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Skullcrusherが、近日発売予定のニューアルバム『And Your Song is Like a Circle』からのセカンド・シングルでオープニングトラックとなる「March」を公開した。シンガーソングライターがピアノの弾き語りに挑んだ王道のバラードソングである。
「”March”はある意味では告白のようなものなんだ」とヘレン・バレンタインは語る。「失ったもの、理解できないもの、人生と責任に立ち向かうことに身を委ねるような気分だった。 私が物事を振り返る間、見慣れた状況はさまざまな形をとる。 自分の歌を聴かせて友人を泣かせたり、傷つくことを言って友人を泣かせたり。 未知の世界には美しさと恐怖があります」
レコーディング中、バレンティンは喉にコンタクトマイクを付けて歌うなど、自分の声をとらえる新しい方法を試してみたという。新しいレコードの制作段階を通して、人間と機械の境界線は曖昧になっている。 「ボーカルは、誰もが持っているものだから、私のお気に入りの楽器なの。 泣いたり、叫んだり、笑ったり。 そして儚い。 いずれは死んでしまうものなのだから」
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Militarie Gunは10月17日にロマ・ヴィスタからニューアルバム『God Save The Gun』を発表した。 『Life Under The Gun』(レビューを読む)の続編となるこのアルバムには、バンドリーダーのイアン・シェルトンが監督したミュージック・ビデオが収録されている。
"私は、悪徳を讃えるビデオを作りたかった。決して真に反省することなく、過ちを犯した瞬間を振り返っている自分の新しいイテレーションを作りたかった。 "これは、私たちがこれまでに行った中で最も技術的に困難なビデオであり、"悪い考え "という言葉を綴った歌にしか合わないものだった"
ミリタリーガンは、プロデューサー／エンジニアのライリー・マッキンタイア（アーロ・パークス、ザ・キルズ）と共に14曲入りの作品に取り組んだ。 God Save the Gun』には、フィリップ・オドム、デイジーのジェイムズ・グッドソン、MSPAINTのニック・パネラも参加している。
「このように傷つきやすいことで、私の個人的なトラウマがこのアルバムのマーケティングのフックになることは十分承知している」とシェルトンは付け加えた。 「でも、それを刺激しないまでも、私はそれでいいと思っている。 ここ数年、依存症の影響を受けている人の視点から依存症について話すうちに、自分が依存症に苦しんでいる人になってしまったんだ。 ある状況に入り、その結果を十分に理解した上で、とにかくやってみるというのは茶番的な論理なのだ」
『BAD IDEA』
Militarie Gun 『God Save the Gun』
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Label:Loma Vista
Release:2025年10月17日
Tracklist:
1. Pt II
2. B A D I D E A
3. Fill Me With Paint
4. Throw Me Away
5. God Owes Me Money
6. Daydream
7. Maybe I’ll Burn My Life Down
8. Kick
9. Laugh At Me
10. Wake Up And Smile
11. I Won’t Murder Your Friend
12. Isaac’s Song
13. Thought You Were Waving
14. God Save The
Pre-save: https://fm.militariegun.com/GSTG
Wombo 『Danger In Fives』
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Label: Fire Talk
Release： 2025年８月８日
Review
Womboは2016年頃から活動しているケンタッキー州ルイヴィルのロックバンド。先週末にニューアルバム『Danger In Five』をリリースしたウォンボはトリオ編成で、アルトロックバンドとして真を穿ったサウンドを誇る。表向きにはパンクの音楽性は希薄だが、ポストハードコアのようなサウンドを通過したロックソングを提供する。これはまさしく、ルイヴィルが80~90年代を通して、アートロックやプログレッシヴロックの名産地で有り続けてきたことを印象づける。
