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イギリスのインディーロックバンド、ディヴォース(Divorce)は、2024年最初のシングル「Gears」で、絶賛されるキャサリン・マークス(ボーイジーニアス、フォールズ、ウルフ・アリス)のプロデュースにより、ギアをハイ・ギアに入れる。


この新曲は、彼ら最大のUKヘッドライン・ツアーを含む、一連のエキサイティングな発表と同時に到着した。彼らの落ち着きのない精神に忠実な「Gears」は、複数のアイデンティティと責任を両立させることの難しさを掘り下げている。

 

曲自体もこの二面性を反映しており、ソフトでメロディアスなサウンドスケープから始まり、よりジリジリと激しいものへと変化していく。

 

リード・シンガーでギタリストのフェリックス・マッケンジー=バローは、次のようにこの曲について説明している。

 

「『Gears』は、ロンドンに引っ越したばかりの頃、『ディヴォース』のバンド活動が増える中、とても長い時間働いていた時に書いた曲なんだ。仕事かライヴに明け暮れて、社会生活を維持することができなかったし、社会生活を維持するために必要な出費にもついていけなかった。この曲は、そんなフラストレーションから生まれたんだ」


「Gears」



コネチカット州の4人組オルトロックバンド、OVLOV(オヴロヴ)は、シカゴのラジオ局、Audiotree Liveに出演した。彼らは最新作『BUDS』の収録曲をメインにスタジオでプレイしている。特にセットリストの2曲目のオルタナティヴロックの隠れた名曲「Land of Steve-O」の演奏に注目すべし。


彼らは散発的ではありながら北東部インディー・ロックの風景に影響を与えたレコードを発表し続けている。ダイナソーJr.やセバドーのような大物と比較されることもあるが、彼らのトレードマークであるファズ、軽妙なウィット、ポップ・センスが何層にも重なり、独自のサウンドを作り上げている。


彼らの幅広いディスコグラフィーの中から曲を演奏するOvlovのAudiotree Live Sessionは、彼らの成長と野心の証であり、友情とファズペダルの祭典でもある。Audiotreeのホスト、Psalm Oneとのインタビューの中で、バンドは2023年の反省、任天堂への見解、コネチカット州ニュータウンで音楽をプレイして育った経験について話している。


このライブ音源はAudio  Tree Liveとしてリリースされました。ストリーミングなどはこちらから。

 

 




Setlist:

1. Eat More

2. Land of Steve-O

3. The Wishing Well

4. Strokes

5. The Valley

6. Deep Fried Head

Boeckner

ダニエル・ベックナーは、心に溜まった夾雑物を理解し、その散らかったものを突き破って向こう側に潜り込むには''揺るぎない勇気''が必要であることを理解している。そしてボックナーの手にかかれば、その探求はポスト黙示録的なシンセとギターのヒロイズムによってもたらされる。


ウルフ・パレード、ハンサム・ファーズ、ディヴァイン・フィッツ、オペレーターズ、アトラス・ストラテジックとの活動を通して、カナダを代表するインディー・ロッカーは、''希望ほど喜ばしく、印象的で、生成的で、豊かな感情はない''と認識している。しかし、それには自分のやり方から抜け出す必要がある。その深い音楽的参考文献の集大成として、べックナーは自身の名前''ボックナー''で初のアルバムをリリースする。


「自分の中では、いろんな意味でまだバンクーバーでパンク・バンドをやっているつもりなんだ」とべックナーは笑う。「ティーンエイジャーの頃から始まって、僕の音楽人生は自分自身の音楽言語を発展させようとしてきた」


そう。ジャンルの探求がどこへ向かおうとも、パンクやDIYの空間で育ったべックナーには、コラボレーションの濃い血が流れている。『Boeckner!』は、親しみやすい要素の集まりで構成され、若い情熱と発見の同じスリルを引き出す。それは、夢と助手席の特別な誰かに後押しされ、テックノワールの街並みをジェット機で追いかけるようなものだ。


Boecknerは、この融合した言語をド迫力のオープニング・トラックとリード・シングル "Lose "で即座に紹介する。


オペレーターズとの2枚のレコードで培った焦げたスペースエイジのシンセと、ウルフ・パレードの拳を突き上げるようなギターに後押しされ、この曲は新世界へとまっしぐらに突き進む。"今、私は歩く幻影/レーダー基地での夜警 "とボックナーは歌い、まるで希望を失わないために時間との戦いに挑んでいるかのようだ。


その切迫感と情熱は、常にべックナーのトレードマークであり、彼自身のために書くことで、その感情をさらにスコープの中心に押し上げている。しかし、べックナーがこのアルバムの明確な原動力であるとはいえ、ソロ・デビューに協力者がいないわけではない。ニコラス・ケイジ主演のサイケデリック・ホラー映画『マンディ』のサウンドトラックに参加していた時にプロデューサーのランドール・ダンと出会い、べックナーはソロデビューに最適な相手を見つけたと確信した。


「私はずっと彼のファンで、特に彼がプロデュースした”Sunn0)))”のレコードはお気に入りだった。ランダルと仕事をすることで、抑えられていた音楽的衝動が解き放たれたんだ。プライベートでは楽しんでいるけれど、普段は自分がリリースする作品には織り込まないような、オカルト的なシンセや疑似メタル、クラウトロック、ヘヴィ・サイケの影響などだよね」


アルバムのハイライトである "Euphoria "は、オフキルターなダークネスを漂わせ、ヴィブラフォンのダッシュがシンセのうねるような波に翻弄されている。


「もう手遅れだ/時間は加速する/ゆりかごから墓場まで」とボックナーはまるでジギー・スターダストの核廃棄物のように叫び、グリッチしたエレクトロニクスがミックスから滴り落ちる。この曲のパーカッシブなドラムは、パール・ジャムのドラマーとしてだけでなく、ボウイやフィオナ・アップルとの仕事でも知られるマット・チェンバレンによるもので、アルバム全体を通してボックナーの力強いギターを後押ししている。


この強固な基盤のおかげで、ボックナーは感情的なイマジズムと、より地に足のついたストーリーテリングの間を思慮深く織り交ぜることができるようになった。このアルバムを通して、彼のイメージはSFにまで踏み込んでいるが、それは何よりもまず経験によって支えられている。  「初期のウルフ・パレードを除いて、私は常にフィクションの世界に身を置こうとしてきた。その典型例として、"Euphoria "の絶望的な到達点は、すべての行に感じられる」


べックナー、ダン、チェンバレンのトリオは、このアルバムのための一種のダーク・エンジンを形成し、チェンバレンは、各ドラム・トラックと同時にヴィンテージのアープ・シンセサイザーを起動させるという独創的なアプローチで、ボックナーがレコードの雰囲気を形作るのを助けた。その重層的な影が、アコースティック調の靄がかかったような「Dead Tourists」を彩っている。


この曲には、鋼鉄の目をした家畜、教会の教壇に並べられた死体、横転した高級車など、なんとも不気味で悪い予兆が散りばめられている。

 

この緊迫したフューチャリズムは、ダンのCircular Ruinスタジオに滞在していたベックナーの影響によるもので、薄暗いエレクトロニックなオーラが全トラックに歌い込まれている...。彼はよく、寝袋にポップ潜り込んで、シンセ・ラックの下で眠りにつき、小さな天窓からブルックリンの灯りを見上げ、隣でOneohtrix Point Neverの最新作をレコーディングしているダニエル・ロパティンのかすかな音が壁を通して聞こえてくる。


