MUSIC TRIBUNE

UK/ダーラムのロックバンド、Fortitude Valleyは、BBC Radio 6で楽曲のオンエア経験を持つグループ。The Beths、The Go-Go's、 Pavementなどのサウンドに触発を受けてきた。バンドは、ロス・カンペシーノス！、アロ・ダーリン、グルーフ・リース、ザ・ウェーブ・ピクチャーズとステージを共にしてきた。ローラは以前、サイケデリック・ポップ・バンド、タイガーキャッツで活動しており、バンドにはマーサやファスト・ブラッドのメンバーも参加している。パンクやパワーポップ、インディーポップのエッセンスをくまなく吸収したインディーズサウンドが特徴である。

フォーティテュード・バレーがセルフタイトル・デビューをリリースしてからおよそ4年が経過した。それはたぶんバンドにとって必要な時間だった。本日リリースされたセカンドアルバムは、ロックダウン、ロジスティクス、他にも多くのことを考えながら作り上げられた。今回はこれまでとは違う。じっくりと念入りに作り上げたため、奇妙な自信と自負に満ちている。現在のラインナップは、ローラ・コヴィック - ギター、ヴォーカル、キーボード、デヴィッド・ヒリアー - ギター、ナオミ・グリフィン - ベース、ネイサン・ステェファンズ・グリフィン - ドラム、パーカッション、ギター。

バンドの曲制作を担当するソングライターのローラ・コヴイックはアルバムの制作について次のように明かしている。「フィラー・ソング(間に合わせの曲)を入れたくなかった。可能な限り良い曲を作ることに集中し、良くないと思った曲はカットした」という。メロディーは相変わらず温かく心地よい、エッジはより鋭く、ギターはより歯ごたえがあり、意図はより明確だ。

作曲は2023年初めに始まったが、レコーディングはほぼ1年ごとに2回に分けて行われた。無理に急ぐことはなく、それが制作の重要なポイントでもあった。「時間がたくさんあったから、見た目やテーマなど、もう少し慎重に見直すことができた」　その意図的な感覚は至るところに散りばめられているが、決して堅苦しくは感じないはずだ。それは、すべてのアイデアを二の次にするのではなく、自分の直感を信じることから生まれる明晰さのようなもの。バンドはノッティンガムのJT Soarでフィル・ブースとレコーディングを行った。彼は何も電話させなかった。

「フィルは素晴らしくて、たくさんの意見やアイデアをくれた。彼が提案したことは、ほぼすべて実現したと思う。週末は2日だけで、そのあと私とデイヴ(ギター)は追加のギターを弾くために週末にスタジオに行った」

もちろん、完璧主義的なサウンドディレクションにはそれなりの困難が伴った。「デイヴは偏頭痛持ちだった。彼はかなり複雑なソロを書くし、自分を追い込むのが好きだから、レコーディングは難しい側面もあった。だから何度もテイクを重ねなければならず、かなりストレスを感じていた。それでも、その努力は表れている。素晴らしいサウンドで、みんな本当に満足している」

『Part Of The Problem, Baby』はFortitude Valleyらしいサウンドだが、よりラウドになっているという。デビュー作が優しくインディー・ポップに傾倒していたのに対し、今作はフックの効いたギターとライブワイヤーのようなロック・エネルギーで聴く者を惹きつける。

「それは自然なこと。バンドに曲を持って行って一緒に演奏すると、デモとはまったく違うサウンドになることもある。その多くの理由は、アルバムとアルバムの間にパンキッシュでヘヴィなバンドを好んで聴いていたからだと思う。でも、ギターでもっと自分を押し出そうとしたからでもある」

リリックの面でも工夫が凝らされている。他者との距離、自己のアイデンティティや成長といったテーマを無意識に織り交ぜている。「テーマを決めて曲を書いているわけではありません。なんとなく歌詞が頭に浮かんでくるんだけど、最後には共通する糸が見えてくることがあった」オーストラリアからロンドン、そして、ダラムへと移り住み、COVIDで家族と離れ離れになり、10代の脳みそを持ったまま大人になるという奇妙な余韻が心のどこかにわだかまつている。

オーストラリアに戻ったことで、その糸がより鮮明になった。「あるとき、10代の頃の古い日記を見つけたんだ。いつも''イギリスに引っ越したい''と書いていた。そして今、オーストラリアはとても素敵だと思っている。『サンシャイン・ステイト』では、「大げさに言うつもりはないけど、もう二度と恋はしない」という一節が、その日記から引用されている。「ティーンエイジャーの頃はたくさんのホルモンや感情を持っていて、何もかもがドラマのようだった」

もちろん、今考えるとそれは少しこそばゆい感じもなくはない。昔を振り返ってみると、彼女は苦笑せざるを得ない。「10代の頃の私はなんでも我慢できなかった。でも、若い頃はライブに行ったり、レコードショップでバンドを見たり、音楽に夢中でした。その激しさにはちょっと憧れてしまう」

最も静かな感動を与えてくれる曲が「Into The Wild」に他ならない。この曲はローラにとって思い入れのある曲なのだという。「この曲は10年前、ウクレレ時代に書いた。 10曲目が必要だったのだけど、ネイサンがなぜかこの曲を覚えていたの。アーカイブから掘り出し、ギター用に作り直してみた。コードをいくつか変えて、ミドルエイトを加えました。歌詞はそのままだったけどね」　それから長い時間が流れた。にもかかわらず、違和感はほとんどなく、あるべきところに収まった。「私の人生の中で違う場所だったけど、それでもフィットしているはずだよ」とローラは言う。

Fortitude Valley 『Part of The Problem, Baby』- Specialist Subject

フォーティテュード・ヴァレーのセルフタイトルのデビューアルバムは、Pavementのようなアルトロックが主な特徴だった。その中には、The Beths，Alvvaysのようなポップサウンドを内包させていた。二作目は音楽性が明瞭になり、マスタリングの側面でも音がクリアになっている。それによるものか、ローラのボーカルのメロディーの青春時代を思い起こさせる甘酸っぱさは言わずもがな、バンドサウンドとしても全体的な意図が明らかになっている。このアルバムは、現代的なテイストを持つパワーポップソングを中心に繰り広げられる、ダーラムのロックバンドのドキュメント的な記録である。その親近感のあるインディーロックサウンドは、シカゴのBeach Bunnyに近いかもしれない。センチメンタルなメロディーの雰囲気を保ちつつも、ライブ・バンドとしての空気感のどこかに残している。

今作ではメロディックパンクの影響が反映され、楽曲はよりシンプルになっている。スリーコードやパワーコードのギターを多用し、ボーカルのメロディラインを浮き立たせるようなサウンドが特徴だ。バンド全体の演奏は、ボーカルと駆け引きをし、アンサンブルが主体になったかと思えば、ボーカルが主役にもなる。変幻自在なサウンドだが、バンドのソングライティングやレコーディングは、「何を聞き手に聞かせたいか」が明らかにされている。結局のところ、どれほど作曲や音楽性が優れていても、また、演奏が巧みだとしても、それが意図したような形で聞き手側に伝わらないとしたらとても惜しいことだ。音楽がどのように聴かれるのかを把握し、そして曲に磨きをかけていく。基本的なことに過ぎないが、この繰り返しの作業は良いレコードを制作する際に欠かすことができない。そしてもちろん、多くの場合は、ミュージシャンの方が一般的なリスナーよりも音楽的な理解力はあるだろうと思われるが、それほど詳しくない音楽ファンにも取っ掛かりのようなものを用意しないと、どうしても作曲や録音は独りよがりになってしまう。

その点、このアルバムは最近聴いた中では最も協調性のあるロックソング集である。もっと高度なことも出来たのではないかと個人的には思うのだが、聞き手の多様な音楽的な理解力に合わせ、最小公約数を探したという感じである。つまり、バンドメンバーがあまり良くないと思う収録曲をカットしたというだけではなく、楽曲の側面でも、余計な箇所を徹底して削ぎ落とし、最小化し簡素化している。西海岸の２０００年代のポップパンクのような作曲の簡素さ、そして、それらが現代的なインディーロックのファンシーな感覚に縁取られている。それは少し昔の事例になってしまうが、Fastbacksのようなメロディアスなパンクバンドのような温和な雰囲気を持ち合わせている。楽曲のベースに流れているのは、パンクロックであると思うが、それらがパワーポップやガレージロック、インディーポップを通じてアウトプットされる。結果的には、フレンドリーでキャッチーなロックソングが出来上がるというわけなのだ。

ただ、一般化されたロックソングの欠点としては、それらがニュートラルにならざるを得ない、ということである。一般化とは、音楽の網や裾野を広げるということで、換言すれば、一つの焦点に絞った音楽とは対象的に、先鋭的な側面を削ぎ落とし、均等にしていく行為にほかならない。それはより詳しく言うと、親しみやすく、聴きやすいけれど、その反面、欠点としては、すぐ飽きてしまうという弊害をもたらす。しかし、多くの成功した世界的なロックバンドは、なぜかしれないが、こういった均一化された曲を制作しても、音楽そのものが一辺倒にならないし、平坦にもならない。これは本当に不思議でならない。まるで彼らの紡ぐ出す音楽は、ドキュメントや映画のようにドラマティックに映る。また、音楽自体はフラットなのに、静かに聞き入らせる集中性がある。集中性というのは、聞き手から見れば、説得力とも言える。どういう点が音楽に説得力を与えるかと言えば、リアルな体験や人生観しかない。

