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イギリスのインディーロックバンド、Bleach Labは、新作EPの3枚目となるニューシングル 「Close To The Flame」をリリースした。この曲は７月１８日に発売されるEPのタイトル曲だ。ドリーム・ポップとシューゲイズの中間にあるギターサウンド、そしてカイルの切ないボーカルが特徴だ。
このニューシングルについて、フロントウーマンのジェナ・カイルは次のように語っている。 Close To The Flame "の歌詞とメロディを書くとき、スローダイヴやマイ・ブラッディ・バレンタインといったバンドに強くインスパイアされた」
「この曲は、青春ロマンス映画のラストシーンのように、真夜中に知っていることを、すべて捨てていくような感じにしたかったの。この曲は、誰かに夢中になるあまり、その人と一体化してその人になりたくなるような、すべてを飲み込んでしまうような関係について歌っている」
「Close To The Flame」
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モントリオールのTOPSがニューアルバム『Bury the Key』をGhostlyから8月22日にリリースすると発表した。同レーベルからのリリースは5年ぶりとなる。彼ら自身がプロデュースした。
このアルバムには、最近のシングル「ICU2」が収録されており、新曲「Chlorine」は、メロドラマと威勢の良さが同居するドリーミーなミッドテンポのロック・ソング（このバンドが得意とする曲）である。
「一時期、私はバーへ出かけては、自分とは相性が良くないが、たまらなく惹かれる特定の人物とすれ違うことを願うサイクルに陥っていた」とシンガーのジェーン・ペニーは言う。
「私が育ったアルバータ州エドモントンはとても寒く、冬にはよくプールに行った。友人たちとバーに行ってお酒を飲むようになったのもエドモントンだった。アルコールと塩素が毒であることを考え、親しくなろうとした人たちが結局は自分にとって悪い人たちだったことを考え、今でもその人たちを愛していることを考え、「Chlorine」という曲を書いたんだ」。ビデオは以下から見ることができる。
「Chlorine」
TOPS 『Bury The Key』
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Label: Ghostly International
Release: 2025年８月２２日
Trackist:
1. Stars Come After You
2. Wheels at Night
3. ICU2
4. Outstanding in the Rain
5. Annihilation
6. Falling on my Sword
7. Call You Back
8. Chlorine
9. Mean Streak
10. Your Ride
11. Standing at the Edge of Fire
12. Paper House
TOPS（デヴィッド・キャリエール、ジェーン・ペニー、マルタ・チコイェヴィッチ、ライリー・フレック）は、即興性と深みを確実に織り交ぜた時代を超越した音楽を書く。
2020年以来、新しいレーベル、ゴーストリー・インターナショナルからリリースされた初のフルアルバム『Bury the Key』は、モントリオールのバンドにとって魅惑的な再紹介となる。 このアルバムは、一度は封印された感情と向き合い、幸福、快楽主義、自己破壊の間のギブ・アンド・テイクに関与している。
架空の人物が登場することも多いが、彼らの光り輝くグルーヴィーなセルフ・プロデュースの曲は、親密さ（バンド内外の両方）、有害な行動、薬物使用、終末的な恐怖といった個人的な観察から引き出されている。
レコーディングが始まったとき、彼らは変化に気づき、冗談めかして「邪悪なTOPS」と呼ばれるようになった、とペニーは言う。
「私たちはいつもソフトなバンドとか、カナダ的なナイーヴさとか親しみやすさみたいに見られているんだけど、自分たちを取り巻く世界と本当にチャンネルを合わせることに挑戦したんだ」
迫り来る時代のレンズと、歳を重ねることで得られる明晰さを通して、TOPSは『Bury the Key』でより不吉なディスコの領域へと足を踏み入れ、ソフト・フォーカスのソフィスティ・ポップに研ぎ澄まされたエッジを与えている。
Sports Team 『Boys These Days』
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Label: Bright Antenna & Distiller
Release: 2025年5月23日
Review
イギリスの５人組ロックバンド、スポーツ・チームは前作でニューウェイブ/ポスト・パンク風の音楽アプローチをベースにしていたが、本作『Boys These Days』では大幅に作風を転じている。今作ではバブリーな音楽性を選び、ダンスポップ/ディスコポップ、ソフィスティポップ（AOR)、ローリング・ストーンズの『Tatto You』時代の８０年代のロック、そしてソウルなど多角的な楽しさを織り込んでいる。スポーツ・チームの新しいフェーズが示された作品である。もちろん、５人組という分厚いメンバーがプロジェクトのために一丸となっているのも美点だ。
本作の冒頭を飾り、先行シングルとして公開された「I'm in Love(Subaru）」を聞くかぎり、最早スポーツチームに”ポスト・パンク”という常套句は通用しないことがわかる。ダンサンブルなポピュラーセンスを発揮し、サックスフォンの高らかな演奏を背景に、キーボード（ベン）、ドラム（グリーンウッド）、ベース(デュードニー)を中心に、重厚なバンドアンサンブルを構築し、アレックス・ライスのソウルフルでパワフルなボーカルがバンド全体をリードする。
楽曲全体のメロディアスな印象はもちろん、バンドアンサンブルのハーモニーが絶妙である。80年代のディスコ/ソウル、そしてソフィスティポップやヨットロック等を巧みに吸収し、親しみやすいポップソングに仕上げている。この曲に満ちわたる多幸感は、軽薄さで帳消しになることはない。バンドアンサンブルの集中力がこの曲を巧緻にリードし、そして、爽快感を維持させている。この曲でサビを中心に、バンドとしてのポップセンスをいかんなく発揮している。
前作『Gulp!』にも見いだせたスポーツチームの音楽的なユニークさは続く「Boys These Days』に受け継がれている。ポール・ウェラー/スタイル・カウンシル風のモッズ・サウンドを下地にして、スポーツ・チームらしいカラフルなダンスロックを展開する。シンセ、ボーカル、そして、弦楽器のアレンジが縦横無尽に駆けめぐり、見事なアンサンブルを構成している。 半音階ずつ下がる音階進行、それからブリット・ポップ風のゴージャスなアレンジが、この曲にエンターテイメント性を付与する。また、全体的なソングライティングの質の高さが傑出している。それを楽曲として再現させる演奏力をメンバーの全員が持ち合わせているのは言わずもがな。
このアルバムでは、副次的にソウル/R&Bの音楽テーマが追求されている。それはポップ、ロックを始めとする様々な形で出現する。「Moving Together」 はその象徴だろう。ジャクソン5やデ・ラ・ソウルのサンプリングのように始まり、ソウルミュージックの果てなき幻惑の底に誘う。その後、ロック調に変化し、ワイルドな質感を持つボーカルが全面に出てくる。続いて、硬質なギター、シンセの演奏が絡み合いながら、重層的なファンクロックが作り上げられる。
