2025年に彗星のごとく登場した英/クルーの4人組バンド、UNIVERSITYがニューEP『Live at The Windmill』をリリースした。UNIVERSITYはザック・ボウカー（ヴォーカル／ギター）、ユアン・バートン（ベース）、ドラマーのジョエル・スミス、エディ（マスコット）の4人で結成された。
このEPには、今年、Transgressiveからデビューしたばかりの新進バンドの生々しいエナジーが刻印されている。(現時点においては)衝動的なエモーショナルハードコアサウンドがユニヴァーシティのアピールポイントとなっている。シカゴのCap N' Jazzがお好きな方は要チェックのバンド。リリースを記念して収録曲のライブセッション動画が公開されています。下記よりご覧下さい。
『Live at The Windmill』は、ユニバーシティがロンドンの歴史的な会場で行った爆発的なライブ・パフォーマンスの時代の流れをとらえたもので、デビューアルバム『McCartney, It'll Be OK』に込められた愉快で狂おしいエネルギーを増幅している。(レビューはこちらからお読みください)
この4曲では、デビューEP『Title Track』に収録されている「History of Iron Maiden pt.2」と「Notre Dame Made Out Of Flesh」のライヴ・ヴァージョンに加え、「世界で最悪のタトゥーは何だろう」というゲームの答えにちなんで名付けられた無粋な「Massive Twenty One Pilots Tattoo」、そして先月リリースされたアルバムに収録されている「GTA Online」の煽情的で広大なパンク・ロックが披露されている。
EP『Live at The Windmill』は、本日デジタル配信され、フィジカル・フォーマットでは、未発表曲を追加したフルレングス・ライブLPとして、こちらでリリースされたアルバム・リリースの限定版カセット・バージョンのB面でのみ入手可能だ。
様々なライブのファン映像で作られた「GTA Online (Live at The Windmill)」のビデオは以下から。
The Great Escape、Green Man、End of The Road、Pitchfork Festival Paris、SXSW、Outbreakでのインストア・ライヴや傑出したライヴに続き、ユニヴァーシティは2025年11月1日にアメリカ・サンディエゴで開催されるデフトーンズの年次フェスティヴァル、Dia De Los Deftonesに出演することを発表した。
緊急盤で、ナーヴィオを前奏に持ち、14曲以上のカンセーションを収録しています。 ディスコのタイトルにもなっている、アフィラード・ギターとインパルスで構成された "Disintegrate "と、アフィラード・ポストパンクの "Trance State "は、力強いギターと粗野なギターが、緊張感とリジッドな雰囲気を作り出している。
"She Sells Sanctuary"（ザ・カルト）をさらに進化させた "Dancing With The Europeans''は、アフター・パンクの同じパラメーターを踏襲している。 この曲は、抗鬱剤の効能を示すのに、非常に効果的だ。 この曲とスペインとの関係について、ブレット・アンダーソンは次のように語っている。 このアルバムのテーマを書いている間、僕らはスペインでコンチェルトをやっていたんだ。
その時、僕は嫌な瞬間を過ごしていたんだ。 でも、素晴らしいコンチェルトになったよ。 観客と僕との間に、素晴らしい友情があったんだ。 Dancing With The Europeans（ヨーロッパ人と踊ろう）"というフレーズを思い浮かべました。 この "Europeos "という言葉には惹かれるものがある。 このフレーズは、孤立無援の世界の中でつながりを求めている経験を描写している。 この感覚は、「私たちの仲間とのつながりはどこにあるのだろう？ スペインで行われたこのコンチェルトは、私たちが課したいと思っているこの障壁を取り除いた」
セカンド・アルバム『When The Wind Came Across』では、モータウンとソウルの要素を取り入れた。「That Afternoon」という曲では初めて台湾語の歌詞を試みた。 このアルバムは、明るくも優しく、日常の瞬間に寄り添ってくれる静かな友人のような黄金色の温かなリスニング体験を提供する。
2025年には、台湾の福建語の曲「Words Unsaid」、北京語の曲「Afraid」、そしてアートの枠を超えたコラボ曲「Fracture - To W」の3枚のシングルをリリースし、さらなる進化を遂げた。 これらの作品は、穏やかな芯を体現しつつも、新たな境界線を探るために外へと手を伸ばし続けている。
2020年、Huan Huanはデビューアルバム『Water Can Go Anywhere』をリリースし、これまでのEPにあったポストロックやシューゲイザーの影響から、フォークロックやドリームポップを取り入れたヒーリング・サウンドへとシフトした。 収録曲「I'd Better Be On Time」は、Disney+のシリーズ「Small & Mighty」でフィーチャーされ、ソニーとコラボし、同曲のライブ・セッションを行った。
パンデミック規制の緩和により、Huan Huanは国際的なプレゼンスを拡大し続けた。 2022年のEP『Blue Room Orange Man』では、クラシック・ギターとシンセ・ベースを導入し、サウンドをより豊かにした。 彼らはマレーシアのCITY Plus Radioの独占インタビューに招待され、シンガポールのASEAN音楽祭にも出演した。
2023年、彼らはプロデューサーのユチェイン・ワンとコラボレートし、セカンド・アルバム『When The Wind Came Across』をリリース。 このアルバムの新鮮で風通しの良い台湾語の歌詞はリスナーの共感を呼び、広く称賛された。