バンドの場合、個人的な経験を他のメンバーと共有することが大切だ。そういった他者との共有をする時には、複数の人間の中に自分と違う性質を許容したり認めるための懐深さが必要になるのは、言うまでもない。

バンドやコラボというのは友人関係を構築していくのに良く似ている。最初は共通する点の共有から始まり、最終的には、相容れない点の共有へとたどり着く。その中では不和や喧嘩だって起こり得る。しかし、もし自分とはまったく違う点があると、はっきりと認めたとしても、最終的にそれは人間的な衝突や齟齬をもたらすわけではない。いや、それとは対象的に、融和をもたらすのだ。もちろん、こういった領域にまでたどり着いた人々は少ないのではないかと思われる。だが、それこそ、バンドやコラボレーションをすることの意義なのではないだろうか。フォーティテュード・ヴァレーのセカンド・アルバムの楽曲は、そういったことをありありと感じさせる。他者の個性を尊重することが、このアルバムの重要な核心をなす。シンガーソングライターのローラは、そのための道筋を示し、バンドメンバーと肩を組んでゴールを目指す。

『Part of The Problem, Baby』はオープニング「Everything Everywhere」を中心に、個人的な感覚や追憶を複数のグループで共有し、それらを的確なロックサウンドに絞っている。ボーカルのメロディーは親しみやすく、時々は湿っぽさがあるが、バンド全体のサウンドには融和があり、それらが良質なハーモニーを奏でている。このアルバムの冒頭曲には、ソングライターのローラが若い時代に夢中になっていたレコードの影響がそこかしこに散りばめられている。それらがたとえ思い出に過ぎないとしても、キラキラとしたまばゆいほどの輝きを放ってやまない。もちろん、音楽そのものが人生の流れと結びつき、センチメンタルな感覚を呼び起こす。それらのエモーションは、パワー・ポップの響きとガレージ・ロック風の響きと呼応している。コーラスやサビの箇所で歌われるのは、一般的な感覚であり、それがシンパシーを生み出す働きを持つのは言うまでもない。卓越したものを選ばず、誰もが共感するような個人的な感覚を見つけて歌い上げる。アルバムの冒頭は、脆いようなセンチメンタルな響きが込められている。しかし、対象的にアップテンポなパンキッシュなロックナンバー「Totally」では、明朗でソリッドなギターのリフを中心に、ハードロックやパワーポップを基幹にした甘酸っぱいロックソングを聴くことが出来る。特にボーカルの旋律進行は、青春の切ないような響きを導き出す。

「Video(Right Here With You）」では、The Bethsと共通するような夢想的なインディーポップとパンクサウンドの融合を楽しめる。この曲では、特にギターが全体の中で押し出され、硬質な響きを持ち、全体のアンサンブルの中で良いヴァイブスを生み出す。ガレージロック風のジャキジャキしたサウンドはギターファンであれば必聴である。そして、それらがこのバンドの持ち味である、ほのかに甘酸っぱいメロディーと融和している。もちろん、パンキッシュでエッジの効いたサウンドだが、その中には温和さが併存している。トゲトゲしいパンクも一つの魅力ではあるのだが、メロディアスなパンクも捨てがたいものがある。そして、フォーティテュード・ヴァレーの場合は、ナンバーガールの最初期のように鮮烈で青春の雰囲気に包まれたギターロックサウンドを提供している。これらは、音楽全体に良いヴァイヴを生み出している。曲の後半では、ドラムの演奏に特に注目してほしい。メロディやビート的確に補佐し、主役的な立ち位置になる。実際的に、ネイサンのドラムは、このパンキッシュな曲にソリッドなダイナミズムを及ぼしている。

「Video(Right Here With You）」

「Red Sky」はインディーポップをベースにしたロックソングで、このバンドの入門曲として推薦する。持ち前の甘酸っぱいメロディーがバンド全体のアンサンブルに絶妙に溶け込んでいる。特に、ボーカルのコーラスとヴァースの箇所で、バンドアンサンブルが上手く駆け引きをし、ラウドとサイレンスという両側面で、ボーカルの持つ温和な雰囲気や穏やかさを補佐する。連携の取れたサウンドで、一貫して音楽性は旋律的な側面に重点が絞られている。冒頭にも述べたように、「何をどう聞かせたいのか？」という狙いや意図が見える一曲である。

「Sunshine State」では、バンドのアンセミックなコーラスが力強い印象を放つ。同じようにThe Bethsを彷彿とさせるようなメロディアスなパンクサウンド。そして一貫してスリーコードを中心に組み立てられ、それがボーカルを浮き立たせるような役目を担っている。ヴァースからブリッジにかけての盛り上がりが、サビのコーラスの部分へと期待感を盛り上げ、実際的にそれを裏切らない形で、聞かせどころが登場する。コーラスの箇所では、ほどよく力の抜けたフレーズ、そして少しノスタルジックな雰囲気を持つ音楽性が際立っている。もちろん、ボーカルとギターソロが対旋律を描き、バンドとして連携の取れたサウンドを作り上げている。曲の後半では、シンガロング必須のチャントが登場する。ベタではあるが、その中に熱狂性がこもる。ポップスに強烈に傾倒したサウンドもある。「Don't You Wanna Be Near Me？」は、どこまでも純粋な雰囲気を持つパワーポップソング。ものすごく簡素で、単純な楽曲構成であるが、その中に、なぜかほろりとさせるものがある。これもまた、実際的な経験が含まれているからこその感情的な共鳴効果なのである。ローラの作曲は、夢想的な感覚もありつつも、現実性に基づいている。

「Sunshine State」

タイトル曲は、アルバムのハイライトで、バンドが重要視しているという。ポリヴァイナルに所属するOceanatorを彷彿とさせる、産業ロックの響きを強調した魅力的な一曲である。特に、この曲では、ギターソロが大きな活躍し、全体的な音楽性に強く影響を及ぼしている。その中には大陸的なロマンや情景的な音楽が含まれ、脳裏にそれらを連想させる力がある。また、タイトなドラムの演奏も、曲の音楽性を上手くリードしている。そして、ギターに対して対旋律的な効果を及ぼすベース。バンドとしては、どの要素も欠かすことが出来ない。ボーカルのメロディーが哀愁のある美しさを感じさせる理由は、これらのリアルなライブセッションを重視したサウンドが盤石な曲の枠組みを作り出し、その上で最後の牙城としてボーカルが存在するからである。

ギターやベースの和声進行としても半音階の隣接音を経ながら、基本的な調性の中で、どことなく切ないようなエモーションを巧みに引き出すこともある。また、間奏の箇所では、ドラムが主役となり、スネアとバスの強固で硬質な響きを持つパーカッションが力強い印象を聞き手にもたらす。この曲はバンドが細部までじっくりと作り込んだ形跡があるためか、聴き応えがある。どのような細かな箇所も適当に済まさないというプロフェッショナルな姿勢が、このアルバムを平均的な水準以上の内容にし、そしてAlvvaysのようなバンドの作品と部分的には同じレベルに押し上げている。

アルバムの後半の3曲では、音楽性に多彩な側面を持たせていて、コーダのように聞くことができる。しかし、同時に、大きく音楽性が変更されるというわけでもない。よりセンチメンタルでナイーブな感覚を顕にした「Take Me Away,I'm Dreaming」では、現実逃避的なニュアンスもあるが、その足はしっかりと地についている。そして、ベースがソロ的なパートで間奏を担っている。このバンドは、チームとしての連携が最高のストロングポイントであり、どのメンバーの個性も軽視しないという点が、良質なロックソングを作り出すためのよすがになっていることが分かる。ソロではできない音楽を、彼らフォーティテュード・ヴァレーは巧みに実践してみせるのだ。

音楽性という側面では、むしろアルバムの終盤になればなるほど、深遠な感覚が色濃くなってくる。それは音楽という靄の向こう側に実際的な意味を見出す行為のようであり、また、バンドの音楽の本質的な部分に近づいていくということである。続く「Into The Wild」では、方法論こそ同じでありながら、ブリットポップのような哀愁のあるフレーズが時折登場することがある。

Jets to Brazilの前身、伝説的なエモコアバンド、Jawbreakerのカットソーの先入観は裏切らない。バンドはこの数年、パンクやヘヴィロックを中心に聴いていたというが、アルバムのクローズ「Oceans Apart」には、このエピソードがはっきりとした形で現れ出ている。疾走感があり、爽やか。2000年代以降のメロディックパンクの教本のような曲ですが、懐かしさこそあれ、新しいモダンな感覚によりアップデートされている。相変わらず、フォーティテュード・ヴァレーは軽やかで親しみやすい音楽を提供し、そのクオリティは最後まで続いている。サビ(コーラス)でも期待を裏切らない。良いメロディーの条件とは、万人が口ずさめることである。徹底して簡素さを強調するロックサウンドは今後多くのリスナーを獲得しても全く不思議ではありません。

82/100

「Part of The Problem, Baby」

▪Fortitude Valley 『Part of The Problem, Baby』はSpecialist Subjectより発売。Bandcampでの視聴はこちらからどうぞ。

WONKとのコラボでも話題になったNYのフューチャーソウル・バンド満を持しての新曲で魅せる実験的でコズミックなオルタナティブR&B

ニューヨークを拠点に活動するフューチャーソウル・バンド、The Love Experiment（ラヴ・エクスペリメント、以下LEX）がニューシングル「House Boat」を2025年8月8日にリリースします。