このアルバムでは歌いやすさが重視され、前作よりもはるかにサビの箇所のポピュラリティに焦点が置かれている。そして実際的に、英語の短いセンテンスとして聴くと、歌いやすく捉えやすい万国共通のサウンドが構築されていることがよくわかる。「Moving Together」のフレーズの部分で思わず口ずさみたくなるのはきっと私だけではないはずだ(実際に口ずさんだ)。この曲では、ボーカリストとしての表現力が前作よりも著しく成長したアレックス・ライスのボーカルが別人のように聞こえる。彼の声にはエナジー、パワー、そしてスピリットが宿っている。
こうした中で、ローリング・ストーンズの系譜にある曲が続いている。「Condensation」では、『Tatoo You』時代のダンスロックを受け継ぎ、バブリーな雰囲気、ブルース性、それからソウルからの影響を活かし、アグレッシヴな印象を持つロックソングを完成させている。ライブを意識した動きのあるナンバーとして楽しめる。何より前曲と合わせてR&Bからのリズムの引用や全体的なハーモニーが甲高いボーカルやストリングスのアレンジと絡み合い、独特な多幸感を生み出す。いや、多幸感というより、ロックソングの至福のひと時がこの曲には内包される。
こうした一般性やポピュラリティを維持した上で、ボブ・ディラン風のフォーク・ロックへと進む「Sensible」は、このアルバムの中で最も渋く、ペールエールのような味わい深さを持ちあわせている。ボウイ、ルー・リードのような硬いボーカルの節回しを受け継ぎ、新しいフォーク・ロックを追求している。しかし、相変わらずサビではきらびやかな雰囲気が色濃くなる。ソウルフルなライスの歌唱がバンド全体をリードし、フロントマンとしての圧倒的な才覚の片鱗を見せる。特に、２分すぎのコーラスは圧巻で、バンドの最もパワフルな瞬間を録音として収めている。この曲に充溢する抑えがたい若々しいエナジーはこのバンドの持つ最高の魅力だ。
『Boys These Days』の最大の魅力は、音楽的な寄り道をすことがあり、直線上には進まないことである。それは、スポーツ・チームの全体的な人生観のようなものを示しているとも言える。
「Planned Obsolescence」はアルトなフォークロックで、「Sweet Jane」や「Walk On Wildside」の系譜を受け継いでいる。曲の中での口笛も朗らかで和平的なイメージに縁取られている。音楽的には一つのリフレインをバンドサウンドの起点として、どのように変化していくのかをアンサンブルとして試しているように思えた。２分以降のアンセミックな雰囲気はその成果とも言えよう。
さらにスポーツ・チームの寄り道は続く。「Bang Bang Bang」ではロカビリー/パンカビリー風の渋いロックソングを書いている。カントリーをベースに旧来のエルヴィス風のロックンロールを結び付ける。最近のロックバンドには乏しいロールーーダンスの要素を付加している。同じように、「Head To Space」もカントリーを下地にしているが、決して古びた印象を与えない。ボーカルのソウルフルな歌唱がバンド全体をリードし、曲にフックを与えているのだ。
こうした中で、ストーン・ローゼズ、ヴァーヴの系譜に属するイギリス仕込みのダンスロックでこのアルバムは決定的になる。バンガー「I'm in Love(Subaru）」をしっかりと用意した上で、終盤にも「Bonnie」が収録されていることは、アルバム全体に安心感や安定感を及ぼす。これぞまさしく、スバル・ブランドならぬ、スポーツチーム・ブランドとも呼ぶべき卓越性。結局のところは、バンドの演奏力の全体的な底上げ、ソングライティングの向上、そして何より、ボーカルの技術の蓄積がこういった聴き応え十分の作品を生み出すことになった要因なのだろう。
ただ、それはおそらく最短距離では進まなかったのではないかと思える。だからこそ説得力がある。全体的にはバンドとしての楽しい瞬間が録音に刻みこまれ、それが全体的な印象をファニーにしている。たとえ、バラードを書いても、スポーツチームらしさが満載である。「Maybe When We're 30」は珍しくダブルボーカルの曲で、もうひとつの重要なハイライト曲。ライブのアンコールで演奏されるに相応しい、繊細さと力強さを兼ね備えた素晴らしいクローズで終わる。
８５/１００
Best Track- 「I'm in Love(Subaru）」
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Wet Legは2ndアルバム『moisturizer』を7月11日にドミノからリリースする。昨日、セカンドシングル「CPR」のミュージックビデオが公開された。すでにライブロードで明らかになっていたが、このアルバムから正式にウェット・レッグはバンドセクションで作品をリリースする。
『moisturizer』は2022年のセルフタイトル・デビューアルバムに続くアルバムで、2022年のトップ100アルバムで1位を獲得し、バンドは3つのグラミー賞を受賞した。ウェット・レッグ』はUKの公式アルバム・チャートで1位を獲得し、アメリカではビルボード200アルバム・チャートで14位（ビルボード・アルバム・セール・チャートでは4位）を記録した。また、オーストラリアのアルバム・チャートでも1位を獲得した。
アルバムはマーキュリー賞にノミネートされた。バンドのデビューシングル「Chaise Longue」は、2021年のトップ130ソングスで1位となり、バイラルヒットとなった。
リアン・ティースデールとヘスター・チェンバースがウェット・レッグを率い、エリス・デュラン（ベース）、ヘンリー・ホームズ（ドラム）、ジョシュア・モバラキ（ギター、シンセ）がバックを務める。イギリスのワイト島出身のバンドは、今回もプロデューサーのダン・キャリーと仕事をし、5人のメンバー全員がこのLPに作曲で参加している。ウェット・レッグは、モイスチャライザーでライヴの強みを生かそうと決めた。「私たちはただ楽しんで、探求していた」
「CPR」
シアトルのアーティスト、Sea Lemonの新曲「Cynical」はポップで耳に残るアップビートな曲だ。シー・レモンはドリーム・ポップ風の音楽的なディレクションの中で、持ち前のファンシーなボーカルを活かしている。
何層にも重なったバッキング・ヴォーカルと並んで、ドライブ感のあるベースライン、そして、空気感のある彼女の声を遠くから支える雰囲気のあるギターワークがこの曲の印象を軽妙にしている。
彼女はこの曲について、「『Vaporized』という曲のように、私の以前の音楽と最もつながりがあるように感じる曲で、誰かが出て行くのを感じながら、ずっと関係の中にいるような感覚について歌っている」と語っている。
シーレモンは2025年5月30日にデビューアルバム『Diving For A Prize』をルミネール・レコーディングからリリースする。
「Cynical」
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カナダの5人組、フォックスウォーレン（アンディ・シャウフ、エイブリー＆ダリル・キシック、ダラス・ブライソン、コリン・ニアリス）は、近日発売予定のアルバム『2』からの最新シングルとしてローファイなインディーロックソング「Deadhead」をリリースした。
この曲の風変わりなミュージックビデオは、ジョー・カッパが監督した。「かつらと中世の衣装をたくさん買って、人形に服を着せているうちにビデオの前提を思いついたんだ。主人公に金髪のかつらと口ひげをつけたとき、本当に心に響いたんだ。フルートを吹いている赤ちゃんの足は、10ヶ月の息子のものなんだ」
「デッドヘッズのみんなにはダンスをやめないでと言いたい」とバンドは付け加えた。フォックスウォーレンの7年ぶりとなるフルアルバムは、2018年のセルフタイトルアルバムに続く作品。
「Deadhead」
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| Big Star |