基本的には、『Danger In Fives』はマスロックのような数学的な変拍子を基調としたアルバムである。マスロックとは、二つ以上の異なるリズムを織り交ぜたポリリズムのロックのことを意味し、広義においては、転調や変拍子を強調するロックサウンドのことを言う場合もある。しかしながら、今作は単にスノビズムをひけらかす内容ではない。このバンドの音楽に、ポップネスをもたらしているのが、ベース/ボーカルのシドニー・チャッドウィックのアンニュイなボーカルであるが、最近流行するシューゲイズやドリームポップのアウトプットとは明確に異なる。2000年代のレディオヘッドのトム・ヨーク、Portisheadのベス・ギボンズ、Cocteau Twinsのエリザベス・フレイザーをかけ合わせたような特異なボーカルであり、現実空間と幻想的な空間の間を揺らめくようなニュアンスをもたらす。また、上記のボーカリストがそうであるように、器楽的な音階を強調するボーカルであり、器楽的なニュアンスをアンサンブルに及ぼす。
『Danger In Fives』は入念に作り込んだサウンドが特色だ。それらはミニマル音楽を通過したロックソングという点では、ニューヨークのFrankie Cosmosのソングライティングに近い印象を抱く。しかし、同時に、ボーカルとギターがユニゾンしたり、ポリリズムがリズムの中に取り入れられたり、全体的なアンサンブルの中でベースの演奏が優位になり、９０年代初頭の最初期のグランジやメタルのようなヘヴィーなウェイトを占めるとき、Womboのオリジナリティの高い魅惑的なサウンドが表面に出てくる。それらは全般的には、Radiohead『Kid A』のエレクトリックサウンドとロックの融合を基本にして、Portishead、Trickyのトリップホップを織り交ぜ、最終的にそれらをルイヴィルのアートロック/マスロックで濾過したような特異なサウンドである。ややもすると、複雑なサウンドを想像するかもしれないが、実際の音楽性は難解ではない。楽曲の作りがシンプルで、盛り上がってきたところで曲をスパッと切り上げる。それが全11曲、30分後半という端的な構成に表れている。Womboの曲はまったく演出がかっていないのが良い。グリム童話やアンデルセンの童話からの影響があり、幻想的な興趣を添えているが、実際的にそれは彼らのいる現実とどこかで繋がっている。基本的には、リアリズムの音楽でもある。
Womboは、曲の中で、強い主張性を織り交ぜることはほとんどない。本作の場合、シドニー・チャッドウィックのボーカルはスキャットやハミングのように明確な言葉を持たぬ場合が多い。しかし、それがたとえ、2000年代のトム・ヨークのように、器楽的な音響効果を強調するものであるとしても、音楽からメッセージが立ち上がって来ないわけではない。（例えば、意外にもインストゥルメンタルの方がボーカルよりも多くのメッセージが伝わる場合があり、無言の方が多言より説得力を持つことがあるのと同様である）ようするに、彼らのサウンドには、アメリカの現実的な側面が反映され、それは寂れた工業地帯や閑散とした農村風景など、一般的な報道では表沙汰にならない現実的な側面をしたたかに織り込んでいるのである。その音楽は、時々、不安を掻き立てることもあるが、奇妙な癒やされるような感覚が内在している。
その中で、Womboが重視するのはホームという概念である。それは実際的な自宅という考えだけではなく、いつでも帰ってこれるような共同体のようなものを意味するのかもしれない。これらの不安の多い世の中の情勢の中で、こういったホームの広義の解釈によって、Womboのサウンドは独特な安らぎや癒しの印象を受け手に与えることがある。それはもっといえば、現代社会において、必ずしも物理的な空間を示唆するとはかぎらず、仮想的な空間のようなものも含まれるのかもしれない。これらが、このアルバムの曲に概念として反映されるとき、Womboのサウンドは聞き入らせるだけでなく、かなり説得力のある水準まで達することがあるわけだ。
こういった点を踏まえた上で、注目すべき曲が幾つかある。オープナーを飾る「Danger In Five」は、このアルバムの方向性を理解する上で不可欠な楽曲である。グランジ風のベース進行の中でドリームポップ風のアンニュイなボーカルがこのアルバムをリードしている。この曲は、ボーカルの性別こそ異なるものの、Interpolのような独特な哀愁を作風の基底に添えている。また、ルイヴィルのバンドらしい不協和音やクロマティックスケールが登場する。「S.T. Titled」はRodanの不協和音を強調したパンクのエッセンスを吸収し、独特な楽曲に仕上げている。この曲ではドラムやベースの生み出すリズムと呼応しながら、ギターが即興演奏のようにプレイされる。ロックソングの不協和音という要素を押し出した、面白いトラックとなっている。