新曲「House Boat」をいち早く視聴させていただいた。グリッチやフューチャーステップを織り交ぜたエレクトロニックなビート、ソウルフルなボーカル、ジャズ風の響きを持つサックスが重層的に折り重なる。ヒップホップ的なエッセンスもあるが、ジャズコレクティヴらしい流動的なサウンドが特色で、とても刺激的だ。楽曲の展開はスリリングで、まったく先が読めない。

2017年から2018年にかけて、東京を拠点に活動するエクスペリメンタル・ソウルバンド、WONKとのコラボアルバム『BINARY』をリリースし、東京・大阪・名古屋でツーマンツアーも成功させたLEX。

その後、メンバーはプロデューサー、ソングライター、ミュージシャンとして、それぞれのキャリアを広げ、ソウル／R&B、ジャズ、ヒップホップシーンで活躍。Lauryn Hill、Nas、Anderson .Paak、Solange、Corey Henryなどのビッグネームから、Amber Mark、Poppy Ajudha、Standing on the Cornerなどの新進気鋭のアーティストまで、幅広くコラボレーションを重ねてきた。　

長い沈黙を破ってリリースされるニューシングル「House Boat」は、今年リリース予定のニューアルバム『Velvet』からのリードトラックだ。

実験的でコズミックなサウンドデザインで迫るオルタナティブR&Bで、海を鏡に自らの魂と向き合い、新たな道を見出す心の内面を描いている。ドラム、ベース、ギター、シンセ、サックス、ヴォーカルがシームレスに重なり、水面を漂うような感覚へとリスナーを誘う。　

また、ミックスにはTravis Scott「R.I.P. SCREW」やDon Toliver「Crossfaded」のプロデュースも手がけたBlair Taylorが参加。それぞれのフィールドで成長を遂げたメンバーたちが再集結し、生み出したニューシングル「House Boat」。バンドとして新たなステージに到達したLEXが生み出すサウンドに注目したい。ニューシングルは、一週間後の8月8日に配信リリース。乞うご期待。

The Love Experiment 「House Boat」- New Single

アーティスト :The Love Experiment

タイトル : House Boat

ジャンル : Alternative R&B

配信日：2025年8月8日

発売元・レーベル : SWEET SOUL RECORDS

The Love Experiment Bio：

NYを拠点に活動するフューチャーソウルバンド／コレクティブ、The Love Experiment（ラブ・エクスペリメント、以下LEX）。チャールス・バーチェル（ドラム）、パーカー・マクアリスター（ベース）、アンドリュー・バーグラス（ギター）、デヴォン・ディクソン Jr.（キーボード）、シル・デュベニオン（サクスフォン/ボーカル）、キム・マヨ（ボーカル）で構成される。

2 0 1 7 年から2 0 1 8 年にかけて、東京を拠点に活動するエクスペリメンタル・ソウルバンド、WONKとのコラボアルバム『BINARY』をリリースし、東京・大阪・名古屋でツーマンツアーも成功させた。その後、個々のメンバーはプロデューサー、ソングライター、ミュージシャンとしてソウル／ R & B 、ジャズ、ヒップホップの各シーンで活躍。

L a u r y n H i l l 、N a s 、Anderson .Paak、Solange、Corey Henryなどのビッグネームから、Amber MarkやPoppy Ajudhaといった新進気鋭のアーティストまで、幅広い共演歴を誇る。

コレクティブとしての側面も強いLEXは、新たにニューヨークのアヴァンギャルド・ジャズ～ヒップホップコレクティブ、Standing on the CornerのメンバーでもあるSyl DuBenion（サックス＆ヴォーカル）をローテーションに加え、Kim Mayo（ヴォーカル）とのツインヴォーカルスタイルを採用。新たな編成で、LEXの可能性を広げている。ソングライティングやプロダクションにおいて、各メンバーが変幻自在に役割を変えながら、多彩なフィーチャリングアーティストをクルーに迎え、LEXが見上げる宇宙へとスペースシップが飛び立つ。

Dustin O'Halloran

ロサンゼルスの著名なピアニスト／作曲家であるダスティン・オハロラン(Dustin O'Halloran)にとって、過去2年間は実り多い時期でした。

昨年末には、スカーレット・ヨハンソン監督の初監督作『エレノア・ザ・グレート』を含む2本の映画の音楽を手がけ、同作は5月にカンヌ国際映画祭で初上映され、今秋に公開予定。

彼の野心的な2024年アルバム『1 0 0 1』は、ドイツ・グラモフォンからリリースされ、AIの時代における人間の意識の役割について問いかける没入型のコンセプトのアルバムです。

最新シングルは、その答えとしての繊細な返答となっている。シンプルに『ゴールド』と名付けられたこの親密な即興のソロ・ピアノ作品は、ダスティンのレイキャビクのスタジオで一発録りで収録されました。このトラックは、プロダクションのレイヤーを剥ぎ取り、想像力が働く瞬間の本質と共鳴を明らかにしています。

「自然と出てくる即興的なアイデアを捉えたんだ」ダスティンは語る。「通常、作品のその部分を人々と共有しません。ですが、より直接的なものを作りたかった--ただスタジオでの一瞬をね」

ダスティンはテクノロジー主導の豪華な完璧さへの誘惑を拒み、『ゴールド』の録音において、異なるマインドセットを採用しました。

マイクは迅速かつシンプルに設置され、彼のパフォーマンスは可能な限りストレートな方法で捉えることを目的としました。

「私は不完全さが好きなんだ」と彼は言います。「それが美しさの源なのだから。結果、背筋が凍るようなシンプルさを持つ作品が生まれました。時間から切り取られた黄金の瞬間なのです」

ダスティン・オハロランはアカデミー賞のノミネート作「ライオン」のサウンドトラックを手がけたことがあり、音楽という側面で米国の映画界に多大な貢献をもたらしている。今回のシングル「ゴールド』は、静謐で情景を思い浮かばせる瞑想感に満ちたピアノ曲。ダスティンの自主レーベル、スプリンターレコードから7/30にシングルとしてリリース。色彩豊かな作品が計画中です。

Dustin O'Halloran 「Gold」-New Single

アーティスト：Dustin O'Halloran（ダスティン・オハロラン）

タイトル：Gold（ゴールド）

リリース日：2025年7月30日

フォーマット：デジタルダウンロード・ストリーミング

レーベル：Splinter Records

ストリーミング:　　https://pdis.lnk.to/gold

2024年4月、ジョセフ・シャバソンとニコラス・クルゴヴィッチは、シャバソン＆クルゴヴィッチとして初の日本公演となる2週間の日本ツアーに出発した。 7e.p.レコードの斉藤耕治さんは、松本、名古屋、神戸、京都、東京でのツアー中、尊敬する日本人デュオ、テニスコーツのサヤと上野をツアーに同行させ、バックバンドを務めた。

リハーサルは2回しかできなかったが、それだけで十分だった。彼らのつながりは即座に音楽に反映され、彼らのショーは流動的で弾力性に富み、適度に予測不可能だった。斎藤はこの相性の良さを予想し、レコーディング・エンジニアを神戸に呼び、築117年のコロニアル様式の邸宅をアーティスト・レジデンスに改装した有名なグッゲンハイム・ハウスに2日間滞在することにした。

曲は何も用意されていなかったが、彼らは即興でメロディーを弾き始め、その自然発生的なものから断片を抜き出して全体像を作り上げた。サヤとクルゴヴィッチはすぐに、作詞に対するアプローチの近さに気づいた。

休憩所の上空で雲の愛称（うろこ雲、竜雲、いわし雲、ねむり雲、ひつじ雲）を共有したり、洋服屋でビンの中からお揃いの靴下を探したり、神戸市立王子動物園で老衰のため死んだばかりの愛すべきパンダ、タンタンへの頌歌を作ったりと、ふたりは日常に潜む魔法を探し出し、歌い上げる。

それこそ、この体験が「毎日の魔法」のように感じられるようになった。一行は作業をしながら、グッゲンハイムハウスの窓から太平洋が前進したり後退したりするのを眺めた。この2日間で、彼らは8曲を作曲し、レコーディングした。

「このアルバムの素晴らしいところは、この家がレコーディング・スタジオではないので、超ライブ・サウンドだということです。僕にとっては、それがとても魅力的で個性的なんだ」とジョセフは語る。

「全体が夢のような感じで、あっという間に終わってしまったから、帰国して数週間経つまで、ちょっと忘れていたんだ。セッションを開いたとき、私たちが特別なことをしたのは明らかだった」

すべてがあっという間だった。夢のように、彼らはその中に、そしてそこから抜け出していった。数週間後、録音が郵送されてきたときに初めて、その夢のような状態が記憶として鮮明になり、その瞬間を何度も何度も思い出すことができるようになった。

「Lose My Breath」

Shabason/ Krgovich/ Tenniscoats 『Wao』

Label: Western Vinyl

Release: 2025年8月29日

Tracklist:

1.Departed Bird

2.A Fish Called Wanda

3.Shioya Collection

4.Our Detour

5.At Guggenhein House

6.Ode To Jos'

7.Look Look Look

8.Lose My Breath

Pre-save: https://lnk.to/skt-wao

Tenniscoats:

さや (Vocal, Key他)と植野隆司 (Guitar, Sax, Vocal他)が学生時代に出会い、1995年majikickレーベルを始動、自らや多くの友人ミュージシャンの初期〜名作を制作、その後多く活躍。
テニスコーツはさや、植野のシンプルで独自のメロディーに互いの豊富なアイデアを詰め込み、即興も加わる。日本や海外のアーティストとのコラボレーションアルバムでも、その折々に自然発生した音楽の形が捉えられてきた。

