [bass], and Matt Sanchez [drums] - eventually dropped out of college and moved to Brooklyn to continue refining their airtight songcraft. 

“My whole reason for attending Berklee College of Music was to find other like-minded musicians to start a band with. I knew I had found those people after the first night we jammed,” claims Barnett.

Shortly after moving to Brooklyn, American Authors crossed paths with Shep Goodman while playing a gig in the city. Eventually signing with Goodman’s production company Dirty Canvas, the band wrote and recorded “Believer” and quickly saw the track thrown into rotation on Sirius XM’s Alt Nation radio. Their next song “Best Day of My Life” was featured in a commercial campaign for Lowes. Shortly after, American Authors inked a deal with Island Records.

“Boston was a great city to get our feet wet in but moving to Brooklyn completely changed our lives,” drummer Matt Sanchez explains. “Constantly surrounded by so many new creatives and artists fueled our music to a whole new level.”

By 2018, the guys had impressively generated over 1 billion global streams on a string of alternately striking and soaring smashes. Their inescapable and instantly recognizable breakthrough “Best Day of My Life” earned a triple-platinum certification from the RIAA and vaulted to #11 on the Billboard Hot 100 in addition to receiving countless film, television, video game, and sports syncs. 

Their 2014 full-length debut, Oh, What A Life, achieved gold status, while the follow-up What We Live For, spawned another Top 20 hit, “Go Big or Go Home,” in 2016. Along the way, they sold out shows around the globe and ignited stages at festivals, including Lollapalooza, Firefly Music Festival, BottleRock Napa Valley, Reading Festival, and Leeds Festival, to name a few.

“I don’t think anyone knew how special Best Day of My Life really was when we first wrote it,” bassist Dave Rublin reflects. “It just kept snowballing from TV to commercials then one day into a number one record.”

 The band released their 5th full length LP, Call Your Mother that includes the new folk-tinged singles “Daisies”, “My Last Dime”, and “Can’t Stand the Mourning”.

“We’ve never been afraid to explore new musical genres but we always try to maintain a message of hope in our music,” states Zac.

It all comes together to present a vision of the band that’s at once recognizable and unfamiliar. 

“Nothing ever came easy for us,” Dave reveals. “We had this crazy dream and we had to do everything ourselves and keep working harder and harder every day to make those dreams a reality.”

Their latest single "Race Car" "is a song about momentary love & falling for someone fast even though you know it’s only going to last a season. It’s that intense feeling of passion you find on a trip or vacation only for it to disintegrate once you get back to reality," shares Zac. 

 

 

 

 

オーストラリア（パース）のポップシーンで注目を集めるジョーダン・アンソニーが新たな深夜のアンセム「Reckless」をリリースした。この実力派のシンガーは世界的な注目を浴びる可能性がある。ニューシングルを聞けば明らかである。

このシングルは、グラミー賞ノミネートのプロデューサー、エミール・ガンタウスと作詞家のサム・ズンドとのセッションから生まれました。「Reckless」は、R&Bの要素がたっぷりと詰まった深夜のポップアンセムで、誰かに一瞬で、そしてもしかしたら少しばかり激しく恋に落ちる興奮を捉えた曲です。

この歌手は、アメリカン・アイドルのトップ14に選出されたことで注目を集め、デビューシングル「Broken Love」（Spotifyの「Peaceful Pop」に収録）で60万回以上のストリーミングを記録する成功を収めています。  

脆弱さと高揚感の鼓動を宿す声で、ジョーダン・アンソニーはポップ音楽界で最も感情に響く新星として台頭しています。オーストラリア出身で現在ロサンゼルスを拠点とするジョーダンの音楽は、内面的な魂をさらけ出すソングライティングと、洗練されたアリーナ向けのポップを融合させたサウンド——彼自身が「心を動かすバラード」と表現するスタイルです。失恋を反映させたり、恋に落ちたりする瞬間を捉えたジョーダンの音楽は、リアルで生々しく、誰もが共感できるものとなっています。

ジョーダンの音楽への道は、命綱のような存在でした。7歳の時に、学校でのいじめに対処するために最初の曲を書き上げました。「ヒット曲ではなかったけど、曲だった」と彼は回想します。「それは、口に出せないことを表現する手助けになった」その瞬間から、彼は音楽が自分の全てだと悟った——単なる情熱ではなく、目的だ。「自分の物語を通じて人々とつながり、他人が孤独を感じないようにしたいと気づいた。それが今でも私の『なぜ』なんだ」

彼は両親が基盤を築いてくれたと感謝しています。5歳でピアノのレッスンに通い始めた（最初は渋々だった）ジョーダンは、10代前半でミュージシャンとソングライターとして自立しました。「彼らはいつも『後で感謝するだろう』と言っていた。彼らは正しかった」と。プランBなしで音楽に没頭し、世界が彼に気づくまで時間はかかりませんでした。

2019年、彼は『The Voice Australia』でトップ4に入賞し、その後オリジナル曲「We Will Rise」でオーストラリア代表としてジュニア・ユーロビジョン・ソング・コンテストに出場し、世界8位に入賞しました。同年、彼はパースのRACアリーナで開催された『One Big Voice』のヘッドライナーを務め、この快挙は2022年と2023年にも繰り返されました。2024年、ジョーダンは『アメリカン・アイドル』に選出され、トップ14のファイナリストに選出。迫力のある歌声と地に足の着いた本物らしさでアメリカ audiences を魅了しました。この機会をきっかけに、彼はキャリアをグローバルに展開するため、ロサンゼルスへの移住を決めました。

ジョーダンの最新シングル「Reckless」は、彼のサウンドの次なる進化を象徴する作品です。グラミー賞ノミネートのプロデューサー、エミール・ガンタウスと作詞家のサム・ズンドとのセッションで生まれたこの曲は、当初は別のアーティストのための提案曲として制作されました。

 

しかし、彼らが曲を聴いた瞬間、これは彼の曲でなければならないと確信しました。「それはまさに自分の心に響いた。誰かに深く恋に落ち、もしかしたら少し過剰に恋に落ち、あなたを少し狂わせても、それが最高の形で感じられるような感覚だ」とジョーダンは語る。「私たちは、歌いやすく、感情的で、でも楽しくて中毒性のある曲にしたかった。深夜のドライブで歌詞を叫ぶようなトラックだ」

「Reckless」は、ジョーダンの前作「Cherry」（アイドルの同窓生Ajiiとのコラボ）の勢いを継承し、ポップシーンにおける彼の独自のポジションをさらに確立しています：感情的に知性があり、メロディが感染力があり、ジャンル境界を恐れずに越える音楽。ポップ、R&B、そして懐かしさを感じさせる要素を融合させ、ジョーダンは考え深く、繰り返し聴きたくなる音楽を創造しています。

デビューシングル「Broken Love」（Spotifyの「Peaceful Pop」と「New Pop」プレイリストに収録）で60万回以上のストリーミングを記録し、故郷のパースで複数のヘッドライン公演を成功させ、国際的なファンベースを拡大する中、ジョーダンの物語はまだまだ始まったばかりです。これまでのコラボレーターには、MSquared（マイケル・デロレンツィスとマイケル・ペインター）、アンドロ・ポップ、ジェイク・クラーク、エミール・ガンタウス、ポン・ポン、グレッグ・ワッテンバーグ、ブレット・クーリック、テイラー・スパークスなど、ヒットメーカーの面々が名を連ね、彼のビジョンを支持している。

失恋、喜び、切望、愛など、あらゆる感情を表現するジョーダンのソングライティングは、実際の経験に根ざしている。「私は真実から書く——私が経験していることを」と彼は語る。「もし誰かが私の曲を聞いて、私がまさに彼らが感じていたことを捉えたと感じたら、私は目指していたことを成し遂げたことになる」  

スタジオの外では、ジョーダンはサッカー狂、ビーチ愛好家、プレイステーションの熱狂的ファンであり、誇り高い兄貴分だ。彼は最近、パースでTEDxトークを行い、自身の旅路と音楽を癒しのツールとして使う力の重要性について語りました——このミッションは、彼のキャリアを今も導き続けています。

ジョーダン・アンソニーは、単にカタログを築いているだけではありません——彼はつながりを築いています。そして、毎曲、毎歌詞、毎ライブパフォーマンスを通じて、彼は脆弱さが強さであり、ポップ音楽は巨大でありながら意味深いものになれることを証明しています。

 

 

「Reckless」

Jordan Anthony, who is attracting attention on the pop scene in Perth, Australia, has released a new late-night anthem, “Reckless.” This talented singer has the potential to gain worldwide attention. Listen to the new single and you'll see why.

 

With a voice that holds the weight of vulnerability and the pulse of euphoria, Jordan Anthony is emerging as one of pop music’s most emotionally resonant new voices. Born in Australia and now based in Los Angeles, Jordan’s music fuses intimate, soul-baring songwriting with slick, arena-ready pop — a sound he describes as “ballads that move.” Whether he’s reflecting on heartbreak or falling headfirst into a crush, Jordan’s music captures moments that feel real, raw, and wildly relatable.

Jordan’s journey into music began as a lifeline. He wrote his first song at age seven to cope with being bullied at school. “It wasn’t a hit, but it was a song,” he recalls. “It helped me say the things I couldn’t say out loud.” From that moment, he knew music would be his everything — not just a passion, but a purpose. “I realized I wanted to connect with people through my stories and make others feel less alone. That’s still my ‘why’ to this day.”

He credits his parents for laying the foundation early. Enrolled in piano lessons at age five (reluctantly at first), Jordan became self-sufficient as a musician and songwriter by his early teens. “They always told me I’d thank them later. They were right.” With no Plan B, he pursued music with tunnel vision, and it wasn’t long before the world started to notice.