メンフィスが生んだロックバンド、Big Starは、秀逸なソングライター、タレント、バンドのスター性をすべて持ちあわせても、ヒットソングやヒットアルバムを作り出すことの難しさを歴史的に証明している。
メンフィスは古くはサザン・ソウルのメッカで、ミシシッピ川周辺のソウルミュージック、そしてほど近いニューオリンズのジャズとの連携において発展してきた。その象徴的なレコード会社がStaxレコードであった。
しかし、オーティス・レディングのようなスターを輩出した経験を持つレコード会社ですら、ビック・スターの管理には手を焼いていた。というか、宣伝に力を入れなかったのではないかと推測される。結局のところ、Big Starは米国の最初のインディーロックスターである”アレックス・チルトンの在籍したバンド”という条件付きの共通認識で音楽ファンに知られるようになる。ビックスターを信奉するアーティストは殊の外多い。ティーネイジ・ファンクラブ、REM、ウィルコなどカレッジロック/インディーロックの著名なバンドはみな、Big Starを聴いて育ったと言える。ある意味ではオルタナティヴという源流はこのバンドにあると断言出来る。
そもそも、ビッグ・スターを生んだ時代のロックは、結局、ビートルズのフォロワー・サウンド、そしてフォーク・ミュージックやソウルという自家薬籠中の音楽をどのように結びつけるかという試作段階にあった。その代表格がバッド・フィンガーである。彼らは確かに、ヒット・ソングを作り出すことに成功した。しかし、ビートルズに匹敵する実力派のバンドであったにもかかわらず、アイドルのようなプロモーションが行われたことに不満を示し、さらにメンバー内のマージンの分配の問題を抱え、最終的にはバンドとして空中分解をする。代表曲「Without You」はレコード業界の光と影であるとよく言われ、売ることの代償、バンドというものの難しさを表している。そして、彼らと似たような運命を辿ったのがビッグスターだった。
・Big Star 第一期 デビューアルバム『#1 Record』の誕生まで
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アレックス・チルトンはビッグ・スターに参加する以前に公式なヒット・ソングを持っていた。彼は、元々、ソウル・ミュージック（ブルーアイド・ソウル）を主要なバックグラウンドとしていた。メンフィスのセントラル高校に在籍していた１６歳の時点で、ソウルグループThe Box Topsのメンバーに参加していた。１９６０年代の後半には、「Cry Like A Body」「The Letter」「Soul Deep」、「Sweet Cream Ladies, Forward March」というヒット・ソングを持っていた。
１９７１年に、このグループは解散し、しばらくチルトンは音楽的な漂流を重ねた。チルトンは２１歳の頃、ナショナル・ストリートにあるジョン・フライのアーデン・スタジオに出入りするようになった。そのスタジオで偶然、物静かで少し愛想の悪い青年と出会う。それがクリス・ベルだった。彼は、メンフィス大学を出たあと、テネシー大学に短期間通っていた。そしてアイスウォーターというバンドで活動していた。
二人は意気投合して、ビッグ・スターを結成する。そしてクリスの高校時代の友人であったアンディ・フンメル、そしてジョディ・スティーヴンスが参加し、ベース、ドラムが加わり、１９７１年にラインナップが完全に整った。当初、彼らはLed Zeppelin，Bad Finger，James Gangのカバーソングとオリジナル曲を演奏し始めた。「Big Star」という名称は、当時、メンフィスにあった食料品店に因んで名付けられた。
当初、彼らはビートルズのようなロックソングを書きたいと切望していた。チルトンとベルは集中的に作曲を行い、わずか数ヶ月で十数曲を書き上げた。そしてフンメルとスティーヴンスとのライブセッションでそれらを形にしていく。そのための環境は整っていた。当時、ビックスターのメンバーは、アーデント・スタジオに気楽にアクセスし、セッションを行うことが可能だった。
そしてすでに、彼らのデビュー・アルバム『＃1 Record』の大まかな骨子は、この年に出来上がっていた。アーデントはスタックスの子会社で、傘下のインディーズレーベルから1972年にデビューを果たす。 『＃1 Record』は、STAXの説明によると、二番目のアーデントのリリースだった。
しかし、このアルバムが、なぜ後にロックファンの間で伝説化したのか.......。 それは、当時、このアルバムが一般的には販売されていなかったという理由である。そのため、『＃１ Record」は一部の評論筋やロック雑誌の間だけで知られるに過ぎなかった。特に、このバンドのデビュー・アルバムを高く評価していたのが、ローリング・ストーン誌だ。後にローリングストーンは『史上最高の５００枚のアルバム』にランクインさせた。チルトン/ベルのソングライティングは、マッカートニー/レノンとよく比較された。しかし、スタックスは、アルバムをほとんど宣伝せず、レコードショップでの販売はもちろん、ラジオでもあまりオンエアされなかった。アルバムには「The Ballad Of El Goodo」、「Thirteen」、「The India Song」が収録されていたにもかかわらず、ヒットには恵まれなかった。リリース時は数千枚の売上にとどまった。
クリス・ベルは、デビューレコードのために、レコーディングとミキシングに関して相当な試行錯誤を重ねたため、これらの商業的な失敗は、かなり堪えるものがあった。１９７２年末までに、ベルはこのバンドを去っていた。それに加え、チルトンに焦点を当てたレビューが彼を悩ませた。スティーヴンスは、「クリスがデビュー・アルバムのレビューを読み始めたとき、物事が少しずつ悪化しはじめた」とドキュメンタリー映像『Nothing Can Hurt Me』で語る。「それは彼の創造的なビジョンの非常に大きなウェイトを占めていたので、プレスのレビューがアレックスに焦点を当てて帰ってきたとき、彼はミュージシャンとして今後その影響下で生きなければならないと考えたのだった」
・第二期 セカンドアルバム『Radio City』の制作の難航 バンドの空中分解
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主要メンバーのベルが去った後、ビッグ・スターの活動は行き詰まっていた。残された三人のメンバーは、ラフィエットのミュージック・ホールの閉会式の後のコンサートで演奏するために久しぶりに再会した。このショーは成功し、アーデントのジョン・キングがチルトン、フンメル、スティーヴンスを説得し、セカンドの制作をするように勧めた。
ジョン・フライは、「バンドが次のアルバムの制作を決めたことは嬉しかった。けれど、それはナイトクラブ、バーや酒のために生み出されたとも言える。つまり、（セカンド・アルバム）ラジオ・シティに映る地理がここに見えてくる」と回想する。
プロデュース的なロック/フォークサウンドであったファーストと比べると、その違いは一目瞭然である。ブルースやソウル、サザンロックといったチルトンの音楽的な背景を駆使し、ライブサウンドに近いロックがセカンドアルバムには見いだせる。セカンドの制作に取り掛かったビッグ・スターは、チルトンを中心に作曲を行い、フンメルやスティーヴンスも同じように、ソングライティングに貢献を果たした。その中には、バンドを去ったクリス・ベルが残した遺産も含まれていた。それが、「O My Soul」「Back of A Car」といったトラックだ。
スタジオのセッションでは、音楽的なプロデュースの役割を担っていたベルの不在のため、以前よりも緩くなり、散漫に陥ることもあったが、バンドはそれらの欠点を受け入れようとした。しかし、デビュー時のような熱量は失われつつあった。ライブセッションに価値を見いだせなかったフンメルは、ビッグ・スターを脱退し、ロッキードに勤務し始める。メンバーの多くは、この年代にありがちな進路の問題を抱え、ビッグスターの活動は暗礁に乗り上がりつつあった。
