Rhett Miller(レット・ミラー)が10枚目のアルバム『A lifetime of riding by night』をATOから10月10日にリリースすると発表した。 これまでミラーは数多くの良質なアルバムを発表してきた。有名な作品としては、２００２年のフルアルバム『The Instigator』などが挙げられる。

 

三年ぶりのニューアルバム『A lifetime of riding by night』は、オールド97'sのバンドメイトであるマリー・ハモンド（彼のソロ・デビュー作をプロデュース）がプロデュースし、ターンパイク・トラバドゥアーズのエヴァン・フェルカー、ケイトリン・ローズ、ニコール・アトキンス、ジン・ブロッサムズのジェシー・ヴァレンズエラが共作した曲を収録している。


「何十年も前に最初のレコードを作った時、マリーは私のメンターだった。 「彼がどの曲を使うことになるのか、完成したヴァージョンがどんな音になるのかも知らずに。 私はただ身を任せて、マリーを完全に信頼したんだ」


アルバムからのファーストシングルは、フェルカーと共作した「Come As You Are」である。 

 

「この曲は、エヴァンと私が、ツアーに出るために愛する人を置き去りにすることの難しさと格闘していた時に生まれたんだ。 甘い曲なんだけど、悲しさがあって、人間の本当の状態を反映しているように感じるんだ」とリットは言う。 

 

エヴァンのバンド、ターンパイク・トラバドゥアーズがこの曲のヴァージョンをシングルとして数年前にレコーディングしているんだけど、自分のヴァージョンをレコーディングしたいという思いがずっとあった。 共作であるにもかかわらず、「Come As You Are」は本当に個人的な瞬間のように感じる。 とはいえ、エヴァンのハーモニーを聴くとゾクゾクしてしまう。

 

 

「Come As You Are」




Rhett Miller　『A lifetime of riding by night』


Label：ATO

Release: 2025年１０月１０日 

 

Tracklist: 

1.A Little Song (Prologue)

2.All For You

3.Ellie On The Wharf

4.Come As You Are

5.Be Mine

6.People Are Lifted

7.A Little Song (Interlude)

8.The Bells of St. Mike’s

9.All Over Again

10.Time Again

11.A Lifetime of Riding by Night

12. A Little Song

13.Brand New Heart

 

 

 

Rhett Miller: 

 

レット・ミラーは、人気ロックバンドOld 97’sのフロントマンとして30年以上にわたり活躍し、尊敬される受賞歴のあるテキサス州出身のシンガーソングライター。

 

2枚のインディーズ作品を発表した後、ミラーと97’sはエレクトラ・レコードと契約し、批評家から高い評価を受けた『Too Far to Care』をリリース。彼らの13作目のスタジオ・アルバム『American Primitive』は、2024年春にATOレコードからリリース。オールド・97’sのプロジェクトの合間を縫って、ミラーは8枚のソロ・アルバムをリリースしており、最新作は2022年の『The Misfit』。  


作曲活動に加え、ミラーは文学活動にも熱心で、小説とノンフィクションの執筆にも取り組む。彼は『ローリング・ストーン』『ブックフォーラム』『スポーツ・イラストレイテッド』『マクスイニー』『ザ・アトランティック』『サロン』などに掲載された短編小説、エッセイ、記事の著者であり、リトル・ブラウン・ヤング・リーダーズから2冊の児童書も出版しています。 



レットのポッドキャスト『Wheels Off: Conversations about Creativity』は、芸術のあらゆる分野から著名なゲストを招き、200エピソードを達成しました。レットは映画にも出演しており、最近では『Guardians of the Galaxy Vol. 3』と『Guardians of the Galaxy Holiday Special』に出演し、監督ジェームズ・ガンと共作した曲を披露している。彼の曲は数多くの映画、テレビ番組、CMで使用されている。


ルイヴィルのフォークシンガー、Joan Shelly(ジョーン・シェリー)は、昨年の素晴らしい『Mood Ring EP』に続き、10枚目のソロアルバム『Real Warmth』を9月19日にNo Quarterからリリースする。 

 

このアルバムは、ベン・ホワイトリー（ザ・ウェザー・ステーション）とジェイク・ゼルクセス・ファッセルがエンジニアを務め、トロントで制作された。 このアルバムには、ザ・ウェザー・ステーションのタマラ・リンデマン、カレン・ン、ネイサン・サルスバーグ、マット・ケリー、フィリップ・メランソン、ダグ・ペイズリー、ケン・ホワイトリー、テイラ・ブルーム・サルスバーグも参加している。


「真冬の数日間、この曲、パフォーマンス、関係者、そして政治的な背景で、ある瞬間をとらえなければならないという切迫感があった」とベン・ホワイトリーは言う。 「このアルバムは、綿密に構成されたものではなく、本当に捕らえたもののように感じられる。 ジョーンのコンセプトのひとつは、ある場所に行くだけでなく、その場所のミュージシャンのコミュニティを利用することだった。


アルバムからのファースト・シングルは、素敵な "Everybody "で、ジョーン曰く、"実際の身体の暖かさ、つまり、私たちが直接、また生気のないオンラインの世界でもお互いに見せる見せかけとは対照的な、繋がりと帰属意識 "について歌っている。 試聴は以下から。

 

Joan Shelly 『Real Warmth』


Label: No Quarter

Release： 2025年９月１９日

 

Tracklist:

1.Here in the High and Low
2.On the Silver and Gold
3.Field Guide to Wild Life
4.Wooden Boat
5.For When You Can't Sleep
6.Everybody 03:32 
7.New Anthem
8.Heaven Knows
9.Ever Entwine
10.Give It Up, It's Too Much
11.The Orchard
12.Who Do You Want Checking in on You
13.The Hum

 

 

Joan Shelly:

ジョーン・シェリーは、ケンタッキー州ルイビル出身のソングライター兼シンガーです。ギタリストのネイサン・サルズバーグとよく共演し、ジェイク・クセルクセス・ファッセル、ボニー・プリンス・ビリー、リチャード・トンプソン、ウィルコ、マリサ・アンダーソン、ダニエル・マーティン・ムーア、ザ・アザー・イヤーズ、マイケル・ハーレーなどのアーティストと共演しています。


オリヴィア・ロドリゴはロラパルーザ(シカゴ)のヘッドライナーセットで、ロックンロールの巨人ウィーザーをステージに招き、数曲の名曲を披露して観客を驚かせた。パフォーマンスの終盤、彼女はバンドをステージに招き、ウィーザーが彼女が初めて生で観たバンドであることに触れた。


「初めてのコンサートはいつだって覚えているもの。 とても、とても特別な瞬間なのよ」とロドリゴは言った。 「私は初めてのコンサートのことを覚えている。 とても忘れられない夜だった。 この信じられないようなバンドを観て、とても感激しています。その信じられないようなバンドが、実は今夜ここで数曲演奏するのですから。 ウィーザーに挨拶してくれる？」


続いてウィーザーがステージに登場し、ロドリゴと一緒に1994年のセルフタイトルアルバムからの大ヒットシングル「Buddy Holly」と「Say It Ain't So」を歌った。 彼女はリヴァース・クオモと共にギターを弾いて歌った。


ロドリゴはソーシャルメディアでこのイベントを振り返り、特大の耳あてをし、ウィーザーのシャツを着て、このコンサートに参加した子供の頃の写真をシェアした。 ロドリゴはその投稿の中で、「初めてのコンサート、そして、GUTSツアー最後の週末。来てくれたみんな、そして何年も経った今でもこんなに興奮させてくれるweezerにありがとう！！みんなと一緒にこのようなライブができることがどれだけラッキーなことか信じられないよ！」　一方のウィーザーはコメントでこう付け加えた。 「フル・サークルの瞬間、そして絶対的な名誉だ、ありがとう」


ロドリゴは、フェスティバルのヘッドライナーとして出演する際、アーティストを招いて曲を披露してもらう習慣がある。 


今年の6月末にイギリスで開催されたグラストンベリー・フェスティバルでも、ロドリゴはヘッドライナーを務めたさい、ザ・キュアーのロバート・スミスをステージに招き、同バンドの "Just Like Heaven "を演奏した。 同月初めにニューヨークで開催されたガバナーズ・ボールでは、トーキング・ヘッズの "Burning Down the House "を同バンドのデヴィッド・バーンと演奏した。



 



オレンジ・カウンティのシンガーソングライター、Levi Robin（リーバイ・ロビン）の新曲「When The Sun Comes Out」 は、「闇と欺瞞に別れを告げ、真実と平和、そして優しさの癒しの力を受け入れる」という内容である。 

 

「When The Sun Comes Out」 は、ボブ・ディラン、サイモン＆ガーファンクル、カーペンターズの系譜にある牧歌的なフォークミュージックに加え、ロビンの美しい口笛が登場する。カルフォルニアの広大な土地を想起させる。そして、レヴィ・ロビンのジプシー的な性質も滲み出ている。


この歌は、闇と欺瞞に別れを告げ、真実と平和、そして優しさの癒しの力を受け入れる。 それは、混乱と矛盾の雲が分かれ、正直さが自由に流れ、私たちのハートがオープンに歌う世界が現れる時である。  


リーバイ・ロビンの探求と好奇心の旅は、多くの道を歩んできた。 魂を剥き出しにするフォーク・アーティストの独特の音楽スタイルは、深く個人的で変容的な歌詞と、感情を揺さぶるヴォーカルを組み合わせ、意味とつながりに満ちたサウンドを生み出している。


カリフォルニア州オレンジ郡で育ったリーヴァイは、10代の頃、彼や多くの人が "ベルトコンベアー式の学校システム "と表現するものに深い不満を抱くようになった。 背中のシャツとギターしかなかった彼は、別の道、つまり音楽の道に踏み出した。 家出から東洋のスピリチュアリティとの出会い、サイケデリアから自分自身の古代ユダヤ教的なルーツの発掘にいたるまで、ソングライティングはユニークに統合する不変のものだった」とリーヴァイは打ち明ける。  


ソングライティングは、彼の心の奥底にある感情をメロディと詩へと変換する力強い方法となった。 バッハ、ストラヴィンスキー、ミンガス、ヘンドリックス、ディラン、ベック、ゲイ、ディアンジェロ、レディオヘッドなど、多彩なアーティストからインスピレーションを受け、リーバイ・ロビンは独自のマインドフルでジャンルを超えた音楽作品を生み出している。 


このアーティストが最初に注目を集めたのは2014年で、セルフタイトルのデビューEPのリリースと、それに続くマティスヤフとのツアーだった。 以来、シングルやアルバムを次々と発表し、100万回以上のストリーミングを記録、世界中にファンを獲得した。 2023年、LeviはあるコンサートでプロデューサーのYoel Kreisler、通称'FRAYMES'と出会い、セレンディピティな瞬間を経験した。 


すぐにクリエイティブなつながりと友情が生まれ、ふたりはスタジオに入った。 私たちは音楽と影響を交換し始め、この新しい音楽をレコーディングするための新しい方法を構想し始めた。 この新しいコラボレーションの結果であり、最初の試みがシングル「Whole As A Broken Heart」である。 


シングル「Healing Is Coming」は、降伏と勇気の歌であり、あらゆる障害に立ち向かい、人生の計り知れない真実に立ち向かい、暗闇に立ち向かい、私たちのユニークな魂の光をもたらし、蛇の目を見据える歌です」とリーヴァイは語っている。 