In 2019, he placed in the Top 4 on The Voice Australia, then went on to represent Australia in the Junior Eurovision Song Contest with his original song “We Will Rise,”placing eighth globally. The same year, he headlined One Big Voice at Perth’s RAC Arena — a feat he repeated in 2022 and 2023. In 2024, Jordan was handpicked for American Idol, where he became a Top 14 finalist and won over U.S. audiences with his compelling vocals and grounded authenticity. The opportunity prompted his full-time move to Los Angeles to take his career global.

Jordan’s latest single “Reckless” represents the next evolution of his sound: groove-forward pop with emotional edge. Born in a session with Grammy-nominated producer Emile Ghantous and writer Sam Sznd, “Reckless” was originally crafted as a pitch for another artist. But when they heard it back, it was clear: this song hadto be his. “It just hit too close to home. That rush of falling hard, maybe even a little too hard, for someone who makes you feel a bit unhinged—in the best way,” Jordan says. “We wanted it to feel singable, emotional, but fun and addictive. That late-night-drive, scream-the-lyrics kind of track.”

“Reckless” builds on the momentum of Jordan’s previous release “Cherry” (with fellow Idol alum Ajii), further defining his unique lane in the pop landscape: emotionally intelligent, melodically infectious, and unafraid to blur genre lines. Blending pop, R&B, and a hint of nostalgic charm, Jordan is creating music that’s as thoughtful as it is replay-worthy.

With over 600,000 streams on his debut single “Broken Love” (featured on Spotify’s “Peaceful Pop” and “New Pop” playlists), multiple headline shows in his hometown of Perth, and a growing international fanbase, Jordan’s story is only beginning. His collaborators to date include MSquared (Michael DeLorenzis & Michael Paynter), Andro Pop, Jake Clark, Emile Ghantous, Pom Pom, Greg Wattenberg, Brett Koolik, and Taylor Sparks — a who’s-who of hitmakers who believe in his vision.

Whether exploring heartbreak, joy, longing, or love, Jordan’s songwriting is rooted in real experience. “I write from a place of truth—whatever I’m going through,” he says. “And if someone hears my song and feels like I captured exactly what they’ve been feeling, then I’ve done what I set out to do.”

Outside the studio, Jordan is a soccer fanatic, beach lover, PlayStation enthusiast, and proud big brother. He recently gave a TEDx Talk in Perth about his journey and the power of using music as a tool for healing — a mission that continues to guide his career.

Jordan Anthony is building more than just a catalog — he’s building connection. And with every track, every lyric, and every live performance, he’s proving that vulnerability is strength — and pop music can be both massive and meaningful.

 

 

©Shelvin Lainz

David Byrne（デヴィッド・バーン）がニューシングル「The Avant Garde」を公開した。次回作『Who Is The Sky』の収録曲だ。この曲では''バーン・ワールド''が炸裂している。独創性に満ちた摩訶不思議なフレーズとキャッチーなフレーズのコントラストを楽しむことができるはず。

グラミー賞受賞者のキッド・ハープーンがプロデュースし、ニューヨークを拠点とする室内アンサンブル、ゴースト・トレイン・オーケストラが編曲を担当したこの曲は、芸術のために芸術を創造するべきかどうかという考えをテーマにしており、次のような歌詞がある。「それは情熱的な人生であり、時代の先端を行くものである／それは欺瞞に満ちた重みのあるものであり、深遠な不条理である／まあ、似合うものなら何でもいい／それはアヴァンギャルドなのだ」

この曲を聴いて、"デヴィッドは自分の友人たちにデタラメを言っている "と言う人もいるかもしれないね。 しかし、私を知っている人なら誰でも、私が前衛的とか実験的と分類されるようなショーにたくさん行ってきたことをよく知っているはずだ。 エッジの効いた伝統にとらわれない作品は、私にとって大きな刺激となるんだ。

とはいえ、実績のない、根本的に新しいことに挑戦するのはリスクが高い。 リスクを伴うものは何でもそうだが、時には的を射ないこともある。しかし、それが達成されれば、感動的で知的な報酬を得ることができる。 それが、新しいもの、型破りなものを作るときに冒すリスクなんだ。

 

だから、意味がないこともあるけれど、完全にオリジナルなものが生まれることもある。 ゴースト・トレインのみんなとキッド・ハープーンは、私が書いた（少なくとも音楽的には）ありきたりな曲を、レッド・ツェッペリンとダーティー・プロジェクターズの邂逅のごときサウンドに仕上げてくれた。

 

「The Avant Garde」

▪️DAVID BYRNE、ニューアルバム『WHO IS THE SKY?』を発表　　リードシングル「EVERYBODY LAUGHS」を公開

 

ロサンゼルスのアルタデナを拠点に活動し、数々の賞を受賞、チャート上位にランクインしているカントリーポップシンガーソングライター、Eileen Careyが新曲「Carry Me Away 」をリリースした。 

アイリーン・キャリーは、ニューミュージック・ウィークリーのインディ・トップ40チャートで1位、メインストリーム・トップ40チャートで5位を獲得し、ラジオ・チャートのトップを何度も飾っている。 彼女はさらに、ドン・マクリーン、リタ・クーリッジ、ジェファーソン・スターシップ、ザ・モーテルズなどの伝説的アーティストと共演している。

アイリーン・キャリーは、カリフォルニア州アルタデナを拠点に活動する受賞歴のあるカントリー・ポップ・シンガーソングライター。 感染力のある楽観主義とジャンルを超えたサウンドで知られる。

キャリーは、ニューミュージックアワードのAC/Hot AC Breakthrough Artist of 2025や、インディペンデント・ミュージック・ネットワークのEntertainer of the Year in 2025などの賞賛を獲得し、インディペンデント音楽シーンで傑出した存在となっている。

ウエストコースト・ポップ・カントリー」と形容される彼女の音楽は、アップビートで親しみやすく、感情に響く。 「Land with You」や「Good Bad Girl」といったキャリーのシングルはラジオ・チャートの上位にランクインし、その力づけるメッセージとダンサブルなメロディーが賞賛されている1。

ダイナミックなライブ・パフォーマーであるキャリーは、ドン・マクリーン、リタ・クーリッジ、ジェファーソン・スターシップ、ザ・モーテルズなどの伝説的アーティストとステージを共にし、「グレッチェン・ウィルソンとミーツ・ミランダ・ランバート」のようなステージで観客を魅了してきた。 彼女のショーは、ラインダンス、シンガロング、スタンディングオベーションなど、受動的なリスナーを能動的な参加者に変えることで知られている。 

彼女のニューシングル "Carry Me Away "は、今を生きることの魔法にかかり、逃避する特別な場所を見つけることをテーマにしている。 この魅惑的でアップビートなポップ・カントリー・ソングは、人生に必要な重要な変化を起こすための場所を見つけることを歌っている。 彼女はこう歌っている。"チャンスをつかみたい気分／真新しい気分／負けたくない"。 この曲では、アイリーンのソウルを感じさせるハニーなヴォーカルが、重ねたギターと豊かなリズムの上でアンセミックなコーラスを歌い、魅力的な一曲となっている。 

音楽活動にとどまらず、キャリーはジョー・ブラスコ・コスメティックスのビューティ・アンバサダーとして、自己表現とエンパワーメントに取り組んでいる。 また、ブログ「The Music Mom」の創設者でもあり、母性、健康、創造性についての洞察を共有している。

アイリーン・キャリーは、25以上の受賞歴、80近くの有名な会場でのパフォーマンス、そして増え続ける国際的なファンベースを持ち、その信頼性、ポジティブさ、そして紛れもない才能で音楽業界を照らし続けている。 

 

 

「Carry Me Away 」

 

 

Eileen Carey is an award-winning country-pop singer-songwriter based in Altadena, California. Known for her infectious optimism and genre-blending sound, Carey has become a standout figure in the independent music scene, earning accolades such as the New Music Awards’ AC/Hot AC Breakthrough Artist of 2025 and the Independent Music Network’s Entertainer of the Year in 2025.

Her music, described as “West Coast Pop-Country”, is upbeat, accessible, and emotionally resonant. Carey’s singles like “Land with You” and “Good Bad Girl” have topped radio charts and earned praise for their empowering messages and danceable melodies1.

A dynamic live performer, Carey has shared stages with legends including Don McLean, Rita Coolidge, Jefferson Starship, and The Motels, captivating audiences with her “Gretchen Wilson-meets-Miranda Lambert” stage presence. Her shows are known for turning passive listeners into active participants, with line dancing, singalongs, and standing ovations. 

Her new single "Carry Me Away" is all about finding that special place to escape and be in the magic of living in the moment. The seductive upbeat pop-country song also narrates finding a space to make those important changes needed in life. She sings, "I feel like taking chances / I feel brand new / Can't lose." The song features Eileen's soul-drenched and honeyed vocals singing an anthemic chorus over layered guitars and lush rhythms for an enticing listen. 

Beyond music, Carey is a beauty ambassador for Joe Blasco Cosmetics, reflecting her commitment to self-expression and empowerment. She’s also the founder of The Music Mom blog, where she shares insights on motherhood, wellness, and creativity.

With over 25 career awards, performances at nearly 80 notable venues and a growing international fanbase, Eileen Carey continues to light up the music industry with her authenticity, positivity, and undeniable talent. 