セカンド・アルバムは、バンドとしての見通しがたたない中、１９７４年２月にリリースされる。アルバムの中では、「September Gurls」がヒットの可能性があると目されていた。しかし、デビュー・アルバムと同じように、STAXの流通の問題が再燃した。『Radio City』は数千枚の売上にとどまり、商業的な成功には至らなかった。しかし、このアルバムの収録曲にはカバーアンセムが含まれている。The Replacements，The Banglesがカバーしていることは付記しておくべきだろう。
ビッグ・スターは、公式には二作のアルバムをリリースしたに過ぎなかった。次のアルバム『Third』を加えたとしても三作。しかし、３つ目のアルバムがリリースされたのは２０００年代以降、正確に言えば２０１６年である。こうした中、最初のオリジナルメンバーは、チルトンとスティーヴンスだけになる。１９７４年の秋、彼らはプロデューサー、ジム・ディッキンソンとリボルビング・キャスト・スタジオに戻り、新しいレコードの制作に取り組もうとした。
ところが、プロデューサーのディッキンソンは、明らかにこのバンドがすでに空中分解しようとしているのを肌で感じ取っていた。「その頃すべてが悪化していたんだ。そして、それはレコードにはっきりと表れ出ていた。 しかし、まだ地理性のようなものが含まれていた。ミッドタウン……、つまり、メンフィスらしさがあった。しかし、バンドとしてはすべてが悪化しつつあった。それはレコードにはっきりと捉えられている。芸術的なビジョンの分解という....... 」
Big Starの三枚目のアルバムのレコード制作の噂は長いあいだ眉唾ものとされていたが、マッシュアップタイトル「Third/ Sister Lovers」の出現により、現実視されるに至った。しかし、全般的には、ジョン・フライがレコーディングを中止したほど、アルバムの制作は完成には程遠かった。
結局のところ、彼らのファンの間では、三枚目のアルバムは幻となり、「＃１ Record」「Radio City」がビッグ・スターの公式のリリースという見解が根強い。STAXもバンドのおすすめ作品として、ファーストとセカンドを重要視しているようだ。
「I'm In Love With A Girl」(Radio Cityに収録)
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| ©︎Steve Gullick |
ザック・ボウカー（ヴォーカル／ギター）、ユアン・バートン（ベース）、ドラマーのジョエル・スミス、そしてエディ（マスコット）からなるクルーを拠点に活動するUNIVERSITY。本日、BBCラジオ1のロック・ショーでのプレミアに続いて、ニューシングルとビデオ 「GTA Online」を公開した。
「GTA Online」は、2025年6月20日にTransgressiveからリリースされるデビューアルバム『McCartney, It'll Be OK』からの第3弾である。ストリーミングはこちら。
アルバムのサードシングル「GTA Online」 は、マスロック風のミニマルなギターロックで始まり、終盤にかけて、バンドの持ち味である狂騒的なノイズパンクが怒涛のごとく荒れ狂う。
カルト的な初期ビッフィ・クライロのレコードのような4分近い巨大なロック、"GTA Online "は、何層にも増幅されたファズの上に山のようなギター・リフをフィーチャーしている。部分的にはよりソフトで調和のとれたエッジを保っている。
この新曲について、バンドは次のように語っている。 「ボッシュの退屈な夢を見る。 知りたくもない」
新曲の付属のミュージックビデオは、ニーナ・デローが監督した。 「この素晴らしいバンドの生き生きとしたエネルギーをとらえるため、アナログ・テクノロジーを限界まで活用することに重点を置いた。 構成された3つのショットを中心に作品を作り上げたが、その中心にあるのは、ありのままのバンドのリアルな姿であり、彼らの活動に対する情熱であり、そして、アーティストとミュージシャンがコラボレーションする際に生まれる遊び心、喜び、リスクなんだ」
プロデューサーのKwes Darko（Sampa The Great、Denzel Curry）とロンドンにあるDamon AlbarnのStudio 13でレコーディングされたデビュー・アルバム『McCartney, It'll Be OK』は、2023年のデビューEP『Title Track』のエキサイティングな始まりを発展させたもので、フックはより明るくメロディックに、ブレイクダウンはヘヴィに、歌詞はさらに磨きがかけられた。
『McCartney, It'll Be OK』は完全なライヴ・レコーディング・アルバム。これまでの彼らの作品を特徴づけてきた、すべてが今にも崩れ去りそうなスリリングで狂おしいまでのエネルギーがほとばしる。
ニューアルバムからの3枚目のシングル "GTA Online "は、広大で煽情的なパンク・ロック・ソング。ソフトで明瞭な音楽の瞬間を切り取っている。 この曲は、不条理なユーモアと切り裂くようなパンクが印象的な "Curwen "や、"世界で最悪のタトゥーは何だろう？"というゲームの答えにちなんで名付けられた無粋な "Massive Twenty One Pilots Tattoo "に続くリリースとなる。
「GTA Online」
各誌の反応:
"ザック・ボウカーが断続的な叫び声を大渦の上に響かせながら、彼らはスリントのようなポストロックからピクシーズのようなリフ、ハードコアの絶叫や数学ロックのようなスタッカートまで、満足のいく廃墟のように駆け抜けていく" - Uncut
''今年聴いたことのないようなエネルギーの爆発" - NME
''ノイズ・パンク界で最も有望な新人バンドが放つ暴れ狂うような耳触り" - Dork
''檻の中から飛び出そうとするバンド" - DIY Mag
''輝かしい寂寥感" - So Young
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東京・原宿を拠点とするオークションハウス''NEW AUCTION''は、2025年5月28日（水）より、ポスター、本、写真、デザインなどを対象とした「NEW MARKET」を開催する。オークションは6月4日まで開催される。
このオークションでは、パウル・クレー、アンリ・マティスなど巨匠画家から、横尾忠則、荒木経惟（アラーキー）など、現代の芸術家、フォトグラファーのアイテム70点がオークションに並ぶ。購入は書面のオークション形式で行われる。
ーー本セールは、入札額が他者に公開されないシークレットオークション形式（非公開入札）で行われ、もっとも高額でご入札いただいた方が落札者となります。また、ほぼすべてのアイテムがノンリザーブ（最低落札価格なし）となっており、ご希望の金額でご入札いただけます。
本セールは事前のご予約不要で、どなたでもご参加いただけます。皆さまのご参加を心よりお待ち申し上げておりますーー
●主な出品作品
Joseph Beuys（ヨーゼフ・ボイス） / Georges BRAQUE（ジョルジュ・ブラック） / Paul Klee（パウル・クレー） / Ben Shahn（ベン・シャーン） / Robert MOTHERWELL（ロバート・マザウェル） /Terry WINTERS（テリー・ウィンタース） / Henri Matisse（アンリ・マティス） / Terry Winters（テリー・ウィンタース） / Christo（クリスト） / Josef ALBERS（ジョゼフ・アルバース） / Joan MIRO（ジョアン・ミロ） / 横尾 忠則 / 粟津 潔/ 田中 一光 / 北代 省三 / 菅井 汲 / 荒木 経惟 / 槙 文彦 / 杉浦 康平 /若林 奮 / 脇田 愛ニ郎 / 杉浦 康平 etc...
