Sat. Apr. 4 Minneapolis, MN @ Cedar Cultural Centre
Sun. Apr. 5 - Omaha, NE @ Waiting Room
Mon. Apr. 6 - Kansas City, MO @ recordBar
Wed. Apr. 8 - Bentonville, AR @ RODE House
Thu. Apr. 9 - St Louis, MO @ Delmar Hall
Fri. Apr. 10 - Oxford, MS @ Proud Larry’s
Sat. Apr. 11 - New Orleans, LA @ Tipitina’s
Mon. Apr. 13 - Birmingham, AL @ Saturn
Tue. Apr. 14 - Durham, NC @ Motorco Music Hall
Wed. Apr. 15 - Baltimore, MD @ Ottobar
Thu. Apr. 16 - Philadelphia, PA @ The Foundry
Sat. Apr. 18 - Mexico City, MX @ Foro Puebla
Fri. May 15 - Denver, CO @ Summit ^
Mon. May 18 - Boise, ID @ Treefort Music Hall ^
Tue. May 19 - Seattle, WA @ The Moore Theatre ^
Wed. May 20 - Portland, OR @ Crystal Ballroom ^
Fri. May 22 - San Francisco, CA @ Regency Ballroom ^
Sat. May 23 - Los Angeles, CA @ The Wiltern ^
Sun. May 24 - San Diego, CA @ The Observatory North Park ^
^ supporting American Football
ニューヨークの作曲家/シンガー、Mitskiが2月27日、Dead Oceansよりニューアルバム『Nothing’s About to Happen to Me』をリリースする。本日、同作のセカンドシングル「I’ll Change For You」を公開した。ミツキの新アルバム『Nothing’s About to Happen to Me』が2月27日、Dead Oceansよりリリースされる。また、世界規模のツアー日程も発表された。
『Nothing’s About to Happen to Me』では、ミツキが荒れ果てた家に閉じこもる女性を主人公とした豊かな物語に没入している。 家の外では彼女は異端児、家の中では自由。レキシー・アレイ監督、レナ・ジョンソン編集による「I’ll Change for You」のミュージックビデオは、この世界を拡張し、アレイが撮影したアルバム写真で提示されたタンジー・ハウスの混沌とした散らかった宇宙へと深く踏み込む。
ミツキは『Nothing’s About to Happen to Me』の全楽曲を作詞作曲し、全ボーカルを担当。パトリック・ハイランドがプロデュースとエンジニアリングを、ボブ・ウェストンがマスタリングを手掛けた本作は、『The Land Is Inhospitable and So Are We』（2023年）で確立された音楽的路線を継承し、『The Land』のツアーバンドによる生演奏とアンサンブルアレンジをフィーチャーしている。 オーケストラはサンセット・サウンドとTTGスタジオで録音され、ドリュー・エリクソンが編曲・指揮を担当、マイケル・ハリスがエンジニアリングを担当した。
ミツキは『Nothing’s About to Happen to Me』を世界各国の主要都市で披露し、主要会場でのレジデンシー公演を実施する予定。
ミツキの常連コラボレーターであるパトリック・ハイランドがプロデュースとエンジニアリングを担当した「Nothing's About to Happen to Me」は、ボブ・ウェストンによってマスタリングされた。ミツキはアルバムの全楽曲を作詞作曲し、全ボーカルを自ら担当。ツアーバンドがバックを務めた。また、ドリュー・エリクソンが編曲・指揮、マイケル・ハリスがエンジニアリングを担当したオーケストラとのレコーディングをサンセット・サウンドとTTGスタジオで行っている。
ROREYの楽曲はZane Lowe（Apple Music)、LADYGUNN、Atwood
Magazineから称賛を受けたほか、Spotifyのプレイリスト「Fresh Finds」「Fresh Finds
Indie」「New Music Daily」「New in Pop」で紹介された。 今後注目すべきベッドルーム界のニューライザーの一人だ。
▪️EN
New York–based singer-songwriter and musician ROREY transforms raw confession into art that unsettles as much as it heals.
Her sophomore EP, Dysphoria, is a fearless plunge into the contradictions of mental illness, where haunting melodies and ethereal vocals merge with hypnotic, swirling instrumentals.
Co-written and produced in 2021 with longtime collaborator Scott Effman, the project captures the chaos, beauty, and disorientation of a young artist clawing her way toward meaning in the midst of a manic episode.