「When The Walls Fall」は、アンセミックなフックとムードたっぷりのサウンドが特徴だ。 「このシングルは、良心の叫びを歌っている。 壁が崩れ落ち、すべてが壊れたように見えるとき、それは魂の深い眠りから目覚めるためのアラームなのです」とリーヴァイは宣言している。 


リーヴァイのニューシングル「When The Sun Comes Out」は、「闇と欺瞞に決別し、真実と平和、そして優しさの癒しの力を受け入れる」ものだ。 それは、混乱と矛盾の雲が分かれ、正直さが自由に流れ、私たちのハートがオープンに歌う世界が現れる時である。  "When The Sun Comes Out "は、美しく魂を揺さぶるストリップダウンのインディーフォークソングである。

 

 

「When The Sun Comes Out」




This song is a triumphant farewell to darkness and deceit, embracing truth, peace, and the healing power of kindness. It speaks of a brighter future—a time when the clouds of confusion and contradiction will part, revealing a world where honesty flows freely and our hearts sing openly.  

Levi Robin's journey of exploration and curiosity has taken him down many roads. The soul-baring folk artist’s distinctive musical style combines deeply personal and transformative lyrics with emotive stirring vocals, creating a sound that is filled with meaning and connection.

Growing up in Orange County, California, as a teenager Levi became deeply dissatisfied with what he and many describe as “the conveyor belt trajectory of the school system.” With nothing but a shirt on his back and guitar in hand, he took a chance on a different path - a musical one. Levi confides, “From being a runaway to encountering eastern spirituality, from psychedelia to unearthing my own ancient Judaic roots, songwriting has been a uniquely integrating constant.”  Songwriting became a powerful way to translate his deepest feelings into melody and verse. Taking inspiration from an eclectic array of artists including Bach, Stravinski, Mingus, Hendrix, Dylan, Beck, Gaye, D'Angelo and Radiohead, and more, Levi Robin creates his own mindful and genre-defying musical releases. 

The artist first attracted attention in 2014, with the release of his debut self-titled EP as well as his subsequent tour with Matisyahu. Since then, he has shared a series of singles and albums, racking up over a million streams, garnering him a fanbase worldwide. In 2023, Levi experienced a serendipitous moment when he met producer Yoel Kreisler, aka 'FRAYMES', at one of his concerts. Sparking up an instant and immediate creative connection and friendship, the duo entered the studio. He shares, “We started trading music and influences, and began conceptualizing new ways of approaching recording this new music.” The result and first taste of this new collaboration is the single “Whole As A Broken Heart”. 

His single "Healing Is Coming", "is a song of surrender and courage, to face all obstacles, to face the ineffable truth of life, to face the darkness, to bring forth the light of our unique souls and look the serpent in the eyes," shares Levi. 

The track "When the Walls Fall" features an anthemic hook over mood-drenched sonics. "The single sings of an uproaring from the voice of conscience. When the walls fall and all seems broken, it's an alarm to wake up from the deep slumber of the soul," proclaims Levi. 

Levi's new single "When The Sun Comes Out" "is a triumphant farewell to darkness and deceit, embracing truth, peace, and the healing power of kindness." He further confides, "It speaks of a brighter future—a time when the clouds of confusion and contradiction will part, revealing a world where honesty flows freely and our hearts sing openly."  "When The Sun Comes Out" is a beautiful and soul-stirring stripped down indie folk embrace. 
 
 


 

音楽教育では一般的に使用される7つの音階、ド、レ、ミ、ファ、ソ、ラ、シという音階名は一体誰が名付けたのだろうか。これらの音階名を最初に考案したのは、10-11世紀のイタリアのベネディクト会修道士グイド・アレッツォ。実は、グイドは五線譜（正確に言えば、四線譜）を同時に考案したことで知られている。


グイドはその名の通り、アレッツォで西暦９９１年から翌年にかけて生まれ、その後、当地で最も影響力のある人物として知られるようになった。彼は最初の音楽の理論書を記したにとどまらず、ベネディクト会のカマルドレーゼの騎士団長を務めた。

 

当初、グイドはフェラーラ近郊のポンポサ修道院で神学を学んだ。11世紀の修道院では、祭礼のために聖歌が歌われる場合が多かった。したがって、グイドはこの修道院での修行期間中に基礎的な音楽理論を学んだと伝えられている。同時に、その後、グイドは修道士たちに音楽を教える教師としての立場を担うようになる。


初期の音楽の学習では、音符はおろか音譜も存在しなかったため、実際に音階を歌って記憶し、それを体得するという手段しか存在しなかったというのが通説となっている。そのため、音楽的な施しを与える教育者は、学習者たちに何度も繰り返して旋律を聞かせ、彼らが覚えるまで繰り返した。初期の聖歌は、モノフォニー(単旋律)の音楽が中心であり、旋律そのものが平易である場合はまったく問題がなかった。ところが、次第に聖歌そのものがより複雑化し、旋律そのものが複合的になってくると、学習者たちに音階を覚えさせるのがむつかしくなってきた。このため、修道士のグイドは手を使い、その関節を示すことで、音楽の学習者たちに音階を記憶させることにしたのだった。これが俗に言われる「グイドの手」 と呼ばれるものである。


右上の画像に示した図像を見れば分かる通り、この手には、''ド''を始めとする音階がしるされている。ド（親指の先端）、レ（第一関節）、ミ（第二関節）という音階名がイタリア語で発音されるのは、こういった理由があるわけなのだ。


さて、グイドのもう一つの功績は、五線譜の原型である四線譜を考案したことだろう。この記譜法の最初の土台となったのが、死海文書やフランスのヴェルサイユ宮殿第五礼拝堂などに埋め込まれている「テトラグラマトン」という図像だ。テトラグラマトンは、現在では、ひし形や五芒星の形状として知られている。これは間違いなく、ヤハウェ（YHWH）を象徴づけるために考案されたと推測される。