NEW MARKET
入札受付期間：2025年5月28日（水）～ 6月4日（水）
時間 : 12:00 - 19:00
会場：NEW AUCTION
住所：〒150-0001 東京都渋谷区神宮前5-9-15 B1
対象作品：ポスター、本、写真、デザインなどをはじめとした約70点
入札方法：会場にて書面入札受付
落札結果通知：入札期間終了後、落札者様のみに個別ご連絡
落札手数料：19.8 %（税込）
●ABOUT NEW AUCTION
INTRODUCTION
2021年6月、東京の文化発信地である原宿を拠点に新たなアートオークションハウス 「NEW AUCTION」 がスタートしました。 私たちは従来のアートオークションという枠組みに縛られることなく、 新しい体験、 新しい価値観を提供することを目的とし、 オークションの可能性を、 原宿から世界に向けて拡張していきます。
APPROACH
NEW AUCTIONは、日本で唯一、アーティスト還元金システムを導入しているオークションハウスです。アートマーケットの持続可能な循環を促進するため、落札作品の著作権者に対して独自にアーティスト還元金を支払い、NEW AUCTIONを通じた取引がアーティスト支援に直結する仕組みを築いています。
さらに、NEW AUCTIONは国内外のコレクター、ギャラリー、ディーラーとの独自ネットワークを構築するとともに、ファッション、カルチャー、建築、食、インフルエンサーなど、業界の枠を超えた多様なチームとの連携を積極的に取り入れ、作品の最大限のプロモーションに取り組んでいます。
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インディーポップアーティスト/ソングライターであるMistine(ミスティーン)がニューアルバム『i guess this is where we're at』をリリースした。 ダイナミックなインディーポップ/ロックアルバムを携えて、ポップシーンに新鮮な息吹を吹き込む。
アルバムの冒頭を飾る超絶ロックバンガー「Changing With The Weather」、「Litium Town」を中心に、インディーロック、アルトフォークなど多彩な音楽が繰り広げられる。
このアルバムは、持続可能性と環境保護主義というトピックに取り組んだ、11曲からなる魅惑的な曲のコレクション。
グランジ調のギター、実験的なヴォーカル・ライン、80年代にインスパイアされたシンセをフィーチャー。ミスティーヌにとってこれまでで最もクリエイティヴな作品だ。
ミスティーンは、ハイデンやコナン・グレイとのツアーで成功を収め、最近ではケリー・クラークソン・ショーでマッケナ・グレイスと共演している。 ミスティーンの音楽は、Barefoot in the ParkやNew Pop Picks、Apple MusicのNew in Alternativeなど、Spotifyの人気プレイリストに追加されている。
ログハウス生まれでジャージー育ちのミスティーヌは、クラシック・ロックのリズムと暖かさに、彼女独自のアンジュルム・ポップの真摯さを融合させた新進気鋭のポップ/ロック・アーティスト。 エアロスミス、テイラー・スウィフト、アヴリル・ラヴィーン、1975、マギー・ロジャースといったクラシックからインスピレーションを得ている。
ミスティーヌとして活動する前のクリスティーン・マイゼンヘルターは、『ピグレットのビッグ・ムービー』をよく観ていた小学3年生の子供に過ぎなかった。 少なくとも、カーリー・サイモンがギターを弾きながら歌う姿をスクリーンに映し出すまでは……。
だが、突然、マイゼンヘルターは天命を受けたかのように、自分が何をしたいのかがわかった。 この初期のインスピレーションから数年後、彼女はUSCのソーントン・スクール・オブ・ミュージックに通い、コナン・グレイと2年以上ツアーを行い、アーティスト、ミュージシャンとしての声を磨いた。 アーティストとしての驚くべき飛翔。
その後、ミスティーンのミュージシャンとしてのキャリアは開花し、アーティスト、ソングライター、セッション／ツアー・ミュージシャンとしての強力な経歴を築きあげることになる。 コナン・グレイ、aespa、BiigPiig、Meg Smith、WiztheMC、Zeph、McKenna Grace、Haiden Henderson、INJI、Sierra Spiritらとツアーを行った。
ミスティーヌは音楽だけでなく、持続可能性と環境にも人生を捧げている。 持続可能なビジネス・リーダーシップの科学修士号を取得後、ラスベガスのスフィアでグレイトフル・デッドのレジデンシーのサステナビリティ・コーディネーターを務めた。その後、ビリー・エイリッシュの''ヒット・ミー・ハード・アンド・ソフト・ツアー''にも携わった。
ミスティーヌは音楽と地球環境の2つの情熱を結びつけ、聴衆に人間同士のつながりを語りつつ、人間破壊や自然を暗示する音楽を届けている。
彼女の音楽は、Spotifyの「Barefoot in the Park」や「New Pop Picks」、Apple Musicの「New in Alternative」、OnestoWatch #NowWatchingのような強力なサードパーティのプレイリストなどのエディトリアルで紹介されている。
そのほか、LADYGUNN、Earmilk、Bass Magazine、C-Heads、Atwood Magazine、Luna Collective、TRASH Magなどのメディアにも取り上げられている。
ミスティーンのニューアルバム『i guess this is where we're at』は、インディー・ポップとオルタナティヴが融合した全11曲で、持続可能性と環境保護というトピックにも取り組んでいる。 彼女は次のように説明する。
「私はいつも環境について考えています。 私たちの地球を、友人や人間関係に見立てて、それぞれのメンバーがこの気晴らしや気候変動に対してどう感じるか、私たちが残されたものをどう守ろうとしているのかを。まるで愛する人との関係を救おうとしているかのように………」
この魅惑的なアルバムは、グランジ風のギター、実験的なヴォーカル・ライン、80年代にインスパイアされたシンセをフィーチャーしており、ミスティーンにとって、これまでで最もクリエイティブなリリースとなった。
結局のところ、ミスティーヌは人々に考えさせ、学ばせ、気持ちよくさせ、最終的には、窓を開いて、海岸線をドライブさせるような爽快な音楽を作りたいと考えている。
彼女の控えめな魅力が、作品をとても心地よいものにしている。"ファンのみんなを親友のように感じてほしい"とミスティーン。そういったフレンドリーかつオープンな感覚はこのアルバム全体に滲み出ている。
