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モントリオール出身のJayWoodは、インディーソウル/R&Bを融合させ、ゆったりとした暖かさで動きながら、高揚感のあるコーラスを奏でる新曲「UNTITLED (Swirl)」をリリースした。（ストリーミングはこちら）
「この曲は間違いなく、私たちと携帯電話の関係や、携帯電話が作り出す誤ったつながりについて歌っている。曲全体を通して、私は本物のつながりを求めていて、エネルギーと時間を使って友達のいるところに行こうと手を差し伸べているんだと思う」
この曲は、「太陽の下で私を愛していると言わないで／まるであなたが誰かのために時間を作るかのように／あなたはフィードに隠れることはできない 」と言っているようなもの。
ジェイ・ウッドは2025年5月にかけて、4ADに所属するTune-Yardsとのツアーを開催する予定。
「UNTITLED (Swirl)」
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先日、来日公演を行ったFontaines D.C.は、日本でバックストリートでトロフィーを掲げていた。『Romance』は象徴的な作品となった。MUSIC TRIBUNEのアルバム・オブ・ザ・イヤーを獲得している。
現在、シアトルでの2025年北米ツアーのキックオフを数日後に控え、3曲の新曲を収録した名高い2024年のアルバム『Romance』のデラックス・エディションをリリースした。
「Before You I Just Forget」、既発シングル「It's Amazing to Be Young」、「Starburster」とデヴィッド・リンチの "In Heaven (Lady in the Radiator Song) "のマッシュアップだ。
新曲 "Before You I Just Forget "は話し言葉のようなリフレインと、ストリングス・パートとコーラス・ギターのアルペジオで彩られたメロディックな間奏のバランスをとることによって、これを実現している。
「Before You I Just Forget」について、バンドのコナー・カーリーは、この曲は "本当にぶっ飛んだサウンド、聴くたびに明らかになる新しいディテールでヘヴィーに変化するようなサウンド "というビジョンから始まったと語っている。 最終的な形では、この曲は "変容し、変化する"。 最後に、彼は "グリアン・チャッテンによる素晴らしいストリングスパート"を称賛した。
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本日、ニューヨークを拠点に活動するシンガー・ソングライター、Maia Friedman(マイア・フリードマン: ダーティ・プロジェクターズとココのメンバー）が、ラスト・ギャング・レコードから5月9日にリリースされるアルバム『Goodbye Long Winter Shadow』の4枚目のシングルを発表した。
バロック調の頌歌「In A Dream It Could Happen」は2分足らずだが、瑞々しいアレンジの1秒1秒が贅沢さを主張している。 フリードマンはこの曲の歌詞を書きながら、"別世界の航海に誘うような "イメージを意図していた。
「彼女は確かにそれに成功し、ロマンティックな逃避行の魔法を宇宙的な目で捉えている： 「心に重荷を負わせることなく／手足を絡めて浮遊していく」と彼女は歌い、その崇高な自傷行為は、たゆたう木管楽器と繊細なストリングスによって高揚される。
フリードマンは、この曲の歌詞のイメージと音楽について次のように詳しく語っている。「 リバーサイド（地球）からイアペトゥス・クレーター（土星の月）へ。 ベルトコンベアーで引っ張られた車は、大気を通過して土星の輪へ。 太陽は昇り、沈み、また昇り、また沈む。 半音階的な管楽器、ハーモニー、リハーモナイズなど、すべての楽器はこのことを念頭に置いて作曲された」
「In A Dream It Could Happen」
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アメリカのシンガーソングライター、Peter Broderick(ピーター・ブロデリック)が、2020年のアルバム『Blackberry』の収録曲「Let It Go」のエレクトロニック・リミックスを発表した。
ピーター・ブロデリックは、Lowのミミ・パーカーの親戚に当たり、モダンクラシカルからフォーク・ミュージック、ポピュラー・ライクのボーカル作品など、その作風は多岐にわたり、ジャンルを既定出来ない。まさしく音楽の持つ幅広い魅力を伝える音楽家のひとりである。
今回のリミックス作品は、フェニックスを拠点に活動するプロデューサー、Desolentによるもので、彼は、2024年初頭にTikTokで、この曲が拡散されたことをきっかけに、この曲を発見した。