 

ロサンゼルスを拠点とするエレクトロポップアーティスト、Evalyn（エヴァリン）が新曲とミュージックビデオ「Playstation」をリリースした。 

 

「Playstation」は、激しいギターとハイパーポップのメロディが詰まった、情緒豊かなダークエレクトロポップのアンセム。カタルシスをもたらすようなポップロックソングだ。

魅惑的なミュージックビデオは、新曲の転換点であり、アルバムの真の暗闇を表現している。彼女はさらに「このビデオには、新曲の核心的な要素——テクノロジー、画面に圧倒される感覚、不安、感情に溺れる——が盛り込まれています。古いテレビを壊すシーンや、私が水に浸かるシーンがあり、曲のエネルギーと一致していたと思います」と語ります。

 

エヴァリンは、個人的な混乱をポップなカタルシスに変換する作業に10年以上を費やしてきました。ロサンゼルスを拠点とするアーティストで、Spotifyでの再生回数が1億3000万回を超える作品を手がける彼女は、最も野心的なプロジェクト『A Quiet Life』で帰還します。このアルバムは、迫りくる母性を通じて現代の意識の存続的な崩壊を捉えた作品です。

生々しい感情の強度を魅力的なメロディで包み込むことで知られるエヴァリンは、ルイ・ザ・チャイルドのブレイク曲「Fire」のボーカルとして初めて聴衆を魅了し、その後、求められ続けるコラボレーター兼強力なソロアーティストとして確立した。

 

2018年のサイケデリック・ポップ大作『Salvation』は、自己救済のテーマを探求し、彼女の芸術的なトレードマークとなる作品として熱心なファン層を築きた。2024年のビニール再発盤（新曲を含む）は、ダンスフロアの下に潜む深さを求めるファンたちとの持続的な共鳴を証明した。

『A Quiet Life』はさらに概念的な領域へ踏み込み、アペックス・ツイン、アルカ、グライムスの不協和音から制作のインスピレーションを得ている。最初の妊娠期間中にほぼ全てが執筆・録音された13曲のコレクションは、変容の物理的・心理的な混沌を反映している——不安の吐き気、無限のスクロールの騒音、新しい生命を創造する中で自分自身を失うめまい。これは彼女の最も生々しい作品であり、ロサンゼルスの最も革新的なプロデューサーたちと共創し、意識、緊張、そして降伏のサウンド・ナラティブを織り成している。

 

ライブアーティストとして、エヴァリンは小規模な会場からフェスティバルのメインステージまで、あらゆるステージを圧倒的な存在感で支配しています。彼女はジェイ・ウルフと共にコーチェラのサハラ・テントでパフォーマンスを披露し、ザ・ギリシャ・シアターで演奏し、SXSWとCRSSDで観客を魅了してきた。

 

彼女のコラボレーションは、エレクトロニック・ミュージックの先駆者たちの名だたる面々を列挙したようなラインナップです。ディロン・フランシス、サン・ホロ、トリトナル、イッツ・マーフ、RACなど、彼らは皆、彼女がデジタルな世界に人間味を注入する独自の能力を活かすために彼女とタッグを組んできた。

HBOからSpotifyの最も人気のあるプレイリスト（New Music Friday、Young & Free、Metropolis）まで、彼女の音楽はあらゆる場所でフィーチャーされ、Billboard、Paper、Nylonなどの主要メディアからも支持を受けている。

 

エヴァリンは、ポップの親しみやすさと芸術的な野心の境界線を曖昧にし続けています。『A Quiet Life』では、彼女は最も大胆な姿を見せ、聴き手が破片から自分自身の意味を組み立てるよう誘います。いつものように、彼女は簡単な答えを提供しません——ただ、すべてを大声で感じる許可を与える。

 

彼女のシングル「The Feeling」は、2010年代の陶酔的なサウンドからインスパイアされた、聴覚的なアドレナリンラッシュです。このシングルは、一種のメインアを表現した魅惑的なミュージックビデオと共に公開されています。 エヴァリンは語ります。「この曲は、感情や原始的な本能に支配されることについてのもので、その感覚を動きを通じて表現したかったのです。私は妊娠6ヶ月で、ヒールとピンクのタイツを履いて床を這いずり回っていました——その混沌を捉えるのに役立ったと思います。」  

 

トラック「Boysgirls」は、過去をロマンチックに美化するのが好きな私たちにとって、懐かしさあふれる名曲です。エヴァリンは次のように語っている。「制作を繰り返し手直しする過程で、本当に楽しい時間を過ごしました。インスタグラムで元カレの状況をのぞき見するような感覚を捉えたかったんです。そして、その感覚から少しだけ逸脱したような曲に仕上げたかったんです」

彼女の最新シングル「Playstation」は、激しいギターとハイパーポップのメロディが特徴の、ムード豊かなダークエレクトロポップアンセムです。彼女は次の通り打ち明けます。「Playstationは、LAの灼熱の日に妊娠中で吐き気があり、ほぼ毎日寝たきりだった時に書かれました。私たちは、スマホでドローンを飛ばしたり、ゲームやリアリティTVをベッドで観ていて、そこから抜け出せなくなる感覚——その罪悪感に満ちた快楽を捉えたかった。この曲は、アルバムのサウンドの方向性がより暗く、より激しいものへと変化した転換点を象徴している」

 

 

「Playstation」

▪️ロサンゼルスを拠点に活動するクリエイター、EVALYNが夏の到来を予感させるダンスポップバンガー「THE FEELING」をリリース 

  Evalyn has spent over a decade transforming personal turbulence into pop catharsis. The Los Angeles-based artist, whose work has amassed over 130 million streams on Spotify, returns with her most ambitious project yet—A Quiet Life, an album that captures the existential unraveling of modern consciousness through the lens of impending motherhood.

Known for wrapping raw emotional intensity in irresistible melodies, Evalyn first captivated audiences as the voice behind Louis the Child's breakout track "Fire," before establishing herself as both a sought-after collaborator and formidable solo artist. Her 2018 psychedelic pop opus Salvation cultivated a devoted following, exploring themes of self-rescue that would become her artistic calling card. The album's 2024 vinyl re-release, featuring new material, proved her enduring resonance with fans seeking depth beneath the dance floor.

A Quiet Life pushes further into conceptual territory, drawing production inspiration from the dissonant frequencies of Aphex Twin, ARCA, and Grimes. Written and recorded almost entirely during her first pregnancy, the 13-track collection mirrors the physical and psychological chaos of transformation—the nausea of anxiety, the noise of endless scrolling, the vertigo of losing oneself while creating new life. It's her most visceral work yet, co-created with some of Los Angeles' most innovative producers to weave a sonic narrative of consciousness, tension, and surrender.

As a live performer, Evalyn commands stages from intimate venues to festival main stages. She's graced Coachella's Sahara tent with Jai Wolf, performed at The Greek Theater, and captivated crowds at SXSW and CRSSD. Her collaborations read like a who's who of electronic music's vanguard: Dillon Francis, San Holo, Tritonal, It's Murph and RAC have all tapped into her singular ability to inject humanity into the digital realm.

With music featured everywhere from HBO to Spotify's most coveted playlists (New Music Friday, Young & Free, Metropolis), and support from major publications such as Billboard, Paper and Nylon, Evalyn continues to blur the lines between pop accessibility and artistic ambition. A Quiet Life sees her at her most fearless, inviting listeners to piece together their own meaning from the wreckage. True to form, she offers no easy answers—only the permission to feel everything, loudly.

Her single "The Feeling" is a sonic adrenaline rush inspired by the euphoric sounds of the 2010’s. The single is shared alongside an enthralling music video that represents a kind of maina.  Evalyn confides, "This song is really about being taken over by a feeling or a raw instinct and we wanted to create that through movement. I was 6 months pregnant and crawling on the floor in heels and pink tights - I think that helped capture the chaos." OnesToWatch proclaimed the track to be an "exhilarating burst of sound" while LADYGUNN says its "magnetic and  pulsating".

The track "Boysgirls" is a nostalgic gem for those of us who love to romanticize the past. Evalyn shares, "We had so much fun working and reworking production until it felt like it hit right - I wanted to capture that feeling of instagram stalking your ex situationship and then spinning out a little."

Her latest single "Playstation" is a mood-rich dark electro pop anthem filled with thrashing guitars and hyperpop melodies. She confides, "Playstation was written on a scorching hot day in LA when I was pregnant and nauseous and was basically bed ridden every day. We wanted to capture the feeling of getting caught droning on your phone, playing video games or watching reality tv in bed and getting stuck there - the guilty pleasure of it. This song represents the sea change in the sonic direction of the album toward something darker and more intense."

 

 

オーストラリア人シンガーソングライター、Stella Donnelly(ステラ・ドネリー)が、久しぶりにミュージック・シーンに復帰を果たした。両A面シングル "Baths"/"Standing Ovation "をリリースし、Dot Dash Recordingsとの契約を発表した。このうち、「Bath」のミュージックビデオが公開された。桟橋を歩きながら、心温まるようなゴスペル風の歌を歌っている。そして水の中に飛び込む。ナショナルアンセムのような壮大さがある。

ニューシングル"Baths"の制作を振り返って、ステラ・ドネリーは次のように回想している。 

 

「このメロディは、ブランズウィック・バスで泳いでいるときに思いついたの。プールのフィルターが、ある音でハミングのような音を出していて、その音にメロディを乗せて歌うことができたの。 家に帰り、浴室の換気扇をつけながらシャワーを浴びているときも、その音は続いていた。 どちらも歌詞を書き留めるのを難しくした。 ようやくキーボードの前に座り、音を出したら、すべてがひとつになったんだ。 私のこれまでの人生の小さな年表よ」

Dot Dash Recordingsとの契約についてステラ・ドネリーは、「クリエイティブな面でも、個人的な面でも、プロフェッショナルな面でも、リセットのタイミングだと感じた。 これらの曲にとって、ドット・ダッシュほど良いホームはないと思いました。 純粋に音楽を信じ、この次の章がどのようなものかを探求する場を与えてくれるチームに出会えたことにとても感謝している。 すぐにとてもくつろげました！」

レーベルは、今回の新契約について次のように述べている。「デビューEP『Thrush Metal』以来、ステラの素晴らしいソングライティングのファンでした。 これらの新曲は、私たちの心を打つもので、音楽制作からしばらく離れていたステラが復帰し、ドットダッシュを信頼して彼女と共に新しい章に参加してくれたことに深く感謝しています」

 

「Bath」

【Feature+】　Your Future Ghost、ニューアルバム『Impatient for the Dream』をリリース　　　~黙示録的な世界の混沌の中で、楽しみ、パーティー、避難所を見つける~

 