「Changing With The Weather」
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イギリスのインディーポップトリオ、セイント・エティエンヌが、彼らのラスト・アルバムとなるニューアルバム『インターナショナル』を発表し、そのリード・シングル "Glad" を公開した。
「Glad」は、DovesのJez Williamsをギタリストに迎え、The Chemical BrothersのTom Rowlandsと共作・プロデュースした。ミュージックビデオも公開された。Internationalは9月5日にHeavenlyからリリースされる。以下、"Glad "とアルバムの詳細をチェック。
セイント・エティエンヌは、サラ・クラックネル、ピート・ウィッグス、ボブ・スタンリーの3人組。
バンドは、正確には解散はしておらず、親友のままだと言っているが、プレスリリースによると、"彼らは永遠に続けたいとは感じておらず、バーンと出て行きたかった "とのこと。
これは、彼らがツアーやショーを続けることを意味するのだろうか？10年後に再結成して新しいアルバムを出すということなのだろうか？私たちが知っているのは、バンドがこれを最後のアルバムと呼んでいるということだけであり、私たちは彼らの言葉を信じよう。
『International』はティム・パウエル（元ゼノマニア）との共同プロデュースで、コンフィデンス・マン（「Brand New Me」でジャネット・プラネットがクラックネルとデュエット）、エロル・アルカン、ヴィンス・クラーク、ニック・ヘイワード（「The Go Betweens」でデュエット）、オービタルのポール・ハートノルなど、多数のゲストが参加している。
このアルバムは、昨年12月にリリースされたばかりの『The Night』に続くものだが、通常のセイント・エティエンヌのアルバムというよりは、一度に聴くことを目的としたチルアウト的な没入感のあるアルバムだった。その前のアルバムは2021年の『I've Been Trying to Tell You』だった。
「Glad」についてクラックネルはプレスリリースで次のように語っている。「トム（・ローランズ）にセイント・エティエンヌに合いそうな進行中の曲がないか尋ねたところ、ダヴズのジェズと一緒に作っていたバッキング・トラックを送ってきた。私たちはすぐにその曲に惚れ込み、"Glad "のトップ・ラインのメロディと歌詞は簡単にできた。
ウィッグスはこう付け加えた。「この曲は、人生に落ち込んでいるときに、自然やアウトドアといった日常的なことに喜びを感じることを歌っているんだ」
「Gold」
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| Sofia Kennedy ©︎Rosana Graf |
ソフィア・ケネディのサード・アルバム『Squeeze Me』はヨーロッパの芸術運動の再燃を意味し、今日の世界情勢に際して、ポピュラーソングの現在と未来を問う。ドイツのポップカルチャーはボウイの三部作で終わったわけではない。現在の注目すべきポピュラー運動はベルリンに見つかる。
ケネディはボルチモア出身、現在はハンブルグ/ベルリンを拠点に活動する。この3世紀の世界は、ローマ帝国、大英帝国、アメリカという流れで覇権は推移してきたが、覇権が分散し多極化しつつある世界情勢の中、北米と欧州の二つの文化を知るハイブリッドなポピュラーソングを提示するシンガーソングライターが出てきたというのは、当然の帰結と言えるかもしれない。
幼い頃、ゲッティンゲンに引っ越したソフィア・ケネディは、家では英語を喋り、そして幼稚園ではドイツ語を学んだ。これらの二つの言語や文化観の中で養われた彼女の感性はアンビバレントになり、ヨーロッパ的な感性とアメリカ的な感性の間で揺れ動きながら、カラフルな性質を持つようになった。大学に通う頃にはハンブルグへ移り住んだ。その後、映画を学ぶようになったが、音楽が頭の中にはちらつく。以降はテレビや映画のサントラを手がけるようになった。
ソフィア・ケネディにとって、音楽とはアメリカを召喚するような働きをなし、遠ざかる故郷ボルチモアを呼び覚ます役割がある。ケネディにとって、英語は''耳になれない言語''になりつつある。しかし、歌をうたう時、そのルーツが他の誰よりもくっきりと浮かび上がる。「音楽を作るとき、私はいつも心の中でボルチモアに行くような気分になります。都市ではなくて、子供の頃に遠く離れて育った葛藤へと行きつく。私はもうほとんど英語をまともに話せませんが、歌うときの声にアメリカ訛りがあり、それがまだそこにある私の一部であるという感覚です」
「スクイーズ・ミー」はおもちゃ屋のカラフルな世界でのリクエスト。 デパートの暖かな明かりに照らされたそれは、おいしい誘惑のように見えるが、生気のないぬいぐるみやプラスチックの顔という魅力的な誘い文句の裏には何かが隠されているかもしれない。無邪気に見えるものが、いたずらっぽく歪む。「あなたは私を抱きしめているのか、強く抱きしめすぎているのか？」 これが、ケネディが10曲にわたって崇高かつ揺るぎない決意で追求する中心的な問いである。
グレート・アメリカン・ソングブックの華やかさ、エレクトロニックなテクスチャー、クラブランドの影響の間で輝くダンスを披露し、国際的な称賛を得たセルフタイトルのデビュー作（2017）に続き、ケネディはセカンド・アルバム『モンスターズ』（2021）をリリースし、超現実主義と超越について掘り下げた。
『Squeeze Me』では、ケネディと彼女の長年の音楽的コラボレーターで、共作者でもあるメンセ・リエンツ（Egoexpress、Die Vögel、Die Goldenen Zitronen）が、世界全体の現状に対するより幻滅的なコメントを描きだす。 対人関係の複雑さ、パワー・ダイナミクスへの疑問、自己決定への探求など、ケネディの長年のテーマが、アルバムを通して一貫した物語として展開される。
前作よりコンパクトになった『Squeeze Me』にはケネディのポップでキャッチーなメロディとサイケデリックな才能が溢れている。反復されるピアノのコード、煌びやかなシンセのベース、揺らめくクワイア、そして叫び声までもが、"Rodeo "のサウンドステージを作り上げる。アルバムのポップなハイライト"Imaginary Friend "と並び、"Rodeo "は差し迫った疑問を投げかけている。
「私たちはどこへ向かっているのだろう？」 ケネディはその答えを提示する代わりに、熱意に満ちた歌声で前進する。