自身のロック・ルーツを掘り下げることに加え、べックナーは個人的なギター・ヒーローの1人を連れてきた。


「ティーンエイジャーの頃、メディシンの完璧なシューゲイザー・ノイズのレコードをカセットテープで輸入していて、ブラッド・ラナーのサンドブラストでチェルノブイリのようなギターが絶対に好きだった」と彼は言う。


べックナーは最初、ブラッド・ラナーが1曲だけ参加してくれることを願って連絡を取ったが、メディシンのギタリストはアルバム全体にギター・レイヤーを加え、ヴォーカル・ハーモニーのアレンジも手伝うことになった。特に「Don't Worry Baby」の呪われた言葉のない合唱は、ラナーのトレードマークであるメディスン・ギターの荒々しさを通してボックナーの作曲を表現している。


「このレコードは自伝のようなもので、アトラス・ストラテジック・ミュージックの具体的なシンセの爆発、オペレーターズの瑞々しいシンセ、ハンサム・ファーズのノイズ・ギター、シュトックハウゼンからトム・ウェイツまで、あらゆるものから同時に影響を受けている」とボックナーは言う。


そして、低音域の「Holy is the Night」でレコードがフェードアウトすると、変異したスカイラインは消え去り、"疫病の後 "の青空に変わる。もはやSF大作ではなく、『Boeckner!』はジョン・カセベテス映画の焼け焦げたVHSコピーのような、ケムトレイルと核の放射性降下物が遠くに消えていくようなものへと変化していく。「朝日が昇るまでに、どれだけの痛みを与えられるだろう、ベイビー/聖なる夜は、平和を手に入れられるだろう」と彼はため息をつく。



この世界は、君と僕が一緒にいることで、どれだけの血を流せるだろう? すべての優れたSFがそうであるように、感情や痛みは作者にとってもリスナーにとっても同様に心に響くものであり、ジャンルは人間的な経験を補強するためにそこで花開く。そして、これまで以上に多くのことを明らかにすることで、ボックナーは音楽的な激しさを予想外のレベルまで高めると同時に、旅の終わりに安らぎを見出したいと願っている。-SUB POP

 

 


Boeckner 『Boeckner!』



カナダのダニエル・ベックナーはウルフ・パレードの活動で知られているが、サブ・ポップからソロデビューを果たす。

 

このアルバムで、ベックナーの名前は一躍コアなロックファンの間で知られることになるかもしれない。ベックナーの音楽はシンセロックの内的な熱狂性、ソフトロック、AOR,ときにはニューロマンティックの70年代のロンドンの音楽を反映させ、それらをシューゲイザー・ノイズによって包み込む。彼の音楽の中には異様な熱狂があるが、ソロ・アルバムでありながらランドール・ダンのプロデュースによりバンドアンサンブルの趣を持つ作品に仕上がった。

 

アルバムには勿体つけたような序章やエンディングは存在しない。一貫してニューウェイブ・パンク、DIYのアプローチが敷かれる。ベックナーにとって脚色や演出は無用で、彼は着の身着のままで、シンセロックの街道を走り始め、驚くべき早さで、アルバムの9曲を走り抜けていく。彼は、いちばん後ろを走りはじめたかと思うと、並のバンドやアーティストを追い抜き、ゴールまで辿り着く。その驚くべき姿勢には世間的に言われるものとは異なる本当のかっこよさがある。

 

ときに、人々は何かをするのには遅すぎると考えたり、周囲にそのことを漏らしたりする。しかしながら、何かの始まりが遅きに失することはないのだ。ダン・ベックナーは私達に教えてくれる。「出発」とは最善の時間に行われ、そしてそれは、何かが熟成したり円熟した時点に訪れる。それまでに多くの人々はなんらかの仕事に磨きをかけたり、みずからの仕事を洗練させる。多くの人は、どこかの時点で諦めてしまう。それは商業的に報われなかったからかもしれない。何らかの外的な環境で、仕事を続けることが難しくなったのかもしれない。それでも、ダニエル・ベックナーは少なくとも、ウルフ・パレードのメンバーとして、音楽的な感性を洗練させながら、ソロデビューの瞬間を今か今かと待ち望みつづけてきた。デビューアルバムというのは、アーティストが何者であるかを示すことが必須となるが、ダン・ベックナーのセルフタイトルの場合、ほとんどそこに躊躇や迷いは存在しない。驚くべきことに、彼は、自分が何をすべきなのかをすべて熟知しているかのように、ポピュラー・ソングを軽やかに歌う。

 

ニューウェイブ風のパルス状のシンセで始めるオープニング「Lose」のベックナーのすべてが示されている。イントロが始まる間もなく、ダン・ベックナーの熱狂的なボーカルが乗せられる。彼の音楽的な熱狂性は、平凡なミュージシャンであれば恥ずかしく思うようなものである。しかし、それは10代の頃、音楽ファンになった頃にすべてのミュージシャンが持っていたものであるはずなのに年を重ねていくごとに、最初の熱狂性を失っていく。本当に熱狂している人など、本当はほとんど存在しないのであり、多くの人は熱狂している”ふり”をしているだけなのだ。

 

外側からの目を気にしはじめ、さまざまな思想と価値観の[正当性]が積み上がっていくごとに、徐々に最初の熱狂は失われていく。しかし、本来、「音を子供のように楽しみ、そしてそれを純粋に表現する」という感覚は誰もが持っていたのに、ある年を境目として、誰一人として、そのことが出来なくなる。それは多くの人が勝利や栄光を得ようと躍起になり、最終的に全てを失うことを示す。デス・オア・グローリー・・・。敗北への恐怖が表現の腐敗へと続いている。

 

ベックナーの音楽が素晴らしいのは、恐怖を吹き飛ばす偉大な力が込められていることなのだ。

 

アルバムのオープナーを飾る「Lose」は、敗北への讃歌であり、負けることを恐れないこと、そして敗北により、勝利への最初の道筋が開かれることを示唆している。ときにベックナーのボーカルやシンセは、外れたり狂うことを恐れない。それは常道やスタンダードから外れるということ。しかし、「正しさ」と呼ばれるものは本当に存在するのか。もしくは、スターダムなるものは存在するのか。誰かが植え付けた、思い違いや誤謬を、それがさもありなんというように誰かが大々的に宣伝したものではないのか。それらの誤謬に誰かがぶら下がり、その旗に付き従うとき、「本来、存在しなかったものがある」ということになる。それがコモンセンス、一般常識のように広まっていく。しかし、考えてみると、そこに真実は存在するのだろうか? 