Your Future Ghost（ユア・フューチャー・ゴースト）は、ビルボードにチャートインするシンガー・ソングライター、ミュージシャン、女優のケイト・ヴォーゲルと、ソングライター、プロデューサー、作曲家、俳優と多方面で活躍するマイケル・グラブスの新しいシンセ・ポップ／ロック音楽プロジェクトである。

 

Your Future Ghostは2023年頃に1度話題を呼んだデュオである。マイケル・グラブスとケイト・ヴォーゲルのコンビは、まさに陰と陽の性質を持つが、表側に出てくるのは、どこまでも痛快なポップバンガーだ。デュオは今週、ニューアルバム『Impatient for the Dream』をリリースした。

ケイトとマイケルが最初に出会ったのは、The CW（The CW Television Network: Waner系列の放送局)の人気ヒットTVシリーズ『One Tree Hill』の撮影現場だった。 急接近した友情と相互のクリエイティヴな尊敬の念を抱いた2人は、パンデミックの最中、ズーム越しに音楽的なコラボレーションを始めた。 

 

「テキサス州オースティンで行われた数ヶ月にわたるスタジオ・セッションの後、にぎやかな裏庭でのタコスの休憩を織り交ぜて、意気投合したとき、Your Future Ghostのプロジェクトが誕生した」とケイト・ヴォーゲルは、2人のクリエイティヴな融合のきっかけについて語っている。 

 

2人はすぐにマイアミで開催された国際的に有名なアート・バーゼル・フェスティバルで、彼らの特徴であるダーティーなインディー・シンセ・ポップを披露し、圧倒的な反響を得た。

ニューアルバム『Impatient for the Dream』には、陽気でワイルド、そしてダークなポップ・ソングが収録されている。  大きなギター、轟音ドラム、印象的なシンセサイザーのパワフルなブレンドで、Your Future Ghostは、ヴォーゲルによれば、"ポスト黙示録的な世界の混沌の中で、楽しみ、パーティー、避難所を見つける "ことにインスパイアされたアルバムを作り上げた。 

 

彼女はさらに、「このアルバムは、ちょっとお荷物で、悪いタトゥーや疑わしい考えを持っているけれど、いつもどんなハング（抱擁）も忘れられないものにしてくれる友達」だと語っている。 また、マイケルは、「このアルバムは、ケイトと僕のありのままの姿でもあるんだ。 夜中の1時にバーで、大胆不敵で、楽しい時間に酔っぱらっていて、完全に気が狂っているような感じだ。でも、それこそ僕らの姿なんだ」と話す。

「リード・シングルの "We've Got Places "は、世の中で起こっているどんなノイズからも逃れられる場所、それが実際の場所であれ、人であれ、何か他のものであれ、混沌から逃れて自分らしくいられる場所は誰にでもあることだと思う」とケイトは打ち明ける。 この曲は、重なり合うハーモニーとみずみずしい楽器の音色が魅力的だ。

ハイライト曲「I'm Like Money』は、自己表現と臆面もない完全な独自性の宣言である。 「この曲は、ありのままの自分でいることの喜びを味わうことを自分自身に許可している証なの」とケイトは述べている。 

 

「ある意味では、この曲は自分がワルであることを祝い、自分がワルであることを自覚することを歌っている。 音楽業界やエンターテインメント業界で働く女性として、私はこのようなことをよく経験してきました。人々は、あなたがどのような人間であってほしいか、どのようにあなたを型にはめ、そのように形作るかという、とても具体的な考えを持っている。 この曲は、パワーを取り戻すこと、自分の価値と自分がもたらすものを知ること、そして必要なときには "自分に触らないで "と言うことを恐れないことについて歌っているんだ」

 

骨太でハードなギター・リフ、パンチの効いたインストゥルメンテーション、そして止まらないポップ・フックを持つ "I'm Like Money "は、爽快で大胆不敵な自己愛バンガーだ。 

このアルバムには、社会から課せられた制限を掘り下げ、個人の多次元性を強調した「Oh La La (Animal)」などの追加シングルが収録されている。 この力強い物語は、「セクシュアリティを理由にパワフルな女性が悪者にされること」をテーマにしている、とグラブスは打ち明ける。 自信に満ちたヴォーカルとブリブリとしたハーモニーは、このカタルシスをもたらす重低音のインディートロニカ・トラックで際立っている。 

一方、爆発的なインディー・ダンス・パーティー・アンセム "PRITTY "は、ニュー・ウェーブ、パンク、エレクトロ・ポップを融合させ、夢中になる魅力と、誰かの乱雑な行動を許容するために私たちがどこまでやるかを探求する、酔わせるようなブレンドを生み出している。

コミュニティ、スポットライトを浴びた経験、正真正銘に堂々と生きる自由からインスピレーションを得たYour Future Ghostは、魅惑的なパラドックスを体現している。  グラブスは次のように語っている。 「それは簡単なことじゃないんだ。 僕はサッドボーイのようなエモい男で、ケイトはシンガーソングライターのポップ・スターなんだ」  彼らの音楽は、ユア・フューチャー・ゴーストの無限の才能と奔放な創造性を見せつけ、大きな反響を呼ぶに違いない。

「I'm Like Money」 

 

 

Your Future Ghost is the new synth pop/rock musical project of Billboard-charting singer/songwriter, musician and actress Kate Voegele and the multifaceted songwriter, producer, composer and actor Michael Grubbs. The duo first met on the set, acting in the popular CW hit TV series One Tree Hill. Striking up a fast friendship and mutual creative respect, the two began collaborating musically over zoom during the pandemic.  

 

After months of studio sessions in Austin, Texas, intermingled with lively backyard taco breaks, Your Future Ghost was born. Kate Voegele reveals the catalyst for their creative fusion, "our voices blended in a way that inspired us both to write in this unique hemisphere of a sound neither of us had ever really explored before in our solo projects."  

 

The two soon performed their signature dirty indie synth pop at the internationally recognized Art Basel festival in Miami to an overwhelming response affirming their artistic direction.

Their new album Impatient for the Dream features a collection of joyful, wild and dark pop songs.  With a powerful blend of big guitars, thunderous drums, and striking synths, Your Future Ghost has crafted an album inspired by, according to Voegele, "finding the fun, the party, and the refuge in the chaos of a post-apocalyptic world.” She further shares, "This album is that friend who's kind of a liability, has some bad tattoos and questionable ideas, but always makes every hang unforgettable." Michael says, "This record is a truly unfiltered version of Kate and me. It's us at a bar at 1 AM, fearless, drunk on a good time and completely out of f**cks." 

Leading single "We've Got Places" is a single all about about that place where you find refuge from whatever noise is going on in the world - whether it's an actual place, a person, or something else, I think we all have those places where we can escape the chaos and be ourselves," confides Kate. The track features stunning layered harmonies and lush instrumentation for an enticing listen.

"I'm Like Money" is a declaration of self-expression and unabashed uniqueness. “It's a testament to granting ourselves permission to revel in the sheer joy of being who we truly are.” Voegele further shares, "In one sense, it’s a song about celebrating who you are and knowing you’re a badass, but also being sick of people trying to get a piece of you or tell you who to be. I’ve experienced this so often as a woman in the music and entertainment industry, where people have a very specific idea of who they want you to be and how to mold and shape you into that, but I think this is something everyone experiences in some sense. 

 

This song is about taking the power back, knowing your worth and what you bring to the table, and not being afraid to say, “hey, don’t f*cking touch me” when that’s called for." With gritty, hard-hitting guitar riffs, punchy instrumentation and a pop hook that won't quit, "I'm Like Money" is an exhilarating and fearless self-love banger. 

The album features additional singles such as "Oh La La La (Animal)," which delves into the limitations imposed by society, emphasizing the multidimensional nature of individuals. The powerful narrative is about "the demonization of powerful women because of their sexuality," confides Grubbs. Confident vocals and blistering harmonies are standouts in this bass-heavy indietronica track of catharsis. 

Meanwhile, the explosive indie dance party anthem "PRITTY" merges new wave, punk, and electro-pop, creating an intoxicating blend that explores the allure of infatuation and the lengths we go to tolerate someone's messy behavior.

Inspired by community, their experiences in the spotlight, and the freedom of living authentically and unapologetically, Your Future Ghost embodies a captivating paradox.  Grubbs shares, "I would like to encourage folks to accept themselves. 

 

Which isn’t easy. I’m like this sadboy emo dude and Kate is this singer-songwriter pop star, and together we’re making this dirty indie album because that’s who we’ve always really been inside." Their music is poised to make a resounding impact, showcasing the boundless talent and unbridled creativity of Your Future Ghost.

Your Future Ghost　『Impatient for the Dream』- New Album Out Now!! 