ただ、このアルバムの場合は、それらの不協和音の中で、調和的な旋律を描くボーカルが魅力的である。それらはやはり、トリップホップのようなUK/ブリストルのサウンドを彷彿とさせる。「A Dog Says」などを聞けば、このバンドの特異なサウンドを掴むことができるのではないか。
古典的な童話をモチーフにした幻想的な音楽性は、短いインタリュード「Really melancholy and There Are No Words」で聴くことができる。また、続く「Spyhopping」においても、彼らの織りなす独特なワンダーワールドを垣間見ることが可能である。さらに、アルバムの終盤のハイライト曲「Common Things」は素晴らしく、ピクシーズの「Trompe le Monde」の時期のアルトロックソングの形式を継承している。ギターソロは、Weezerのリバース・クオモのプレイを彷彿とさせる。しかし、これらは、Womboの手にかかるやいなや、独特なメランコリアを放ち、癒やしの雰囲気を持つオルタナティヴロックのスタイルへと変貌する。アルバムのクローズ「Garden Spies」はマスロックのマニア性を吸収し、雰囲気を満ちたエンディングを形成している。アートロックという側面でマニアックな作風であるが、聞き逃し厳禁のアルバムでもある。
84/100
「Common Things」
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シカゴの作曲家/ヴォーカリスト/ギタリスト/詩人、Hannah Frances(ハンナ・フランシス)がニューアルバム『Nested in Tangles』を発表した。ニューアルバムは10月10日にFire Talkからリリースされる。
ハンナ・フランシスは、この個性的な作品群によって、個人の真実と自己実現にコミットした、反乱的で感情的な明晰さを持つアーティストとしての地位を確固たるものにした。『 Nested in Tangles』は、プログレッシブ・ロック、アヴァン・フォーク、ジャズの領域にまたがっているが、フランシスの特徴であるヴォーカルの跳躍とパーカッシブでポリリズムなフィンガーピッキングによって、全編を支えている。
フランシスは絶賛されたアルバム『Keeper of the Shepherd』の完成直後、2023年から2024年にかけて『Nested in Tangles』を書き上げた。 『Nested in Tangles』でフランシスは、家族の疎遠、感情的なトラウマ、彼女自身の信頼感の深まりといった複雑な物語を、複雑で目まぐるしくスケールの大きな楽曲群を通して語っている。
長年のコラボレーターであるケヴィン・コープランドとともに、フランシスはグリズリー・ベアのダニエル・ロッセンをプロデュースと2曲のアレンジに迎え、友人たちにホーン、管楽器、弦楽器のアレンジを依頼した。 現代のアヴァンギャルド・クラシック作曲家や70年代のプログレッシブ・ロックなど、幅広い音楽的影響から生まれた『Nested in Tangles』は、そのダイナミクスと作曲上の回り道で驚きを与えてくれる。
ハンナ・フランシスはこの秋、『Nested in Tangles』を引っ提げ、ブルックリン、フィラデルフィア、ワシントンDCを含む全米ヘッドライナー・ツアーを行う。
フランシスのヘッドライナー公演は、今週日曜日のGreen Man Festivalを皮切りに、ロンドン、マンチェスター、グラスゴーなどで行われる。 その後、フランシスはフローリストと共にベルリン、パリ、そしてその他の都市で公演を行なう。 この冬の終わりには、ロサンゼルス、サンフランシスコなど西海岸でフォックスウォーレンのサポートを務める。
「Surviving You」
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アイルランドのロックバンド、Just Mustardが3rdアルバム『WE WERE JUST HERE』のリリースを発表した。同作は10月24日にPartisan Recordsより発売されます。
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11月7日にDominoからリリースされるニュー・アルバム『COSPLAY』で復活を遂げるSorry。 この発表に合わせて、彼らは新曲「Echoes」を発表し、2025年の北米ツアーを計画している。
『COSPLAY』は、ソーリーにとって3作目のスタジオ作品であり、2022年の『Anywhere But Here』以来のフルアルバムとなる。 このプロジェクトは、"彼らのキャリアの中で最もスリリングでハートフルなアルバムに凝縮されたアイデア、偽装、裏技のめまぐるしい渦 "と説明されている。