修道士のグイドは、４つの線を引いて、一定の間隔を定め、音符を記譜するための四行のシステムを考案した。ベネディクト会では、当初は四行によって記していた楽譜を使用していたが、五芒星に変化し、その後、楕円形に変わった。少なくとも、ベネディクト会の聖歌の合唱隊は、ネウマ譜とならんで、これらの最も原始的な楽譜を共有し、モノフォニック/ポリフォニックな音楽形式を次世代に向けて洗練させていった。

 

グイドは毎年６月２４日に行われていた洗礼ヨハネの祭のために、聖ヨハネの賛歌を修道士たちに教えていた。グイドは、この最初の四線の譜面をグレゴリオ聖歌の演奏の際に使用した。この聖歌の音階が、全体的に一音階ずつ上がっていくことから、歌詞の頭文字「Ut Re Mi Fa Sol La」を取り、ド、レ、ミ、ファ、ソ、ラという音階が誕生したというのが一般的な説となっている。


この賛美歌は、「ヨハネの昇天」を一音ずつ上昇する音階により表現していると推測される。最初は「ド」の音階は「Ut」であったが、発音がしづらいという実際的な理由で、ラテン語で「主(神)」を意味する「Dominus」に変化していった。つまり、宗教音楽の観点から言えば、基礎的な音楽は、神のもとから出発し、最後は神のもとに帰属するため、主音に帰ることが鉄則となっているわけである。これが、クラシック音楽を始めとする伝統音楽において、主音(Tonica)が一番に重要視される理由である。ちなみに六月の祝祭の賛美歌の歌詞は以下のようなもの。

 

 



Ut queant laxis
resonare fibris
Mira gestorum
famuli tuorum,
Solve polluti
labii reatum,
Sancte Ioannes.



のびのびと
胸いっぱいに響かせて
あなたの驚くべき偉業を
しもべたちが語れるように、
汚れたくちびるから
罪を取り除いて下さい
聖なるヨハネ

 

グイドは、年長の修道士たちがグレゴリオの古典的な学問体系に慣れており、消極的であることに気づいたが、グイド・ストランビアティ大修道院長に有力な理論家であると認められた。 その後、ストランビアティ大修道院長は彼を友人のアレッツォ司教テオダルトのもとに送った。 

 

こうしてグイドは、アレッツォの修道院音楽学校の責任者となった。 グイドはテオダルト司教に、有名な論文『Micrologus(ミクロローグ)』を献呈した。こうしてアレッツォのグイドは、1025年から城壁外のピオンタの丘にある旧大聖堂の学校で聖歌の教師となった。 新しい学問の場で、彼は近代的な記譜法を応用する機会を得て、世界中の音楽に永久的な革命をもたらした。

 

 

音楽理論書「ミクロローグス」の中で、グイドは、グレゴリオ聖歌と教育の様式を定義するために20の短い章を扱った。 論考の中で、アレティヌスは、ポリフォニー音楽(複合旋律)の作曲について論じている。 アレッツォのグイドの著作は、中世において最も広く利用された音楽論書の一つである。以後、グイドは、ローマ教皇ヨハネ16世に招かれ、ベネディクト会士が自分の著作を詳述できるようにローマに招待された。グイドの革命的な活動により、アレッツォは当時の最も重要な音楽文化の中心地となり、今日でもアレッツォは "音楽の街 "と呼ばれている。

 

グイド国際ポリフォニックコンクールの会場


サルヴィーノ・サルヴィーニ作のグイドの銅像(最初の画像に示した)は、駅からグイドに捧げられた広場へ向かう観光客を出迎えてくれる。 現在でもアレッツォでは、このベネディクト修道士を称え、音楽活動や音楽研究を奨励している。 実際、アレッツォには有名な音楽高校があり、毎年、グイド国際ポリフォニックコンクールが開催され、世界中から音楽家が集まる重要なイベントとなっている。


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アイルランドのアルトロックバンド、New Dad(ニューダッド)がセカンドアルバム『Alter』の最新曲「Pretty」を公開した。


ニューダッドらしい浮遊感のあるドリームポップのトラックである。メンバー全員が登場するミュージックビデオでは濃い霧に覆われたアイルランドの風景がムードたっぷりに映し出されている。

 

「Pretty」は、アルバムの重要なテーマであるホームシックを軽快にアレンジした曲だという。 「故郷のゴールウェイへの憧れを表現したもので、本当にラブソングなんだ」とフロントウーマンのジュリー・ドーソンは言う。 「ロンドンのような混沌としていて圧倒される場所に来て、故郷の平和で静かな場所に感謝するようになった。 また、誰もいない広い野原や道路を見ることができる風景は、とても落ち着くし、私はそれに恋している。 だから、この曲を書いたんだ」


ニューダッドによる待望の新作アルバム『Altar』は、昨年のデビューアルバム『Madra』、今年初めにリリースされた『Safe EP』、ジュリー・ドーソンのデビュープロジェクト『Bottom Of The Pool』に続く作品となる。


「Pretty」

ペンシルベニアのエモリバイバルバンド、Algernon Cadwallder（アルジャーノン・キャドワラダー）がニューアルバム『Trying Not to Have a Thought』を発表した。本作はSaddle Creekから9月12日に発売予定。同時にリードシングル「Hawk」がミュージックビデオと合わせて公開された。

 

アルジャーノンの2008年のデビュー作『Some Kind of Cadwallader』以来、ヴォーカリスト兼ベーシストのピーター・ヘルミス、ギタリストのジョー・ラインハートとコリン・マホニー、そしてドラマーのニック・タッツァというオリジナル・メンバーでの初アルバムでもある。

 