これまで、プカプカブライアンズ、Cacoy、にかスープ＆さやソース、oneone、Spirit Fest、ざやえんどう、といったバンドでも活動。植野はソロ作品も多数リリース。2020年より、ストリーミングサイトMinnaKikeruをしのっぺん、古川モトカズら仲間と立ち上げ運営、日本のインディアーティストの音楽を広く掲載している。

Far Caspian 　『Autofiction』　　

Label: Tiny Library

Release: 2025年7月25日

Listen/ Stream

Review

アイルランド出身のミュージシャン、Far Caspian（ファー・カスピアン）は、前作『The Last Remaining Light』を通じて、素晴らしいインディーロックソングを聴かせてくれた。2021年頃からクローン病に悩まされ、また、その中で神経症などに悩まされていたジョエル・ジョンストンだったが、前作アルバムの発表後、ロサンゼルスなどをツアーし、好評を博した。

イギリスでは最近、スロウコアやサッドコアのバンドが登場する。リーズのファー・カスピアンの場合は、ローファイなサウンドが特色で、Tascamなどを用いたアナログ風のサウンドが主体となっている。ジョエル・ジョンストンのソングライティングは派手さはないが、その音楽は叙情的で切ない雰囲気がある。軽妙なインディーロックソングの中に、淡いエモーションが漂っている。

前作のアルバムのレコーディング中に、ジョエル・ジョンストンは、ブライアン・イーノのアルバムをよく聴いていたというが、それがプロデュースとしてかなり洗練されたサウンドを生み出す要因となった。新作アルバム『Autofiction』でも大きな音楽性の変更はないように思える。

アルバムの冒頭を飾る「Ditch」は、オープニングを飾るに相応しいダイナミックなトラックとして聞き入らせてくれる。アナログの逆再生をかけて、そのサウンドの向こうから、軽妙なアコースティックギターのバッキングが鳴り響く。ミニマルな構成を持つ演奏をベースにし、奥行きのあるアトモスフェリックなアンビエンスを作り、ジョエル・ジョンストンらしい心温まるエモーションが、音の向こうからぼんやり立ち上ってくる。どうやら、ライブツアーの時に指摘されたらしく、ボーカルの音量を上げて録音したのだとか。実際的に、きっとそれは幻想的なインディーロックソングの中で、クリアな質感を持つボーカルという形を捉えられるはずだ。

ジョエル・ジョンストンのボーカルは、少しだけ物憂げでダウナーな雰囲気を持っている。欠点のように思えるが、これは間違いなく、繊細さという面でストロングポイントなのである。それがむしろ曲の背景となるギターロックと絶妙なコントラストを描き、迫力をもたらしている。

オープナー「Ditch」のサウンドは、エリオット・スミスのように、インディーフォークやサッドコアの雰囲気に縁取られているが、ロックのアプローチを選ぶことにより、絶妙な均衡を保っている。そして、静と動をギターの重ね録りによって音量のダイナミズムを表現しながら、フォークロックとシューゲイズの間を行き来している。

この曲のサウンドは、従来よりもノイジーに聞こえる。だが、その中で独特な美的センスが現れることがある。メロディアスなきらめきともいうべき瞬間が、ミニマルな構成からぼんやりと立ち上ることがある。例えば、3分前後の轟音のフィードバックギターから、癒やされるような音楽性が滲み出てくる。それは、バンジョーの演奏から繰り出されるアメリカーナの要素が、スーパーチャンクのような、ほっこりするようなハートウォーミングな音楽性を作り出すのである。

二曲目「First Day」は、カスピアンらしい持ち味が現れ、ジョギングをするような軽快な疾走感を持つロックソングである。今回のアルバムでは、ギターを多重録音し、異なるコードを演奏しながら、その中でムードのあるボーカルが心地よい雰囲気を作る。前作では、ドラムの録音やミキシングに結構苦労したような印象があった。しかし、今回のアルバムでは慣れたというべきか、その経験を踏まえて、ミックスの側面で、ギターやボーカルと上手くマッチしている。

この曲では、良質なシンガーソングライターとしての表情だけではなく、名プロデューサーとしての性質を捉えることが出来るかもしれない。そして、前作アルバムでも登場した女性ボーカルとのデュオも同じように物憂げな雰囲気を醸し出す。そのサウンドには前作と同様、Rideの90年代のメロディアスで哀愁に満ちたロックソングの影響が捉えられる。二本以上の重厚なギターサウンドの迫力はもちろん、アウトロではドラムのテイクが強い印象を及ぼす。今作はソロアルバムの性質が強いが、依然としてバンドアンサンブルを重視していることが痛感出来る。

ジョンストンは、『Autofiction』に関して、''今この瞬間を楽しむことをモットーにしている''という。序盤から中盤にかけての以降の三、四曲は、フラットなアルトロックソングを聴くことが出来るが、それぞれ異なる音楽性に縁取られ、録音を通して現在を楽しんでいる様子が伺える。

このアルバムが、どのように評価されるか、もしくはどのような完成品になるのかというのを考えず、ミュージシャンは直情的でストレートなサウンドを重視している。そのサウンドは飾り気がなくどこまでも実直だ。またジョンストンは自分を楽しませることが良い作品を作るための近道であることをよく知っている。「The Sound Changind Place」ではスロウテンポのギターロック、続く「Window」ではミドルテンポのギターロックを提供し、心地よく、時に切ない叙情性を曲の節々に込めている。

「Lough」では、パワーポップやジャングルポップ風のサウンドを選び、これもまた独特な甘酸っぱさがある。上記の三曲はアナログのコンソールを取り入れたことにより、本格的なローファイサウンドを獲得した。ザラザラとした質感を持つギターサウンドは、現代のアルトロックの主流のサウンドディレクションだ。カスピアンの場合は幻想的な雰囲気を兼ね備えている。

アルバムの中では、フォーク・ロックやジャングルポップなどの音楽性が強いように思える。しかし、その中でシューゲイズ色が強いのが続く「Here Is Now」である。このアルバムの重要な録音方法であるギターの多重録音で得た重厚なギターサウンドをベースにして、ドリームポップのような夢想的なジョンストンのボーカルが揺らめく。

ジョンストンのボーカルや歌詞には、伝統的な英国詩人のような性質がある。そして、それらが、轟音性を強調したサウンドと、それとは対象的なミニマルなエレクトロニックの静かなサウンドを対比させ、起伏のあるロックソングを構築する。それほど構成は奇をてらわず、ヴァースからコーラスにそのまま跳躍するというのも、聴きやすさがある要因なのかもしれない。

ともあれ、前作アルバムから引き継がれるエレクトロニックの音楽から触発を受けたサウンドがミニマルな構成を持つロックソングと結びつく。また、最新アルバムでは、ドラムの録音に結構こだわっており、硬質な響きを持つスネアが力強い印象を帯びている。最終的には、生のドラムの録音をエレクトロニックの打ち込みやサンプラーのような音として収録している。こういったアコースティックなサウンドを活かしたロックソングがこのアルバムの持ち味である。

アルバムの前半部から中盤部は、前作アルバムの復習ともいうべきサウンドが顕著だ。しかし、完全な自己模倣には陥っていない。新しい音楽性がアルバムの終盤になって登場する。アーティストの持ち前のローファイ性をサイケのテイストで縁取った「A Drawing Of The Sun」は、American Footballの『LP1』のポスト世代に位置づけられる。エモ好きは要チェックだ。

また、「An Outstreched Hand/ Rain From Here to Kerry」はオーストラリアのRoyel Otisのようなポストパンク勢からのフィードバックを感じさせる。ただ、ファー・カスピアンの場合は、美麗なギターのアルペジオを徹底して強調させたキラキラとした星の瞬きのようなサウンドが特色である。音楽の系統としてはエモ。しかし、このアルバムでは、柔らかさと強さが共存している。これはたぶん、前作にはなかった要素であり、シンガーソングライターとしての進歩を意味する。

終盤にも注目曲が収録されている。「Autofiction」は、エモとアルトロックの中間域にあるミドルテンポの女性ボーカルとのデュエット形式で展開される。この曲は、二曲目「First Day」と同じように、ファー・カスピアンのアイルランドのルーツを伺わせ、スコットランド民謡のダブル・トニック（楽曲の構成の中で2つの主音を作る。二つの調性を対比させる形式）の影響がバラード風のロックソング、スロウコアやサッドコアのようなインディーサウンドに縁取られている。

前回のアルバムではニッチなロックソングもあったが、今回のアルバムにおいてファー・カスピアンの音楽は一般性を獲得したように感じられる。一見すると矛盾しているようだが、徹底して自己を楽しませることにより、広汎なポピュラー性を獲得する場合がある。それは、自分が楽しんでいるから他者を楽しませられるという、ごくシンプルな理論。このロジックに即して、ジョエル・ジョンストンは、相変わらず良質なインディーロックアルバムを制作している。

「Whim」のようなサウンドはグランジ的な響きが漂う。90年代のアメリカのカレッジ・ロックの系譜にあるファー・カスピアンらしいサウンド。これらのスタイリッシュでマディーな匂いのするアルトロックソングは、他のバンドやアーティストの作品ではなかなか聴くことが出来ない。

クローズ曲「End」はエレクトロニカとロックの実直な融合である。そこにあるのは、やはり''瞬間に集中する''ということである。何ができるかわからないが、やってみる。これがロックの楽しみだ。本作を通じて、何かしら新しい音楽の芽をアーティストは見つけたに違いない。楽しみは苦しみを凌駕する。音楽を心から楽しむこと。それは結局、受け手にも伝わってくる。前作は会心の一作だったが、今作でもカスピアンは人知れず、良質なアルバムを制作している。