特筆すべきは、「No Tears」がネットフリックス・シリーズ「At This Moment」のエンディング・テーマに選ばれたこと。 その後、沖縄で開催されたミュージック・パワー2023で日本のステージにデビューし、地元の観客から熱狂的な反応を得た。
2024年、ファン・ファンは "Huan Huan to Your Home "ツアーを開始し、ファンとのつながりを深め、彼らの音楽が感情に与える影響を探るため、親密なハウス・コンサートを行った。 こうした親密な交流を通じて、彼らは自分たちの音楽がリスナーの聖域となることを理解した。 2025年4月、ファン・ファンはリリースしたばかりのシングル「Afraid」と「Words Unsaid」を、台湾を代表して日本の有名な音楽フェスティバル「SYNCHRONICITY」のステージに持ち込んだ。
Huan Huan is an alternative rock band based in Taipei. The band consists of vocalist Coco, drummer Yi Jen, bassist Stone, and guitarist Baozi. After changing members, the band has been releasing music since around 2017.
At the time of their debut, their music was mainly dream pop and shoegaze. Gradually, they have broadened their musical horizons and have incorporated post-rock, jazz, soul music, and Asian pop into their musicality.
Today, Fan Fan's music leans in a slower direction, blending folk and rock influences with Coco's clear, soothing vocals. Their diverse lyrics span Mandarin, English, and Taiwanese, allowing them to connect with audiences from different cultures.
For his second album, "When The Wind Came Across," he incorporated elements of Motown and Soul. On the other hand, the song "That Afternoon" was the first time he tried Taiwanese lyrics. The album offers a golden, warm listening experience, bright yet gentle, like a quiet friend who accompanies you in your everyday moments.
In 2025, the group further evolved with the release of three singles: the Taiwanese Fujian song "Words Unsaid," the Mandarin song "Afraid," and the cross-artistic collaboration "Fracture - To W." These pieces embody a calm core, yet continue to reach outward to explore new boundaries.
Since its formation in 2015, Huan Huan has stood out in the Mandarin music scene with its unique sound. In 2017, they released their debut single, "Huan Huan". Following the release of their EP "Charlie" in 2019, they garnered attention from local and international critics. Next, their performance at the music festival LUCfest caught the attention of international curators, leading to invitations to Motel Mozaïque in the Netherlands and MIL Festival in Portugal.
In 2020, Huan Huan released their debut album, Water Can Go Anywhere, which shifted away from the post-rock and shoegaze influences of their previous EPs to a healing sound that incorporated folk rock and dream pop. The track "I'd Better Be On Time" was featured on the Disney+ series "Small & Mighty," and the band collaborated with Sony on a live session of the song.