このアルバムがレコーディングされた直後、そして2010年代の 「エモ・リヴァイヴァル 」の旗手と謳われるずっと前に、タッツァとマホニーはバンドを脱退した。前述の 「リバイバル 」に大きな影響を与えたにもかかわらず、アルジャーノンは『Parrot Flies』のリリース後の2012年に解散し、2022年に復活を遂げるまで、頑なに再結成を拒んでいた。

 

「私たちをこの核心、つまり私たちの本来の姿に煮詰めたのは、ほとんど運命としか思えない 」とヘルミスは言う。「そのマジックには、実際には再現できないものがある」

 

再結成ツアーが新曲を生み出すとは思っていなかった。しかし、バンドが名曲のリハーサルを始めると、新しいアイデアがその場限りのジャムという形で漏れ出し、『Trying Not to Have a Thought』の種が発芽し始めた。ラインハートは、アルジャーノンの傘下で一緒に演奏していなかった17年後でも、4人組の基礎となる音楽的ケミストリーがまだ湧き上がっていることに嬉しい驚きを覚えた。

 

ラインハートは、即興ジャムの直感的な流れを思い出しながら、「この人がすでにやっていることを、私は頭の中で聞いているようなものなんだ」と言う。 


待望の新作アルバム『Trying Not To Have A Thought』は、2008年のデビュー作『Some Kind Of Cadwallader』以来、ヴォーカリスト／ベーシストのピーター・ヘルミス、ギタリストのジョー・ラインハートとコリン・マホニー、ドラマーのニック・タッツァというオリジナル・ラインナップでの初のLP。 最初のプレビューとなる "Hawk "は、冒頭の破壊的なセリフで、彼らの特徴である喧騒的な緊迫感が炸裂している。 "空のように広い距離がすでにあった／でも私はあなたがその中にいることを知りたかった、なぜあなたは死ななければならなかったのか？"

 

『Trying Not to Have a Thought』は、アルジャーノン・カドワラダーのアルバムの中で最も熟考された作品で、同時に最も即興的な作品でもある。11曲からなるこの傑作は、ワシントン州スノークォルミー（ツイン・ピークスとして神話的に知られている）とペンシルベニア州ポコノスの森の中という、国の両側にある2つの田舎の隠れ家で書かれた。

 

ミネソタ州キャノンフォールズのPachyderm Studiosで最初のセッションを行った後、コレクションの大部分はフィラデルフィアにあるラインハートのHeadroom Studiosで録音され、セルフプロデュースされた。

 

2005年の結成以来アルジャーノンを聴き続けてきたファンにとっては、アルジャーノンの馴染み深いサウンドが懐かしく思い出されるだろうが、このアルバムは、アルジャーノンが以前に分類されていたような刹那的なトレンドとは明らかに切り離されている。彼らの音楽的タッチポイントは変わっていない。

 

「ジョーン・オブ・アークとペイヴメントをミキサーにかけたようなサウンドが、僕らの行き着く先なんだ」とラインハートは微笑みながら語るが、このバンドはこれまで以上に心地よく特異なサウンドを奏でている。

 

 

「Hawk」



 Algernon Cadwallader 『Trying Not to Have a Thought』


Label: Saddle Creek

Release: 2025年9月12日

 

Tracklist:

1.Hawk
2.Shameless Faces (even the guy who made the thing was a piece of shit)
3.What's Mine
4.noitanitsarcorP
5.Koyaanisqatsi
6.Trying Not To Have A Thought
7.You've Always Been Here
8.Revelation 420
9.Million Dollars
10.Attn MOVE
11.World Of Difference

 Pre-save:　https://algernoncadwallader.scfm.me/tryingnottohaveathought


Big Thiefは、2025年9月5日にリリースされる6枚目のスタジオ・アルバム『Double Infinity(ダブル・インフィニティ)』から、2枚の新曲「Grandmother」、「Los Angeles」をリリース。


「Grandmother」は、Big Thiefの3人のメンバー全員が初めて一緒に書いた曲で、世代間の愛と痛みに取り組んでいる。 エイドリアン・レンカーは祖母にこう歌っている。「大丈夫、起こったことはすべて起こったこと／だから、持ちこたえることに何の意味がある？ 私たちはみんな狂っている／私たちは愛でできている／私たちは痛みでもできている"。 この曲のサビで、レンカーはこう締めくくっている。 ララアジはバッキング・ヴォーカルとチターで参加している。


クラシックで不動の趣を持つ「Los Angeles」は、過去の恋人たちが友人へと変わる復活の歌である。 「私は永遠にあなたについていく。 見なくても。 あなたは私たちが一緒になることを呼ぶ」とレンカーは歌い、時がいかに愛の形を変えても、それを沈めることはできないかを振り返る。 


サビでは、最初にふたりを結びつけ、今もふたりの人生を編んでいる魔法の呪文を挙げる。「あなたは私のために歌ってくれた。 あなたは私のために歌ってくれた。 この曲は、バンドがこれまでに発表した曲の中で最も即効性のある名曲かもしれない。

 

「Los Angels」 

 


オーストラリア人シンガーソングライター、Stella Donnelly(ステラ・ドネリー)が、久しぶりにミュージック・シーンに復帰を果たした。両A面シングル "Baths"/"Standing Ovation "をリリースし、Dot Dash Recordingsとの契約を発表した。このうち、「Bath」のミュージックビデオが公開された。桟橋を歩きながら、心温まるようなゴスペル風の歌を歌っている。そして水の中に飛び込む。ナショナルアンセムのような壮大さがある。


ニューシングル"Baths"の制作を振り返って、ステラ・ドネリーは次のように回想している。 

 

「このメロディは、ブランズウィック・バスで泳いでいるときに思いついたの。プールのフィルターが、ある音でハミングのような音を出していて、その音にメロディを乗せて歌うことができたの。 家に帰り、浴室の換気扇をつけながらシャワーを浴びているときも、その音は続いていた。 どちらも歌詞を書き留めるのを難しくした。 ようやくキーボードの前に座り、音を出したら、すべてがひとつになったんだ。 私のこれまでの人生の小さな年表よ」