８２/１００

「A Drawing of The Sun」

The Bethsが、8月29日にAntiからリリースされるニューアルバム『Straight Line As a LIe』から3枚目のシングル「mother, pray for me」をリリースした。

ザ・ベスは、ニュージーランドを拠点に活動するヴォーカリスト／ギタリストのエリザベス・ストークス、ギタリストのジョナサン・パース、ベーシストのベンジャミン・シンクレア、ドラマーのトリスタン・デッキの4人組。

先月のシングル「No Joy」に続く「Mother, Pray For Me」は、「何も感じないことを歌った、パンチの効いたギター・トラック」と評されている（Paste Magazine）

清らかな指弾きのギターにのせて、ストークスの声は子供のように切々と繋がりを求めている。ストークスはここで、彼女の両親が歩んできた人生、その死、そして両親を、たとえそれが十分でないと感じたとしても、最善を尽くした人間として見る方法と格闘している。「書いている間、ずっと泣いていました。

「私たちの関係がどうあってほしいのか、どうあるべきなのか、実際どうなのか、そしてそこから私が何を期待できるのか、できないのか」

「母はインドネシアからの移民で、とてもカトリック的なんだ。私はジャカルタで生まれ、4歳のときにオークランドに引っ越した。この曲は、私と母との関係、そして母の信仰と母との関係を理解しようとしている曲だと思う。書くのは大変だった。フルバンドアレンジも考えたんだけど、最終的には私とギターだけで、一番クリアに感じられた。それとオルガンを少し」

ザ・ベスの2022年のアルバム『Expert In A Dying Field』から『Straight Line Was A Lie』までの道のりは、一筋縄ではいかなかった。ストークスは初めて、携帯電話で録音した断片以上の新しい曲を書くのに苦労していた。彼女は最近、SSRIを服用し始めたが、そのせいで、精神的、肉体的な健康状態から、家族間のいざこざまで、自分の人生で壊れているものすべてを「解決」できるような気がしていた。だが、同時に、書くことが以前のように簡単にはできなくなっていた。

『Straight Line Was A Lie』では、ストークスとピアースは典型的なベスの執筆プロセスを打ち破り、創造的なインプットの波に自分たちを開放した。すでに有名な作詞家であるストークスは、個人的なことをとらえ、普遍的なことを梯子するキャッチーでインスタント・クラシックなフレーズで、長い間ファンや批評家に感動を与えてきた。

しかし、ストークスは作詞との関係を意図的に解体し、再構築した結果、完全に生まれ変わった。彼女のソングライティングは、洞察力と脆弱性という驚くべき新たな深みを獲得し、『Straight Line Was A Lie』はこれまでで最も鋭い観察眼と真実味に溢れ、詩的なベス・プロジェクトとなった。

今年初め、ベスは今秋、北米、英国、ヨーロッパを回るワールド・ツアーを発表した。ロサンゼルスのThe Wiltern、サンフランシスコのThe Fillmore、シカゴのThe Salt Shed、ニューヨークのBrooklyn Paramount、フィラデルフィアのUnion Transfer、ワシントンDCの9:30 Clubなど、これまでで最大規模の会場でヘッドライナーを務める。

「Mother, Pray For Me」

ピーター・シルバーマンのレコーディング・プロジェクトであり最愛のバンドであるThe Antlersが、待望のニューアルバム『Blight』を10月10日（金）にTransgressive Recordsよりリリースすることを発表した。

ザ・アントラーズの4年以上ぶりとなるスタジオ・ニューアルバム『Blight』から最初のリードシングル「Carnage」が初公開された。

依然としてIDMのエレクトロニカの要素は多分に感じさせるが、2009年の代表作『Hospice』のようなロック的な音楽性から距離を置き、よりソングライター色を押し出した渋いテイストのバラードソングだ。

シンガーソングライター兼ギタリスト兼プロデューサーのピーター・シルバーマンの轟音テレキャスターが、長年のコラボレーターであるマイケル・ラーナーの不協和音のようなドラミングに群がり、バンドが長い間ライヴで生み出してきたエネルギーをテープに収めることはなかった。

「”Carnage”は、私たちがめったに認めないような暴力について歌った曲だ。何の罪もない生き物が、彼らの世界と私たちの世界が衝突するとき、破壊の道に巻き込まれる」

2021年の素朴でフォーク調の『Green to Gold』に続く『Blight』は、簡単な答えを提示することなく、多くの問いを投げかけている。

アントラーズの創設者であり、主要なソングライターであるシルバーマンは、9曲の新曲の中で、私たちの受動的な破壊傾向（無頓着な汚染、無自覚な浪費、自然界のうっかりした荒廃）を見つめ直している。

しかし、その重いテーマにもかかわらず、『Blight』は決して退屈な作品ではない。冒険的なアレンジと持続的な勢いにより、このアルバムはむしろ玉虫色のオデッセイのように演奏される。

アルバムは数年かけてレコーディングされ、その大部分はニューヨーク州北部にあるシルバーマンの自宅スタジオで制作された。「このアルバムの大部分は、この広大な畑を歩きながら構想された。廃墟の惑星をさまよっているような気分だった」

そしてある意味、『Blight』はSFのようでもあり、近未来から届けられたかのようでもある。このアルバムは、綿密な世界構築の作品であり、耳の保養と驚くようなスタイルの変化で溢れている。

指弾きのギター、催眠術のようなオルガンのスタブ、軽快なピアノのメロディーなど、多くの曲がまばらな要素から始まるが、その土台に縛られ続けることはほとんどない。曲の途中で穏やかなバラードからドキドキするようなエレクトロニカへと変化し、最後にはまったく別の地点に着地する。

「Carnage」

The Antlers　『Blight』

Label：Transgressive

Release: 2025年10月10日

Tracklist:

1.Consider the Source

2.Pour

3.Carnage

4.Blight

5.Something in the Air

6.Deactivate

7.Calamity

8.A Great Flood

9.They Lost All of Us

Pre-save: https://transgressive.lnk.to/blight

2025年に彗星のごとく登場した英/クルーの4人組バンド、UNIVERSITYがニューEP『Live at The Windmill』をリリースした。UNIVERSITYはザック・ボウカー（ヴォーカル／ギター）、ユアン・バートン（ベース）、ドラマーのジョエル・スミス、エディ（マスコット）の4人で結成された。

このEPには、今年、Transgressiveからデビューしたばかりの新進バンドの生々しいエナジーが刻印されている。(現時点においては)衝動的なエモーショナルハードコアサウンドがユニヴァーシティのアピールポイントとなっている。シカゴのCap N' Jazzがお好きな方は要チェックのバンド。リリースを記念して収録曲のライブセッション動画が公開されています。下記よりご覧下さい。

『Live at The Windmill』は、ユニバーシティがロンドンの歴史的な会場で行った爆発的なライブ・パフォーマンスの時代の流れをとらえたもので、デビューアルバム『McCartney, It'll Be OK』に込められた愉快で狂おしいエネルギーを増幅している。(レビューはこちらからお読みください)

この4曲では、デビューEP『Title Track』に収録されている「History of Iron Maiden pt.2」と「Notre Dame Made Out Of Flesh」のライヴ・ヴァージョンに加え、「世界で最悪のタトゥーは何だろう」というゲームの答えにちなんで名付けられた無粋な「Massive Twenty One Pilots Tattoo」、そして先月リリースされたアルバムに収録されている「GTA Online」の煽情的で広大なパンク・ロックが披露されている。

EP『Live at The Windmill』は、本日デジタル配信され、フィジカル・フォーマットでは、未発表曲を追加したフルレングス・ライブLPとして、こちらでリリースされたアルバム・リリースの限定版カセット・バージョンのB面でのみ入手可能だ。

様々なライブのファン映像で作られた「GTA Online (Live at The Windmill)」のビデオは以下から。

UNIVERSITYのユーモアは彼らの音楽に溶け込んでいる。レーベルと契約し、"ビジネス面 "をより真剣に取り組んだ後、彼らは自分たちの音楽をより過激でより不条理な場所へと押し進めることで、この大人びた態度を相殺することにした。バンドは、自分たちの最も奇妙で滑稽な衝動性を信じようと決意した。

彼らの音楽は時に獰猛で残酷なまでにヘヴィだが、ライブでは不条理なユーモアで貫かれている。ステージ上では、目出し帽をかぶった親友のエディが加わっている。彼は、ビデオゲームをしたり、仲間が次に演奏する曲のタイトル（しばしばばかばかしくて長い）を示すサインを掲げたりするのが仕事だ。アルバム制作におけるエディの役割について、スミスはこう語っている。

「彼はすべてをレコーディングし、私たちに何をレコーディングすべきかを指示した。私たちが十分なスピードでレコーディングできなければ、彼は私たちを鞭打った。彼はまるでフランク・ザッパのようで、僕らが外でタバコを吸っていると、髪を掴んでスタジオに引きずり込んだほどだった」

「GTA- Live at The Windmill」

Tracklisting :

1.⁠ Notre Dame Made Out of Flesh (Live at The Windmill)

2.⁠ Massive Twenty One Pilots Tattoo (Live at The Windmill)

3.⁠ GTA Online (Live at The Windmill)

4.⁠ History of Iron Maiden pt.2 (Live at The Windmill) +Four more unreleased tracks on the Cassette album!