終盤の"Hot Match"では、熱狂的な夢のように加速していき、モーターを煽るようなビートと燃え盛るタイヤで、立ちのぼる煙の向こうに駆け抜けていく。厳格さと美しさ、ユーモアとメランコリー、運命論と力強さ。『Squeeze Me』は、ソフィア・ケネディのすべてを反転させ、アルバム・ジャケットと呼応している。 それぞれの視点によって、彼女も世界も逆さまになるのだ。
従来よりも集中し、ポップになった『Squeeze Me』は、ケネディにとって最もまとまりのあるアルバムである。一種の芸術的マニフェストとさえ言える。 多層的で、自信に満ちた声明であり、歌手の周囲や向こう側にあるあらゆる内外の危機があるにもかかわらず、それゆえに功を奏した。 『スクイーズ・ミー』は、外の世界を度外視するのではなく、私たちが何となく知っているようで、これまであまり垣間見たことのない、彼女独自の世界を通じて世界に対抗する。
Sophia Kennedy 『Squeeze Me』- City Slang
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ベルリンといえば、デヴィッド・ボウイの『ベルリン三部作』が真っ先に思い浮かぶ。それまでロサンゼルスに住んでいたボウイは、この作品を期にベルリンで数年間を過ごし、刺激的な生活を送った。ベルリンはコスモポリタンの都市で、芸術文化の街。ボウイはかつて、「私は１０代の頃、特にこの土地の芸術家や映画製作者の怒りに満ちた感情的な作品に夢中になっていた」のだった。
「ベルリンは、ディ・ブルッケ運動、マックス・ラインハルト、ブレヒト、そして『メトロポリス』、『カルガリ』の発祥の地であった。それは出来事を反映するのではなく、ある気分によって人生を映し出す芸術だった。当時の私にとっては、これが仕事の方向性になった。１９７４年にリリースされた『Autobahn』によって、私の関心はヨーロッパに戻った。電子楽器が多かったので、この分野は徹底的にもう少し調べてみないといけない。そう確信したのだった」
ボウイがもたらした「ベルリン三部作」は、この都市に、電子音楽の他、ポピュラー文化を強く意識付けることになった。もちろん、クラフトワークが”電子音楽のビートルズ”と呼ばれることがあるように、その音楽にポップネスを内包していたことを考えたとしてもである。１８世紀の神聖ローマ帝国時代に崇高な音楽文化を誇り、大学教育などのリベラルアーツでも高い水準を持つドイツ。それは、その後の近代文明や現代文明の中で工業的な発展を重ねるうちに、音楽として、”芸術と商業的なポピュラリティを結びつける”というテーゼをもたざるをえなくなったのである。その突破口を切り拓いたのがクラフトワークとボウイであったのだと思う。
音楽というのは文化を醸成する都市や地域から生み出され、その暮らしの中で、いかなる作品を作り出すべきかという必然性から生じる。必然性を持たない音楽作品は、趣味の範疇を出ることは稀有である。ロンドンにはロンドンの、パリにはパリの、ニューヨークにはニューヨークの、ベルリンにはベルリンの、ケープタウンにはケープタウンの、東京には東京の音楽が作り出される必要があるのだ。そして、模倣性や重複性ではなく、差異やスペシャリティ（特性）により新しい芽がどこかに育まれる。もちろん、ドイツに関して言えば、都市性や工業性、市民の現代的なライフスタイルが合致し、新しい表現を生みだすための下地が形成されている。
日頃、生活をしていて、ふと思う疑問だったり、自己のアイデンティティにまつわる思いは、新しい音楽が発生するための大きなヒントやテーマになりえるのである。ドイツは、EUとの関係の中で、００年代前後を境に、ヨーロッパ全体のユーロビートやダンスミュージックの発展の影響を受け、音楽市場の拡大や、ライヴマーケットの成長期を経て、新しい音楽文化が花開く可能性を持っている。それは、ENJI(ベルリン)のようなビョークの次世代を担うシンガーの登場を見ても明らかだ。ハンブルグ/ベルリンのソフィア・ケネディーは、今後のポピュラー・ソングとは、どのようなものであるべきか、それを三作目のアルバム『Squeeze Me』で示唆している。
ソフィア・ケネディの音楽の表層を形成するのが、ファッショナブルでスタイリッシュなイメージ。これは間違いなく、制作者の日頃の生活や考えから汲み出されるものであり、他の人が真似しようとしても出来ない。アルバムの冒頭を飾る「Nose for a Mountain」を聴くとわかるように、シンセポップを基調とする親しみやすく軽妙な音楽的なアプローチの中に、セイント・ヴィンセントやビョークのようなファッショナブルな感覚が揺らめく。そして、その音楽性を背後から支えているのは、工業都市の音楽であるエレクトロニックである。これらの現代性や近代文明の工業性の発展の中で培われた音楽的な核心、それらは、現代的な宣伝広告やファッションの要素と結びついて、アートポップソングを作り上げるための素地となっている。
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アルバムはその後、エレクトロポップに転じる。アヴァロン・エマーソンの系譜にあるDJライクなサウンドに、ソフィア・ケネディ独自のボーカルが乗せられる。スポークンワードでもなく、ソウルでもない、ダンスミュージックから汲み出された特異なボーカルスタイルが心地良いビートの底に揺らめく。ケネディのボーカルは、夢想的な感覚を生み出し、ある種の幻想性を呼び起こす。「Imginary Friend」というタイトルに相応しい。「Drive The Lorry」では、レトロなマシンビートを配して、チルウェイブとレゲエ/ラヴァースロックの中間にある独特な音楽性に転じる。現代のヨットロックやソフィスティポップに通じるようなアメリカの西海岸の音楽を呼び覚ます。これらのチルウェイブに属する音楽は、ホリー・クックにも近い感覚がある。しかし、ボーカルは依然としてスタイリッシュな印象があり、華やかな雰囲気に満ちている。
「Runner」は、EUらしいイメージに縁取られている。現代的なヨーロッパの文化性を音楽的に端的に表現したかのようである。例えば、２０００年代以降のユーロビートの音楽性を継承し、それらを現代的なシンセポップに組み替えている。そしてスポークンワードの影響を受けたニュアンスに近いボーカルは、音階の抑揚をつけながら、トラックの背景となる反復的なシンセのパルスのビートと呼応するように、多彩なシークエンスを作り上げる。この曲は、フレーズごとに印象が様変わりし、音楽のカラフルな印象を強化している。緊張感に満ちたかと思えば、さわやかになり、また、ミステリアスにもなり、宇宙的にもなる。トラックの全体に、ヒップホップやブレイクビーツを反映させたリズムをループで配し、ドラムンベースのようなハネを強める。これは間違いなく、Wu-Luが最新EPでやっていたリズムの技法によく似ている。