話題の発端は、TikTokアカウントのYami Clubがベルリンでの自然発生的な瞬間を撮影し、通行人に何を聴いているかを尋ねたことだった。
彼の答えは好奇心と賞賛の波を巻き起こした。このクリップは、Yami Clubのチャンネルで世界中で5000万回以上再生され、最終的には、Desolentの手に渡り、彼の特徴であるアトモスフェリックなタッチでトラックを再構築した。そのリワークが正式にリリースされる。
本日のリリースと同時に、ブロデリックは00年代にオレゴンでスケートをしていた頃の古いVHS映像を使ってビデオを自主制作した。ビデオでは、スケートボードの上に乗るブロデリックのハイとローを追っている。
”Let It Go"は、最初のリリースから5年近く経った今、不思議なことに独自の生命を宿し、予想外の盛り上がりを見せている。Desolentによるこのリミックスは、私の手元に届いたのだが、私はこのリミックスに惚れ込み、10代の頃の古いスケートボード映像を使ってミュージックビデオを作る気になった。僕が舗道を歩くのを見ながら、このトラックで自由にヘッドバンギングしてほしい！ - ピーター・ブロデリック
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| Photo: Stephanie Bujold |
モントリオール、2025年4月 — 高い評価を受けた先行シングル「I'm Afraid」のリリースに続き（英/Prog Magazineの「今週のトラック」で第1位を獲得）、Alex Henry Fosterが、新曲「The Son of Hannah」のミュージックビデオを公開。
アレックス・ヘンリー・フォスター自身が心臓手術後、初のステージ復帰となったヨーロッパツアーの最終日、2024年7月27日にドイツのケルンで開催されたライブ音源を収録したライブアルバム『A Nightfall Ritual』（5月16日発売）に収録されている1曲。
もともとは、ビルボードチャート4位を記録したライブ・アルバム『Standing Under Bright Lights』で初披露された「The Son of Hannah」だが、本作においてはまったく新しい姿へと生まれ変わっている。
Alex Henry Fosterより楽曲「The Son of Hannah」について：
この曲の最初の姿は、「息子」としての自分の失敗、そして喜びや再生への信仰を失ったことの告白でもありました。 僕はまるで曇った鏡の向こう側に立って、父の人生全体を眺めているような感覚に陥っていた。希望と絶望のあいだを彷徨いながら、明るさなど自分の内にはひとつも感じられず、僕はただの絶望そのものだとさえ思っていたんです。
この曲は、最初から“ライブで一度だけ披露する”ことを前提に書かれたものでした。これから始まる個人的な旅路に足を踏み入れる前に、自分自身をさらけ出し、その空気を作りたかったんです。苦しかったけれど、同時に心の底からの真実でもありました。
人生には時に耐えきれないほどの苦しみや、深く濃い悲しみに覆われる瞬間があります。理解しきれないほどの哀しみが押し寄せてくることもある。それでもなお、僕はそのすべての過程に敬意を抱いています。今こうして新しいアルバム『A Nightfall Ritual』のリリースを前にして、自分をここまで導いてくれた、ありとあらゆる些細なことや小さな要素のひとつひとつに、心から感謝しています。
その心境の変化が楽曲「The Son Of Hannah」の進化に如実に表れているのです。
もし、あなたが 『Standing Under Bright Lights』に収録されたオリジナルのライブ版を知っているなら、きっと今作がいかに僕にとって大きな変化だったかを感じてもらえるはずです。
「The Son of Hannah」
・Alex Henry Foster 『A Nightfall Ritual』
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タイトル：『A Nightfall Ritual』
アーティスト：Alex Henry Foster
発売日：5月16日
*レーベル公式サイトにて発売
トラックリスト:
1. Up Til Dawn - Live in Köln (11:54)
2. I’m Afraid - Live in Köln (10:13)
3. The Son of Hannah - Live in Köln (9:20)
4. The Pain That Bonds - Live in Köln (16:41)
▪ALEX HENRY FOSTER（アレックス・ヘンリー・フォスター）について
アレックス・ヘンリー・フォスター（AHF）は、カナダ出身のミュージシャン、作家、プロデューサー、作曲家であり、かつてジュノー賞ノミネート歴を持つポストロック／ノイズバンド「Your Favorite Enemies（YFE）」のフロントマンを務めていました。