The album also led to an offer for a physical release from Japan's Imperament Records and a live interview on Japan's TBS radio. Following the album's release, Fun Fun Fun was nominated for "Best New Artist" at the 2021 Golden Indie Music Awards and performed virtually at international festivals such as Primavera Pro in Spain and Bangkok Music City in Thailand. He has performed virtually at international festivals such as Primavera Pro in Spain and Bangkok Music City in Thailand.(Via Official HP)
ーーThank you for taking the time to do this interview! How the band was formed? Do you have a story about the formation of Huan Huan(緩緩)?
Huan Huan went through several lineup changes before gradually forming its current ensemble. It all started when vocalist Coco posted an online call for bandmates, hoping to play post-rock.
The band name "Huan Huan" came to her while she was taking a shower—she felt it perfectly matched her extremely slow-paced personality. In 2019, drummer Yi-Chen joined, followed by guitarist Baozi. It wasn’t until the recording of their second album that bassist Stone became part of the band. Over time, the band’s musical style also evolved, shifting from post-rock to what is now a sound more akin to folk rock.
ーーWhat kind of music influences each member of the band?
Baozi: The music genres that have influenced me the most are Rock, J-Pop / J-Rock, Alternative Rock, Post Rock, and so on.
Coco: The music that has influenced me the most is probably Western indie music from the 1990s to 2000s, such as bands like Beach House, Daughter, Kings of Convenience, Wilco, and Big Thief.
Stone: The music that has influenced me the most is Black music, especially soul and jazz. I enjoy listening to classic tracks from the 1960s to the 2000s—artists like Marvin Gaye, Stevie Wonder, The Jackson 5, D’Angelo, Erykah Badu, and others.
Yi Jen: I have been influenced by different music in my different ages, such as rock music during my teenage years, and then post rock or electronic music during my college years, and now I pretty like the grooves of Motown music or the vibrant improvisations in jazz music.
ーーI get the impression that in recent years you have been putting more effort into your live performances. What do you consider important in your live performances?
Baozi: I think the most important part of a live performance is conveying the band's energy to the audience through both sound and visuals. When we plan our set, we want to create an experience that feels more intense and immersive than just listening to a CD or streaming.
Because live shows allow for more direct interaction, we also want to express not only the band’s overall personality but also the individual characteristics of each member. That’s why, starting this year, we’ve included solo segments from each member to bridge between songs.
ーーHuan Huan has released two good singles 「Words Unsaid」and「Afraid」this year. Can you tell us more about these new songs from the band?
Baozi: “Words Unsaid” is Huan Huan’s second song in Taiwanese. Although the lyrics are quite sorrowful, we chose to express that sadness through a passionate, upbeat dance style, hoping it could serve as an outlet for listeners’ emotions. It’s also our fastest-paced track so far. Our vocalist Coco really likes Kings of Convenience, and we’ve always wanted to try blending folk with dance music. When we finally pulled it off, we were so excited and happy—though our hands were sore from playing it! (laughs)
Stone:「Afraid」continues Huan Huan’s signature warm and organic style over the years. Coco’s lyrics capture the most delicate, intimate emotions from deep within. I feel that both the songwriting and the performance embody a very 'Huan Huan' atmosphere.「Words Unsaid」is a new direction for us. While maintaining emotional depth, we incorporated more groove—something the live audience can really immerse themselves in. The response during the tour has been quite positive.
ーーYou guys had a tour in Japan this year. How did you feel about it? Did you do any sightseeing?
Baozi: Performing in Japan was both an exciting and nerve-wracking experience for us. We've always seen Japan’s music scene as extremely strong, so getting selected to perform at a major event like SYNCHRONICITY was a huge encouragement.