Her new single "Temporary Tragedy" is powerful, raw and poignant. She confides, "The song is about the cost of self abandonment when you grip intimacy and what it means to choose yourself."
The track is shared alongside a cinematic music video which chronicles the rumination and constant spiraling that can occur after a relationship falls apart. "The video is rooted in my first queer relationship, its message is universal: sometimes love isn’t enough to bridge the gap between hope and reality, when the other person can't meet you there."
ROREY’s music doesn’t just resonate, it names the truths you’re afraid to speak and reminds you that you’re not alone in feeling them.
DJ、プロデューサーのAvalon Emerson はポップ志向のプロジェクト、Avalon Emerson & The Charmはニューアルバム『Written into Changes』を発表。Dead Oceans から3月20日にリリース予定。本作は『& The Charm』に続く作品です。(レビューを読む)
アヴァロンの11月リリースシングル「Eden」で幕を開け、新しく公開されたインディーポップ曲「Jupiter and Mars」はロスタム・バトマングリジとの共同プロデュース。「スタジオで2匹の小型犬が追いかけっこするのと同じくらい、ロスタムとこの曲を追い求める過程が楽しかった」とアヴァロン。ベン・トゥロック監督によるミュージックビデオは下記よりご覧ください。
「 Jupitar and Mars」
Avalon Emerson & the Charm 『Written into Changes』
Label: Dead Oceans
Release: 2026年3月20日
Tracklist:
1. Eden
2. Jupiter and Mars
3. Happy Birthday
4. Written into Changes
5. Wooden Star
6. God Damn (Finito)
7. How Dare This Beer
8. Country Mouse
9. I Don’t Want to Fight
10. Earth Alive
オーストラリア生まれで、最近ロサンゼルスに移住したシンガーソングライター、Jordan Anthony（ジョーダン・アンソニー）による豊かなインディーポップシングル「Lost In LA」がミュージックビデオと合わせて公開された。ジョーダン・アンソニーはベッドルームポップの新星で、今後の活躍が楽しみな存在だ。
「Lost In LA」は、彼の近々リリース予定のEPからの先行曲。 アコースティックギターの弾き語りの一曲で、センチメンタルな感覚に満ちている。エド・シーランを彷彿とさせる素晴らしいトラックである。
ジョーダンは14歳で脚光を浴び、オーストラリア版『The Voice』（2019年）でトップ4のファイナリストとして全国的な注目を集めた。同年、ジュニア・ユーロビジョン・ソング・コンテストにオーストラリア代表として出場し、自身の楽曲「We Will Rise」を披露し、国際的に8位に入賞。その後まもなく、パースのRACアリーナで開催された「One Big Voice」フェスティバルでヘッドライナーを務め、音楽を通じたストーリーテリングの力についてTEDxトークを行った。
昨年11月、ジョーダンは『Hurt Me Sooner』をリリース。この楽曲は、自分を形作ったと知りつつも、あの時を戻せたらと願う関係の回顧に宿る痛みを捉えている。ブレット・クーリックとの共作、テイラー・スパークスプロデュースによる本作は、壮大なポップ・プロダクションと生々しい感情の脆弱性を融合させ、ジョーダンのストーリーテリングの進化をさらに前進させた。
ニューシングル『Lost In LA』については、彼自身が「本当に重要」と語る、極めてパーソナルな楽曲である。「本来であればリリースしない予定だった」とアンソニーは明かす。「にもかかわらず聴けば聴くほど、この曲は世に出すべきではないかと気づいた。故郷（パース）を離れて、LAで過ごした最初の年だけでなく、アーティストとしての私の旅路そのものを物語っている」
さて、2026年の幕開けを飾る『Lost in LA』と、これまでで最も率直な作品となるであろう近々リリース予定のEPを通じ、ジョーダン・アンソニーは新しい世代のポップアーティストの最前線に躍り出る。彼は、弱さや脆さを恐れない。また、スピリットをさらけ出すことをためらわない。個人的な物語を普遍的なアンセムに昇華させるため、日々、自らの情熱を注いでいる。
「Lost In LA」
▪️EN
At just 20 years old, Jordan Anthony has already lived a lifetime of music. The Perth-born, Los Angeles–based artist writes emotionally charged pop anthems that fuse storytelling with soul, transforming his own struggles and triumphs into songs that make people feel seen.