ローリング・ストーン誌にて「予想を覆すDIYアーティスト」と称賛されたフォスターは、2018年にカナダで、そして2020年には世界に向けて初のソロ・アルバム『Windows in the Sky』をリリース。父の死後、自己と向き合うための“亡命生活”を過ごしたモロッコ・タンジールで綴られた同作は、NMEに「夢のようなポストロックの衝撃」と評され、BrooklynVeganは「HammockやAsche & Spencerを思わせるサウンドに、MogwaiとExplosions in the Skyをたっぷりと加えたような作品」と絶賛しました。
また、フォスターは長年にわたり人権問題への強い関心と行動を示しており、スピーカーとしても積極的に活動。自身が思春期を過ごした環境でもあるストリートギャング、差別、人種間の緊張、ポピュリズムと極端主義の再燃など、多くの社会的課題に声を上げてきました。
アムネスティ・インターナショナルやWar Childとのキャンペーンでは、子ども兵への意識を高めるための啓発活動に参加。2011年の東北大震災の後には「The Hope Project」を立ち上げるなど、その活動は多岐にわたります。
2024年には、2枚のアルバムと1枚のEPのリリースにあわせて、ヨーロッパとアメリカを横断するツアーを実施。最近ではモロッコ・タンジールに4か月間滞在し、次回作の制作に取り組んでいました。
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| Photo: Marissa Taylor |
ハーレムを拠点に活動する受賞歴のあるビジョナリー、Candice Hoyes(キャンディス・ホイズ)のニューシングル「Far Away Star」がリリースされた。 アメリカの4月のジャズ感謝月間に合わせてリリース。本格派のジャズの新星によるオペラティックな素晴らしい歌唱を傾聴してみよう。
「Far Away Star」は古典的なジャズ・ボーカル、オペラ、地中海/南米の音楽を融合させた素晴らしいトラックである。ビックバンドの系譜にあるゴージャスな演奏にも注目したい。
ジャズの巨匠であるデューク・エリントンに敬意を表し、象徴的なジャズとコンテンポラリーなスタイルを融合させたこの魅力的なシングルは、唯一無二のリスニング体験を生み出している。
ホイズはグラミー賞受賞者のテッド・ナッシュと組み、ソウルフルなニューオーリンズのホーンに浮かぶ彼女のクリスタルのようなソプラノを披露する、魅惑的なジャズ・アレンジを施した。
サマラ・ジョイやヴェロニカ・スウィフトのような、現代のヴォーカル・ジャズ・スターと並べてもまったく遜色のない仕上がり。ニーナ・シモンの時代を超越したエレガンスにも通じている。 最初から最後まで、このシンガーはブルースを超えて宇宙的な高みに舞い上がろうとする。
キャンディス・ホイズは、NPR、Vogue、Jazz Times、LADYGUNN、BET、BBCなどから、賞賛を受けている。 BBC 6のジル・ピーターソンは、彼女の次のアルバムをプレビューし、"素晴らしい "と評した。 彼女はまた、多作な女性ジャズ・トリオ”Nite Bjuti”のメンバーでもある。
ホイズはこれまでに、Jazz at Lincoln Center、The Kennedy Center、NYC Winter Jazzfest、NUBLU JazzFest、WBGOのAfternoon Jazzなど大規模の会場で演奏している。 Nite Bjutiは、ウェイン・ショーターのトリビュート・プロジェクト『Palladium』に選ばれている。
何世代にもわたって、20世紀のアメリカの黒人アーティストたちは、故郷を離れ、スウェーデン、ノルウェー、フィンランド、デンマークの北欧のクリエイティブ・コミュニティに新たな自己表現を見出してきた。 ここで彼らは、音楽を通じてすべての人々をひとつにするため、''ヒッピーな''知的空間を見出すことに成功した。
この精神に基づき、ヴォーカリストのキャンディス・ホイズは、デューク・エリントンとそのオーケストラがヴォーカリストのアリス・バブスと録音したことで知られるスウェーデンの伝統的な歌を、ユニークなアレンジで1978年にリリースする。
ホイズのバージョンは、グラミー賞受賞者のテッド・ナッシュがソプラノとジャズ・オクテットのために編曲したもので、2025年における黒人の祖先の歴史の極めて重要性を反映してホイズが書いた歌詞がフィーチャーされている。
「 "Far Away Star "はエリントンへのトリビュートであり、北極星のように永遠である自由な表現と正義へのトリビュートなのです」とホイズは語っている。
2025年、ボイズは、デュボワ・フェローシップを授与され、ジョセフィン・ベイカー、アビー・リンカーン、レナ・ホーン、エラ・フィッツジェラルドなどの音楽を研究してきた。