We also had a smaller show at mono record in Shimokitazawa. When we saw that our music could cross language barriers and still bring healing and joy to Japanese audiences, it was a truly touching and validating moment. As for sightseeing, I went to Sunshine City in Ikebukuro and had a ton of delicious izakaya food and drinks—so good! (laughs)
Stone: During this Japan tour, we visited some great live houses and also watched performances by other excellent bands at SYNCHRONICITY. I was impressed by the diversity and engagement of the audience—it really felt like music is a way of life. Since most of our events and interviews were around Shibuya, we spent several days exploring the area in depth. The bustling streets were so vibrant that I often got lost (laughs).
Yi Jen: I went to Nintendo store in Shubuya just right beside our venue in SYNCHRONICITY because I’m a fan of their game “Pickmin Bloom”. We also went to several “kissaten” to enjoy the vintage vibe that we can hardly find outside of Japan!
Coco: This time, we were warmly welcomed by our friends in Japan. Not only did many people come to our shows to show their support, but the staff also took us and other performers to dine at restaurants with a unique atmosphere. Everyone sang together enthusiastically—it left a deep impression on me. It’s truly a rare and cherished memory!
ーーWhat are Huan Huan's plans for the future? Any plans for releasing an album or EP in the near future?
Coco: The concept for the next album already has a rough initial direction. After releasing three singles in 2025, we hope to maintain our creative momentum and begin preparing for the full album.
ーーWhat kind of music is popular in Taipei now? And what do you think is attractive about this city?
Baozi: In Taipei, all kinds of music have their own fan bases. Just like global trends, hip-hop and K-pop are still really popular, but Japanese-style music has always had a strong following here too. What attracts me most to Taipei is its diversity and warmth.
The open-minded atmosphere allows all kinds of cultural elements to thrive, and both shop owners and everyday citizens are incredibly kind. That’s what I love most about the city.
Stone: I agree with Baozi’s observation that Taipei is a city where subcultures thrive, with each group having its own preferred genres. Recently, I’ve noticed that Shoegaze music is gradually becoming popular among university students, which surprises me—it almost feels like I’ve gone back to my college days (laughs).
ーーFinally, if you had to name something that you can only get from Huan Huan's activities, what would it be?
Baozi: I think Huan Huan as a band feels like that one especially gentle friend we all have. When you share your worries with them, they won’t immediately tell you what to do—they’ll just stay with you, listen, and offer the comfort you need most. The way we sing the softest voices of the heart is something we hope is uniquely comforting to our listeners. I believe that this special kind of tenderness is Huan Huan’s most unique charm.
Coco: We approach things with a spirit of openness and compassion, and we hope our music can offer a sense of healing to those who listen.
Stone: After all these years, I feel that Huan Huan now reflects more of the natural, genuine sides of the four of us. We don’t need to pretend to be grand; we just honestly present and share ourselves. Moving forward, we want to keep bringing this kind of atmosphere to every corner of the world.
Yi Jen: An introverted an candid friend, a warm company.
ーThank you so much. We look forward to seeing your future activities. Please come visit in Japan again!
Interview : Music Tribune (Tokyo)
Special Thanks To: Meng(In Utero [Manager of Huan Huan])
The Mossは7500万回以上のストリーミングを記録し、Alt Pressから "Rising Artist To Watch
"として高い評価を受けている。 バンドは2025年にアメリカで50以上のヘッドライナー公演を行い、8月にはマウント・ジョイと共演する。
最近、バンドは、BottleRock、Levitateなどに出演している。今後の活躍が楽しみなロックバンドだ。
「Darkness」
Originating on the shores of Oahu as teenage buddies, Tyke James (vocals/guitar) and Addison Sharp (guitar) traded in beaches for the Great Salt Lake joining forces with Willie Fowler (drums) Caiden Jackson (bass) to form The Moss.
As the group’s principal songwriter, Tyke channels his own personal experiences and passions into The Moss’ radiant and deceptively sunny tunes—their unique version of organic indie rock draws from artists like Pinegrove and Kevin Morby for sonic inspiration.