EPのストリーミング:

https://transgressiverecords.us8.list-manage.com/track/click?u=30d8d99bd641d7b8d2b7fbbf5&id=846c4fb8d8&e=d4d414e4ec

The Great Escape、Green Man、End of The Road、Pitchfork Festival Paris、SXSW、Outbreakでのインストア・ライヴや傑出したライヴに続き、ユニヴァーシティは2025年11月1日にアメリカ・サンディエゴで開催されるデフトーンズの年次フェスティヴァル、Dia De Los Deftonesに出演することを発表した。

バンドはまた、今年9月にイギリスとヨーロッパでヘッドライン公演を行う予定です。ライブ日程は下記よりご覧ください。

UNIVERSITY Live Date:

Fri 05/09/2025 Paradiso (Upstairs), Amsterdam Netherlands

Sat 06/09/2025 Misty Fields Festival, Asten-Heusden (NL) Netherlands

Mon 08/09/2025 La Mécanique Ondulatoire, Paris France

Tue 09/09/2025 Aéronef, Lille, France

Thu 11/09/2025 Schokoladen, Berlin Germany

Sat 13/09/2025 Botanique, Brussels Belgium

Mon 15/09/2025 Louisiana, Bristol United Kingdom

Tue 16/09/2025 Where Else?, Margate United Kingdom

Wed 17/09/2025 George Tavern, London United Kingdom

Fri 19/09/2025 The Castle, Manchester United Kingdom

Sun 21/09/2025 Hug & Pint, Glasgow United Kingdom

Mon 22/09/2025 Brudenell Social Club (Community Room), Leeds United Kingdom

Tue 23/09/2025 Hare & Hounds 2, Birmingham United Kingdom

Sat 01/11/2025 Dia De Los Deftones, San Diego, United States

ジャズとR&Bを横断する新鋭サックス奏者が紡ぐ、甘美でメロウなストーリー。インパートメントのサブレーベル「森の響（ひびき）」第五弾。

ジャズ、R&B、ネオソウルを横断しながら、現代アメリカを生きるミレニアル世代のリアルを描き出す、アメリカのサックス奏者／ヴォーカリスト／プロデューサー、ブラクストン・クックが渾身のニューアルバムを発表しました。インパートメントのサブレーベル、森の響から8月29日にリリースされます。

これまでにトム・ミッシュ、ジョン・バティステ、ウィントン・マルサリスら幅広いジャンルのアーティストと共演し、クリスチャン・スコット（チーフ・アジュア）のバンド・メンバーとしても活躍してきた。その本格派のサウンドで、ブルーノート東京でのライブの観客を引き付けた。

スピリチュアルで洗練されたサウンド、ソウルフルな歌声、そして、鋭くもあたたかな視点は、同世代の中でもひときわ際立っている。デンマーク出身のシンガー、マリー・ダールストロムとの甘美なデュエット「オール・マイ・ライフ」を含む全14曲を収録。人種、愛、信念、家族——さまざまなテーマを内包しつつ、『ノット・エヴリワン・キャン・ゴー』（誰もが同じ道を行けるわけではない）というタイトルに込めた、彼自身の覚悟と進化が刻まれている。

アルバムの発売に先駆けて、先行シングル「All My Life」のミュージックビデオが公開されています。下記よりご覧ください。

「All My Life」

Braxton Cook 『Not Everyone Can Go』

[ブラクストン・クック/ノット・エブリワン・キャン・ゴー]

発売日 : 2025年8月29日

レーベル : 森の響(インパートメント)

フォーマット : 国内盤CD

品番 : MHIP-3795

店頭価格 : 2,790円(税込)/2,500円(税抜)

バーコード : 4532813837956

*ライナーノーツ収録(落合真理)

*日本のみCDリリース

Braxton Cook / ブラクストン・クック（ヴォーカル、サックス、フルート、ギター）:

ミレニアル世代のサックス奏者、シンガーソングライター、プロデューサー、マルチ・インストゥルメンタリスト。2017年のデビュー以来、メロウで甘美なネオソウル、R&B、ジャズ、ブラック・ミュージックを表現し続け、圧倒的なオリジナリティを誇る。マーキス・ヒルやマセーゴといった俊英たちのコラボレーションも話題に。“ジャズの驚異”と称される、その卓越した音楽性はますます注目を集めている。2024年ブルーノート東京での来日公演では好評を博した。

スウェードはニューアルバムをリリースする。『Antidepressant』はBMGから9月5日に発売される。

緊急盤で、ナーヴィオを前奏に持ち、14曲以上のカンセーションを収録しています。ディスコのタイトルにもなっている、アフィラード・ギターとインパルスで構成された "Disintegrate "と、アフィラード・ポストパンクの "Trance State "は、力強いギターと粗野なギターが、緊張感とリジッドな雰囲気を作り出している。

"She Sells Sanctuary"（ザ・カルト）をさらに進化させた "Dancing With The Europeans''は、アフター・パンクの同じパラメーターを踏襲している。この曲は、抗鬱剤の効能を示すのに、非常に効果的だ。この曲とスペインとの関係について、ブレット・アンダーソンは次のように語っている。このアルバムのテーマを書いている間、僕らはスペインでコンチェルトをやっていたんだ。

その時、僕は嫌な瞬間を過ごしていたんだ。でも、素晴らしいコンチェルトになったよ。観客と僕との間に、素晴らしい友情があったんだ。 Dancing With The Europeans（ヨーロッパ人と踊ろう）"というフレーズを思い浮かべました。この "Europeos "という言葉には惹かれるものがある。このフレーズは、孤立無援の世界の中でつながりを求めている経験を描写している。この感覚は、「私たちの仲間とのつながりはどこにあるのだろう？スペインで行われたこのコンチェルトは、私たちが課したいと思っているこの障壁を取り除いた」

このビデオクリップは、クリス・ターン（フェイバリット・カラー：ブラック・プロダクション）が監督を務め、ブレット・アンダーソンが歌うように、人生を一つにし、分かち合うことの可能性を捉えている。

「Dancing With The Europeans」

Swede 『Antidepressant』

Label: BMG

Release: 2025年9月5日

1. Disintegrate

2. Dancing With the Europeans

3. Antidepressants

4. Sweet Kid

5. The Sound And the Summer

6. Somewhere Between An Atom And A Star

7.Broken Music For Broken People

8.Criminal Ways

9. Trance State

10. June Rain

11. Life Is Endless, Life Is A Moment

スウェードが10thスタジオ・アルバム『Antidepressants』の詳細を発表しました。BMGより9月5日にリリースされるこのアルバムは、バンドが最高の状態にあることを示す画期的な作品です。2022年9月にリリースされ、批評家から高い評価を受けた9作目のトップ10アルバム『Autofiction』の成功に続く作品。『Autofiction』はUKアルバムチャートで2位にランクインし、20年以上ぶりの最高位を記録しました。

スウェードは『Antidepressants』のリリースを祝し、ロンドンのサウスバンク・センターを舞台に、9月から始まる一連の興奮を誘うライブパフォーマンスで記念イベントを開催します。スウェードの4日間のレジデンシーは、9月13日と14日にロイヤル・フェスティバル・ホールで連続2日間の公演から始まり、9月17日にはパーセル・ルームで親密なアコースティック公演を実施。最終日の9月19日にはクイーン・エリザベス・ホールでパラオーケストラとのコラボレーション公演で締めくくられます。

Interview: Huan Huan(緩緩) 台北のベストインディーロックバンド　音楽性やライブ、日本ツアーについて語る

ライブで最も重要なのは、バンドのエネルギーを音と映像の両方で観客に伝えることーHuan Huan(Baozi)

Huan Huanは台北を拠点とするオルタナティブロックバンド。ボーカルのCoco、ドラマーのYi Jen、ベーシストのStone、ギタリストの Baoziからなる。メンバーチェンジを経て、2017年ごろから音源を発表してきた。

デビュー当時はドリームポップやシューゲイズを主体とする音楽を発表していた。徐々に音楽の間口を広くさせていき、ポストロックやジャズ、ソウルミュージック、そしてアジアのポップなどを音楽性の中に取り入れてきた。

現在のファン・ファンの音楽はスローな方向に傾き、フォークやロックの影響をココの透明感のある癒しのボーカルと融合させている。彼らの多様な歌詞は、北京語、英語、台湾語にまたがっており、異なる文化を持つ聴衆とつながることを可能にしている。

セカンド・アルバム『When The Wind Came Across』では、モータウンとソウルの要素を取り入れた。「That Afternoon」という曲では初めて台湾語の歌詞を試みた。このアルバムは、明るくも優しく、日常の瞬間に寄り添ってくれる静かな友人のような黄金色の温かなリスニング体験を提供する。

2025年には、台湾の福建語の曲「Words Unsaid」、北京語の曲「Afraid」、そしてアートの枠を超えたコラボ曲「Fracture - To W」の3枚のシングルをリリースし、さらなる進化を遂げた。これらの作品は、穏やかな芯を体現しつつも、新たな境界線を探るために外へと手を伸ばし続けている。

2015年の結成以来、Huan Huanはその独特なサウンドでマンダリンの音楽シーンで目立ってきた。 2017年、デビューシングル「Huan Huan」をリリース。 2019年のEP『Charlie』のリリースに続き、彼らは国内外の批評家から注目を集めた。次いで、音楽フェス「LUCfest」でのパフォーマンスが海外のキュレーターの目に留まり、オランダの「Motel Mozaïque」、ポルトガルの「MIL Festival」への招待につながった。