ホイズの最近の公演には、ジャズ・アット・リンカーン・センター、カーネギー・ホール（ニューヨーク）、ケネディ・センター（ワシントンDC）、ラ・プティット・ハレ（パリ）、ボイスデール・オブ・カナリー・ワーフ（ロンドン）、デトロイト・シンフォニー、ミレニアム・パーク（シカゴ）などがある。
「Far Away Star」
For generations, 20th century Black American artists have ventured from home to find new self-expression among Nordic creative communities in Sweden, Norway, Finland and Denmark. Here they found "hipper" intellectual spaces for bringing all people together through music. In this spirit, vocalist Candice Hoyes releases a unique arrangement of the Swedish traditional song that was notably recorded by Duke Ellington and his Orchestra with vocalist Alice Babs, released in 1978.
Hoyes’s version is arranged for soprano and jazz octet by GRAMMY-winner Ted Nash and features lyrics Hoyes wrote reflecting on the pivotal importance of Black ancestral history in 2025. Hoyes remarks, ‘My single "Far Away Star’ is a tribute to Ellington, and it is a tribute to free expression and justice that is as eternal as the North Star."
Hoyes was awarded a 2025 Du Bois Fellowship, and has researched music forged by Josephine Baker, Abbey Lincoln, Lena Horne, Ella Fitzgerald and more. Hoyes's recent performances include Jazz at Lincoln Center, Carnegie Hall (NYC), the Kennedy Center (DC), La Petite Halle (Paris), Boisdale of Canary Wharf (London), Detroit Symphony, and Millenium Park (Chicago).
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佐藤優介が“想像力の血”に改名し、1stアルバム『物語を終わりにしよう』を4月16日(水)(本日)にリリースします。
カメラ＝万年筆としての活動、スカートやKIDS FRESINO、ムーンライダーズ等のライブサポートなど多方面で活躍している鍵盤奏者、作曲家・編曲家、プロデューサーの佐藤優介。
昨年11月、『想像力の血』への改名と1stアルバム『物語を終わりにしよう』のリリースをSNS上で発表。同年12月、ムーンライダーズの鈴木慶一をゲストボーカルに迎えた先行配信シングル『クアッジ』をリリースし、音楽愛好者を中心に話題を呼んだ。
本作『物語を終わりにしよう』は作詞・作曲・編曲、アコースティックギター、シンセサイザー、ボーカル自身が担当。併せて、ボーカルでフィーチャーした岡田紫苑、鈴木慶一、佐藤奈々子がはじめ、イトケン、岡田徹、佐久間裕太、澤部渡、四家卯大、シマボーイ、シンリズム、ダニエル・クォン、西田修大、森達哉からなる親交の厚いミュージシャンが多数参加している。
愛嬌のあるメロディと壮大なストリングスの波が押し寄せる「◯◯空洞説」が始まり、ドリーミーでどこかアンニュイな空気をまとった「ゴーストタウンの町長さん」、ニューウェイヴを彷彿とさせるシンセサウンドを織り込んだ「ataraxia」。
ゲストボーカルに岡田紫苑、今は亡き岡田徹（ムーンライダーズ）が参加した「ふたつのアリア」、サラウンド感溢れるノイズが心地良い「すぐ着いて帰ることを考える観光客」、ホーリーでストレンジムード漂う「Ide」。