 

「Lose」

 

 

ダニエル・ベックナーの音楽は、少なくともそれらの常識から開放させてくれる力がある。そして推進力もある。もちろん、独立心もある。「Ghost In The Mirror」は、ドン・ヘンリー、アダムス、スプリングスティーンのようなアメリカンロックとソフト・ロックの中間にある音楽性を爽やかな雰囲気で包み込んだナンバー。80年代のUSロックの色合いを残しつつ、スペーシーなシンセサイザー、パーカッション効果により、スタンダードなロックソングへと昇華している。サビでのアンセミックなフレーズは、ベックナーのソングライティングがスタンダードなものであることを示している。そして鏡の中にいる幽霊を軽やかに笑い飛ばし、それを跡形なく消し去るのだ。「Wrong」はThe Policeの系譜にあるニューウェイブをベースにし、そこにグリッターロックやニューロマンティックの艶気を加えている。ダン・ベックナーのボーカルはやはりスペーシーなシンセに引き立てられるようにして、軽やかに宙を舞い始める。

 

「Don't Worry Baby」は、Animal Collective、LCD Soundsystemを彷彿とさせるシンセロックのアプローチを図っているが、サビでは80’sのNWOHMのメタルバンドに象徴されるスタジアムのアンセムナンバーに様変わりする。曲の中に満ちる奇妙なセンチメンタルな感覚は、Europeの「Final Countdown」のようであり、この時代のヘヴィ・メタルのグリッターロックの華やかさと清涼感のあるイメージと合致する。ベックナーは、T-Rexのマーク・ボランやDavid Bowieの艶気のあるシンガーのソングライティングを受け継ぎ、それらをノイズで包み込む。しかし、ノイズの要素は、アウトロにかけて驚くほど爽快なイメージに変化する。Def Leppardが80年代から90年代にかけて書いたハードロックソングを、なんのためらいもなくベックナーは書き、シンプルに歌い上げている。これらは並のミュージシャンではなしえないことで、ベックナーの音楽的な蓄積と経験により高水準のプロダクトに引き上げられる。

 

アルバム発売と同時にリリースされた「Dead Tourists」は、アーティストのマニアックな音楽の趣向性を反映させている。Silver Scooter、20/20といったバロックポップバンドの古典的な音楽性をイントロで踏襲し、レコード・フリークの時代の彼の若き姿を音楽という形で体現させる。アーティストはウェイツのような古典的なUSポピュラーのソングライティングに影響を受けているというが、ベックナーの場合はそれらはどちらかと言えば、ジャック・アントノフのバンド、Bleachersが志すような、シンセ・ポップ、ソフト・ロック、そして、AORの形で展開される。曲の進行には、80年代のUSポピュラー音楽のアンセミックなフレーズが取り入れられ、それが耳に残る。古いはずのものは言いしれない懐かしさになり、それらのバブリーな時代を彼はツアーする。MTVのネオンは街のネオンに変わり、それらはホラー映画のニッチさと結びつく。これらの特異な感性は、彼の文化的な感性の積み重ねにより発生し、それがシンプルな形でアウトプットされる。シューゲイズ・ギターは彼のヴォーカルの印象性を高める。そして、さらにそれを補佐するような形で、スペーシーなシンセ、グリッター・ロック風のコーラスが入る。 しかしこの80年代へのツアーの熱狂性はアウトロで唐突に破られる。 

 

 

 「Dead Tourists」

 

 

「Return To Life」はアナログなシンセ・ポップで、Talking Headsのデイヴィッド・バーンに象徴されるようなニューウェイブの気風が漂う。クラフトワーク風のデュッセルドルフのテクノ、それらをシンプルなロックソング、2000年代以前のマニアックなホラー映画のBGMと結びつける。これらはMisfits、WhitezombieといったB級のホラー映画に触発されたパンクやミクスチャーバンドの音楽をポップスの切り口で再解釈している。そしてダン・ベックナーのボーカル、チープなシンセの組み合わせは、アーティストによる米国のサブカルチャーへの最大の讃歌であり、また、ここにも、ナード、ルーザー、日陰者に対する密かな讃歌の意味が見いだせる。そして、それは90年代のレディオ・ヘッドのデビュー・アルバムの「Creep」の時代、あるいは2ndアルバムの「Black Star」の時代の奇妙な癒やしの情感に富んでいる。栄光を目指したり、スタンダードを目指すのではなく、それとは異なる道が存在すること、これらは数えきれないバンドやアーティストが実例を示してきた。ベックナーもその系譜にあり、ヒロイズム、マッチョイズム、もしくは善悪の二元論という誤謬から人々を守るのである。

 

どうしようもなくチープであるようでいて、次いで、どうしようもなくルーザーのようでいて、ダン・ベックナーの音楽は深い示唆に富み、また、世間的な一般常識とは異なる価値観を示し続け、大きな気づきを与えてくれる。一つの旗やキャッチコピーのもとに大多数の人々が追従するという、20世紀から続いてきたこの世界の構造は、いよいよ破綻をきたしはじめている。この音楽を聴くと、それらの構造はもう長くは持たないという気がする。そのレールから一歩ずつ距離を置き始めている人々は、日に日に、少しずつ増え始めているという気がする。

 

その目でよく見てみるが良い、ヨーロッパの農民の蜂起、アフリカの大陸、世界のいたるところで、主流派から多くの人が踵を返し始めている。「Euphoria」は、株式の用語で過剰なバブルのことを意味するが、ベックナーは古いのか新しいかよくわからないようなアブストラクトなポップで煙幕を張り、目をくらます。ベックナーは、親しみやすい曲を書くことに関して何の躊躇も迷いもない。「ダサい」という言葉、もしくは「敗北」という言葉を彼は恐れないがゆえ、真っ向から剣を取り、真っ向からポピュラーソングを書く。誰よりも親しみやすいものを。クローズの「Holy Is The Night」は驚くほど華麗なポップソング。誰もが書きたがらないものをベックナーは人知れず書き、それを人知れずレコーディングしていた。そう、Oneohtrix Pointnever(ダニエル・ロパティン)が録音を行っているすぐとなりのスタジオで。

 

 

 

86/100 
 
 

Weekend Track- 「Holy Is The Night」

 
 
Boecknerによるセルフタイトルアルバム『Boeckner!』は本日、SUBPOPからリリースされました。ストリーミングはこちら。 ご購入は全国のレコードショップ等

オックスフォードのロックバンド、RIDEは、近日発売予定のアルバム『Interplay』の最新シングル「Monaco」を発表した。

 

フロントマンのマーク・ガードナーは声明の中で「このバックトラックは、以前行ったOx4 Soundのセッションから生まれた。ジャムやアイデアを地名に見立てて "Monaco "というデモ・ネームを付けた」と説明している。

 

「ある晩、オックス4・サウンドでのレコーディング・セッション中、メンバーはみんなビルを出て、僕はプロデューサーのリッチー・ケネディとエンジニアと一緒にいた。エネルギー料金の高騰やインフレ、その他もろもろ、現在の経済情勢の中で多数の人々が打ちのめされていると感じていたことについて率直に歌詞を書いた。現在の世界的な状況は、"生きるために働くのではなく、働くために生きなければならなくなっている”と思えるほどなんだ」


「この曲は、私たちがいかに粉々に打ち砕かれ、常に経済的なプレッシャーにさらされているかという、この感覚をリアルに反映している。この曲は、私たちがまだ、これと闘う力があるうちに、それらと闘おうじゃないか、という一種の呼びかけでもある。モナコは、人工的な金持ちのバブルに住む、少数の人々の狂気に関する曲なので、シニカルなタイトルとして最後に残った」



 「Monaco」

 

 

 

RIDEのニューアルバム『Interplay』はWichita Recordings/PIASから3月29日にリリースされます。「Peace Sign」「Last Frontier」が先行配信されています。以下よりチェックしてみよう。

 

 


ニューヨークのインディーロックバンド、ヴァンパイア・ウィークエンド(Vampire Weekend)がアルバム『Only God Was Above Us』から最新曲 「Classical」をリリースした。


アコースティック・ギターとクリス・トムソンによるシンバルを多用したドラム・ビートで構成された "Classical "は、ヴァンパイア・ウィークエンドの先行シングルよりも躍動的で落ち着きがない。

 

"不実で、不親切で、不自然で/残酷なものは、時間とともに、いかにしてクラシックになるのか "とエズラ・ケーニグはプレ・コーラスで歌い、やがてアンセミックでハーモニーに満ちたリフレインで "どのクラシックが残るのか?"と問いかける。この曲はまた、ヘンリー・ソロモン提供のハチャメチャなサックス・ソロを伴う、大胆でほんの少し不協和音なブリッジも特徴的である。