しかし、ボーカルはそれらと対象的なコントラストを描く。ケネディのボーカルは、オペレッタからブリジット・フォンテーヌのようなアートポップの形態を活かし、迫力と上品さを兼ね備えた新鮮な音楽のインディオムを作り出している。ビートやリズムはかなり堅牢であるが、シンセのアルペジオは一貫してメロディアスで聴きやすさがある。もちろん、シンセだけではなく、ケネディーのボーカルも旋律をはっきりと意識している。表向きにはニューウェイブの一曲であるが、全般的にいえば、"ダンスミュージックのオペレッタ"ともいうべき優雅な印象をもたらすことがある。歌詞もシュールな印象がある。"I Can See in Through My Eyes"などを聴くと分かる通り。
「Runner」
『Squeeze Me』は明確に言えば、ソウルアルバムではあるまい。ただ、部分的にR&Bやコーラス・グループからの影響が感じられる。
「Rodeo」では、ディスコポップの影響が強まり、コーラスの箇所にブラックミュージックからの強いフィードバックが感じられる。シンセベースがファンクのビートを強調するが、ボーカルは内省的な雰囲気に満ちている。ボーカルとシンセ、リズムの組み合わせは、レトロなドリームポップ、懐古的なソフィスティポップともいうべき特異な空気感を持たせる。コーラスには異言語的な発音の響きを活かし、外国語の言葉遊びのようなユーモラスなニュアンスを強め、言語の訛りを長所として活かしている。
これらのエキセントリックな言語の響きの組み合わせは、これまであまり知られていなかった言語のユーモラスな性質を強めるだけではなく、ノスタルジックな感覚を呼び起こすことがある。それは、ドイツ語と英語の異文化圏のハイブリッドという歌手の人生観のフィードバックとも解釈出来る。
シンガーは、幼少期に聞いていたかもしれない音楽、そのわずかな記憶の糸を手繰り寄せて、独創的で抽象的な音楽空間を作り出す。そして、Broadcast(Warp)の制作していたような、抽象的であるが夢想的な感覚を、ものの見事に呼び覚ます。というか、これらの贔屓目のあるプロデュースを聴くかぎり、ソフィア・ケネディはWarpが結構好きなのではないかという疑惑すら生じる。
「Feed Me」は、フォーク風の楽曲で、ちょっと自虐的なニュアンスが込められている。このアルバムとしては珍しく、ベースとピアノが活躍し、ライブでぜひとも聞いてみたい一曲である。ジョン・レノンの「Imagine」を彷彿とさせる、ポピュラーソングの古典的な和声進行から、牧歌的で穏やかな感覚が汲み出される。スペーシーなSEの音響効果や叫びが途中で入ったりもするが、全般的には慈愛の雰囲気に満ちたポップソングとなっている。このアルバムでは、一番温かい雰囲気が感じられる。そして、過去の英語の訛りは、ドイツ語の訛りへと"反転"している。明確なタイトル曲がないアルバムだが、暗示的にタイトルのフレーズが歌われているのを見ると、隠れたタイトル曲である。この曲ではシンガーの複数の内面の感覚が様々な形で表されている。
最も心を揺さぶられる曲がある。それが七曲目に収録されている「Oakwood 21」である。ジャズの香りを添えた王道のバラードソングで、ケネディーのボーカルは静かなピアノと相まって、心に染み入る感じがある。アルペジオによるシンプルなピアノの伴奏の中で、同じように、シンプルなコールアンドレスポンスの手法で、ボーカルが歌われている。もしかすると、このような曲は、時代を超えた自分自身との繋がりを取り戻すための手立てであり、それは遠く離れてしまったアメリカへの親和性を我が手に取り戻すための回路のような働きをなす。この曲の中で、彼女はまるで、かつての自己やその思い出を抱擁するかのように、最もシンプルで美しいボーカルを披露する。
「Oakwood 21」は映画音楽のサウンドトラックやBGM（バック・グランド・ミュージック）のコンポジションの技法、もしくは舞台のミュージカルやオペラティックな劇伴音楽の効果を活かし、イントロのささやかなモチーフは信じがたいほど広大なスケールを持つバラードに成長する。これまでのアーティストの生き方を表すような素晴らしい一曲として聞き入らせてくれる。
「Oakwood 21」
映像と音のイメージを直結させるという技法は、「Upstairs Cabaret」にも発見することが出来る。これは、フランスのドビュッシーが『Images』で、いち早く取り入れた画期的な作曲技法だった。また、一例では、アメリカの映画評論家のジェイムス・モナコ氏は、''映画音楽は映像の付加物である''と定義付けたが、''優れた映画音楽は映像を超越する瞬間がある''とも述べている。音楽が想像を超える神秘性を持ちうることはデヴィッド・リンチも認めていた。そういった音楽の神秘的な一面をインストゥルメンタルとして体現させたのがこの曲だ。映画音楽の持つ独特なムードやアトモスフィアの醍醐味を知り尽くしているから、こういった曲を作ることが出来るのだろう。
一般的には、ジェイムス・ジョイスやプルースト、マルケスの著作のように、連続した音楽作品のアルバムの中に、長期的な十年や二十年のような長い時間が流れが含まれることは歴史的に見てもきわめて稀である。
しかし、『Squeeze Me』は、推察するかぎりでは、短いミクロの単位を起点にし、より大きなマクロのシンガーの人生が断片的に反映されている気がする。つまり、一日の始まりから終わりまでを音楽的に網羅したと言える。そして、アルバムの曲の印象は、朝の爽快さや個人的な出来事から夜の雰囲気に移り変わる。アルバムの中盤では夕方になり、そして終盤では夜から真夜中になる。ある意味では、人生の一コマの流れが、この４０分近い作品に凝縮されている。
夜のテーマを印象付ける「Closing Time」は、同名のアルバムを持つトム・ウェイツのように、淡く渋いバラードソングである。しかし、ウェイツが深夜過ぎのピザ屋での労働の気怠さや哀愁を反映していたのに対して、ケネディの場合は、音楽全体が着飾るようなスタイリッシュさ、ファッショナブルな感覚に縁取られている。夜になると、心楽しい空気感やエンターテイメントの雰囲気が強まる。これこそ、Berlinerとしての独特なライフスタイルを伺わせる。
最後に収録されている「Hot Match」は、アルバムの中で最もパワフルな印象に縁取られている。ニューウェイブ/ポストパンク的とも言えるだろうし、ブロンディのデボラ・ハリー的とも言える。この曲ではきっと、シンガーソングライターのこの上なくクールな一面を体験することが出来るはずだ。
８８/１００
Sophia Kennedy（ソフィア・ケネディー）の3rdアルバム『Squeeze Me』は本日（５/２３）、City Slangから発売されました。 アルバムのストリーミングはこちら。
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