His journey began early. At age seven, Jordan wrote his first song, not a hit, as he jokes, but an outlet. Bullied at school and struggling to open up, songwriting became his escape. “It allowed me to say things I never could out loud,” he recalls. “From that point on, I knew this was what I was meant to do, to help people feel seen, heard, and less alone.”
By five, his parents had enrolled him in piano lessons, a decision he once resisted but now credits as the foundation of his self-sufficient musicianship. With that skill came the freedom to arrange and compose, and before long, he was writing songs with the kind of emotional honesty that would define his artistry.
At 14, Jordan stepped into the spotlight, earning national attention as a Top 4 finalist on The Voice Australia (2019). That same year, he represented Australia at the Junior Eurovision Song Contest, performing his original song “We Will Rise” and placing eighth internationally. Soon after, he was headlining Perth’s One Big Voice festival at RAC Arena and delivering a TEDx Talk on the power of storytelling through music.
But it was his leap into the global scene that truly set him apart. In 2024, Jordan was invited to compete on American Idol, where he made the Top 14 and introduced his music to a worldwide audience. The experience led him to relocate to Los Angeles, a move that marked the beginning of his next chapter.
His breakout collaboration “Cherry” with fellow Idol alum Ajii served as his first major introduction to global listeners, combining silky pop production with heartfelt lyricism and marking the beginning of Jordan’s evolution into a world-class pop storyteller.
In the months that followed, Jordan cemented his creative identity with a string of powerful singles, “Reckless” and “Tell Me”, each exploring a different shade of love, loss, and self-discovery. “Reckless” showcased Jordan’s pop sensibility and his ability to make heartbreak feel euphoric, while “Tell Me” leaned into vulnerability, pairing his soaring vocals with introspective lyricism that resonated deeply with fans. Together, the tracks set the stage for his most emotionally mature work to date.
In November 2025, Jordan released Hurt Me Sooner, a song that captures the ache of looking back on a relationship and wishing you could get that time back, even when you know it shaped you. Written with Brett Koolik and produced by Taylor Sparks, the track blends sweeping pop production with raw emotional vulnerability, marking another step forward in Jordan’s storytelling evolution.
Now, Jordan returns with his new single Lost in LA, a song he describes as “really important” and deeply personal. “I almost never even released it,” he admits, “but the more I listened to it, the more I realized this song actually needs to come out. It tells a lot of my story, not just my first year in LA away from home, but my journey as an artist overall. Being an artist can be so volatile, and this song kind of encapsulates those feelings of how easy it is to lose your way. I wanted to show people that it’s okay to feel like that and that it’s normal when pursuing your dreams, I just hope someone out there needs this song just as much as I do.”
While Lost in LA is a standalone single, Jordan hints that it’s just the beginning: “There’s an EP on the way this year that I’m genuinely so excited about. It’s a culmination of the best songs and stories I’ve written over the last year and a half, moving to LA, finding who I am as an artist, and making music I feel so genuinely passionate about. It’s taken a long time to get to this point sonically, and I feel like it’s always developing, but I can’t wait for everyone to hear it.”
The song was born in a moment of solitude. “I wasn’t intending to write that day,” Jordan recalls, “but I was really homesick and doubting everything. I picked up my guitar, and the song just fell out of me in thirty minutes.” Once he decided to release it, Jordan collaborated with Nashville producers Parker Matthews and Todd Tran, who elevated the track to its final cinematic pop form.
Lost in LA is meant to be felt as much as heard. Jordan envisions it as a “headphones-in-the-uber-looking-out-the-window-longingly main character moment” type of song, though he believes it can resonate anywhere. At its core, the track is a message to never give up on one’s pursuits: “Accept the lows and know it’s all part of the process. Use those days to make the small wins feel even sweeter. It’s something I struggle with every day, but writing songs like this makes it easier to cope.”
Jordan’s artistry thrives in the balance between vulnerability and confidence, heartbreak and hope. His musical inspirations range from Ed Sheeran, Adele, and Sam Smith to Bruno Mars, Michael Jackson, Charlie Puth, Mike., Tate McRae, and Teddy Swims, artists whose emotional precision, presence, and authenticity have shaped both his sound and his approach to pursuing his dreams.
Outside the studio, Jordan stays grounded through family time, beach days, sushi outings, PlayStation sessions, and soccer, a lifelong passion rivaling music itself.