この曲はまた、ニック・ハーウッドが監督し、バンド、レイ・スエン、ドラム・テックのジョシュ・ゴールドスミス、Aリスト・プロデューサーのアリエル・レヒトシャイドが出演するミュージック・ビデオも公開された。

 

グリーン・スクリーンを多用したミュージックビデオの中で、ヴァンパイア・ウィークエンドは、円柱、ゴシック教会、彫像、800年前の絵画、そしてストーンヘンジなど、古典的なヨーロッパの建築物のクリップの中で「Classical」を披露している。


「Classical」

 

 

 

『Only God Was Above Us』からはタイトル曲「Capricorn」、「Gen-X Cops」が先行配信されています。


 



エリック・カルメンは先日惜しくも亡くなってしまったが、ラズベリーズのDNAは現代の若い世代へと受け継がれている。

 

ダダリオ兄妹によるザ・レモン・ツイッグス(The Lemon Twigs)が、近日発売予定のアルバム『A Dream Is All We Know』の最新シングル「A Dream Is All I Know」を公開した。今回は少し趣向が変わり、レトロなシンセの演奏を元にサイケ風の性質を付け加えたビンテージロックソングだ。

 

このシングルは、年明けすぐにリリースされた前作「My Golden Years」「They Don't Know How to Fall in Place」に続くシングルまた、バンドの今後のツアー日程も公開された。


「デュオのブライアン・ダダリオは声明でこう説明している。「この曲は、台所で強い非現実感を感じていた時に書いたものなんだ。残念ながら、"Unreality In My Kitchen "にはあまりピンとこなかったので、"A Dream Is All I Know "というタイトルにせざるを得なかったんだ」


The Lemon Twigsによる『A Dream Is All We Know』は5月3日にCaptured Tracksからリリースされる。


「A Dream Is All I Know」

 




今年初め、トロントのインディーロックバンド、Tokyo Police Clubは、2024年がバンドとしての最後の年になると明かした。今日、彼らはプロデューサーのジェシー・ターンブルとレコーディングした最後の2曲「Just a Scratch」と「Catch Me If You Can」を公開した。また、お別れ北米ツアーも発表された。新曲のストリーミングはこちらから。ツアースケジュールはこちら



「デモの状態でも、TPCとして最後のリリースになると知る前でも、この曲は私にとって総括的なものに感じられた」

 

「あの頃、ガレージで思いついたかもしれない断片も聴こえるし、今までは夢にも思わなかったような断片も聴こえる。そして最も重要なのは、私たち4人、TPCというハイブマインド、そのアイデアと熱意が聞こえてくることなんだ」


シンガーのデイヴ・モンクスはこう付け加えた。

 

「グラハムがインストゥルメンタルのループやブリップ、曲の断片が詰まったドライブ・フォルダを送ってくれて、宝箱のようにそれを掘り起こしたのを覚えている。ProToolsにドラッグして、いろいろな方法で移動させるのは、以前『La Ferrassie』や『Feel the Effect』でいじくりまわした楽しい作業だった。だから、"Catch Me If You Can "ではドラムが何度も脱落しているんだ。あれはグラハムが送ってきたループの一部だったんだけど、僕らが自然に思いつかないような方法でアレンジに加わっているのが気に入っているよ」


最後のツアーについて、ドラマーのグレッグ・アルソップはこう語っている。

 

「バンドが終わること、そしてそれが長年にわたって彼らにとってどのような意味を持ってきたかについて、みんなが手を差し伸べてくれて、気持ちを分かち合ってくれたことは、とても素晴らしいことだった。こうしてまたみんなとつながることは、とても気分を高揚させてくれるし、この1年に起こることすべてに活力とエネルギーを与えてくれた。音楽を発表し、ライヴを行い、東京ポリスクラブであり続けるという、これまでやってきたことを少しでも長く続けられることをとても嬉しく思う」


ギタリストのジョシュ・フックはこうコメントしている。

 

「卒業式から誕生日、そしてステージ上でのプロポーズまで。ツアーが始まった当初から変わらずに駆けつけてくれる顔なじみの人たちに会えること、そして20年近い人生の中で音楽を通じて多くの人たちとつながれたことは、本当に光栄なことだ。この最後のツアーは、誰もが望む最高の引退パーティになるだろう。このワイルドな旅に付き合ってくれて本当にありがとう」



 

 

 

 

©Martyna Bannister

ダブリンのインディーロックパンド、ピロウ・クイーンズ(Pillow Queens)は、4月19日発売のニューアルバム『Name Your Sorrow』の先行シングルとして、「Like a Lesson」を発表した。四人組の1990年代のカレッジ・ロックへの弛まぬ敬愛がこの曲には示されている。

 

ピロー・クイーンズは曲ごとにボーカルを入れ替え、クイアとしてのアイデンティティを真摯に探る。彼らの曲はアイリッシュ・タイムズ等に称賛を受けている。今後、上昇が予測されるインディーロックグループだ。


この新曲について、バンドは声明で次のように説明する。「ライムレンスの愛の前で安全と安らぎを見出すという概念が強調され、間違いを犯したり、自分や他の誰かの人生を台無しにしたりすることへの麻痺した恐怖と対照をなしている。誰かのためのレッスン、誰かの物語の脇役であることの気持ちを掘り下げている」


「"サウンド的には、BlurやREMからSeminsonic、New Radicals、Squeezeまで、様々なアーティストに影響を受けた。カントリー・ミュージックの影響が強いと感じた曲として始まり、私達の幅広い音楽的嗜好を参照したものに変化していった。このアルバムの中では90年代のソフト・ロックの曲なんだ」

 

「Like a Lesson」

 Mannequin Pussy 『I Got Heaven』

 



 

Label: Epitaph

Release: 2024/03/01

 

Purchase/ Stream


 

エピタフから魅惑的なロックバンドが登場。フィラデルフィアのマネキン・プッシーは、ホットなライブアクトとして注目しておきたい四人組。

 

ライオットガールのロックから、それとは対極にあるセンチメンタルまで幅広い音楽のアウトプットを要している。マネキン・プッシーのサウンドはエモに近いスタンスを取るという点ではSlow Pulpにも近い。ただ、マリセ・ダビスとコリンズ・"ベア"・レジスフォード、二人のボーカルのアンバランスさに面白さがあり、マネキン・プッシーの醍醐味が宿っている。ダブルボーカルだと思われるが、キム・ゴードンやグレン・ステファニーを真っ青にさせるようなライオット・ガールになったかと思えば、とは正反対に、Wednesday、Ratboy、Slow Pulpのようなしっとりとした歌を紡ぐ、しとやかなオルトロックのシンガーのスタイルに変わるときもある。


エピタフが最も洗練された作品と銘打つ『I Got Heaven』は、名プロデューサー、ジョン・コングルトンがプロデュースを手がけた。シンプルに言えばオルタナティヴロックの楽園であり、バンドが理想とするサウンドが体現されている。ライオット・ガールとしての魅力は、オープニング「I Got Heaven」とアルバムの終盤の「Ot Her」「Arching」に集約されている。

 

マリス・ダビサの脳天をつんざくようなシャウトは目の覚めるような迫力が宿っている。しかし、ボーカルスタイルはスクリームはメロディアスなパンクサウンドを取り入れたバンドサウンドによりポップ・パンクやスクリーモに近い印象を放つ。新しくはないのだが安定感がある。

 