The band’s insightful songs and memorable live shows have earned The Moss acclaim across the music press world, including Alternative Press, Under The Radar, The Alternative, LADYGUNN, Earmilk, Atwood Magazine and OnesToWatch.
Their new single "Darkness" is off of their highly anticipated forthcoming EP. Tyke of the band confides, “Darkness is written as this cyclical thought, of caring deeply about someone, but needing space from them to sort out your own emotions.”
【Feature+】 Your Future Ghost、ニューアルバム『Impatient for the Dream』をリリース ~黙示録的な世界の混沌の中で、楽しみ、パーティー、避難所を見つける~
Your Future Ghost（ユア・フューチャー・ゴースト）は、ビルボードにチャートインするシンガー・ソングライター、ミュージシャン、女優のケイト・ヴォーゲルと、ソングライター、プロデューサー、作曲家、俳優と多方面で活躍するマイケル・グラブスの新しいシンセ・ポップ／ロック音楽プロジェクトである。
Your Future Ghostは2023年頃に1度話題を呼んだデュオである。マイケル・グラブスとケイト・ヴォーゲルのコンビは、まさに陰と陽の性質を持つが、表側に出てくるのは、どこまでも痛快なポップバンガーだ。デュオは今週、ニューアルバム『Impatient for the Dream』をリリースした。
ケイトとマイケルが最初に出会ったのは、The CW（The CW Television Network: Waner系列の放送局)の人気ヒットTVシリーズ『One Tree Hill』の撮影現場だった。 急接近した友情と相互のクリエイティヴな尊敬の念を抱いた2人は、パンデミックの最中、ズーム越しに音楽的なコラボレーションを始めた。
ニューアルバム『Impatient for the Dream』には、陽気でワイルド、そしてダークなポップ・ソングが収録されている。 大きなギター、轟音ドラム、印象的なシンセサイザーのパワフルなブレンドで、Your Future Ghostは、ヴォーゲルによれば、"ポスト黙示録的な世界の混沌の中で、楽しみ、パーティー、避難所を見つける "ことにインスパイアされたアルバムを作り上げた。
骨太でハードなギター・リフ、パンチの効いたインストゥルメンテーション、そして止まらないポップ・フックを持つ "I'm Like Money "は、爽快で大胆不敵な自己愛バンガーだ。
このアルバムには、社会から課せられた制限を掘り下げ、個人の多次元性を強調した「Oh La La (Animal)」などの追加シングルが収録されている。 この力強い物語は、「セクシュアリティを理由にパワフルな女性が悪者にされること」をテーマにしている、とグラブスは打ち明ける。 自信に満ちたヴォーカルとブリブリとしたハーモニーは、このカタルシスをもたらす重低音のインディートロニカ・トラックで際立っている。
Your Future Ghost is the new synth pop/rock musical project of Billboard-charting singer/songwriter, musician and actress Kate Voegele and the multifaceted songwriter, producer, composer and actor Michael Grubbs. The duo first met on the set, acting in the popular CW hit TV series One Tree Hill. Striking up a fast friendship and mutual creative respect, the two began collaborating musically over zoom during the pandemic.
After months of studio sessions in Austin, Texas, intermingled with lively backyard taco breaks, Your Future Ghost was born. Kate Voegele reveals the catalyst for their creative fusion, "our voices blended in a way that inspired us both to write in this unique hemisphere of a sound neither of us had ever really explored before in our solo projects."
The two soon performed their signature dirty indie synth pop at the internationally recognized Art Basel festival in Miami to an overwhelming response affirming their artistic direction.
Their new album Impatient for the Dream features a collection of joyful, wild and dark pop songs. With a powerful blend of big guitars, thunderous drums, and striking synths, Your Future Ghost has crafted an album inspired by, according to Voegele, "finding the fun, the party, and the refuge in the chaos of a post-apocalyptic world.” She further shares, "This album is that friend who's kind of a liability, has some bad tattoos and questionable ideas, but always makes every hang unforgettable." Michael says, "This record is a truly unfiltered version of Kate and me. It's us at a bar at 1 AM, fearless, drunk on a good time and completely out of f**cks."