Jordan’s career is marked by early milestones and ongoing successes: Top 4 on The Voice Australia (2019), Top 14 on American Idol (2024), guest speaker at TEDx Perth (2023), headlining Perth’s One Big Voice festival (2019, 2022, 2023), representation of Australia at Junior Eurovision (2019), and a growing global fanbase fueled by breakout singles like “Cherry,” “Reckless,” “Tell Me,” and Hurt Me Sooner. His first single, Broken Love, amassed over 600,000 streams across platforms and earned spots on Spotify’s “Peaceful Pop” and “New Pop” playlists.
For Jordan, the ultimate goal is connection. “I want listeners to feel inspired and seen through my music,” he says. “If someone stops a song to replay a line and thinks, ‘THAT PART!!’ and really relates to it, I’ve done everything I set out to do.”
With Lost in LA kicking off 2026 and a forthcoming EP that promises to be his most honest work yet, Jordan Anthony continues to cement his place at the forefront of a new generation of pop artists, fearless in vulnerability, unafraid to bare his soul, and dedicated to transforming personal stories into universal anthems.
2025年８月にリリースされた「Shapeshifting on a Saturday Night(土曜の夜の変身)」がSpotify『Best of Fresh Finds Pop 2025』をはじめとする数々のプレイリストに選出され、TikTokで1500万回以上再生されるなど話題を呼んだエイヴリーが、情感あふれるアップビートなオルタナティブポップの傑作「Griever」で帰ってきた。エイヴリーは新曲についてこう語る。
最近のシングル——クィアのアンセムとして轟音を響かせる「Existential Crisis at the Tennis Club」と、LadyGunnが「抗いがたいキャッチーさ」と絶賛した「Shapeshifting on a Saturday Night」——は、エイヴリーを2026年のゲームチェンジャーへと導いている。
同曲はAmazonの新作BookTokインスパイアードシリーズ『Off Campus』の春シーズン放送向けにライセンス供与され、Spotifyの年末プレイリスト『Best of Fresh Finds 2025』にも選出された。
Among the best-kept secrets in emerging pop, Avery Cochrane is a dynamic Seattle-based singer-songwriter known for her emotive lyricism, cinematic sound, and magnetic live performances. Since breaking onto the scene, she’s drawn widespread attention for her ability to capture raw human experience while maintaining a timeless pop sensibility.
Her recent singles—“Existential Crisis at the Tennis Club,” a bombastic queer anthem, and the LadyGunn-praised “irresistibly catchy” “Shapeshifting on a Saturday Night”—have positioned Avery for a game-changing 2026.
The song was just licensed by Amazon’s new Book-Tok inspired series “Off Campus” for their spring launch and it also made Spotify’s year end ‘Best of Fresh Finds 2025’ playlist.
“Shapeshifting” propelled her to the forefront of indie pop in 2025, and with her new single and video “Griever,” plus a brand-new EP arriving in March, Avery is poised to emerge as a breakout LGBTQ+ pop star. Expect to see her on bigger stages this year, beginning with SXSW in March.
Anjimile(アンジマイル)がニューアルバム『You’re Free to Go』を発表。2023年作『The King』に続く本作のリード曲となる軽やかで優しい『Like You Really Mean It』は、ケイティ・アーサー監督によるミュージックビデオと共に公開された。下記でチェックを。
『You're Free to Go』は、プロデューサーのブラッド・クック（Waxahatchee、Hurray for the Riff Raff、メイヴィス・ステイプルズ）とともに制作されました。このアルバムには、ネイサン・ストッカー（Hippo Campus）、マット・マッコーハン（Bon Iver）、ゲストボーカルとしてサム・ビーム（Iron & Wine）が参加しています。 「このアルバムは、私の人生経験に非常に忠実な作品だと思います」と、シンガーソングライターは振り返ります。「このアルバムは、私という人間を、アルバムで知りうる限り最も深く知ることのできる作品だと思います」
「Like You Really Mean It」
・2nd Single 「Waits For Me」
Anjimileのセカンドシングル「Waits For Me」が公開された。ここにはミュージシャンのフラストレーションが炸裂している。
1.You’re Free to Go 2.Rust & Wire 3.Waits for Me 4.Like You Really Mean It 5.Turning Away 6.Exquisite Skeleton 7.The Store 8.Ready or Not 9.Point of View 10.Afarin 11.Destroying You 12.Enough
カナダ/トロントの四人組インディーポップバンド、Cootie Catcherはエレクトロニックとジャングリーなロックを融合させ、新鮮味溢れる音楽性を提供する。昨年、クーティ・キャッチャーはCarparkと契約を交わし、ニューアルバム『Something We All Got』の制作を明らかにした。それ以降、「Gingham Dress」を筆頭に魅力的なシングルを公開してきた。
Today, alt-pop visionary Jenny On Holiday releases her debut solo album ‘Quicksand Heart’ via Transgressive Records. This is a fine work sprinkled with Hollingworth's signature heart-racing pop sensibility.