それとは正反対に二曲目「Loud Bark」は、しっとりとしたオルトロックに転じる。しかも月並みなオルタナティヴではない。そこにはちょっとした可愛らしいガーリーな趣味が見え隠れし、ノイジーなサウンドを主体としつつも、そこには微妙なエモーション、そしてセンチメンタルな感覚がスタンダードなロックソングに凝縮されている。現代的なエモソングとも言える。

 

3曲目「Nothing Like」は、ループサウンドとBon Iverや現代的な4ADのプロダクション的なマスタリングをかけあわせたナンバーで、シンプルな魅力がある。ときどき、パンクバンドらしいノイジーなサウンドになったかと思えば、センチメンタルなインディーロックに変化するときもある。バンドアンサンブルの中で、その雰囲気を見て、バリエーション豊かな歌い方をする。

 

4曲目「I Don't Know You」では音楽性の多彩さを見せる。ボサノヴァやワールド・ミュージック、トロピカルやチルウェイブ的な癒やしのあるサウンドはバンドの新たな代名詞的な音楽性と言えるか。バンドアンサンブルとして、シューゲイザーギターの轟音性を織り交ぜるが、これがRentals(マット・シャープのバンド)のようなニッチなポピュラー性を呼び起こすときがある。これらのアプローチはシューゲイザーとドリーム・ポップに位置しており、一曲目と同様に妙な安定感がある。ライブで聴いてみるとよりダイナミックなソングに変身しそうである。

 

マネキン・プッシーのエモの性質は続く「Sometimes」に見いだせる。フランスのエモコアバンド、Sportの代表曲「Reggie Lewis」を思わせるエバーグリーンな感じのイントロに続いて、オルトロック的な疾走感のあるサウンドに移る。このあたりは、日本のナンバーガールや、Mass of The Fermenting Dregsに似ているが、マネキン・プッシーの場合はよりヘヴィなロックへと移行していく。

 

この曲でもシューゲイザー的な轟音性とそれとは対象的なセンチメンタルでナイーブなロックサウンドを展開させる。しかし、サビの部分では、頼もしいほどのライオット・ガールスタイルのボーカルへと変化する。

 

ボーカルを起点として、全体的なバンドサウンドも疾走感とパンチの聴いたサウンドへと変化していく。そして、その中にもエモ的な仕掛けが施されており、昨年のSlow Pulpの「Mud」で見いだせるボーカル・ループ、そして感傷的なボーカルスタイルへと変わる。

 

マネキンプッシーは続く「OK! OK! OK! OK!」で90年代のRATMのようなミクスチャーロック、そしてそれ以降のEVANESCENCEのニューメタル・サウンドを巧みに吸収し、よりモダンなパンクサウンドに昇華させている。ベースラインは特にRHCPのフリーのスラップ奏法のような「バキバキ」した音が出ており、ここにベーシストのテクニック性の高さがうかがい知ることが出来る。

 

これらの気分の変調というか、テンションの急激な上昇と下降は、アルバムの終盤でも引き続いている。かと思えば、続く「Softly」はガーリーを越えて、やや乙女チックな領域に入り、リスナーを震え上がらせる。本気でセンチメンタルになっているのかどうかわからないのが面白く、新鮮さがある。しかし、その後も、バンドサウンドがヘヴィ・ロックのスタイルへ進むにつれて、急に人が豹変したようなノイジーなライオット・ガール風のボーカルスタイルに変わる。

 

「Of Her」では、Pissed Jeansの面々を震え上がらせるほどの苛烈なヴァイオレンスを対外的に示し、軟弱なオルトロックに凄まじいドロップキックをお見舞いするという始末。さらにその後、手がつけられなくなり、続く「Aching」ではストレイトエッジに近いハードコアパンク/ニューメタルで、ファッションパンクスに目潰しを食らわせ、息の根を止めにかかる。かと思えば、最後の曲では柔らかいセンチメンタルなオルトロックに回帰する。恐ろしいほどの二面性、多重人格性がバンドの最大の魅力。一体、どっちが本当のマネキン・プッシーなんだろう??

 

 

 

84/100

 

 

 

 Best Track 「I Don't Know You」


 

CJ Harvey
 

ニューヨークのシンガーソングライター、サム・エビアン(Sam Evian)は、近日発売予定のLP『Plunge』から新曲「Stay」を発表した。


「"Stay”は一気にガーっと出てきた曲なんだ。ウッドストックのヤードセールで買った12弦アコースティックから取り出した。そのコードを弾くのを何年も待っていたような感じだ。当時、私はKinksのレコード『Lola Versus Powerman』のアコースティックギターとドラムの音に夢中になってたよ」


「Stay」

 

©Bailey Robb


ブルックリンの5人組、Habibi(ハビビ)はKill Rock Starsから5月31日にリリースされるニューアルバム『Dreamachine』を発表した。同レーベルはエリオット・スミスを輩出した老舗のインディペンデントレーベルである。
 
 
2020年の『Anywhere But Here』に続くこのアルバムは、「On the Road」がリード曲として公開された。
 

「バンドのレニー・リンチは声明の中で、「リリース当初、多くの人が私たちをバブルガムのような甘く無邪気なサウンドと結びつけていた。でも私達が年を取り、世界がより奇妙になるにつれて、音楽も少し不吉になったと思う」
 

『Dreamachine』はタイラー・ラヴと長年のコラボレーターであるジェイ・ハイゼルマンがプロデュース。MGMTのマルチインストゥルメンタリスト、ジェイムス・リチャードソンが参加している。
 
 
ラヒル・ジャマリファードは次のように説明する。「僕らの音楽には常に超越への願望があり、限界を超えたいという願望がある。それが精神的なものであれ、肉体的なものであれ、感情的なものであれ、いずれにしてもこのアルバムは、それ以上の何かを求めることを体現しているように感じる」



 
 Habibi 『Dreamachine』

 
Label: Kill Rock Stars
 
Release: 2024/05/31



Tracklist:

1. On The Road
2. In My Dreams
3. POV
4. Do You Want Me Now
5. Interlude
6. My Moon
7. Losing Control
8. Fairweather Friend
9. Alone Tonight

 




「On the Road」

 

©Atiba Jefferson


Dehdは、五作目のアルバム『Poetry』の最新シングル「Light On」を発表した。前シングルに続くセカンドシングルとなる。この新曲はイギリスとヨーロッパでのツアー日程と合わせて公開された。新作アルバム『Poetry』は5月10日にFat Possumから発売される。

 

Violent Femmesを思わせる開放的な気風のあるローファイなオルトロックソングは曲の途中でアンセミックなフレーズへと変わる。

 

「この曲は、窓辺のロウソクのようなもので、家に帰ろうとする人を導く光だ」とバンドのジェイソン・バラは声明で説明している。


Dehd(デッド)は、エミリー・ケンプフ、ジェイソン・バラ、エリック・マグレディの3人組からなる。"Blue Skies"の一連のツアーを終えた後、バンドは人里離れた場所でバンドは作曲のセッションを集中的に行った。「食べること、眠ること、呼吸すること、生きること、そして私たちの唯一の目的は曲を書くことでした」とエミリー・ケンプフはプレスリリースで語っている。


シカゴのインディーポップデュオ、Whitney(ホイットニー)のジヤド・アスラーが、ジェイソン・バラとアルバムをプロデュース。シカゴのパリセイド・スタジオでレコーディングした。チャールズ・ブコウスキーの詩 "The Laughing Heart "は、本作にインスピレーションを与えた。

 

 

「Light On」



Dehd 2024 Tour Dates:


Jul 1 – Leeds, UK – Brudenell Social Club

Jul 2 – London, UK – Village Underground

Jul 4 – Werchter, BE – Rock Werchter

Jul 5 – Cologne, DE – MTC

Jul 6 – Amsterdam, NL – Paradiso Tolhuistuin – IndieStad

Jul 7 – Kraggenburg, NL – Wilde Weide

Jul 9 – Paris, FR – La Boule Noire

Jul 12- Berlin, DE – Berghain Kantine

 


Buffalo Tom(バッファロー・トム)は、故トム・ペティのパワーポップセンスを90年代のアルト・ロック時代に再構築した3人組だ。以降、GBVと並んでこのジャンルの象徴的なバンドとして知られている。Galaxie 500、The Lemonheadsとの共通点も見いだせる。

 

2018年のアルバム『Quiet And Peace』以来となる楽曲「Helmet」を年明けにリリースした後、今日は近日発売のアルバム『Jump Rope』のセカンドシングルを公開した。

 

しかし、この曲に与えた影響について、ヴォーカルのクリス・コルボーンは、バンドが音楽以外のものにも傾倒していると語っている。

 

「"New Girl Singing "は、写真、文学、そして僕らが育った映画からインスピレーションを得ているんだ」と彼は語り、具体的な名前とタイトルを挙げた。エレナ・フェランテ、ジャネット・フレーム、アン・セクストン、アンナ・マグナーニ、エマ・ボヴァリー、マーク・コーエン、サマセット・モームの『カミソリの刃』、ヒュスカー・デュの『UFOについての本』。ヒロインは寝室を抜け出して自分の歌を歌い、新しい少女状態を始める」


ビデオはバンドがさらなる影響を受けていることを物語っている。アニエス・ヴァルダ監督の1985年の荒涼としたロードムービー『バガボンド』。「ヴァルダ監督の女優サンドリーヌ・ボネールの代役としてレクシー・リーベルタルを起用したことについて、コルボーンはこう語っている。

 

「私たちは、皆、自分の中に道を一人で歩く女性を持っている」と彼は付け加え、フランスのヌーヴェルヴァーグ監督の言葉を引用した。「すべての女性には、表現されない反抗的な何かがある」

 

『Jump Rope』は5月31日発売。

 

「New Girl Things」

 


ニューヨークのバンドBeen Stellarが、デビューアルバム『Scream From New York』を6月14日にDirty Hitからリリース。このアルバムは2022年のデビューEPに続くもので、プロデューサーにダン・キャリー(black midi、Black Country New Road、Wet Leg)を迎えて制作された。
 

アルバムからのファースト・シングルは「Passing Judgement」で、Gentlemen時代のAfghan Whigsや、90年代/00年代のニューヨークのバンドCallaを彷彿とさせる、アングスティ/グリッティ/スルトリー・インディー・ロックの領域に入っている。
 
 
ヴォーカルのサム・スローカムは、この曲に関して次のように説明している。「『Passing Judgment』は、イギリスでの最初のツアーの最中に完成させた。ライヴの度に少しずつ違う形で演奏しながら、曲を様々な角度から見ることを学んでいった。ドラムとベースには、ライブで書き終えていなかったらなかったような混沌とした感じがある。そして、"リリックでは、なぜ私たちは自分の周りの世界を判断してしまうのか、そして、誰かや何かに判断を下すことは、たいてい自分自身に自信が持てないことに根ざしているのかについて考えていた」と付け加えた。

 
 
「Passing Judgement」
 






 
 
 
Been Stellar 『Scream From New York』


Label: Dirty Hit
Release: 202406/14
 
 
Tracklist:
 

01 Start Again
02 Passing Judgment
03 Pumpkin
04 Scream From New York, NY
05 Sweet
06 Can’t Look Away
07 Shimmer
08 Takedown
09 All In One
10 I Have The Answer
 
 
 
 
 

Been Stellar – 2024 Tour Dates:
 
Mar 1 – Paris, FR @ Le Zénith*
Mar 2 – Amsterdam, NE @ AFAS LIVE* SOLD OUT
Mar 3 – Brussels, BE @ Forest National*
Mar 5 – Hamburg, DE @ Barclays Arena*
Mar 7 – Oslo, NO @ Oslo Spektrum*
Mar 8 – Stockholm, SE @ Annexet*
Mar 10 – Copenhagen, DK @ KB Hallen* SOLD OUT
Mar 12 – Berlin, DE @ Mercedes-Benz Arena*
Mar 13 – Warsaw, PL @ Torwar Hall*
Mar 14 – Prague, CZ @ Fortuna Hall*
Mar 16 – Zurich, CH @ Hallenstadion Zurich*
Mar 18 – Munich, DE @ Zenith* SOLD OUT
Mar 19 – Milan, IT @ Mediolanum Forum*
Mar 21 – Frankfurt, DE @ Jahrhunderthalle* SOLD OUT
Mar 22 – Cologne, DE @ Palladium* SOLD OUT
Mar 24 – Amsterdam, NE @ AFAS Live* SOLD OUT
May 4 – Atlanta, GA @ Shaky Knees
May 15 – Southampton, UK @ Joiners
May 16 – Brighton, UK @ The Great Escape
May 18 – Amsterdam, NL @ London Calling
May 20 – Bristol, UK @ The Louisiana
May 22 – Manchester, UK @ YES (basement)
May 23 – London, UK @ The Lexington
July 26 – Sheffield, UK @ Tramlines Fest
July 27 – Oxfordshire, UK @ Truck Fest
July 28 – Suffolk, UK @ Latitude Festival


 


Bullyが新曲「Atom Bomb」というピアノ・バラードをサブポップから発表した。アリシア・ボニャーノの新曲は昨年の『ラッキー・フォー・ユー』以来となる。ライヴ・ビデオはブリー・マリー・フィッシュが監督し、テネシー州ナッシュビルのMMKスタジオで撮影された。


「この曲は元々ドラムマシンとエレキギターでレコーディングされた。JT・デイリー(プロデューサー)にデモを聴かせた時、彼はピアノに移すというアイディアを持っていた。こんな風に誰かを信用するなんて信じられない』と大声で言ったのを覚えている」


「というのも、他人と一緒にクリエイティブなアイデアを練ることで生じる弱さを避けるために、自分でレコーディング、ミックス、プロデュースをしていた人間にとって、それは大きな一歩だったからだ。お互いに新しいことに挑戦し、どちらかがそれを打ち切る前にお互いのアイデアを見届けようとすることを認め合った、それが私たちにとって最初の本当の絆の瞬間だった」


「Atom Bomb」

 


クリーブランドのロックバンド、Cloud Nothings(クラウド・ナッシングス)が、10枚目のスタジオアルバム『Final Summer』を発表した。


新曲「Running Through The Campus」は、昨年リリースされた「Final Summerに続く、4月19日に発売されるアルバムのセカンドシングルである。


クラウド・ナッシングスのヴォーカル/ギターのディラン・バルディは新曲についてこう語っている。

 

「僕は毎日、家の近くの大学のキャンパスを走っているんだ。時々、日が暮れてからそこに行くんだけど、早朝の慌ただしく混雑した時間とは対照的に、夜の空虚さが際立つ。”Running through the Campus”は、深夜にランニングをするときにふと考えることがある」

 

「他のみんなはどこかに行って、他の人たちと一緒に何かしているのに、自分は一人で走り回っているのは少し憂鬱ではないだろうか、ということについて歌っている。ランニングを始めるときの私の心境を描写し、深夜の孤独を清算し、受け入れることに入っていく。そして、ただ気分が良くなるようなことをして、比較に惑わされないようにしようという前向きな内容で終わる」



Cloud Nothings 『Final Summer』

 


 

Tracklist:


Final Summer

Daggers of Light

I'd Get Along

Mouse Policy

Silence

Running Through The Campus

The Golden Halo

Thank Me For Playing

On The Chain

Common Mistake


Pre-order:

https://purenoisestoreeu.com/collections/cloud-nothings



「Running Through The Campus」

 

©Taylor Clark


テキサス/オースティンのインディーロックデュオ、Hovvdyはニューシングル「Meant」を発表した。この新曲は4月下旬に発売予定のセルフ・タイトル・アルバムに収録されます。Hoovdyはエモ寄りのポピュラーソングを特徴としている。曲全体にエバーグリーンな感覚が漂う。

 

ニューシングル「Meant」はループサウンドを基本とし、ダイナミックなリズムトラックにキャッチーなボーカルが乗せられる。ボーカルのフレーズを取り巻くループ・サウンドが連続したストーリーの変遷を描くかのよう。アウトロにかけては、ドラマティックな展開へ繋がり、叙情的な余韻をもたらす。この曲名がアメリカン・フットボールの曲にちなむのかは不明。


新曲についてHoovdyは次のように述べています。「"Meant”は、人が提供できる最も衝撃的な愛がいかに一貫したものであるかを反映しています。この曲は、そのような愛を受けたことへの感謝の歌なのです」

 

 

 

セルフタイトル・アルバム『Hovvdy』には19曲が収録され、デュオにとって最も野心的なプロジェクトと呼べるかもしれない。本作はArts & Craftsから4月26日にリリース。以前、バンドはこのアルバムから先行シングル「Forever」、「Jean」、「Bubba」、「Portrait」を公開しています。



Bnnyは、Fire Talkから4月5日にリリースされるアルバム『One Million Love Songs』の新曲「Crazy, Baby」を発表した。


ゆったりしたミドルテンポのインディーロックソングで、ペダルスティールこそ使用されないが、エレクトリックギターでカントリー/フォークのメロウさを表現しようとしている。この曲を聴いても分かる通り、現代のアメリカーナの概念の核心にはニール・ヤングの音楽的影響が含まれている。ヤングの名曲「Harvest Moon」は若いミュージシャンのお手本となるに違いない。


Bnnyはジェシカ・ヴィスキウスを中心にするバンドで、双子の姉妹、アレクサ・ヴィスキウスをメンバーに擁する、シカゴの魅力的なインディーロック・アウトフィットだ。同レーベルから、今年はじめに、PACKSの「Melt The Honey」がリリースされたが、それに続いて楽しみなアルバムである。


Bnnyの前作のデビュー・アルバムは、Pitchforkにもレビューで取り上げられた。このアルバムは、ヴィスキウスのパートナーでバンドメイトでもあった愛する人をオーバードーズにより失ったことに対する喪失感がテーマに縁取られていた。それに続くアルバム『One Million Love Songs』もその延長線上にあり、ラブソングを中心として構成され、ラフなインディーロックの形で紡がれる。ジェシカ・ヴィスキウスは音楽制作や歌詞を介し、愛とは何であるのかを探求する。

 

リード・カット「Good Stuff」に続くセカンドシングル「『Crazy, Baby』は、恋愛の歴史や自分自身の行動パターンを認識することについて歌っている」とバンドのジェシカ・ヴィスキウスは説明している。アルバムのジャケットはアレクサ・ヴィスシウスがアラスカで撮影したものだ。

 


「Crazy, Baby」

 Real Estate 『Daniel』



Label: Domino

Release: 2024/02/23

 

Purchase /Stream 


 

Review

 

 

現在、ブルックリンを拠点に活動するロックバンド、リアル・エステイトは2009年のセルフタイトルのデビュー作からノスタルジックなロックサウンドを追求してきた。前衛的なアプローチを図るロックバンドとは対象的に、リアル・エステイトのロックサウンドはわかりやすくスタンダードである。

 

リアル・エステイトは、ブルース・スプリングスティーン、アダムス以降のアメリカン・ロックの流れを汲み、米国のロックミュージックの良さや伝統性を再発見しようと試みる。2009年当時は、ニューヨーク近辺のリバイバル・ロックの運動と並び、バンドはビーチ・フォッシルズに近いサウンドに取り組んでいた。その後、登場したニュージャージーのパイングローヴとの共通点も見い出せる。ギターのディレイ、フェイザー等を使用した手の込んだ音作り、マーティン・コートニーの爽やかなボーカルが特徴となっている。バンドは2011年の『Days』で成功を手にしたが、それ以降も「Taking Backwards」等、良質なロックソングを数多く発表してきた。2020年の『The Main Thing』の後、マーティン・コートニーは、ニュージャージでの幼少期の思い出をテーマにした『Magic Sign』を発表した。このアルバムも良作に挙げられる。

 

リアル・エステイトは、ロンドンのドミノと契約した後も、インディペンデントをベースにしたライブを重視している。ニューヨークでの「ダニエル」という名前のファンを中心に招いたイベントもその一貫だった。メジャーなレーベルと契約しようとも、こういったユニークな試みを欠かさないことがリアルエステイトの最大の魅力である。


実は、レコーディングの長さは、作品の出来不出来を左右しない。慢性的な練習不足で、ゲームプランを持たないスポーツ選手の試合での活躍がほとんど期待できないように、ミュージシャンもどのような構想やヴィジョンを持ってスタジオに入り、録音に挑むのかが最重要といえるかもしれない。『Daniel』は、わずか9日でレコーディングされたサウンドとは思えないほど、コンパクトにまとめ上げられ、一気呵成に録音したかのようなスムーズなロックサウンドが貫かれている。 彼らの知名度を上げる要因となった70年代のアメリカンロックに根ざした懐古的なサウンドも健在である。トラックにはペダル・スティールも使用され、現在の米国の音楽のトレンドを形成するアメリカーナの要素も含まれている。2021年頃から、古い時代の米国の音楽に取り組むアーティストが増えてきたが、エステートは以前から懐古的な音楽に挑んでいた。今、アメリカ人が何を望んでいるのか、かれらはそのことの代弁者とも言える。

 

懐古的なアメリカンロックと並んで、リアル・エステイトのもうひとつの魅力として、コートニーのボーカルの甘いメロディーがこのバンドの重要な中核をなしている。このことは旧来のファンならばご存知のはず。8ビートのシンプルなリズム、ディレイやフェーザーを加えたギターサウンド、シンプルなベースラインが絡み合い、ゆったりした曲風を作り出し、ロックサウンドをベースに置いているに、癒やしの感覚を伴うのに驚く。ノイジーさを徹底して削ぎ落としたスマートなロックサウンドは、奇妙なことにアンビエントサウンドのような余白を作り出す。

 

最新作『Daniel』は和らいだロックソング、彼らの持ち前の夢想的なメロディーセンスが満載となっている。もちろん、メンバーがレコーディングでいくつかの音作りで工夫を凝らしたとプレスリリースで語った通り、いくつか新しい試みも取り入れられていて、ストリングスのようなサウンドを織り交ぜ、落ち着きがありながらもドラマティックな方向性に進んだと言えるだろう。

 

オープニングを飾る「Somebody New」では、70年代のアメリカン・ロックサウンドを参考としつつも、パワー・ポップやジャングル・ポップ風の甘いメロディーが、このアルバムに対する興味を惹きつける働きをなす。The Byrds(ザ・バーズ)やCSN&Y(クロスビー・スティルス・ナッシュ・アンド・ヤング)といったバンドのビンテージなフォークサウンドをベースにしている。それらのビンテージ・ロックはエレクトリック/アコースティックギターのユニゾンやアルペジオを細部に配した緻密なプロダクションによってモダンなサウンドに書き換えられる。ノイジーさを徹底して排した心地よいサウンドは、パーカションの側面からも工夫が凝らされて、カスタネットのような音色を取り入れることで、優しげなサウンドデザインが施されている。