Leading single "We've Got Places" is a single all about about that place where you find refuge from whatever noise is going on in the world - whether it's an actual place, a person, or something else, I think we all have those places where we can escape the chaos and be ourselves," confides Kate. The track features stunning layered harmonies and lush instrumentation for an enticing listen.
"I'm Like Money" is a declaration of self-expression and unabashed uniqueness. “It's a testament to granting ourselves permission to revel in the sheer joy of being who we truly are.” Voegele further shares, "In one sense, it’s a song about celebrating who you are and knowing you’re a badass, but also being sick of people trying to get a piece of you or tell you who to be. I’ve experienced this so often as a woman in the music and entertainment industry, where people have a very specific idea of who they want you to be and how to mold and shape you into that, but I think this is something everyone experiences in some sense.
This song is about taking the power back, knowing your worth and what you bring to the table, and not being afraid to say, “hey, don’t f*cking touch me” when that’s called for." With gritty, hard-hitting guitar riffs, punchy instrumentation and a pop hook that won't quit, "I'm Like Money" is an exhilarating and fearless self-love banger.
The album features additional singles such as "Oh La La La (Animal)," which delves into the limitations imposed by society, emphasizing the multidimensional nature of individuals. The powerful narrative is about "the demonization of powerful women because of their sexuality," confides Grubbs. Confident vocals and blistering harmonies are standouts in this bass-heavy indietronica track of catharsis.
Meanwhile, the explosive indie dance party anthem "PRITTY" merges new wave, punk, and electro-pop, creating an intoxicating blend that explores the allure of infatuation and the lengths we go to tolerate someone's messy behavior.
Inspired by community, their experiences in the spotlight, and the freedom of living authentically and unapologetically, Your Future Ghost embodies a captivating paradox. Grubbs shares, "I would like to encourage folks to accept themselves.
Which isn’t easy. I’m like this sadboy emo dude and Kate is this singer-songwriter pop star, and together we’re making this dirty indie album because that’s who we’ve always really been inside." Their music is poised to make a resounding impact, showcasing the boundless talent and unbridled creativity of Your Future Ghost.
Your Future Ghost 『Impatient for the Dream』- New Album Out Now!!
9m88 / Phum Viphurit
バンコクのシンガーソングライター、Phum Viphurit、台湾のネオソウル・アーティスト9m88がコラボレーションシングル「Sleepless on the plane（失眠航班）」をリリースした。同楽曲は、中国の音楽プラットフォーム”Netease Cloud Music”が主催するコライト・キャンプ・プログラムの一貫として杭州にて製作されました。
本日、Shinichi Atobeが自身のプライベートレーベル【Plastic & Sounds】を設立したことを発表した。さらに、第一弾となるリリース「 A.Whispers into the Void | AA.Fleeting_637」が12INCH（45RPM/Limited Press）レコードとデジタルでリリースされた。この曲のテースターは下記より。
今回、発売された12インチには、ミニマルなシンセとリズムから、流麗なピアノのリフレインの導入と共に徐々に禁欲的に展開する「Whispers into the Void」、そして、BPM125前後のフロアライクな没入ミニマル・ダブテクノ「Fleeting_637」が収録。マンチェスターのModern Loveのカタログのようなダンスミュージックとしてお楽しみ下さい。
After more than 10 years of silence since his debut in 2001 on Chain Reaction subsidiary of Basic Channel, he has been consistently releasing music since 2014 on DDS label in Manchester, UK, attracting not only the club audience of dub techno / minimal but also the enthudieatic music fans around the world. Electronic musician Shinichi Atobe has established his own private label Plastic & Sounds.