「Echoes」はCOSPLAYの "重要な瞬間 "であり、"返事を待っているトンネルに向かってエコーを叫ぶ少年の物語を題材にした詩にインスパイアされた "という。 この新曲について、バンドメンバーのアーシャ・ローレンツはシンプルにこう語っている。 「蝶の聖域で会いましょう。 エコー"。 FLASHA Prodによるシュールなミュージック・ビデオは以下からご覧ください。
「Echoes」
Sorry 『COSPLAY』
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Release: 2025年11月７日
Tracklist:
1. Echoes
2. Jetplane
3. Love Posture
4. Antelope
5. Candle
6. Today Might Be the Hit
7. Life in This Body
8. Waxwing
9. Magic
10. Into the Dark
11. Jive
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ロサンゼルスを拠点に活動するメリーナ・ドゥテルテのプロジェクト、Jay Somが、近日リリース予定のアルバム『Belong』からのセカンド・シングル「Cards On The Table」を発表した。
「Cards On The Table」は、魅惑的なエレクトロニック・フラリッシュ、穏やかなフック、そして歪んだヴォーカル（ミニ・トゥリーズのレクシー・ヴェガが参加）が、テッセレーションされたドラムマシンとシンセサイザーの上を流れ落ちるエレクトロニック・ポップの優しさと明解さに満ちたスライスである。 この曲は、アルバムのリードシングル「Float (feat. Jim Adkins)」、コンプリメンタリーリリース「A Million Reasons Why」に続く作品となる。
ドゥテルテはこの曲についてこう語っている。
『Cards On The Table』は『Belong』で一番好きな曲だ！ この曲は、友人関係の移り変わりと、プラトニックな関係において、お互いが誤解していると感じたときに、対立がいかに破滅的なものになり得るかについて歌っている。
そのようなダイナミズムをナビゲートすることは、普遍的な経験だと思う。 自分の人生を出たり入ったりする人が絶えることのないサイクルのように感じるけど、それは最終的に自己発見と成長につながる。
ジェイ・ソムは、今夏のルーシー・デイカスのサポート・ツアーに続き、5年以上ぶりとなる北米ヘッドライン・ツアーも発表した。 秋にはイギリスとヨーロッパに戻り、ピッチフォーク・ロンドンとピッチフォーク・パリにも出演予定。
「Cards On The Table」
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マック・デマルコは来週（8月22日）、ニュー・アルバム『Guitar』をロイヤル・マウンテン・レコードからリリースします。ニューヨーカー誌の新しいプロフィールの中で、ジャーナリストのアマンダ・ペトルーシッチは、船でしかアクセスできないBC州沿岸の離島（ツワッセンからフェリーが1日数便出ている）にデマルコを訪ねたことについて書いています。そして彼の意外なナチュラリストの全貌が明らかになりました。
「私が島にいた3日間、彼はバリカンや電動ノコギリで木を切り刻み、葉のもつれを一輪車に投げ入れ、その中身を森に捨てていた」とペトルーシッチはデマルコが "開いた花瓶 "の形を作り出そうとしていたこと、空気の循環を促進するために枯れ枝を剪定し、中心部の生長を抉り取っていた」
「デマルコは、枯れ枝を剪定し、中心部の生育を伐採し、風通しを良くすることで、「開いた花瓶」の形を作り出そうとしていた。 そこでデマルコは、やんちゃなインディ・ロックのアイコンから、崩壊しそうな赤いバンを履いた、すきっ歯でD.I.Y.なフロンティアマンへと変貌を遂げていた。
ペトルーシッチは記事の別の箇所で、ファーマーズ・マーケットや金物屋に行き、マリーナでデマルコとアイスクリームを買ったことを紹介し、宿について次のように書いている。
彼の新居は、スリリングだが少々危険なほど海に近い場所にある。 海岸線と平行に走るデッキからは、オルカ、ザトウクジラ、ハクトウワシ（近くの巨大なダグラス・モミの上にペアが営巣していた）、カワウソ、そしてまだら模様の頭が定期的に水面から顔を出し、スナックを探して辺りを覗き込むゼニガタアザラシを見つけることができる。 敷地はそのまま売りに出されていた。 私が寝泊まりしたゲスト用コテージには、ビーチに突き出した風通しのよいベッドルームがあり、接着剤とアイスキャンデーの棒で作ったようなその場しのぎの土台で支えられていた。 夜になると、西側の壁に打ち付ける波の音が大きく聞こえた。