そして、爆速ブラスト・ビートが荒れ狂うカオティックナンバー「こんな仕事は終わり」、澤部渡がサックスで参加した「el topo」、幻想的なバラード「そして音楽はつづく」がラストを飾る。
先行シングル「Quaggi」に加え、佐藤優介名義でリリースした「反時代ゲーム」「UTOPIA」の別ヴァーションといったバラエティに富んだ全12曲を収録。自身が設立したレーベル［想像力の血］からのリリース。
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ビッグ・シーフのエイドリアン・レンカーが、4ADから4月24日にリリースされる43トラック、32曲収録のライヴアルバム『Live at Revolution Hall』を発表した。
このアルバムは、2024年ブライト・フューチャー・ツアーのポートランドの会場で、6月に3夜にわたって 「ほとんど」レコーディングされた。
「ニク・ハキム、ジョセフィン・ランスティーン、弟のノア・レンカーも参加している。新旧の曲、ステージ上やバックステージでのパフォーマンス、その他たくさんの特別なサプライズがあります」とエイドリアンヌ。「このアルバムは、聴く人にライヴにいるような感覚を体験させてくれると思う」
このライヴ・アルバムについて、エンジニアのアンドリュー・サルロは次のように語っている。音楽のパワーが解き放たれ、浸透していくのを見るのは、『だから言ったじゃないか』という感じだが、それでも毎回驚かされる」
「私は傍観者として応援している。このライブ・アルバムもまた、エイドリアンから惜しみなく提供されたものだ。新曲、レア曲、お気に入りの曲など、無数の曲を観客の前と舞台裏で披露している。リール・トゥ・リールとカセット・テープのみで録音された曲や小曲を収録した約120分のライブ・アルバムは、ライブ・アルバムのあり方について、これまでとは違ったアプローチを試みたものだ。ブライト・フューチャー』ツアー中の3日間にわたって録音されたこのアルバムは、友情を中心に据えた、愛情あふれるミームとなっている」
「Hapiness」
Adrian Lenker 『Live at Revolution Hall』
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Label: 4AD
Release: 2025年4月24日
1. hello, i love you & blue lightning
2. door & how are you?
3. little things
4. happiness
5. cut my hair
6. time & escaping wild whistling
7. cattails & soundcheck
8. ruined
9. nick & josefin
10. symbol
11. real house
12. indiana & sneezing
13. now westlin winds
14. i do love you
15. brief message for adrianne
16. heavy focus
17. vampire empire
18. lady midnight, i’ll tape you back together
19. born for loving you
20. i will always love you
21. noah
22. spud infinity
23. oso
24. promise is a pendulum
25. backwards intermission
26. evol (kcehc)
27. fangs
28. oldest
29. sadness as a gift
30. drawing a star
31. orange
32. two reverse
33. free treasure & fire trucks
34. ripples & happy birthday alice
35. fool
36. not a lot, just forever
37. naljf & crowd
38. no limit
39. donut seam
40. zombie girl
41. happy birthday everyone
42. anything
43. wake me up to drive
Pre-save: https://adriannelenker.ffm.to/liveatrevolutionhall
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オーストラリアのキング・ギザード・アンド・ザ・リザード・ウィザードの新作のリリースの話を聞くと、今年もなにかが始まったという気がする。毎年のようにハイペースなリリースを続けるキング・ギザードであるが、昨年は一作のリリースにとどまった。続くアルバム『Phantom Island』はオーケストラをフィーチャーした作品で、従来のバンドのスタイルから転換を図ろうとしている。『Phantom Island』は、(p)doomレコードから6月13日にリリースされる。