 

 

 

イギリス系インドネシア人アーティストのNadia Kadec(ナディア・カデック)が、セカンド・シングル「Lemonade」で鮮烈な復活を遂げた。爽やかな涼風のようなフォークポップソングで、夏の暑さを和らげてくれる。

このインディーアルトポップは、22歳の彼女の明瞭な歌詞、爽やかなプロダクション、そして控えめな感情が炸裂するメロディーを披露している。 ロマンスへの生来の美しい憧れを探求したこの曲は、静かな自信に満ちたソングライターの注目すべき紹介曲となっている。

このリリースには、Pale WavesやMatt Malteseとの仕事で知られ、権威あるBAFTA CONNECTのメンバーでもある、数々の賞を受賞している脚本家兼映画監督のGeorgie Cowan-Turnerが監督した公式ビデオが付属している。下記よりご覧ください。

今日のシングル・リリースについて、ナディアは次のように語っている。

『レモネード』を書いた当時は、ロマンスや親密さとの暑苦しい関係について書いていたの。 それから2年が経ち、この曲は私の人生には馴染まなくなったが、私の周りの多くの人々の中にこの曲があるのを目にするようになった。 

この曲は、憧れを祝福し、それがいかに人間らしい経験のひとつであるかを認めている。 巨大なドラムと何層にも重なったきらびやかなギターでこの曲をレコーディングすることで、私の中の子供が10代のインディーズ・バンドの夢を実現することができました。

ミニマルなアルト・ポップとシンガー・ソングライターの感性がブレンドされたこのデビュー・シングル「Feeling It All」で、ナディア・カデックは瞬く間に人々を魅了する力を証明した。

 

BBC Radio 1で何度も再生されデビュー、BBC 6 Musicでインタビューを受けほか、NME、CLASH、The Line of Best Fit、DIY、Wonderland、COLORS、Music Weekなどのテイストメーカーから早くも支持を得た。

ノーフォークの静かな田園地帯で育ったナディアは、自分自身を「フェスティバル・ベイビー」と表現し、フローレンス＋ザ・マシーンやジェフ・バックリーなどのサウンドトラックを聴きながら、キャンプ場までの長い車中泊の旅の中で、初期の音楽的記憶を形成していった。 

フェスティバルを楽しむ仲間たちの肩の上でヒーローを見守り、グラストンベリー2024のエマージング・タレント・コンペティションで準優勝して演奏するまでになった彼女の物語は、すでに一周した瞬間と静かな並外れた決意のひとつである。

現在、ロンドンを拠点に活動するカデックは、ライブ・パフォーマンスの力で着実に熱狂的なファンを増やしている。 彼女の生の才能と粘り強さを見せつけるセルフ・ブッキング・ライブの後、Kadekは、今日最も尊敬され、境界を押し広げるアーティストを育てていることで有名なレーベル、Transgressive Recordsの目に留まった。

「Lemonade」と「Feeling It All」は、ノスタルジア、傷ついた家族の絆、つかの間のロマンス、そして赦しの静かな回復力をナビゲートする、夏の終わりのほろ苦い輝きの中にあるコレクションである。 エイドリアン・レンカー、リジー・マクアルパイン、マギー・ロジャースといったアーティストの明晰な感情を思い起こさせる。

 

「Lemonede」

Nadia Kadec 「Lemonede」-New Single

ナディアの印象的なライブの経歴には、今年のグラストンベリー・フェスティバルでのパフォーマンス、BSTハイド・パークでの見事なセット、グレート・エスケープでの2回のショー、パリス・パロマ、エタ・マーカス、コーデリアのサポート・スロットが含まれる。 今後は、ラティテュードやピッチフォーク・フェスティバルなどへの出演が決定しており、次のロンドン公演は8月14日にザ・ウェイティング・ルームで行われる。 今後のライブ日程は以下の通り。

 

Tour Date:

 

26th July - Latitude Festival

 

27th July - Deer Shed Festival, Topcliffe

 

14th August - The Waiting Room, London (free event)

 

14th-18th October - Wild Paths Festival, Norwich

 

7th November - Mutations Festival, Brighton

 

8th November - Pitchfork Festival, London

 

 

 

Speaking about today’s single release, Nadia shares “At the time I wrote Lemonade, it was about my hot and cold relationship with romance and intimacy. Feeling weak for relying on validation because it was the closest thing to love I could find (classic uni experience). Two years later, this song has grown to fit less into my life but I see it in so many of the people around me. It’s a celebration of longing, acknowledging how it’s one of the most human experiences we can have. Recording this song with huge drums and layers of sparkly guitars allowed my inner child to live out her teenage indie band dreams which was so cool.”

With her recent debut single ‘Feeling It All’ - an evocative blend of minimalist alt-pop and singer-songwriter sensitivity - Nadia Kadek quickly proved her ability to captivate, earning multiple plays and a debut on BBC Radio 1, an interview on BBC 6 Music, and early support from tastemakers including NME, CLASH, The Line of Best Fit, DIY, Wonderland, COLORS, and Music Week.

Raised in the quiet countryside of Norfolk, Nadia describes herself as a “festival baby,” with early musical memories formed on long car journeys to campsites, soundtracked by the likes of Florence + The Machine and Jeff Buckley. From watching her heroes on the shoulders of fellow festival-goers, to playing Glastonbury 2024 after placing runner up in their Emerging Talent Competition, her story is already one of full-circle moments and quietly extraordinary determination.

Now based in London, Kadek has steadily built a devoted following through the power of her live performances. After a string of self-booked live shows that showcased both her raw talent and tenacity, Kadek caught the attention of Transgressive Records, a label renowned for nurturing some of the most respected and boundary-pushing artists of today.

‘Lemonade’ and ‘Feeling It All’ provide a glimpse into a forthcoming project – a collection that sits in the bittersweet glow of late summer, navigating nostalgia, bruised family dynamics, fleeting romances, and the quiet resilience of forgiveness. Her lyricism is both disarmingly honest and delicately poetic, recalling the emotional clarity of artists like Adrianne Lenker, Lizzy McAlpine and Maggie Rogers.

ジーナ・ゾーのニューシングル「I Need to Cry」は、自分の仲間を見つけ、ありのままの自分を受け入れ、感情に身を任せることを歌ったシンセに浸ったサマーアンセム。 グラミー賞を受賞したティム・ソネフェルドとジャスティン・ミラーとの共作で、バイセクシュアル・アーティスト、ジーナ・ゾーの大胆で陽気なリリースであり、私たちの新しいクィア・サマー・オブセッション。 

フィラデルフィアの郊外出身で、現在はLAで波紋を広げているパワフルなヴォーカリスト、ジーナ・ゾーは、単なるロックポップシンガーソングライターではない。 

2023年のアンセム「Faking It」でバイセクシュアルであることを大胆に宣言したジーナは、個人的な旅をLGBTQIA+コミュニティのための力強い物語へと変貌させ、真のアイデンティティとは型にはまったものに対する反抗の一形態であること、そして自分が本当に所属している場所とは共に走る仲間であることを証明した。 

彼女の旅は、チーム・ブレイクのメンバーとして『ザ・ヴォイス』に出演したことでさらに形づくられた。グウェン・ステファニーの指導により、彼女は自分自身の中にあるユニークな真正性を発見した。

ノラ・ジョーンズのソウルフルな系統からスティーヴィー・ニックスの神秘的な魅力に至るまで、彼女が影響を受けた音楽は、若い頃から彼女の芸術性を形作った。 彼女の青春時代の祖父母との家族のひとときは、懐中電灯をストロボ・ライトにして踊ったり、その場しのぎのマイクに向かって歌ったりした。これは後に彼女のキャリアに火をつける情熱の基礎を築いた。 ジーナの初期は、自家製ビデオと即興パフォーマンスの渦中であり、彼女の不屈の精神の証であった。

わずか18歳で、ジーナはフィラデルフィアのインディ・レーベルと契約し、そこですぐに音楽業界の厳しい現実に直面した。 

そのダークな側面に幻滅し、一度は離れたが、ある別離の後、紛れもない引き戻しを感じ、失われたアイデンティティを探し求めるようになった。 オリジナル・バンドと再会した彼女は、反抗と芸術的自由の追求を体現するロック・バンド、ヴェルヴェット・ルージュを結成した。

2024年にリリースされたヴェルヴェット・ルージュのデビューEPは、ジーナの魂を貫く直感的な旅である。 Lonely Since The Day We Met（逢った日から孤独）」の愛したことのない人と一緒にいることの胸に迫る真実から、「I Don't Know Why（なぜわからない）」の自分が誰なのか、どうあるべきなのかわからないという深い葛藤まで、このEPは生々しく率直な感情に共鳴している。 

尊敬するブライアン・マクティアーとエイミー・モリッシー（ザ・ウォー・オン・ドラッグス、ドクター・ドッグ、シャロン・ヴァン・エッテン）がプロデュースしたこのEPは、2000年代初期のロックと90年代の硬質なエッセンスを取り入れ、自分探しの葛藤と勝利のサウンドトラックとなっている。

ジーナの業界への復帰は、単なるカムバックではなく、革命だった。 ヴェルヴェット・ルージュとともに、彼女は音楽界の女性が直面する制度的障壁に反対し、ステージ上でも舞台裏でも変化を提唱している。 ローレン・シューラーがデザインした2023年のグラミー賞のドレスは、エレガンスと反骨精神の融合を体現し、ファッションを超越したステートメントとなった。

2022年末にフィリーのベスト・ロック・バンドに選ばれ、フィリー・スタイル・マガジンで「フィリーで最もホットなロック・バンド」として賞賛されたヴェルヴェット・ルージュの影響力は否定できない。 XPoNential Fest、MusikFest、Beardfestなどのフェスティバルでのパワフルなパフォーマンス、NPRのNational Public Radio DayやWXPNのFree At Noonでの特集は、ロック・ジャンルの先駆者としての彼らの役割を示している。

2025年、ジーナは初のソロ・シングル『Dirty Habits』をリリース。このロック・ポップ・バラードは、夢は現実よりも素晴らしいということを歌っている。 グラミー賞を受賞したジャスティン・ミラー（ジャズミン・サリヴァン、ザック・ブライアン）とティム・ソネフェルド（アッシャー）がプロデュースしたこの曲は、絶賛を浴び、リリース後1週間で3万以上のストリーミングを記録し、彼女の歌声はジャンルを超えて広く響くものとして確固たるものとなった。 

LADYGUNN は、「『Dirty Habits』で、ジーナ・ゾーはルールに縛られないキャリアの基礎を築いた。 それは大胆で、厄介で、深く感じられるもので、そこがポイントなのだ"。 このシングルは、彼女の芸術性における大胆な新章を示すものであり、弱さとアンセム的な力強さが出会うものだ。

彼女のセカンド・シングル "Only Bad Men Make Me Feel This Way "は、強さと弱さが同居した、内省的な別れのアンセムだ。  

ジーナはこの曲でシンガー・ソングライターとしてのルーツに完全に傾倒し、長い間彼女を際立たせてきた叙情的な深みと感情的な明瞭さを披露している。 温かみのあるアコースティック・ギターと揺らめくシンセのテクスチャーを融合させたこの曲は、別れた後の自由のジェットコースター、より良くなったと分かっていながら、まだ去ってしまったものの刺々しさを感じる瞬間を捉えている。