Dot Dash Recordingsとの契約についてステラ・ドネリーは、「クリエイティブな面でも、個人的な面でも、プロフェッショナルな面でも、リセットのタイミングだと感じた。 これらの曲にとって、ドット・ダッシュほど良いホームはないと思いました。 純粋に音楽を信じ、この次の章がどのようなものかを探求する場を与えてくれるチームに出会えたことにとても感謝している。 すぐにとてもくつろげました！」


レーベルは、今回の新契約について次のように述べている。「デビューEP『Thrush Metal』以来、ステラの素晴らしいソングライティングのファンでした。 これらの新曲は、私たちの心を打つもので、音楽制作からしばらく離れていたステラが復帰し、ドットダッシュを信頼して彼女と共に新しい章に参加してくれたことに深く感謝しています」

 


「Bath」


オースティンのノイズロックバンド、ジーザス・リザードが、2025年のツアー計画のキャンセルすることを発表した。原因は、不特定のバンドメンバーが罹患した「深刻な健康被害」だという。


バンドのツアー中止のニュースは8月4日（月）にソーシャルメディアで発表された。ジーザス・リザードは11月のアメリカでの公演に加え、10月に予定されていたニュージーランド、オーストラリア、日本での公演にも影響が出たことを明らかにした。


「バンドメンバーの一人が深刻な健康被害に遭ったことを受け、医療専門家の助言のもと、予防措置として必要であると判断いたしました」と、グループは声明に書いている。「バンドは失望したファンにお詫びを伝えますとともに、影響を受けたメンバーの予後が良好であることを強調したいと思います。 皆様のご理解とご支援にはいつもながら大変感謝しております」


声明の最後には、"現在のところ代替日を予測することができない "ため、チケット購入者全員に購入金額の払い戻しが行われる予定であることが記されている。 現在、影響を受けた日程以外に予定されている公演はない。


オーストラリアとニュージーランド公演は1998年以来、日本公演は1996年以来だった。ジーザス・リザードは1987年に結成され、1991年の『Goat』、1992年の『Liar』を含む4枚のスタジオ・アルバムをリリースする前に、シカゴのインディーズ・レーベル、タッチ・アンド・ゴーからシングルとEPをリリースした。 



イギリスの音楽賞を主催するAIMがインディペンデント・ミュージック・アワード2025のノミネート第一陣を発表し、エズラ・コレクティヴ、Fcukers、ホープ・タラ、アナイスがそれぞれ2部門にノミネートされた。


また、9月23日にロンドンのザ・ラウンドハウスで開催される第15回の候補には、フォンテーヌDC、ウェット・レッグ、マーヴェリック・セイバー、ムーンチャイルド・サンネリー、ボン・アイヴァー、アルーナなどが名を連ねている。また、ムーンチャイルドサネリーの新作「Full Moon』はMusic TribuneのWMFでご紹介しています。レーベル側が強く推薦するアーティストでした。


レーベル別では、ニンジャ・チューン、トランスグレッシブ、ビリーヴが最多ノミネートで、それぞれ3つずつ。 一方、5dB、Communion、Domino、FAMM、Partisan、Technicolour、XL、Youngはいずれも2つ。


AIMのCEOであるジー・デイヴィは、次のように述べた。「インディペンデント・ミュージック・アワードの15周年を祝うにあたり、英国のインディペンデント・ミュージック・コミュニティから溢れ出る並外れた創造性に刺激を受けています」


毎年、インディーズ部門は「心そして踊る足に語りかける音楽を届けており、今年のノミネートも例外ではない」とデイヴィは語った。


「私たちのテイストメーカー・パネルは、膨大な応募作品の中から素晴らしいセレクションを選びました。 「これは、シーン内の膨大な才能と多様性のほんの一端に過ぎませんが、このコミュニティを定義する大胆不敵な芸術性を紹介しています」


「音楽におけるインディペンデントとは、創造し、革新し、自分たちのやり方でキャリアやビジネスを築く自由を意味する。 インディペンデント・セクターは、文化と商業的成功が出会う場所であり、2025人の候補者はその交差点を完璧に体現している。 本当に特別なアワードになることを約束し、彼らの功績を称えることを楽しみにしています」


・AIM インディペンデントミュージックアワード2025の各部門の候補作及びノミネートは以下の通りです。



Best Independent Track:


Anaiis, Grupo Cosmo - ‘B.P.E’ (5dB Records)

Ezra Collective, Yazmin Lacey - ‘God Gave Me Feet For Dancing’ (Partisan Records)

JIALING -‘Freaky Horns’ (Clasico Records)

Jim Legxacy - ‘father’ (XL Recordings)

Jorja Smith, Maverick Sabre - ‘Loving You’ (FAMM)

Miso Extra, Metronomy -‘Good Kisses’ (Transgressive Records)

Orla Gartland - ‘Mine’ (New Friends Music)

Wet Leg - ‘Catch These Fists’ (Domino Recording Co.)

Wunderhorse - ‘The Rope’ (Communion Records)

Yannis & The Yaw, Tony Allen - 'Rain Can't Reach Us' (Transgressive Records) 


Best Independent Album:


Bon Iver - Sable, Fable (Jagjaguwar)

Ezra Collective - Dance, No One's Watching (Partisan Records)

Fontaines DC - Romance (XL Recordings)

Hope Tala - Hope Handwritten (Big Family Music)

John Glacier - Like A Ribbon (Young)

Maverick Sabre - Burn The Right Things Down (FAMM)

Moonchild Sanelly - Full Moon (Transgressive Records)

Nala Sinephro - Endlessness (Warp Records)

Oklou - Choke Enough (Oklou / True Panther Records)

TAAHLIA - Gramarye (untitled (recs))


UK Independent Breakthrough (in association with Amazon Music) :


Corto.alto (Ninja Tune)

Fat Dog (Domino Recording Co.)