このミュージシャンはバンクーバー島の都市ダンカンで生まれたが、エドモントンで育った。 その後、デマルコはバンクーバー、モントリオール、ニューヨーク、ロサンゼルスに移り住んだ。 デマルコは、2016年に長年のパートナーであるキエラ・マクナリーと移り住み、ギターのレコーディングを行ったシルバーレイクに今も家を所有している。
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日本の魅力的なヴォーカルアーティスト、Hatis Noitが、中国/開封出身でロンドンを拠点とするプロデューサー兼サウンド・アーティストのYu Su(ユー・スー)によってリワークされた新曲「Himbrimi」を発表した。
このシングルは、ハティス・ノワが9月26日にErased Tapesからリリースするアルバム『Aura Reworks』からの最新曲で、2022年のデビューアルバム『Aura』を伝説的なアーティストやコラボレーターによって再構築したもの。
Yu Suによる「Himbrimi」のリミックスバージョンは、ハティスの弾むようなヴォーカルをサイケデリックなダンス中心のリズムに変身させ、彼女の叫びはそのままに、頭でっかちなエレクトロニック・ビートの上に舞い上がる。
「ヒンブリミはハティスのアルバムの中で一番好きな曲。 深く映画的でリズミカルな曲で、非常に構成された方法で作られています。 リワークを通して、土台となるレイヤーを加えることで、この曲をさらに強調し、グラウンディングさせたかった」
「Himbrimi」
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ロサンゼルスのアルタデナを拠点に活動し、数々の賞を受賞、チャート上位にランクインしているカントリーポップシンガーソングライター、Eileen Careyが新曲「Carry Me Away 」をリリースした。
アイリーン・キャリーは、ニューミュージック・ウィークリーのインディ・トップ40チャートで1位、メインストリーム・トップ40チャートで5位を獲得し、ラジオ・チャートのトップを何度も飾っている。 彼女はさらに、ドン・マクリーン、リタ・クーリッジ、ジェファーソン・スターシップ、ザ・モーテルズなどの伝説的アーティストと共演している。
アイリーン・キャリーは、カリフォルニア州アルタデナを拠点に活動する受賞歴のあるカントリー・ポップ・シンガーソングライター。 感染力のある楽観主義とジャンルを超えたサウンドで知られる。
キャリーは、ニューミュージックアワードのAC/Hot AC Breakthrough Artist of 2025や、インディペンデント・ミュージック・ネットワークのEntertainer of the Year in 2025などの賞賛を獲得し、インディペンデント音楽シーンで傑出した存在となっている。
ウエストコースト・ポップ・カントリー」と形容される彼女の音楽は、アップビートで親しみやすく、感情に響く。 「Land with You」や「Good Bad Girl」といったキャリーのシングルはラジオ・チャートの上位にランクインし、その力づけるメッセージとダンサブルなメロディーが賞賛されている1。
ダイナミックなライブ・パフォーマーであるキャリーは、ドン・マクリーン、リタ・クーリッジ、ジェファーソン・スターシップ、ザ・モーテルズなどの伝説的アーティストとステージを共にし、「グレッチェン・ウィルソンとミーツ・ミランダ・ランバート」のようなステージで観客を魅了してきた。 彼女のショーは、ラインダンス、シンガロング、スタンディングオベーションなど、受動的なリスナーを能動的な参加者に変えることで知られている。
彼女のニューシングル "Carry Me Away "は、今を生きることの魔法にかかり、逃避する特別な場所を見つけることをテーマにしている。 この魅惑的でアップビートなポップ・カントリー・ソングは、人生に必要な重要な変化を起こすための場所を見つけることを歌っている。 彼女はこう歌っている。"チャンスをつかみたい気分／真新しい気分／負けたくない"。 この曲では、アイリーンのソウルを感じさせるハニーなヴォーカルが、重ねたギターと豊かなリズムの上でアンセミックなコーラスを歌い、魅力的な一曲となっている。
音楽活動にとどまらず、キャリーはジョー・ブラスコ・コスメティックスのビューティ・アンバサダーとして、自己表現とエンパワーメントに取り組んでいる。 また、ブログ「The Music Mom」の創設者でもあり、母性、健康、創造性についての洞察を共有している。