2020年、Huan Huanはデビューアルバム『Water Can Go Anywhere』をリリースし、これまでのEPにあったポストロックやシューゲイザーの影響から、フォークロックやドリームポップを取り入れたヒーリング・サウンドへとシフトした。収録曲「I'd Better Be On Time」は、Disney+のシリーズ「Small & Mighty」でフィーチャーされ、ソニーとコラボし、同曲のライブ・セッションを行った。

また、このアルバムをきっかけに、日本のインパートメント・レコードからフィジカル・リリースのオファーがあり、日本のTBSラジオで生放送インタビューが行われた。アルバムのリリース後、ファン・ファンは2021年ゴールデン・インディ・ミュージック・アワードの「ベスト・ニュー・アーティスト」にノミネートされ、スペインのプリマヴェラ・プロやタイのバンコク・ミュージック・シティなどの国際フェスティバルでバーチャル・パフォーマンスを行った。

パンデミック規制の緩和により、Huan Huanは国際的なプレゼンスを拡大し続けた。 2022年のEP『Blue Room Orange Man』では、クラシック・ギターとシンセ・ベースを導入し、サウンドをより豊かにした。彼らはマレーシアのCITY Plus Radioの独占インタビューに招待され、シンガポールのASEAN音楽祭にも出演した。

2023年、彼らはプロデューサーのユチェイン・ワンとコラボレートし、セカンド・アルバム『When The Wind Came Across』をリリース。このアルバムの新鮮で風通しの良い台湾語の歌詞はリスナーの共感を呼び、広く称賛された。

特筆すべきは、「No Tears」がネットフリックス・シリーズ「At This Moment」のエンディング・テーマに選ばれたこと。その後、沖縄で開催されたミュージック・パワー2023で日本のステージにデビューし、地元の観客から熱狂的な反応を得た。

2024年、ファン・ファンは "Huan Huan to Your Home "ツアーを開始し、ファンとのつながりを深め、彼らの音楽が感情に与える影響を探るため、親密なハウス・コンサートを行った。こうした親密な交流を通じて、彼らは自分たちの音楽がリスナーの聖域となることを理解した。 2025年4月、ファン・ファンはリリースしたばかりのシングル「Afraid」と「Words Unsaid」を、台湾を代表して日本の有名な音楽フェスティバル「SYNCHRONICITY」のステージに持ち込んだ。

バンドはまた、FM802、Asian Breezeといった著名なラジオ番組にも出演し、メディアとリスナーの双方から満場一致の賞賛を受けた。

2025年5月には初の中国ツアーを行い、南京、杭州、上海、武漢、広州を訪れた。心のこもった隙のないパフォーマンスは口コミで評判を呼び、チケットの売り上げも伸びた。 7月には、台湾の詩人、リン・ユーをフィーチャーし、音楽と文学のコラボレーションを図った『Fracture - To W』をリリースした。バンドは今後、これらの作品を国際舞台で披露し、大胆な新章を開く予定。(バンドの公式HPの紹介文を参照)

ーーインタビューをお受けいただきありがとうございます。まず、Huan Huanの結成の経緯について教えていただけますか？？

Huan Huanは何度かメンバーチェンジを経て、徐々に現在のアンサンブルになりました。ボーカルのココが、ポストロックをやりたいとネットでバンド仲間を募集したのが始まりでした。

「Huan Huan」というバンド名は、ココがシャワーを浴びているときに思いついたもので、彼女の非常にマイペースな性格にぴったりだと感じた。 2019年、ドラマーのYi-Chenが加入し、ギタリストのBaoziが続いた。

ベーシストのストーンが加入したのは、セカンドアルバムのレコーディングのときだった。時が経つにつれ、バンドの音楽スタイルも進化し、ポストロックから現在はフォークロックに近いサウンドへと変化していきました。

ーーメンバーはそれぞれどんな音楽に影響を受けていますか？

Baozi：一番影響を受けた音楽のジャンルは、ロック、J-POP / J-Rock、オルタナティブ・ロック、ポスト・ロックなどです。

Coco：ビーチハウス、ドーター、キングス・オブ・コンビニエンス、ウィルコ、ビッグ・シーフなどかな。

Stone: 最も影響を受けた音楽はブラックミュージックで、特にソウルやジャズ。マーヴィン・ゲイ、スティーヴィー・ワンダー、ジャクソン5、ディアンジェロ、エリカ・バドゥなど。

Yi Jen：10代の頃はロック、大学時代はポストロックやエレクトロニック・ミュージック、今はモータウンのグルーヴやジャズの即興演奏が好きです。

ーー近年、ライブに力を入れている印象がありますね。皆さんがライブで大切にしていることは？

Baozi: ライブで最も重要なのは、バンドのエネルギーを音と映像の両方で観客に伝えることだと思いますね。私たちがセットを計画するときは、CDやストリーミングで聴くよりも、より強烈で没入感のある体験を作り出したいと思っています。

ライブはより直接的に交流できるため、バンド全体の個性だけでなく、メンバーそれぞれの個性も表現したい。そのため、今年から曲間のつなぎに各メンバーのソロを入れるようにしました。

ーーHuan Huanは今年、「Words Unsaid」と「Afraid」の2枚のシングルをリリースしました。バンドの新曲について詳しく教えてください。

Baozi：「Words Unsaid」はHuan Huanにとって2曲目の台湾語の曲です。歌詞はとても悲しい内容なんですが、リスナーの感情のはけ口になれば良いかなと思い、情熱的でアップビートなダンススタイルでその悲しみを表現することにしました。

今までで一番テンポの速い曲でもあります。ボーカルのココがキングス・オブ・コンビニエンスが大好きで、フォークとダンス・ミュージックを融合させてみたいとずっと思っていたんだ。ついに完成したときは、演奏する手が痛くなるくらい興奮したし、嬉しかったよ（笑）！演奏する手は痛かったけどね（笑）！！

Stone:「Afraid」は、長年にわたるHuan Huanの特徴である暖かくオーガニックなスタイルを継承しています。ココの歌詞は、心の奥底から最も繊細で親密な感情をとらえています。もう一曲の「Words Unsaid」は私たちにとって新しい方向性です。エモーショナルな深みを保ちつつ、ライブの観客が没頭できるようなグルーヴをより多く取り入れました。ツアー中の反応も上々です。

Huan Huan

ーー今年、下北沢の来日公演がありましたよね。どうでしたか？東京の観光はなさいましたか？

Baozi：日本での公演は、私たちにとってエキサイティングであると同時に緊張する経験でした。日本の音楽シーンは非常に強いと見てきたので、SYNCHRONICITYのような大きなイベントへの出演したことは大きな励みになりました。

さらに、下北沢のmono recordでも小規模なライヴを行いました。私たちの音楽が言葉の壁を越えて、日本の聴衆に癒しと喜びをもたらすことができることを知ったとき、それは本当に感動的で確かな瞬間でした。

観光では、池袋のサンシャインシティに行って、おいしい居酒屋料理とお酒を食べ歩きました(笑)！とても美味しかった（笑）！！

Stone: そうですね。今回の日本ツアーでは、いくつかの素晴らしいライブハウスを訪れましたし、SYNCHRONICITYでは他の素晴らしいバンドのパフォーマンスも観ました。観客の多様性と熱心さに感銘を受けました。ほとんどのイベントとインタビューが渋谷近辺だったので、数日かけて渋谷を深く探索しました。賑やかな通りは活気があって、よく道に迷ってしまったよ。（笑）

Yi Jen：私はSYNCHRONICITYの会場のすぐそばにある任天堂ショップに行きました。また、海外ではなかなか見ることのできないヴィンテージの雰囲気を楽しむために、いくつかの「喫茶店」にも行きました！！

Coco: 今回は、日本の友人たちが温かく迎えてくれました。ライヴにたくさんの人が応援に来てくれただけでなく、スタッフが私たちと他のパフォーマーを独特の雰囲気のレストランに連れて行ってくれました。みんなで熱唱したことが印象に残ってます。本当に貴重で大切な思い出でした！！

ーーHuan Huanの今後の予定はどうでしょう？近い将来、アルバムやEPをリリースする予定は？

Coco: 次のアルバムのコンセプトはすでに大まかな方向性が決まっています。 2025年に3枚のシングルをリリースした後、創作の勢いを維持したまま、フルアルバムの準備を始めたいと思っています。

ーー今、台北ではどんな音楽が流行っていますか？　また、この街の魅力は何でしょうか？？

Baozi: 台北では、あらゆる音楽がそれぞれのファン層を持っています。世界的なトレンドと同じように、ヒップホップやK-POPは今でも人気があります。また、日本的な音楽も昔から根強い人気がありますね。

私が台北の街に最も惹かれるのは、その多様性と温かさなのです。オープンマインドな雰囲気は、あらゆる文化的要素を受け入れてくれるし、お店のオーナーも市民もとても親切だ。それがこの街の一番好きなところですね。

Stone: 台北(タイペイ)はサブカルチャーが盛んな街で、それぞれのグループが好みのジャンルを持っているというBaoziの意見に賛成です。また、最近、どうやら大学生の間でシューゲイザーがじわじわと人気が出てきているようです。なんだか学生時代に戻ったようで驚いています。（笑）

ーー最後に、ファンファンの活動からしか得られないものを挙げるとしたら？

Baozi：ファンファンというバンドは、誰にでもいる優しい友達のような気がします。悩みを打ち明けたとき、すぐにどうしたらいいか教えてくれるのではなく、ただ一緒にいて、話を聞いてくれて、一番必要な慰めをしてくれる。

私たちが心の優しい声を歌うのは、聴く人にとって唯一無二の慰めであってほしいと願っているからです。この特別な優しさこそ、ファン・ファンならではの魅力だと思います。

Coco: 私たちは、オープンで思いやりのある精神で物事に取り組み、私たちの音楽が聴く人に癒しの感覚を提供できることを願っています。

Stone: 長い年月を経て、今のファンファンには私たち4人の自然で純粋な面がより多く反映されていると感じています。壮大さを装う必要はなく、ただ正直に自分たちを表現し、分かち合っている。これからも、このような雰囲気を世界の隅々まで届けていきたいと思っています。

Yi Jen：内向的で率直な友人。とても温かい仲間たち。

ーーありがとうございました。今後の活躍にも期待してます。また日本に遊びに来てください！！

Streaming: https://lirico.lnk.to/DDIP-3110

インタビュー: Music Tribune (Tokyo)

取材協力: (Meng: In Utero [Manager of Huan Huan])

Huan Huan is an alternative rock band based in Taipei. The band consists of vocalist Coco, drummer Yi Jen, bassist Stone, and guitarist Baozi. After changing members, the band has been releasing music since around 2017.