「Haunted World」でもフォーク/カントリー、アメリカーナを基調とし、ニール・ヤングのような古典的な音楽を展開させ、ドラムの側面からアメリカーナの源泉に迫り、ギター、ベース、ボーカルと基本的なアンサンブルを通じ、持ち前の甘いサウンドを作り出す。ボーカルのフレーズはわかりやすさに焦点が置かれ、脚色や無駄なものが一切存在しない。足し算というよりも引き算のサウンドを介して、オープニング曲と同じく心地よいリスニングを提供している。


音楽性をよりアメリカーナに近づけようする工夫も凝らされている。1分40秒ごろにはペダルスティールが導入され、夢想的な空気を生み出す。エレクトリック・ピアノの使用もソウルとまではいかないものの、メロウな雰囲気を作り出す。これらのサウンドは個性をぶつけるという感じではなく、他のメンバーを尊重した平均的なバンドサウンドが生み出された証ともなっている。アンサンブルでの沈黙や間を重視したサウンドは健在で、これが安らいだ印象を与える。

 

「Wonder Underground」は従来の形式と異なり、リアル・エステイトが新しくコーラスワークの妙に取組んだ一曲。


マーティン・コートニーの温和なボーカルは変わらないものの、親しみやすさのあるコーラスを取り入れつつ、アルバムの冒頭でお馴染みのアメリカーナとフォークサウンドを融合させる。その他、R.E.Mに代表されるカレッジ・ロックが付け加えられている。このジャンルには、明確な特徴は存在せず、基本的には、1990年代にアメリカの大学のラジオでよくオンエアされていた音楽ジャンルだった。


リアル・エステイトは、このジャンルの音楽性を踏襲した上で、温和なインディーロックサウンドに昇華させている。例えば、いかにもオルタナティヴといったサウンドに比べると、聞きやすさがある。それは、ひねりがなく、簡素なコードやリズムを主体に曲が構成されているのが理由である。こういったアプローチに関しては、何より親しみやすい音楽を提供したいというバンドの狙いのようなものも読み解くことが出来る。そして旧来よりもそれは洗練されている。


 「Flowers」は、2009年のデビュー当時のビンテージな感じのあるロックサウンドに回帰しているが、原点回帰と見ることは妥当ではないかもしれない。親しみやすく、歌えるメロディーという商業音楽に不可欠な要素を重視した上で、緻密なミニマルのギターラインを配し、ウィルコのような録音した音源をサンプリングの手法で配するコラージュの要素を加え、現代的なプロダクションに取組む。以前は懐古主義にも思えたものが、今となっては生まれ変わり、2020年代のロックらしいモダンなサウンドに接近したことが痛感出来る。考え次第によっては、リバイバル・サウンドからの脱却、及び、次なるロックミュージックへの通過点を示したとも言える。


「Interrior」は、エレアコ・ギターをベースにしたザ・パステルズのようなスコットランド/アイルランドのギターポップに近いサウンドが組み上げられるが、マーティンのボーカルについては、ポール・マッカートニーのような親しみやすさが感じられる。この曲は特に、ビートルズの後、数しれないフォロワーを出現させ、それがパワー・ポップ/ジャングル・ポップというジャンルに変化していったことをあらためて思い出させる。やはりバンドが意識していることは、誰にでも口ずさめるメロディー、誰にでも乗れるビートなのである。これは、少し複雑化しすぎ、時々、怪奇的に傾く現代的なポピュラー音楽の向こうに現れたオアシスとも言うべき現象である。

 

リアル・エステイトはロックにとどまらず、ポピュラー音楽の核心を付く曲にも取組んでいる。「Freeze Brain」は驚くほどキャッチーであり、ジャスティン・ビーバーの曲のように痛快だ。曲の中にはR&Bやネオ・ソウルからの影響も伺えるが、しかし、商業的な音楽のソングライティングの方向性を選ぼうとも、やはりインディーロックサウンドに近づくのは、リアル・エステイトらしいと言えよう。これは前の曲と同じように、ポピュラーで爽快な音楽を提供したい、というバンドの狙いや意図も読み解ける。さらに、レコーディングにおける音楽の楽しさも反映されている。ポンゴによる心地よいリズムが、緩やかな感覚とトロピカルなリゾート感を作り出し、それらはヨット・ロックやAORのサウンドによってカラフルに彩られている。


続く「Say No More」では、70年代のサイケデリックロックをベースにして、疾走感のあるロックサウンドを展開させる。旋律の進行の中には、ルー・リードの「Sweet Jane」のように夢想的な感覚が漂い、バンドの爽快なサウンドを背後から支えている。バンドが「Taking Backwards」をはじめとする代表曲で取組んできた音楽性の延長線上にあるナンバーと言えるだろう。

 

終盤の3曲、「Airdrop」、「Victoria」、「Market Street」では、お馴染みのリアル・エステイト節とも称せる代名詞的なロックが繰り広げられる。サウンドにはやはり一貫して爽やかさとわかりやすさを重視したインディーロック、カレッジロックが下地になっている。「Air Drop」ではギターポップ/ネオアコースティック風のギターが登場し、「Victoria」では、ビートルズの直系にある1960年代のバロック・ポップの要素が含まれている。また、続く「Market Street」ではローファイな感覚を宿したインディーロックソングソングがシンプルかつスマートに展開される。

 

これらは夏の終わりの風が通り抜けていくかのような清々しさと爽やかさに充ちあふれている。クローズ曲の「You Are Here」では、オアシスのリアム・ギャラガーが好むような、90年代のブリット・ポップのアプローチが示される。それはやはり、ビートルズのバロック・ポップの息吹を吸収している。アルバムの11曲は、彼らがどのような音楽的なバックグラウンドを持つのかを物語るかのようである。米国のバンドでありながら、本作の最後にブリット・ポップ調のロックソングを収録したことは、ロンドンのレーベルに対する紳士的な儀礼とも言えよう。

 

 

78/100

 

 

「Haunted World」

 

©︎James Caswell

オーストラリア/クイーンズランドのロックバンド、Girl and Girl(ガール・アンド・ガール)がデビュー・アルバム『コール・ア・ドクター』を発表しました。

 

バンドが2022年にリリースしたEP『Divorce』に続くこのアルバムは、Sub PopとVirgin Music Australiaから5月24日にリリースされます。リード・シングル「Hello」は、テイラ・ローレン監督によるミュージック・ビデオ付き。アルバムのジャケットとトラックリストは以下の通りです。


「"Hello''は、自己破壊的な考えや日常を合理化するために、毎日のように医療専門家と相談しなければならない若者の物語なんだ。自分自身の不幸をロマンチックに描いている。深く、暗く、汚い考えに支配されてしまう。絶え間ないストレスや心配事があまりにも身近で心地よいものだから、たとえ自分自身を引き戻すことができたとしても、そうしないのだと理解している。」

 


「Hello」




Girl And Girl 『Call A Doctor』


Label: Sub Pop / Virgin Music Australia

Release: 2024/05/24


Tracklist:


1. INTRO

2. Call A Doctor

3. Hello

4. Maple Jean and the Anthropocene

5. Oh Boy!

6. Suffocate

7. Mother

8. You’ll Be Alright

9. Comfortable Friends

10. Our Love (Ours Only)

11. OUTRO