アイリーン・キャリーは、25以上の受賞歴、80近くの有名な会場でのパフォーマンス、そして増え続ける国際的なファンベースを持ち、その信頼性、ポジティブさ、そして紛れもない才能で音楽業界を照らし続けている。
「Carry Me Away 」
Eileen Carey is an award-winning country-pop singer-songwriter based in Altadena, California. Known for her infectious optimism and genre-blending sound, Carey has become a standout figure in the independent music scene, earning accolades such as the New Music Awards’ AC/Hot AC Breakthrough Artist of 2025 and the Independent Music Network’s Entertainer of the Year in 2025.
Her music, described as “West Coast Pop-Country”, is upbeat, accessible, and emotionally resonant. Carey’s singles like “Land with You” and “Good Bad Girl” have topped radio charts and earned praise for their empowering messages and danceable melodies1.
A dynamic live performer, Carey has shared stages with legends including Don McLean, Rita Coolidge, Jefferson Starship, and The Motels, captivating audiences with her “Gretchen Wilson-meets-Miranda Lambert” stage presence. Her shows are known for turning passive listeners into active participants, with line dancing, singalongs, and standing ovations.
Her new single "Carry Me Away" is all about finding that special place to escape and be in the magic of living in the moment. The seductive upbeat pop-country song also narrates finding a space to make those important changes needed in life. She sings, "I feel like taking chances / I feel brand new / Can't lose." The song features Eileen's soul-drenched and honeyed vocals singing an anthemic chorus over layered guitars and lush rhythms for an enticing listen.
Beyond music, Carey is a beauty ambassador for Joe Blasco Cosmetics, reflecting her commitment to self-expression and empowerment. She’s also the founder of The Music Mom blog, where she shares insights on motherhood, wellness, and creativity.
With over 25 career awards, performances at nearly 80 notable venues and a growing international fanbase, Eileen Carey continues to light up the music industry with her authenticity, positivity, and undeniable talent.