At the time of their debut, their music was mainly dream pop and shoegaze. Gradually, they have broadened their musical horizons and have incorporated post-rock, jazz, soul music, and Asian pop into their musicality.

Today, Fan Fan's music leans in a slower direction, blending folk and rock influences with Coco's clear, soothing vocals. Their diverse lyrics span Mandarin, English, and Taiwanese, allowing them to connect with audiences from different cultures.

For his second album, "When The Wind Came Across," he incorporated elements of Motown and Soul. On the other hand, the song "That Afternoon" was the first time he tried Taiwanese lyrics. The album offers a golden, warm listening experience, bright yet gentle, like a quiet friend who accompanies you in your everyday moments.

In 2025, the group further evolved with the release of three singles: the Taiwanese Fujian song "Words Unsaid," the Mandarin song "Afraid," and the cross-artistic collaboration "Fracture - To W." These pieces embody a calm core, yet continue to reach outward to explore new boundaries.

Since its formation in 2015, Huan Huan has stood out in the Mandarin music scene with its unique sound. In 2017, they released their debut single, "Huan Huan". Following the release of their EP "Charlie" in 2019, they garnered attention from local and international critics. Next, their performance at the music festival LUCfest caught the attention of international curators, leading to invitations to Motel Mozaïque in the Netherlands and MIL Festival in Portugal.

In 2020, Huan Huan released their debut album, Water Can Go Anywhere, which shifted away from the post-rock and shoegaze influences of their previous EPs to a healing sound that incorporated folk rock and dream pop. The track "I'd Better Be On Time" was featured on the Disney+ series "Small & Mighty," and the band collaborated with Sony on a live session of the song.

The album also led to an offer for a physical release from Japan's Imperament Records and a live interview on Japan's TBS radio. Following the album's release, Fun Fun Fun was nominated for "Best New Artist" at the 2021 Golden Indie Music Awards and performed virtually at international festivals such as Primavera Pro in Spain and Bangkok Music City in Thailand. He has performed virtually at international festivals such as Primavera Pro in Spain and Bangkok Music City in Thailand.(Via Official HP)

ーーThank you for taking the time to do this interview! How the band was formed? Do you have a story about the formation of Huan Huan(緩緩)?

Huan Huan went through several lineup changes before gradually forming its current ensemble. It all started when vocalist Coco posted an online call for bandmates, hoping to play post-rock.

The band name "Huan Huan" came to her while she was taking a shower—she felt it perfectly matched her extremely slow-paced personality. In 2019, drummer Yi-Chen joined, followed by guitarist Baozi. It wasn’t until the recording of their second album that bassist Stone became part of the band. Over time, the band’s musical style also evolved, shifting from post-rock to what is now a sound more akin to folk rock.

ーーWhat kind of music influences each member of the band?

Baozi: The music genres that have influenced me the most are Rock, J-Pop / J-Rock, Alternative Rock, Post Rock, and so on.

Coco: The music that has influenced me the most is probably Western indie music from the 1990s to 2000s, such as bands like Beach House, Daughter, Kings of Convenience, Wilco, and Big Thief.

Stone: The music that has influenced me the most is Black music, especially soul and jazz. I enjoy listening to classic tracks from the 1960s to the 2000s—artists like Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Jackson 5, D’Angelo, Erykah Badu, and others.

Yi Jen: I have been influenced by different music in my different ages, such as rock music during my teenage years, and then post rock or electronic music during my college years, and now I pretty like the grooves of Motown music or the vibrant improvisations in jazz music.

ーーI get the impression that in recent years you have been putting more effort into your live performances. What do you consider important in your live performances?

Baozi: I think the most important part of a live performance is conveying the band's energy to the audience through both sound and visuals. When we plan our set, we want to create an experience that feels more intense and immersive than just listening to a CD or streaming.

Because live shows allow for more direct interaction, we also want to express not only the band’s overall personality but also the individual characteristics of each member. That’s why, starting this year, we’ve included solo segments from each member to bridge between songs.

ーーHuan Huan has released two good singles 「Words Unsaid」and「Afraid」this year. Can you tell us more about these new songs from the band?

Baozi: “Words Unsaid” is Huan Huan’s second song in Taiwanese. Although the lyrics are quite sorrowful, we chose to express that sadness through a passionate, upbeat dance style, hoping it could serve as an outlet for listeners’ emotions. It’s also our fastest-paced track so far. Our vocalist Coco really likes Kings of Convenience, and we’ve always wanted to try blending folk with dance music. When we finally pulled it off, we were so excited and happy—though our hands were sore from playing it! (laughs)

Stone:「Afraid」continues Huan Huan’s signature warm and organic style over the years. Coco’s lyrics capture the most delicate, intimate emotions from deep within. I feel that both the songwriting and the performance embody a very 'Huan Huan' atmosphere.「Words Unsaid」is a new direction for us. While maintaining emotional depth, we incorporated more groove—something the live audience can really immerse themselves in. The response during the tour has been quite positive.

ーーYou guys had a tour in Japan this year. How did you feel about it? Did you do any sightseeing?

Baozi: Performing in Japan was both an exciting and nerve-wracking experience for us. We've always seen Japan’s music scene as extremely strong, so getting selected to perform at a major event like SYNCHRONICITY was a huge encouragement.

We also had a smaller show at mono record in Shimokitazawa. When we saw that our music could cross language barriers and still bring healing and joy to Japanese audiences, it was a truly touching and validating moment. As for sightseeing, I went to Sunshine City in Ikebukuro and had a ton of delicious izakaya food and drinks—so good! (laughs)

Stone: During this Japan tour, we visited some great live houses and also watched performances by other excellent bands at SYNCHRONICITY. I was impressed by the diversity and engagement of the audience—it really felt like music is a way of life. Since most of our events and interviews were around Shibuya, we spent several days exploring the area in depth. The bustling streets were so vibrant that I often got lost (laughs).

Yi Jen: I went to Nintendo store in Shubuya just right beside our venue in SYNCHRONICITY because I’m a fan of their game “Pickmin Bloom”. We also went to several “kissaten” to enjoy the vintage vibe that we can hardly find outside of Japan!

Coco: This time, we were warmly welcomed by our friends in Japan. Not only did many people come to our shows to show their support, but the staff also took us and other performers to dine at restaurants with a unique atmosphere. Everyone sang together enthusiastically—it left a deep impression on me. It’s truly a rare and cherished memory!

ーーWhat are Huan Huan's plans for the future? Any plans for releasing an album or EP in the near future?

Coco: The concept for the next album already has a rough initial direction. After releasing three singles in 2025, we hope to maintain our creative momentum and begin preparing for the full album.

ーーWhat kind of music is popular in Taipei now?　And what do you think is attractive about this city?

Baozi: In Taipei, all kinds of music have their own fan bases. Just like global trends, hip-hop and K-pop are still really popular, but Japanese-style music has always had a strong following here too. What attracts me most to Taipei is its diversity and warmth.

The open-minded atmosphere allows all kinds of cultural elements to thrive, and both shop owners and everyday citizens are incredibly kind. That’s what I love most about the city.

Stone: I agree with Baozi’s observation that Taipei is a city where subcultures thrive, with each group having its own preferred genres. Recently, I’ve noticed that Shoegaze music is gradually becoming popular among university students, which surprises me—it almost feels like I’ve gone back to my college days (laughs).

ーーFinally, if you had to name something that you can only get from Huan Huan's activities, what would it be?

Baozi: I think Huan Huan as a band feels like that one especially gentle friend we all have. When you share your worries with them, they won’t immediately tell you what to do—they’ll just stay with you, listen, and offer the comfort you need most. The way we sing the softest voices of the heart is something we hope is uniquely comforting to our listeners. I believe that this special kind of tenderness is Huan Huan’s most unique charm.

Coco: We approach things with a spirit of openness and compassion, and we hope our music can offer a sense of healing to those who listen.

Stone: After all these years, I feel that Huan Huan now reflects more of the natural, genuine sides of the four of us. We don’t need to pretend to be grand; we just honestly present and share ourselves. Moving forward, we want to keep bringing this kind of atmosphere to every corner of the world.

Yi Jen: An introverted an candid friend, a warm company.

ーThank you so much. We look forward to seeing your future activities. Please come visit in Japan again!

Interview : Music Tribune (Tokyo)

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