Glass Beams (Ninja Tune)

Hope Tala (Big Family Music)

Sara Landry (HEKATE Records) 


Best Independent EP/Mixtape:


Fcukers - Baggy$$ (Technicolour Records)

MRCY - VOLUME 1(Dead Oceans)

Nectar Woode - Head Above Water (Communion Music)

Shygirl - Club Shy Room 2 (Because Music)

Zino Vinci - The Late Bloomer(Bawne London / Believe)   


Best Independent Remix:


Aluna - ‘Heatstroke’ (Paul Woolford remix) (Mad Decent / Because Music)

Home Counties, TATYANA - ‘Uptight’ – TATYANA remix (Submarine Cat Records)

Koreless - ‘Seven’ (Jorig Kuning Bicton Barns Remix) (Young)

Nilufer Yanya - ‘Just A Western’ (Boy Harsher Remix) (Ninja Tune)

Rosie Lowe - ‘Gratitudes’ (D'Monk remix) (Blue Flowers Music) 


One To Watch:


Anaiis (5dB Records

BINA. (TLD Records)

Chloe Qisha (VLF Records / Believe)

Cristale (Believe)

Fcukers (Ninja Tune)

The New Eves  『The New Eve Is Rising』

Label: Transgressive

Release:  2025年8月1日


Lisen/Stream

 


Review

 

今年のTransgressive Recordsは、魅力的なデビューバンドを積極的に送り出している。ブライントンの四人組、The New Evesもまたそのうちの一つ。ニンジャ・チューンのBlack Country, New Roadのツアーにも帯同し、今後人気を獲得しそうだ。The New Evesは、2025年にデビューしたばかりで、潜在的な能力は未知数であるが、若いエナジーとパワフルなサウンドを特色にしている。この四人組は、ニューヨークの1960年代後半のプロトパンクを吸収し、パティ・スミス、VUなどのプリミティブなロックサウンドを、彼女たちの最大のストロングポイントであるスカンジナビアの伝統的な羊飼いの音楽と結びつける。その伝統音楽は上辺だけのものではなく、本格的である。例えば、アルバムの先行シングル「Cow Song」はその象徴的な楽曲で、ヨーデルのような特殊な歌唱法が登場する。それらは確かに北欧の牧歌的な印象を呼び起こす。

 

The New Evesの音楽は、ラフ・トレードに所属するLankum（アイルランドの中世の伝統音楽を実際の楽譜を参照し、実験音楽の領域から探求する）のような民俗学的な興味を呼び覚ます。しかし、ブライトンの四人組の記念すべきデビューアルバム『The New Eve Is Rising』は、必ずしも世界音楽だけに限定されているわけではない。例えば、その音楽性は、英国の伝統的な戯曲を筆頭とする舞台芸術（オペラ/バレエ）のようなシークエンスを想起させることもある。それらが現在のUKロックの一つの主流であるシアトリカルな音楽性を矢面に押し出す場合がある。これらは結局、イギリスの音楽形態そのものが、西ヨーロッパの芸術性と密接に関連してきたことを想起させる。そこには確かに付け焼き刃ではない、歴史や文化の匂いが漂っている。

 

アルバムのオープニングを飾り、大胆不敵にもバンド名を冠した「The New Eve」を聴けば、このバンドがどのような音楽を志すのか、その一端を掴むことが出来るに違いない。例えば、The Whoの『Tommy』で示されたような、ロックオペラの再現を試みているらしいことが分かる。しかし、表現者が違えば、もちろん、外側に表れる印象も変化する。この曲ではバレエやオペラの音楽性を吸収し、ドローン音楽を弦楽器で表現し、舞台上の独白のようなボーカルが繰り広げられる。Lankumのような実験音楽性を踏襲し、ミステリアスなイントロを形成している。そして、オペラやバレエのような印象を持つ導入部に続いて、２分以降には、ニューヨークのプロトパンクの原始的なロックが発現する。ジョン・ケイルのエレクトリック・ビオラのような弦楽器のトレモロ、そして、ルー・リードさながらに、アンプのダイヤルをフルに回して演奏したかのような分厚いギターが炸裂し、この一曲目は「Sister Ray」のような秘術的なロックサウンドを生み出す。デビューバンドらしからぬ不敵なイメージが的確に体現された楽曲である。

 

The New Evesは、ニューヨークのプロトパンク、ブライアン・イーノがプロデュースを担当した『No New York』のコンピレーションに登場する複数のアート・ロックバンドの形式を受け継ぎ、ノイズや不協和音を徹底して強調している。それは、まるで現在の世界情勢や貿易戦争、の軋轢をそのままギターロックに乗り移らせたかのような印象をもたらす。もう一つ特筆すべきは、米国西海岸の原始的なパンクバンドのような不穏な空気感を持ち合わせていることである。

 

先行シングルとしてリリースされた「Highway Man」は、Dead Kennedys、Black Flag、Germs、そしてロサンゼルスの最初のパンクグループ、Xのような不穏なテイストを滲ませる。曲全体に響く不協和音は、日本のポストパンクバンド、INUのシニカルな空気感とも共通する。ベースがこの曲をリードし、その後、ミニマルなギター、そしてスカンジナビアの伝統音楽の歌唱法を受け継いだ、喉を小刻みに震わせ、トレモロの効果を得る特異なボーカルなど、多彩な文化が不穏なパンクロックサウンドのなかに混在している。それらの原始的なパンクサウンドの中では、ボーカルアートの形式も織り交ぜられ、ニューヨークのメレディス・モンクのような舞台芸術に根ざしたコーラスワークも登場する。これらは音楽の聴きやすさを維持してはいるが、その中に奇異なイメージをもたらすことがある。それは何によるものなのか。協和音の中に入り交じる不協和音という形で、このバンドの独自のスタイルを象徴付けているのである。曲の後半では、ボーカルにも力がこもり、魔術的かつ秘術的なデビューバンドの魅力が顕わになる。