Anamanaguchi 『Anyway』
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Release：2025年８月８日
Review
ポリヴァイナルから新譜をリリースしたニューヨークのパンクロックバンド、Anamanaguchi(アナマナグチ)は、最新アルバム『Anyway』において、まるでデビューバンドのような鮮烈なイメージを与える。ご存知の通り、このアルバムの家は、シカゴのロックバンド、アメリカン・フットボールの『LP１』のアートワークとして写真で使用されている。いわばエモの名物的な物件なのだ。
つい数年前、ポリヴァイナル・レコードは、この文化財を救済するため、競売にかけられたこの一軒家をバンドと共同で購入した。私自身は僭越ながら、Anamanaguchiというバンドを今年までよく知らなかったが、どうやらチップチューンの先駆者であると彼らは自称しているらしい。アナマナグチは、このシカゴ郊外でニューアルバム『Anyway』のレコーディングに取り組んでいる。長い間、この物件は、''モラトリアムのメランコリア''ともいうべきシカゴの象徴的な文化財であったが、今回のアナマナグチは、はつらつとしたパンクエナジーでその先例を打破する。
アメリカンフットボール・ハウスの中にある改装されたリビングルームでは何が行われていたのか。それを知るためには、このアルバムを聴いてみるのが一番だと思う。『Anyway』では、デジタルプロセスで制作された一般的なアルバムとは少し異なり、''同じ部屋で集まり、そして一緒にアルバムを作り上げた''とピーター・バークマンは述べている。つまり、トラック別のライン録音ではなく、同時録音を中心に構想されたアルバムではないかと推測される。おそらく、ベースとなる録音を制作し、その後にボーカル・トラックなどを被せていったのではないか。
さて、結果的に生み出された産物は、ロック、パンクの激しいエナジーが放たれ、スタジオライブのように緊密な空気感を録音に聴くことが出来る。そのライブサウンドとしての象徴的な音楽性が冒頭曲「Sparkler」から目に見えるような形で炸裂している。ハードロックやパンクの中間にあるギターは、近年インディーズ界隈では倦厭されつつあるギターヒーローらしいサウンド。マーシャルのアンプを積み上げたライブステージのように重厚なイントロを形成している。
ドラムのフィルが入った後、コテコテのインディーズ・パンクサウンドを展開させる。彼らのロックサウンドは疾走感があり、爽快感もある。さらにギターソロがシンボリックに鳴り響く。勢いのあるパンクロックチューンの中で、シンガロングを誘発させるボーカルが織り交ぜられる。オープニングトラックとして申し分のない、素晴らしい楽曲がアルバムをリードしている。
「Sparkler」
「Rage」は２０００年代のUSインディーズロックの時代に回帰したような楽曲だ。このジャンルのファンの心を捉えるであろうと予測される。 Saves The Day、Third Eye Blind、Motion City Soundtrackを彷彿とさせるインディーズロックのリバイバルの楽曲である。全般的なロックの方向性の中で、エモの性質が垣間見えることがある。その中で、エレクトロパンクとエモやパワーポップを融合させた切ないフレーズが骨太のロックソングに内在するという点に注目すべきだ。彼らのロックサウンドは基本的にはインディーズ贔屓であり、USインディーズという概念を実際的なサウンドを介して復刻するような内容である。さらに、''チップチューンの先駆者''を自称するアナマグチであるが、今作では、１９９０年代のグランジ、ミクスチャーロック、オルタナティヴロックのテイストを吸収し、かなり際どいサウンドにも挑戦していることが分かる。
「Magnet」はアメリカのロックミュージックの多彩さがパワフルに反映されている。彼らのサウンドはメタリックにもなり、パンキッシュにもなり、スタンダードなロックにもなる。曲の中で熱帯雨林の生物のように変色し、セクションごとにまったく別の音楽を聴くような楽しさに満ちあふれている。そして全般的には、1990年代のRage Against The Machineの主要曲を彷彿とさせるミクスチャー・ロックのリズムがベースになっているが、その中には、Pixies、Weezer、Radioheadのようなオルタネイトなベース/ギターが炸裂し、クロマティック・スケールを最大限に活用したクールなロックサウンドが前面に押し出され、オルタナファンをノックアウトする。