Known to many as one half of the critically acclaimed duo Let’s Eat Grandma, Jenny Hollingworth now reintroduces herself with a voice that is both familiar and strikingly new. The result is music that feels both intimate and expansive, rooted in a new found joy in the lightness of being. Jenny is curious and in love with life again.
Ushering in a powerful new chapter of Hollingworth’s artistry — one propelled by a new sense of clarity — ‘Quicksand Heart’ is a record that is driving and immediate, to be sung with friends in the festival pit or hummed alone on the night bus. A striking image, a “quicksand heart” is a whorling vortex of feeling, a pulsating pit of emotion; it’s how Jenny On Holiday describes how she gives and receives love.
“I used to get this feeling that everyone had hearts made of different materials—and I felt like mine was a bit defective. I feel like my heart and my head are all made from the wrong things. That image is about wanting to be loved, and to love and live as a human does, despite the fact you’re maybe like the Tinman in The Wizard of Oz.” - Jenny On Holiday
Written in the stillness of Norwich summers and finished in London with producer Steph Marziano (Hayley Williams, Nell Mescal), ‘Quicksand Heart’ introduces Jenny’s cinematic solo sound — grounded in plain-spoken storytelling yet expansive in its pop imagination. Inspired by the likes of Prefab Sprout to The Beach Boys, Kate Bush and Cyndi Lauper, Hollingworth and Marziano came up with ‘Jenny on Holiday’—a playful name in keeping with the lexicon of L.E.G. “I am basically on holiday from the band,” Hollingworth says wickedly. This is a record of joy, power, and abundance, fizzing with energy that sweeps up raw and punky basslines a la The Replacements, twinkling synths, and otherworldly, expressive vocal shades that recall Elizabeth Fraser. Production is upfront and bold, and even its most melancholic rhythms blush with pop sensibilities.
Quicksand Heart’s artwork is shot by Steve Gullick—a legendary photographer who has lensed everyone from Nirvana to PJ Harvey—and casts Hollingworth as a hyper-saturated, sensual, hypnotic protagonist, wearing her mother’s wedding dress. “It’s not to reflect typical kinds of romances, but a love of life,” she says of the visual and aural imagery. It’s this energy, too, that she’s excited to bring to the stage and live shows again - beginning with an intimate in-store tour across the UK this month.
Eileen Carey is an award-winning country-pop singer-songwriter based in Altadena, California. Known for her infectious optimism and genre-blending sound, Carey has become a standout figure in the independent music scene, earning accolades such as the New Music Awards’ AC/Hot AC Breakthrough Artist of 2025 and the Independent Music Network’s Entertainer of the Year in 2025.
Her music, described as “West Coast Pop-Country”, is upbeat, accessible, and emotionally resonant. Carey’s singles like “Land with You” and “Good Bad Girl” have topped radio charts and earned praise for their empowering messages and danceable melodies1.
A dynamic live performer, Carey has shared stages with legends including Don McLean, Rita Coolidge, Jefferson Starship, and The Motels, captivating audiences with her “Gretchen Wilson-meets-Miranda Lambert” stage presence. Her shows are known for turning passive listeners into active participants, with line dancing, singalongs, and standing ovations.
Eileen Carey's single "This Is Where" is a reflective, uplifting breakup song about two people who outgrew each other but carried the courage, love, and lessons forward—realizing the end of their story is actually the beginning of who they’re becoming.
Beyond music, Carey is a beauty ambassador for Joe Blasco Cosmetics, reflecting her commitment to self-expression and empowerment. She’s also the founder of The Music Mom blog, where she shares insights on motherhood, wellness, and creativity.