ジーナ・ゾの "I Need to Cry "は、仲間を見つけ、自分らしさを受け入れ、感情に身を任せることを歌ったシンセに浸ったサマー・アンセムだ。 グラミー賞受賞者ティム・ソネフェルドとジャスティン・ミラーとの共作で、バイセクシュアル・アーティスト、ジーナ・ゾーの大胆で陽気なリリースだ。 これは、2023年にカミングアウトして以来、ジーナ・ゾーにとって2曲目のプライド・アンセムである。

LAに住む彼女は、一から料理を作り、シルバーレイク貯水池を散歩し、殺人小説に没頭することに癒しを見出している（元恋人を殺そうと企んでいるわけではないと約束する）。 ジーナ・ゾーにとって、音楽はキャリア以上のものであり、若い女性たちが本当の自分を受け入れ、アイデンティティ、セクシュアリティ、キャリアにおいて自分たちを閉じ込めようとする型にはまることを拒絶するよう鼓舞するプラットフォームなのだ。 大胆不敵な芸術性と不屈の精神を通して、ジーナ・ゾーはルールを塗り替え、ポップ・ロック界の革命をリードしている。 

 

 

「I Need To Cry」 

 

 

**Gina Zo: A Fearless Symphony of Identity, Rebellion, and Empowerment 

 

Gina Zo, a powerhouse vocalist hailing from the suburbs of Philadelphia and now making waves in LA, is not just a rock-pop singer-songwriter—she’s a beacon of authenticity and empowerment within every performance, song, and beat. With her bisexuality boldly declared in her 2023 anthem “Faking It,” Gina has transformed her personal journey into a powerful narrative for the LGBTQIA+ community, proving that true identity is a form of rebellion against conformity and that the tribe you ride with is where you truly belong. Her journey was further shaped by her time on The Voice as a member of Team Blake, where Gwen Stefani's mentorship led her to discover a unique authenticity within herself—so profound that it brought her to tears after their first meeting, as Stefani challenged her to be more genuine.

Her musical influences, from the soulful strains of Norah Jones to the mystical allure of Stevie Nicks, shaped her artistry from a young age. Family moments with her grandparents in her youth were spent dancing with flashlights as strobe lights and singing into makeshift microphones—laying the foundation for a passion that would later ignite her career. Gina’s early days were a whirlwind of homemade videos and impromptu performances, a testament to her unyielding spirit.

At just 18, Gina signed with an indie label in Philadelphia, where she soon faced the harsh realities of the music industry. Disillusioned by its darker side, she stepped away, only to feel an undeniable pull back to her true calling after a breakup that left her reaching for her lost identity. Reuniting with her original band, she forged Velvet Rouge, a rock band that embodies defiance and the pursuit of artistic freedom.

Velvet Rouge’s debut EP, released in 2024, is a visceral journey through Gina’s soul. From the haunting truth of being with someone you never loved in “Lonely Since The Day We Met” to the deep conflict of not knowing who you are or what you should be in “I Don’t Know Why,” the EP resonates with raw, unapologetic emotion. Produced by the esteemed Brian McTear and Amy Morrissey (The War on Drugs, Dr. Dog, Sharon Van Etten), it channels the gritty essence of early 2000s rock and ‘90s grit, offering a soundtrack to the struggles and triumphs of self-discovery.

Gina's return to the industry was not just a comeback but a revolution. With Velvet Rouge, she’s leading a charge against the systemic barriers faced by women in music, advocating for change both on stage and behind the scenes. Gina’s focus is to champion young artists in all mediums: her 2023 Grammy dress, designed by Lauren Schuler, embodied her fusion of elegance and rebellious spirit, making a statement that transcends fashion.

Honored as Best Rock Band in Philly in late 2022 and celebrated in Philly Style Magazine as "Philly's Hottest Rock Band," Velvet Rouge’s impact is undeniable. Their powerful performances at festivals such as XPoNential Fest, MusikFest, and Beardfest; along with features on NPR’s National Public Radio Day and WXPN’s Free At Noon, showcase their role as trailblazers in the rock genre.

In 2025, Gina released her first solo single, Dirty Habits, a rock-pop ballad all about how our dreams are better than reality. Produced by Grammy-winning talents Justin Miller (Jazmine Sullivan, Zach Bryan) and Tim Sonnefeld (Usher), the track received rave reviews and amassed over 30,000 streams within its first week of release—solidifying her voice as one that resonates far beyond genre. As LADYGUNN put it, “With Dirty Habits, Gina Zo lays the foundation for a career that doesn’t play by the rules. It’s bold, messy, deeply felt, and that’s the point.” The single marks a bold new chapter in her artistry, one where vulnerability meets anthemic power.

Her second single "Only Bad Men Make Me Feel This Way" is a reflective breakup anthem that’s equal parts strength and vulnerability.  Gina leans fully into her singer-songwriter roots on this track, showcasing the lyrical depth and emotional clarity that have long set her apart. Blending warm acoustic guitar with shimmering synth textures, the song captures the rollercoaster of post-breakup freedom, those moments when you know you're better off, yet still feel the sting of what’s gone.

Gina Zo's "I Need to Cry" is a synth-soaked summer anthem about finding your people, embracing who you are, and letting the emotions flow. Co-written with Grammy winners Tim Sonnefeld and Justin Miller, it’s a bold and joyful release from bisexual artist Gina Zo. This is Gina Zo’s second Pride anthem since coming out in 2023.

Living in LA, she finds solace in cooking from scratch, strolling around Silver Lake Reservoir, and immersing herself in murder novels (she promises she is not plotting to kill an ex). For Gina Zo, music is more than a career—it’s a platform to inspire young women to embrace their true selves and to reject any mold that seeks to confine them in their identity, sexuality, and career. Through her fearless artistry and unbreakable spirit, Gina Zo is rewriting the rules and leading a revolution in the world of pop-rock music. 

 

ニューヨークのシンガーソングライター、カサンドラ・ジェンキンス(Cassandra Jenkins)がニューアルバム『My Light, My Massage Parlor』を発表した。先週末に、ニューシングル「Delphinium Bliss」が同時に公開された。アルバムはデッド・オーシャンズから発表された前作から続くコンセプトアルバムの一貫として制作された。

カサンドラ・ジェンキンスは、主なリリースと並行して、コンパニオンアルバム『(An Overview on) An Overview on Phenomenal Nature』（2022年）と、間もなくリリースされる『My Light, My Massage Parlor』を制作している。二つの作品とも９月５日に発売される。

『My Light, My Massage Parlor』では彼女は最初の芸術的発言では辿り着けなかった道への探求を深めている。 前作では、ボイスノートの延長やカッティング・ルーム・フロアからの楽曲が公開されたが、今度のコンセプト・アルバムは、彼女の長年のコラボレーターであるマイケル・コールマンをフィーチャーしたインストゥルメンタル・コンセプト・アルバムとなっている。

 

生粋のニューヨーカーであるジェンキンズは、2010年代半ばにソロ・キャリアをスタートさせるまで、家族のバンドで演奏しながら東海岸のフォーク・シーンで育ってきた。また、エレノア・フリードバーガー、クレイグ・フィン、パープル・マウンテンズのツアー・バンドで演奏するなど、コラボレーターとしても活躍するようになった。

 

2017年の『Play 'til You Win』や2021年の『Overview on Phenomenal Nature』のようなソロ・リリースでは、彼女の音楽はドリーム・ポップや薄暗いインディー・ロックの要素を折り込んだ実験的な傾向を帯びていた。

 

後者のアルバムは、ジェンキンスにとってブレイクのきっかけとなった作品であり、多くの人にとって、彼女のサウンドを定義するようになった、人類学的好奇心に満ちた独特の視点と、緻密で印象主義的なソングライティングへの入り口となった。ジェンキンスがバンドメイトのデヴィッド・バーマンを亡くして悲しんでいた時期に書かれたこのアルバムは、批評家から高い評価を受け、彼女の旅は完敗に近かった。

彼女はその後、『My Light, My Destroyer』（2024年、Dead Oceansよりリリース）を発表し、さらに自己主張を強め、制作面でも不快感を受け入れるという点でも、これまでで最も野心的な作品となった。光と破壊、希望と幻滅、確信と無根拠という対照的なテーマで、ジェンキンスは、人間の経験や宇宙に存在する二元性を分ける微妙な境界線への飽くなき興味を探求している。彼女は、私たちが見過ごしがちな心理的な限界とその中間を指摘する。そのすべてを通して、ジェンキンスは稀有なソングライティングを提供している。それは、好奇心、脆弱性、そして驚きの感覚をもって聴き手を迎え、語るのと同じくらい耳を傾けるものである。

そして、飽くなき好奇心旺盛なソングライターであるジェンキンスにとって、アルバム制作という世界構築の作業は、その中に潜む無限のワームホールの存在を暗示している。ジェンキンズは、主なリリースにひっそりと付随して、コンパニオン・アルバム『（An Overview on）An Overview on Phenomenal Nature』（2022年）と、まもなくリリースされる『My Light, My Massage Parlor』（9月5日、Dead Oceansよりリリース予定）を制作した。リスナーは、彼女が最初の芸術的声明で踏み出さなかった道についての調査を深めながら、彼女のサイドクエストについていくよう誘われる。

 

前作では、ボイスノートの延長やカッティング・ルーム・フロアの楽曲が公開されたが、今度のコンセプト・アルバムは、新たにアレンジされたレコーディングで、文字通りガラスの向こう側にある部屋を探求している。その結果、彼女の長年のコラボレーターであるマイケル・コールマンが9フィートのスタインウェイのアイボリーを刻み、木管楽器、ホルン、弦楽器、ウィンド・チャイム、そしてコオロギが加わったインストゥルメンタル・コンセプト・アルバムが完成した。