The first release on Plastic & Sounds includes two tracks: ‘Whispers into the Void’, which gradually and ascetically develops from minimal synths and rhythms with the introduction of a flowing piano refrain, and the floor use ‘Fleeting_637’, which develops immersive minimal dub techno at around 125 BPM. Mastering / record cutting was done by Rashad Becker in Berlin, who has worked on many of Shinichi Atobe's productions.
▪Shinichi Atobe「A.Whispers into the Void | AA.Fleeting_637」- New Single (12 Inch Version)
それ以来同レーベルからコンスタントに「World」（2016年）、「From The Heart, It's A Start, A Work of Art」（2017年）、「Heat」（2018年）、「Yes」（2020年）、「Love of Plastic」（2022年）、「Discipline」、EP「Ongaku 1」（2024年）をリリース。クラブオーディエンスだけでなく多くの音楽リスナーを獲得し、多様な音楽媒体からも定評を受けている。
Shinichi Atobe is a Electronic Producer based in Saitama/Japan.
He made his debut with the 12-inch “Ship-Scope” (2001) released on Chain Reaction, a sub label of Basic Channel, a 90s cult label leading to dub techno and then the “minimal” trend of the 00s.
A decade later, in early 2010s, he released his first full-length album, “Butterfly Effect” (2014) on DDS label by lobbying of Manchester duo Demdike Stare.
Since then, he has consistently released “World” (2016), “From The Heart, It's a Start, a Work of Art” (2017), “Heat” (2018), “Yes” (2020), “Love of Plastic” (2022), “Discipline” and the EP ‘Ongaku 1’ (2024). He has garnered a large number of music listeners as well as club audiences and has received acclaim from various music media.
Although his debut on the legendary Chain Reaction and his releases on DDS have brought him to the attention of the world, he has remained an enigmatic and rare entity.In 2025, he established his own private label, "Plastic & Sounds".
最新のフルアルバム（2023年発表の『All of This Wild End』）は、その大胆なボーカルとスリリングなソングライティングで絶賛を浴びた。 しかし最新作では、デ・スーザは空虚な呼びかけを聞き、呼び戻し、ポップな大げささと日記的な明瞭さによって困難な記憶や帯電した感情をコントロールし、より強い自分を見出している。
「Be My Love」は、アルバムの重要なインタリュード。インディゴ・デ・ソーザが得意とする旋律のラインが引き継がれている。しかし、従来のようなロック的なイディオムで繰り広げられるわけではない。パワフルなシンセがボーカルと共鳴しながら、決意表明のような形で音楽そのものが展開されていく。ボーカルをモーフィングしたシンセパッドが楽曲の全体的なストラクチャーを決定付け、それらに対してアカペラ風の歌唱が披露されたあと、デ・スーザのボーカルがアンセミックに鳴り響く。そして、青い海や海岸の風景を縁取るかのように、清涼感に満ちたソロボーカルが続く。 また、メインのボーカルに対して、シンセサイザーがフーガ(追走)の形式を図り、カノン（輪唱）のように続く。
「Crying Over Nothing」は、”ヒットメイカーによるヒットメイカーのための教科書”である。イントロでは、ジャジーな響きを持つエレクトリックピアノが演奏され、シンセのシークエンスがそれらの情感を引き上げ、YMOのようなアジアンテイストのテクノポップがその後に続く。このあと、どんな音楽が続くのか読めない。そして、デ・スーザのボーカルの印象は、従来とは変化し、感情的ではあるが、静かで落ち着いた人格的に円熟味のある雰囲気を帯びている。これまでに控えめだったソウルフルな歌唱が加わり、その歌には淑やかさがほとばしる。はたして、デ・スーザの以前のアルバムで、こういった慈愛的な歌声を聴くことが出来ただろうか。
三曲目に収録されている「Crush」は前曲の音楽的な気風を受け継いでいる。しかし、バンガー風の「Crying Over Nothing」とは対象的に、イントロは、Human League、a-ha、Culture Clubの系譜にあるレトロな80年代前後のテクノポップ。そして、モジュラーシンセでユニークな音色を施したあと、絶妙なタイミングでボーカルが入り、音楽が進展してゆく。楽曲の背景となる音楽は、レトロな雰囲気に満ちたシンセポップなのだが、それとは対象的にスーザのボーカルはビリー・アイリッシュ/フィニアスのモダンなポップソングの範疇に類する。軽やかな感覚を持ち、それほどシリアスにならず気軽に楽しめるという点で、夏のプレイリストに欠かせない良曲だ。