「Lieday」は、The Gamitsのような2000年代初頭の良質なメロディックパンクサウンドに縁取られている。しかし、こういった曲は、さほど古びておらず、いまだにそれなりの効力を持っているのだ。ただ、アナマナグチの特色はベースメントのパンクサウンドの要素を押し出し、チップチューンのようなサウンドを疾走感のあるパンクソングに散りばめている。アナマナグチのサウンドの運び方は秀逸であり、飽きさせないための工夫が凝らされている。曲の後半のチャントは、１９９０年代以前のシカゴのエモコア勢に対する愛に満ち溢れている。結局、リバイバルエモへと受け継がれたチャント的なコーラスが、この曲のハイライトになるだろう。その後、商業的なポップパンクソング「Come For Us」では、Get Up Kidsの音楽性を踏襲し、エモパンクのお手本を見せている。「Buckwild」は最近のエモラップへの返答ともいうべき楽曲だ。
『Anyway』は、こういったエモ/パンクがアルバムの音楽性の中核部を担っている。一方で、チップチューンを織り交ぜたシンセの近未来的なサウンドが入る時、アナマグチの魅力が顕わとなる。「Sapphire」では、スペーシーなシンセがポップパンク/メロデイックパンクの要素と結びつき、ポップパンクのポスト時代の台頭を予見している。これらはどちらかと言えば、The Offspring、Sum 41のような骨太なロックやメタルの延長線上にあるパンクソングという形でキッズの心を捉えそう。ただ、アナマナグチの多趣味は、ロック/パンクの領域を超える瞬間もある。「Valley Of Silence」はニューヨークのエレクトロポップシーンと共鳴する楽曲である。Porches、Nation of Languageのサウンドを彷彿とさせる清涼感のあるポップソングのフレーズは、アルバムの全体的なノイジーなロックサウンドの中にあるオアシスのような意味をもたらす。
ただ、全般的には、Reggie And The Full Effectとポップパンクを結びつけたような個性的なサウンドがアルバムの中枢を担っている。「Fall Away」では、Fall Out Boyのような、やんちゃなパンクスピリットを反映させているが、同じようにスペーシーなシンセサイザーが独特なテイストを添えている。また、楽曲のBPMを下げて、テンポを緩めて、リズムがゆったりすると、彼らのメロディセンスの良さが表側に引き出されて、Weezer、The Rentals、Fountains of Wayneのような甘酸っぱいパワーポップ/ジャングルポップに接近する。「Darcie」は最も親しみやすい曲として楽しめるはず。また、アルバムの終盤でも、荒削りではあるけれども、良いバイブレーションを放つパンク/ロックソングが収録されているため、聴き逃さないようにしていただきたい。
「Really Like to」は、Fall Out Boyのようなシカゴの代名詞への尊敬の念が感じられる。その他、ベテランのバンドらしからぬ鮮烈な勢いを収めた「Nightlife」はアナマナグチの重要な音のダイアログの一つ。多彩なパンクロックを収録したユニークなアルバムがポリヴァイナルから登場。
84/100
「Magnet」
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| Tanukichan & Winter |
今月、ウィンターことサミラ・ウィンターがニューアルバム『Adult Romantix』をWinspearからリリースする。彼女はシューゲイザー仲間のミュージシャン、Tanukichan(最新作のQ&Aを読む)との最後のシングル "Hide-A-Lullaby "をミュージック・ビデオと同時に公開した。
「この曲は、内なる自己破壊者、心の片隅に隠された秘密、潜在意識の象徴としての暗い森というテーマを探求している」ウィンターは説明した。 「ハンナ・ヴァン・ルーン（タヌキチャン）にこの曲を一緒に歌ってもらえたのは素晴らしい。彼女のベルベットのような、ささやくような歌声が、この曲の呪われたミステリアスなロマンチックなイメージを完璧に立てている」
「Hide-A-Lullaby」のミニ・ドキュメンタリー映像は、ウィンターのコミュニティに所属するビジュアル・アーティストたちが、そのプロセスやインスピレーションについて語るインタビューである。 アシュリン・トランとアレックス・カルメンは、自己描写とジェンダー規範の影響について語る。 彼らはまた、ノスタルジア、白昼夢、記憶についても語る。 サミラ・ウィンターは、恋に落ち、彼女の近日発売のアルバムにインスピレーションを与えた「失われたLAの夏」について語る。 3人のユニークな芸術的視点に迫るクールなビデオだ。
「Hide-A-Lullaby」
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