With over 25 career awards, performances at nearly 80 notable venues and a growing international fanbase, Eileen Carey continues to light up the music industry with her authenticity, positivity, and undeniable talent.
愛知県在住の音楽家。2024年にファーストアルバム『Conceive the Sea』をリリース。APPLE VINEGAR MUSICC AWARD 2025特別賞を受賞。Suso Saiz, Li Yilei, Adeline Hotelらと共演。ライブでは、ピアノや変則チューニングのアコースティックギターを奏でながらも、うすくたなびく音のレイヤーに包み込まれるような音像を体験できる。
南カリフォルニア発のインディーポップとロックを融合させたシンガーソングライター、KiKi Holli & The Remedy（キキ・ホリ＆ザ・レメディ）の新曲を聴いてみよう。グラミー賞ノミネートプロデューサー、イーサン・アレンがプロデュースを担当。
ロサンゼルスを拠点とするインディーポップのボーカリスト兼ソングライター、キキ・ホリが最新シングル「WISH」で帰還。これは拡張されたアーティスト名「キキ・ホリ＆ザ・レメディ」名義での初リリースとなる。この進化は、ホリの新たな創造的章を刻む——彼女のライブパフォーマンスのダイナミックなエネルギーを捉えつつ、感情豊かなストーリーテリングと、彼女が知られる豊かなシネマティックなサウンドへの忠実さを保ったものである。 「& The Remedy」の追加は、ホリがライブパフォーマンスとコラボレーションに注力する姿勢を反映。ステージ上でバンドが生み出す鮮烈でソウルフルなエネルギーを捉えつつ、スタジオでは2度のグラミー賞ノミネート経験を持つプロデューサー、イーサン・アレンとの協業を実現している。
この新曲は、ホリーの衝撃的なニュー・ディスコ曲「WIN U OVER」の成功に続くものだ。同曲は中毒性のあるグルーヴと恐れを知らないエネルギーでビルボードから絶賛された。「WIN U OVER」でホリーは聴き手に喜び、繋がり、動きを受け入れるよう誘った——「WISH」の内省的なトーンとは鮮やかな対照をなすが、どちらも彼女の代名詞である本物の表現力に支えられている。
それ以前には、自己表現・魅力・エンパワーメントを謳ったLGBTQ+コミュニティに支持されるダンスアンセム「PRETTY BOYS」を発表。力強いボーカルと感情豊かな歌詞で知られるホリの作品群は、至福の「NEW HIGH」から映画的な「Play to Lose」「Sun Playing Tricks」まで多岐にわたり、各楽曲が彼女の芸術性の新たな側面を明らかにしている。
ペンシルベニア州ピッツバーグ出身のホリは幼少期から芸術に惹かれ、声楽と演劇で美術学士号を取得。 訓練を受けたボーカリスト兼マルチ楽器奏者として、『鼠と人間』『三姉妹』『十二夜』に加え、カルト的な人気を博したインディーズ映画『Isle of Lesbos』にも出演。同作はSwampflix誌より「政治的に怒りに満ち、意図的に挑発的で、ジョン・ウォーターズ以降の、クィアな映画ミュージカル」と評された。
・"KiKi Holli… delivers here a performance of great beauty." – Rolling Stone
Los Angeles indie-pop vocalist and songwriter KiKi Holli returns with her latest single “WISH,” the first release under her expanded artist title KiKi Holli & The Remedy. This evolution marks a new creative chapter for Holli— one that captures the dynamic energy of her live performances while staying true to the emotive storytelling and lush, cinematic sound she’s known for. The addition of “& The Remedy” reflects Holli’s growing focus on live performance and collaboration, capturing the vibrant, soulful energy of her band on stage and working with her 2x Grammy nominated Producer, Ethan Allen in the studio.
“WISH” is an atmospheric, soulful anthem that explores longing, transformation, and the beauty of vulnerability. Driven by sweeping melodies and Holli’s radiant, emotionally charged vocals, the track evokes a sense of yearning and renewal, channeling the timeless influences of artists like Stevie Nicks, Bowie, Prince & The Cure through a modern indie-pop lens. It’s both intimate and anthemic—a reflection of Holli’s continued growth as an artist and the powerful synergy of The Remedy.