「Be Like a Water」では、テクノ・ポップやエレクトロ・ポップをベースにした落ち着いた曲に戻る。ただ、この曲の音楽性を決定づけているのは、形式論でもなければ方法論でもない。従来のアルトロックシンガーとして培ったロック的な性質、ポリネシア的な民族音楽の要素、次いでソウルミュージックからの影響である。 それらが他者が真似できない絶妙な形で混在しているため、音楽的にも洗練されている。それはまた、いかなる流行の音楽にも揺り動かされぬ自立心を意味する。
さらにアルバムの後半に収録されている「Clean It Up」にも、デ・スーザのヒットメイカーの才覚が滲み出ている。この曲では、親しみやすいメロディー、そして、ビートという基本を踏襲した上で、同じく、エレクトロ・ポップという、アルバムの核心をなす音楽性が一般的な商業音楽として収録されている。今回は、ギターを入れず、間奏のソロをシンセの演奏で代用している。
「Lemonade」と「Feeling It All」は、ノスタルジア、傷ついた家族の絆、つかの間のロマンス、そして赦しの静かな回復力をナビゲートする、夏の終わりのほろ苦い輝きの中にあるコレクションである。 エイドリアン・レンカー、リジー・マクアルパイン、マギー・ロジャースといったアーティストの明晰な感情を思い起こさせる。
14th August - The Waiting Room, London (free event)
14th-18th October - Wild Paths Festival, Norwich
7th November - Mutations Festival, Brighton
8th November - Pitchfork Festival, London
Speaking about today’s single release, Nadia shares “At the time I wrote Lemonade, it was about my hot and cold relationship with romance and intimacy. Feeling weak for relying on validation because it was the closest thing to love I could find (classic uni experience). Two years later, this song has grown to fit less into my life but I see it in so many of the people around me. It’s a celebration of longing, acknowledging how it’s one of the most human experiences we can have. Recording this song with huge drums and layers of sparkly guitars allowed my inner child to live out her teenage indie band dreams which was so cool.”
With her recent debut single ‘Feeling It All’ - an evocative blend of minimalist alt-pop and singer-songwriter sensitivity - Nadia Kadek quickly proved her ability to captivate, earning multiple plays and a debut on BBC Radio 1, an interview on BBC 6 Music, and early support from tastemakers including NME, CLASH, The Line of Best Fit, DIY, Wonderland, COLORS, and Music Week.
Raised in the quiet countryside of Norfolk, Nadia describes herself as a “festival baby,” with early musical memories formed on long car journeys to campsites, soundtracked by the likes of Florence + The Machine and Jeff Buckley. From watching her heroes on the shoulders of fellow festival-goers, to playing Glastonbury 2024 after placing runner up in their Emerging Talent Competition, her story is already one of full-circle moments and quietly extraordinary determination.
Now based in London, Kadek has steadily built a devoted following through the power of her live performances. After a string of self-booked live shows that showcased both her raw talent and tenacity, Kadek caught the attention of Transgressive Records, a label renowned for nurturing some of the most respected and boundary-pushing artists of today.
‘Lemonade’ and ‘Feeling It All’ provide a glimpse into a forthcoming project – a collection that sits in the bittersweet glow of late summer, navigating nostalgia, bruised family dynamics, fleeting romances, and the quiet resilience of forgiveness. Her lyricism is both disarmingly honest and delicately poetic, recalling the emotional clarity of artists like Adrianne Lenker, Lizzy McAlpine and Maggie Rogers.