 

続く「Cow Song」は、クラシックや民族音楽とロックの融合を目指した楽曲で、BC,NRとも共通点がある。しかし、フォロワー的でもなければ、はたまたイミテーションでもない。 アルバムの幾つかの曲がスウェーデンの山小屋で書かれたというエピソードからも分かる通り、The New Evesのワールドミュージックの要素はかなり本格的であり、類型が見当たらない。この曲では、The Whoの名曲「Baba O' Riley」の作風を受け継ぎ、それらを舞台芸術のボーカルアートの形式と融合させている。ヨーデルのように、喉を震わせる特異な歌唱法、そしてスティーヴ・ライヒ、フィリップ・グラスの２０世紀のミニマル・ミュージックの方式を受け継いで、それらをダンスミュージックのパルス音のように響かせ、２０２５年の新しい舞踏音楽に挑戦している。ラフで荒削りな印象もあるものの、それもまた、この曲を聞く際の魅力となるはずだ。

 

一方で、「Mid Air Glass」は、チェロのような弦楽器のトレモロを通奏低音として敷き詰め、アイスランドのビョークのような歌唱法を披露している。明確にボーカルの役割分担をしているのかまでは分からないが、楽曲ごとにメンバーそれぞれの個性を活かしているような感じがあり、その点に好意的な印象を覚えた。スカンジナビアやアイスランドのような北欧の音楽が曲の中盤までは優位を占めるが、後半以降、その音楽はスコットランド/アイルランドの音楽に傾倒していく。それらの繁栄と衰退を繰り返す西ヨーロッパの情勢の変遷と呼応するような音楽である。曲の後半では、弦楽器とムーディーなギターが活躍し、ジム・オルークのようなアヴァンフォークに近くなる。というようにこの音楽のコスモポリタニズムは魅惑的に聞こえる。そして実際的に曲の後半では、瞑想的な音楽性が優位になるのが興味深いポイントである。

 

 

「Astrolabe」 には、The Lankumのような伝統音楽と実験音楽の間にある絶妙なニュアンスが捉えられる。そしてその音楽から立ち上るスカンジナビアの海の音楽の影響がより鮮明になる。この曲には、中世ヨーロッパのスペイン以北の音楽が入り混じっている。それらが悠久の歴史に対する憧憬を掻き立てる。これらは実際に、ルー・リードの音楽やフォークの形式の原点となったヨーロッパの民族音楽に傾倒していく。変拍子のように聞こえる複合的なリズムの構成、拍子の感覚を見失ったかのようなビートが、チャントのようなボーカルや弦楽器と結びつき、ヴェルヴェット・アンダーグラウンドの最初期のようなサイケデリックな音楽性を発生させる。


「Circles」でもルー・リードやジョン・ケイルの作曲を受け継ぎ、わざと曲の中でテンポを早め、音楽そのものが異なるニュアンスを帯びるように組み立てられている。この曲もまた、複数のボーカルの融合やリズムの側面での変拍子などを駆使し、生きた音楽を探っている。また、曲の後半では、オーケストラのティンパニーのようなドラムが優勢となり、アフリカの民族舞踊のような反復するリズムを徹底的に強調させ、いわば儀式的であり魔術的な音楽性を作り出す。これらのリズムの側面での多彩さは曲全般に大きな変化を及ぼし、 飽きさせることがない。

 

アルバムの後半の３曲では、ヴェルヴェットアンダーグラウンドを中心とするニューヨークのプロトパンクのスタイルを継承しつつ、ギターロックに傾倒している。聴いていて面白いと思ったのは、ライブセッションの中で自分たちの音を探している様子が伺えることである。この四人組にしか持ち得ない心地よい音を実際のスタジオセッションから探る。それは音楽によるコミュニケーションの手段であり、そういった温和さや心楽しい感覚がありありと感じられた。その等身大のロックサウンドは、決して商業性が高いとは言えないが、今後が非常に楽しみである。


「Mary」はメインボーカルが力強さがあって素晴らしい。そして、完成度を度外視した自由な気風に満ちたサウンドが牧歌的な雰囲気を造出している。その中には、まるでボブ・ディランを称賛するかのようなブルースハープ(ハーモニカ)も鳴り響いている。もちろん、ディランほどには上手くないが、７０年代以降の平和主義に根ざしたロックの残影をどこかに見いだせる。この曲でもジェットコースターのような展開力が健在である。民族音楽的なダンスミュージックを奏でる四人組は、どこまでも純粋に音を鳴らすことを楽しむ。なんの注文が付けられようか。

 

長い時代、女性中心のロックバンドは冷遇されてきた経緯がある。また、音楽産業という男性優位の業界の枠組みの中、アイドル的なポジションしか与えられなかった。しかし、近年ではその潮目が変わり、自由闊達に女性ロックバンドが活躍することが可能になってきた。ロックを始めたのは男性であるが、それをやるのに性差などは必要ないのである。これはまた、ロック・ミュージックという形式が現実世界とは別の理想主義を描き出せるからこその利点である。

 

終盤でも音楽を心から奏でるスタンスは相変わらず。「Rivers Run Red」では、パティ・スミスやテレヴィジョンの文学的なロックのイディオムを受け継いで、見事にそれを現代に復刻している。クローズ「Volcano」は、火山のような爆発的なエナジーをブルースロックで体現する。あまりに渋すぎるが、驚くべきことに、これをやっているのは若い女性たちなのだ。

 

 

 

 

８５/１００ 

 

 


 Best Track- 「Cow Song」