The new single follows the success of Holli’s electrifying Nu Disco track “WIN U OVER,” which earned critical praise from Billboard for its infectious groove and fearless energy. With “WIN U OVER,” Holli invited listeners to embrace joy, connection, and movement—a vibrant contrast to the introspective tone of “WISH,” yet both driven by her signature authenticity.
Before that, Holli released the dance anthem “PRETTY BOYS,” an LGBTQ+ favorite celebrating self-expression, allure, and empowerment. Known for her powerful vocals and emotionally charged writing, Holli’s catalog spans from the blissful “NEW HIGH” to the cinematic “Play to Lose” and “Sun Playing Tricks,” each track revealing new facets of her artistry.
Holli first captured hearts with her stunning rendition of Roxy Music’s “More Than This,” a song that mirrored her personal journey through grief and healing. Since then, she’s collaborated with twice Grammy-nominated producer Ethan Allen (Ben Harper, Black Rebel Motorcycle Club, Tricky) shaping a sound that blends indie pop, soul, and alt-rock textures with striking emotional depth.
As an artist who draws deeply from her own experiences, Holli’s work reflects resilience, transformation, and the pursuit of joy. With KiKi Holli & The Remedy, she expands her musical universe—not as a reinvention, but as a radiant amplification of who she already is. “WISH” sets the tone for what’s to come, leading up to her highly anticipated album release next fall.
Originally from Pittsburgh, PA, Holli was drawn to the arts from an early age, earning her BFA in voice and theater. A trained vocalist and multi instrumentalist, she has performed in Of Mice and Men, Three Sisters, and Twelfth Night, as well as the cult indie film Isle of Lesbos, praised by Swampflix as “a politically angry, deliberately offensive, post-John Waters, queer-as-f*ck movie musical.”
Most notably, Holli co-wrote and starred in Forever Dusty: The Dusty Springfield Musical, which opened off-Broadway at New World Stages to acclaim from The Village Voice, Reuters, The New York Times, and Out Magazine. The show later ran in Los Angeles, London, and several other cities across the U.S. and U.K.
With “WISH,” KiKi Holli & The Remedy offer a rocking, spellbinding track that encapsulates the essence of Holli’s artistry—emotional, transformative, and timeless. It marks the beginning of an exciting new phase, one that celebrates collaboration, depth, and the power of evolution without losing the soul of KiKi Holli’s unmistakable voice.
フランスのサイケポップアーティスト、Melody's Echo Chamber（メロディーズ・エコー・チェンバー）の名義で活動するメロディ・プロシェの最新作『Unclouded』が、Dominoから今週末に発売されますが、本日、最終のリードシングル「The House That Doesn't Exist」が公開された。
「The House That Doesn't Exist」は、ジャグリーなギター、そしてグルーヴィーなドラムを生かしたロック寄りのドリームポップソング。強固なビートとメロディアスなボーカルが見事なコントラストを作り出している。曲の中では、ストリングスがアンサンブルに入り、文字通りファンシーな雰囲気を生み出している。映像はサイケデリックポップの印象をかたどっています。
このシングルには、アシッドハウスアートの破壊者たち、 The KLFのために設計、製作されたアナログビデオインスタレーションの中で撮影された、不気味なプライベートパフォーマンスの映像が付属している。このクリップには、マーニー、ハント、ミラ・アロヨ、パーカッショニストのピーター・ケリー、そしてライブラインナップに新たに加わったマルチプレイヤー、アンドルー・ハント（ダイアレクト、アウトフィット）が出演している。
シングルは、BBC 6Musicでヒュー・スティーブンスが最初にオンエアし、その後BBC Radio 2でジョー・ウィリーもプレイした。パット・ピアソン（ドーター、ブルック・ベンサム）と共にデヴォンのミドル・ファーム・スタジオでレコーディングされたもので、個人的な混沌を深い人間性と抗いがたいメロディックなものに変えるブロッサムの独特な能力が表現されている。
ジェニー・ホリングワースとローザ・ウォルトンは 16 歳でトランスグレシブ・レコードと契約し、2016 年に、メロディックなエレクトロニックと風変わりなフォークポップが融合した、奇妙な魅力に満ちたデビューアルバム『I, Gemini』をリリースしました。2018 年、批評家から絶賛された『I'm All Ears』は、甘くも辛辣なボーカル、不気味な歌詞、そして故 SOPHIE の変異したプロダクションを基盤とし、幻想的な新しい音の世界へと拡大した。