 

 

「Delphinium Bliss」

Cassandra Jenkins　『My Light, My Massage Parlor』

Label: Dead Oceans

Release： 2025年9月5日

Tracklist:

1.Still Rambling

2.Only Relaxation

3.Omakase of Time

4.Delphinium Bliss

5.Wormhold Music

6.Betelgeuse Masseuse

7.Haley

8.Bebop Extravaganza

Brett Warre

Amanda Shires(アマンダ・シャイアーズ)が新作アルバム『ノーバディーズ・ガール（Nobody's Girl）』を発表した。 2022年の『Take It Like a Man』に続くこのアルバムは、9月26日にATOからリリースされる。 

 

リードシングルとして最初に先行リリースされた「A Way It Goes」は、ダイナミックなパーカッションを活かしたポピュラー・ソングで、映像からも分かる通り、シネマティックな印象を帯びている。"I can show you how he left me/ Paint a picture, growing flowers for nobody/ But I'd rather you see me thriving. "という歌詞で始まる。 以下からチェックみよう。

『Nobody's Girl』はローレンス・ロスマンがプロデュースし、シャイアーズとロスマンが共作を行った。 シャイアーズにとって、ジェイソン・イズベルとの離婚後初のアルバムとなる。 『「ノーバディ・ガール」は、その残骸、沈黙、再構築の後に生まれたものです」と彼女はプレスリリースで語っている。 「永遠に続くと思っていた人生の後遺症に立ち向かい、誰もあなたを救いに来てくれないことに気づくという内容です」と彼女はプレスリリースで語っている。

ナッシュヴィルのサウンド・エンポリアム・スタジオで録音されたこのアルバムには、フレッド・エルトリンガムとジュリアン・ドリオがドラム、ドミニク・デイヴィスがベース、ピーター・レヴィンが鍵盤、ザック・セッチフィールドがギター、ロスマンがギターを担当している。 フリードマンはまた、カリフォルニア州ロサンゼルスのロスマン・レコーダーズでも録音し、ジェイ・ベレローズがドラム、ピノ・パラディーノとジンボ・ハートがベース、ジョー・ケネディがピアノとギター、ロスマンが再びギターを担当した。

 

 

「A Way It Goes」

Amanda Shires　『Nobody's Girl』

Label: ATO

Release: 2025年9月26日

 

Tracklist:

1. A Way It Goes

2. Maybe I

3. The Details

4. Living

5. Lose It For A While

6. Piece of Mind

7. Streetlights and Stars

8. Lately

9. Friend Zone

10. Strange Dreams

11. Can’t Hold Your Breath

12.Not Feeling Anything

 

ニュージーランドのソングライター、Bret McKenzie(ブレット・マッケンジー)がニューシングル「Freak Out City」の新しいミュージックビデオを公開した。同楽曲は8月15日（金）にSub Popからリリース予定の2ndアルバムのタイトル曲となっている。

 

このユーモラスで風変わりなミュージックビデオは、エズラ・シモンズが監督し、マッケンジーがオフィスでとても奇妙な一日を過ごす社員を演じている。

 

「"歌と一緒に現実が紐解かれていくのが好きなんだ。 先月、冬のウェリントンで撮影した。 まるで『ザ・オフィス』のシュールなニュージーランド・エピソードの中にいるような気分だった」とマッケンジーは言う。

 

ブレットと彼のライブバンド、ザ・ステート・ハイウェイ・ワンダーズは、2025年10月、ニューアルバム『フリーク・アウト・シティ』を引っさげて、ブレットにとって2022年以来となる新たな海外ヘッドライン公演を行うことも発表している。 このバラエティー・スタイルのライヴ・ショーでは、ニュー・アルバムやサブ・ポップでのデビュー作『Songs Without Jokes』からの選曲に加え、ブレットのTVや映画での作品からの様々な楽曲が披露される予定だ。

 

俳優として、コメディアンとして、あるいは、時にはシンガーソングライターや作曲家として未知の世界を探求するマッケンジーは、"このアルバムにはたくさんの愛情を注いできたので、世に送り出すのが待ちきれない"と語っている。

「Freak Out City」

▪️ニュージーランドのシンガーソングライター、BRET MCKENZIE（ブレット・マッケンジー）がニューアルバム「FREAK OUT CITY」を8月15日にリリース

 

ロンドンを拠点とするプロデューサーでシンガー・ソングライターのLiza Lo(リザ・ロー)が、新ライヴEP『Familiar: LIve At Gearbox(ファミリア：ライヴ・アット・ギアボックス)』を8月1日（金）にデジタル・リリースすることがわかった。今年1月に待望のデビューアルバム『Familiar(ファミリア)』に続く作品で、デビュー・アルバムのライブバージョンを収録している。

 

自身のUKツアーや、ハリソン・ストーム、ヴレル、ステフ・ストリングスのサポート・ツアーなど、1年にわたるツアーの後、リザはロンドンにあるギアボックスのスタジオに戻り、デビュー・アルバム『ファミリア』をレコーディングした。

 

今回配信リリースされるEP『ファミリア：ライヴ・アット・ギアボックス』は、彼女のデビュー・アルバムからの選りすぐりの楽曲を完全アナログで再解釈したもの。

 

これらの親密なワンテイク録音は、ギアボックスの1965年製ヴィンテージのC37テープ・マシーンとデッカ・ツリーのマイク・セットアップを使って1/4インチ・テープに直接キャプチャーされた。リザの曲が路上で進化していく様子、特にギタリストのショーン・ローガン、ベーシストのクリス・ラビッツとの親密なデュオやトリオのライヴ・パフォーマンスを通して、生の感情的なハートを捉えている。

 

その結果、完璧さよりもフィーリングを優先した、温かく、即効性のあるサウンドが生まれた。このプロジェクトは、リザの音楽の本質への回帰であると同時に、彼女のサウンドの次の章への一歩でもある。

今EPについて、リザは次のように語っています。「この1年間、これらの曲をライヴで演奏してきたことで、まったく新しい命が吹き込まれたわ。ステフのUKツアーでオープニングを務めたとき、ギター2本に絞ったライヴ・セットが、レコーディングされたアルバムとどれだけ違っていたかを覚えている。多くの人たちから、この曲のライヴ・バージョンやもっと親密なバージョンはないかと聞かれたわ。この1年間、ライヴで演奏することで多くのことを学んだし、自分の音楽を今後どのように聴かせたいかについて、まったく新しい見通しを持つことができたの」

EPの発表と同時に、リザは収録曲から「A Messenger (Live at Gearbox) 」をミュージックビデオとして公開した。同楽曲は、友人を失ったときの心の傷について歌ったもので、リザの切ない歌詞が繊細なストリングス・アレンジとゴッサムのようなギター・ワークの上で踊り、EPのライヴ・セッティングとアナログ・レコーディングによって、新たな親密さを与えている。

 

 

 「A Messenger (Live at Gearbox) 」

 

▪Liza Lo   EP『Familiar: LIve At Gearbox(ファミリア：ライヴ・アット・ギアボックス)』

 

Label: Gearbox

Release: 2025年８月１日

 

Tracklist: 

1. A Messenger (Live At Gearbox)
2. Confiarme (Live at Gearbox)
3. What I Used To Do (Live At Gearbox)

 

・シングル「A Messenger (Live At Gearbox) 配信:

https://bfan.link/a-messenger-1 

・EP 『ファミリア：ライヴ・アット・ギアボックス』 予約:

 https://bfan.link/familiar-4

【アルバム情報】

アーティスト名：Liza Lo（リザ・ロー)
タイトル名：Familiar（ファミリア）
品番：GB1598CD (CD) ／ GB1598 (LP)
発売日：発売中！
レーベル：Gearbox Records

＜トラックリスト＞

(CD)

1. Gipsy Hill
2. Morning Call
3. Darling
4. Catch The Door
5. A Messenger
6. As I Listen
7. Open Eyes
8. Anything Like Love
9. What I Used To Do
10. Confiarme
11. Show Me

(LP)

Side-A

1. Gipsy Hill
2. Morning Call
3. Darling
4. Catch The Door
5. A Messenger
6. As I Listen
Side-B

1. Open Eyes
2. Anything Like Love
3. What I Used To Do
4. Confiarme
5. Show Me

 

・アルバム『ファミリア』配信中！ 

https://bfan.link/familiar-3

Credits:

Liza Lo - Vocals, Acoustic Guitar, Piano, Backing Vocals, Synthesisers Sean Rogan - Piano, Backing Vocals, Acoustic & Baritone Guitar Maarten Cima - Electric, Rubber Bridge & Baritone Guitar
Tom Blunt - Drums 
Freek Mulder - Bass
Ben Trigg - Cello & String Arrangements (Gipsy Hill, Open Eyes & A Messenger) Emre Ramazanoglu - Percussion (Catch The Door & Anything Like Love)
Chris Hyson - Synthesisers & Programming (Confiarme)
Wouter Vingerhoed - Prophet (What I Used To Do) 

 

Recorded at Studio 13 and Tileyard Studios in London
Produced by Jon Kelly and Liza Lo
Additional and co-production by Wouter Vingerhoed (What I Used To Do), Topi Killipen
(Morning Call), Sean Rogan (Confiarme) and Chris Hyson (Confiarme)
Written by Liza Lo together with Topi Killipen (Morning Call), Emilio Maestre Rico (Darling),
Peter Nyitrai (Open Eyes), Melle Boddaert (Gipsy Hill), Hebe Vrijhof (What I Used To Do) &
Wouter Vingerhoed (What I Used To Do)
Mixed by Jon Kelly
Mastered by Caspar Sutton-Jones & Darrel Sheinman
Engineered by Giacomo Vianello and Ishaan Nimkar at Studio 13 and Ned Roberts at Tileyard Studios Released by Gearbox Records

 

 
バイオグラフィー:

 
スペインとオランダで育ち、現在はロンドンを拠点に活動するシンガー・ソングライター／プロデューサー／ミュージシャン。優しくも力強い歌声で愛、喪失、成長の物語を紡ぐことを特徴とし、ビッグ・シーフ、キャロル・キング、ドーターやローラ・マーリングなどからインスピレーションを受けながら、独自の親密で詩的な音楽世界を創り出している。

EP『Flourish』はSpotifyの 「New Music Friday UK/NL/BE 」に選出され、「The Most Beautiful Songs in the World 」プレイリストでも紹介された。

 

2024年5月、Gearbox Recordsと契約。自身のUKヘッドライン・ツアー、ステフ・ストリングスやVraellのオープニングをUK各地で務めたほか、ハリソン・ストームとのEU/UKツアーもソールドアウトさせた。2025年1月、ジョン・ケリー（ポール・マッカートニー、ケイト・ブッシュ）とバンドと共に制作したアルバム『ファミリア』をリリース。2025年8月、新ライヴEP『ファミリア：ライヴ・アット・ギアボックス』をデジタル・リリースすることが決定した。

 

 

エヴァリンは10年以上にわたり、個人的な動揺をポップなカタルシスに変えてきた。 ロサンゼルスを拠点に活動し、Spotifyで1億3,000万回以上のストリーミングを記録している彼女が、最も野心的なプロジェクト「A Quiet Life」を携えて帰ってきた。

生々しい感情の激しさを魅力的なメロディーで包み込むことで知られるエヴァリンは、ルイ・ザ・チャイルドのブレイク・トラック「Fire」の歌声として聴衆を魅了した後、引っ張りだこのコラボレーターとして、また手強いソロ・アーティストとしての地位を確立した。 2018年に発表したサイケデリック・ポップ・アルバム『Salvation』は、彼女の芸術的名刺代わりとなる自己救済のテーマを探求し、熱狂的なファンを育てた。 2024年にリリースされた新曲入りの再発盤は、ダンスフロアの下にある深みを求めるファンの間で、彼女の永続的な共感を証明した。

A Quiet Life』は、エイフェックス・ツイン、ARCA、グライムスの不協和音の周波数から制作上のインスピレーションを得て、コンセプチュアルな領域にさらに踏み込んでいる。 ほぼ全曲が彼女の最初の妊娠中に書かれ、レコーディングされたこの13曲入りの作品集は、不安による吐き気、終わりのないスクロールのノイズ、新しい生命を生み出しながら自分自身を見失う眩暈など、変容の物理的・心理的な混沌を映し出している。 ロサンゼルスで最も革新的なプロデューサーたちと共同制作したこの作品は、意識、緊張、降伏をテーマにした音の物語を紡ぎ出している。

ライブ・パフォーマーとして、エヴァリンは親密な会場からフェスティバルのメイン・ステージまで、あらゆるステージを支配する。 ジャイ・ウルフとともにコーチェラのサハラ・テントを飾り、グリーク・シアターでパフォーマンスを行い、SXSWやCRSSDでは観衆を魅了した。 彼女のコラボレーションは、エレクトロニック・ミュージックの最前線で活躍する有名人のようだ： Dillon Francis、San Holo、Tritonal、It's Murph、RACなどが、デジタル領域に人間性を注入する彼女の特異な能力を利用している。

HBOからSpotifyの人気プレイリスト（New Music Friday、Young & Free、Metropolis）まで、あらゆる場所で音楽が紹介され、Billboard、Paper、Nylonといった大手出版社からも支持を得ているエヴァリンは、ポップなアクセシビリティと芸術的野心の境界線を曖昧にし続けている。 A Quiet Life』では、彼女の最も大胆不敵な姿が見られ、リスナーは残骸から自分なりの意味を見つけ出すことになる。 形式通り、彼女は安易な答えを提示せず、ただ大声ですべてを感じることを許可している。

シングル "The Feeling "は、2010年代の多幸感溢れるサウンドにインスパイアされたアドレナリン・ラッシュだ。  このシングルは、一種のメインとなる魅惑的なミュージック・ビデオとともに公開された。  この曲は、感情や生の本能に支配されることを歌っていて、私たちはそれを動きで表現したかったの。 私は妊娠6ヶ月で、ヒールとピンクのタイツで床を這っていたの。それが混沌を表現するのに役立ったと思うわ」。 OnesToWatchは、このトラックを「爽快なサウンドの爆発」と評し、LADYGUNNは「磁力と脈動」と語っている。

シングル "Boys Girls "は、過去をロマンチックに語るのが好きな私たちにとって、ノスタルジックな逸品だ。 インスタグラムで元彼のシチュエーションをストーキングしているような、そして少し空回りしているような感覚を表現したかったの」

 

「Boys Girls」

Evalyn has spent over a decade transforming personal turbulence into pop catharsis. The Los Angeles-based artist, whose work has amassed over 130 million streams on Spotify, returns with her most ambitious project yet—A Quiet Life, an album that captures the existential unraveling of modern consciousness through the lens of impending motherhood.

Known for wrapping raw emotional intensity in irresistible melodies, Evalyn first captivated audiences as the voice behind Louis the Child's breakout track "Fire," before establishing herself as both a sought-after collaborator and formidable solo artist. Her 2018 psychedelic pop opus Salvation cultivated a devoted following, exploring themes of self-rescue that would become her artistic calling card. The album's 2024 vinyl re-release, featuring new material, proved her enduring resonance with fans seeking depth beneath the dance floor.

A Quiet Life pushes further into conceptual territory, drawing production inspiration from the dissonant frequencies of Aphex Twin, ARCA, and Grimes. Written and recorded almost entirely during her first pregnancy, the 13-track collection mirrors the physical and psychological chaos of transformation—the nausea of anxiety, the noise of endless scrolling, the vertigo of losing oneself while creating new life. It's her most visceral work yet, co-created with some of Los Angeles' most innovative producers to weave a sonic narrative of consciousness, tension, and surrender.

As a live performer, Evalyn commands stages from intimate venues to festival main stages. She's graced Coachella's Sahara tent with Jai Wolf, performed at The Greek Theater, and captivated crowds at SXSW and CRSSD. Her collaborations read like a who's who of electronic music's vanguard: Dillon Francis, San Holo, Tritonal, It's Murph and RAC have all tapped into her singular ability to inject humanity into the digital realm.

With music featured everywhere from HBO to Spotify's most coveted playlists (New Music Friday, Young & Free, Metropolis), and support from major publications such as Billboard, Paper and Nylon, Evalyn continues to blur the lines between pop accessibility and artistic ambition. A Quiet Life sees her at her most fearless, inviting listeners to piece together their own meaning from the wreckage. True to form, she offers no easy answers—only the permission to feel everything, loudly.

Her single "The Feeling" is a sonic adrenaline rush inspired by the euphoric sounds of the 2010’s.  The single is shared alongside an enthralling music video that represents a kind of maina.  Evalyn confides, "This song is really about being taken over by a feeling or a raw instinct and we wanted to create that through movement. I was 6 months pregnant and crawling on the floor in heels and pink tights - I think that helped capture the chaos." OnesToWatch proclaimed the track to be an "exhilarating burst of sound" while LADYGUNN says its "magnetic and  pulsating".

The single "Boys Girls" is a nostalgic gem for those of us who love to romanticize the past. Evalyn shares, "We had so much fun working and reworking production until it felt like it hit right - I wanted to capture that feeling of instagram stalking your ex situationship and then spinning out a little."

 

グラミー賞ノミネート経験もあるNeko Caseの9枚目のアルバム『Neon Grey Midnight Green』は、セルフ・プロデュースで制作され、従来における最大のサウンドと親密さを感じさせるアルバムである。

 

彼女の10年ぶりの新曲「Neon Grey Midnight Green」は、ガーディアン紙が 「女性の反抗の完璧な咆哮 」と評した2018年の「Hell-On」に続く作品だ。彼女の最新作もそれに劣らず切迫した作品だが、その白熱した炎には感傷の深い青筋が浮かぶ。このアルバムは、近年他界したミュージシャン、プロデューサー、活動家へのオマージュである。彼女は音楽的ヒーローたちの肩の上に立ち、彼らが貸してくれた道具を使い、最もインスピレーションに満ちた作品を作り上げた。

 

リグビーとのコラボレーション「Wreck」はアルバムのファースト・シングルであり、他の誤りやすい人間との愛を見つけるという、魂を打ち砕かれるような感覚を探求している。「わがままなのはわかってる／でも今は君が太陽なんだ！/ そしてそれは大きな仕事だ。/ でも、あなたも望んでいるのでは？/ 私は太陽に見える？」と彼女は問いかけ、音楽は空へと昇っていく。

過去のどのアルバムよりも、「Neon Grey Midnight Green」はフルバンドによるライヴ・レコーディングである。「人間がここにいた 」ことを思い出させるため、息遣いやシャツの袖のざわめきさえも最終ミックスに残された。

 

レコーディングは主にケース自身のバーモント州のスタジオ、カーナシアル・サウンドで行われ、コロラド州デンバーでプレインズ・ソング・チェンバー・オーケストラと、オレゴン州ポートランドでタッカー・マーティンと追加セッションを行った。

 

「女性、ノンバイナリー、トランスのプロデューサーはとても少ない。人々は私たちを選択肢の1つとして考えていません。このレコードをプロデュースしたことを誇りに思う。これは私のビジョン。私の拒否権だ。私のセンスです」

 

 「Wreck」

 

 

 

Neko Case　『Neon Grey Midnight Green』

Label: Anti-

Release: 2025年9月26日

 

Tracklist:  

 
1. Destination 
2. Tomboy Gold 
3. Wreck 
4. Winchester Mansion of Sound 
5. An Ice Age 
6. Neon Grey Midnight Green 
7. Oh, Neglect... 
8. Louise 
9. Rusty Mountain 
10. Little Gears 
11. Baby, I’m Not (A Werewolf) 
12. Match-Lit