このアルバムの10曲は、2024年の『Flight b741』と同じセッションから生まれたものだが、スチュアート・マッケンジーは「完成させるのが難しかった」と語っている。 音楽的には、もう少し時間と空間と思考が必要だった。 彼はイギリスの指揮者/ アレンジャーのチャド・ケリーに依頼した。
「彼は、カメレオンのようなアレンジに豊かな音楽的感覚をもたらしてくれる」とマッケンジーは言う。
「彼はモーツァルトやバッハを演奏し、彼らと同じチェンバロを使い、まったく同じように調律する。 彼はモーツァルトやバッハを演奏し、彼らと同じハープシコードを使い、まったく同じように調律している」
昨年、アルバムのタイトル・トラックを公開したキング・ギザードは、今回、ホーンをふんだんに使った、ブギーを前面に押し出したソウルフルなロック・ソング、"Deadstick "を発表した。 ドゥービー・ブラザーズを下地にしているが、ホーンがゴージャスな響きをもたらす。ガイ・タイザックが監督したビデオには、段ボールで作られた実物大の墜落した飛行機が登場する。
映像の監督を務めたガイ・タイザックは次のように述べている。「最初は、いろいろな人物やセットが点在する風景画のようなフレームを作りたかった。 デッドスティックとは、飛行機のプロペラが飛行中に止まることを指すので、段ボールで作った巨大な飛行機を美しい場所に不時着させることに決めたんだ。 この曲は、大きくてカオスだから、スウィング・ダンサーやエキセントリックなエキストラをキャスティングして、風景を埋め尽くそうとしたんだ」
キング・ギザードは、ストリングス、金管楽器、木管楽器を携えて、夏の北米オーケストラ・ツアーに参加する予定。 ツアーは8月1日（聖ルカ・オーケストラと共演）と8月2日（オーケストラなしの "ロックンロール "ショー）にニューヨークのフォレスト・ヒルズ・スタジアムで行われる。
「Deadstick」
King Gizzard & The Lizard Wizard 『PHANTOM ISLAND』
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Label: (p)doom
Release: 2025年6月13日
Tracklist:
1. Phantom Island
2. Deadstick
3. Lonely Cosmos
4. Eternal Return
5. Panpsych
6. Spacesick
7. Aerodynamic
8. Sea of Doubt
9. Silent Spirit
10. Grow Wings and
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| Photo: Henry Redcliffe |
ロンドンを拠点に活動するエクスペリメンタルな8人組、carolineが5月30日にRough Tradeからリリースされる彼らのLP『caroline 2』を発表した。印象的なニューシングル「Tell me I never knew that」が同時に公開された。
このシングルはダブルのキャロラインが共同で制作し、ロンドンのバンドらしいミニマルの構成の中で、ポラチェックのボーカルと共にダイナミックな変遷を辿る。これまでインストの性質の強いグループであったが、二作目では大胆にもニューヨークのエクスペリメンタルポップの名手をフィーチャーすることになった。
オープニングのトップ・ラインがバックストリート・ボーイズの曲のように感じたので、この曲を "バックストリート・ボーイズ "と呼んでいました」とバンドはプレス・リリースで説明している。
「メイン・リフはキャスパーがアコースティック・ギターで書いたもので、とてもキャッチーで、弾むような、催眠術のようなものとして際立っていた。 冒頭のトップ・ラインは一緒に書いたんだけど、すぐに "これはキャロライン・ポラチェクが歌いそうなメロディだ "って思ったんだ。 彼女に歌ってもらおうと冗談で言ったんだけど、実際に実現するとは思っていなかったんだ」
「キャロラインは素晴らしかった。 キャロラインは素晴らしかったよ」と彼らは付け加えた。 レコーディングが終わったのは午前1時半頃だったんだけど、キャロラインは少しも疲れている様子もなく、6時間歌い続けていたにもかかわらず、歌唱力に勢いがなくなっている様子もなかった。 感動的な光景だった！ セッションの数週間後、キャロラインと一緒にもう少しオーダーのし直した」
ニューアルバムは、キャロラインの2022年のセルフタイトルに続く作品。 このアルバムの制作には18ヶ月を費やし、イギリスでの様々な作曲セッションを経て、レコーディングの大半はラムズゲートのビッグ・ジェリー・スタジオで行われた。 彼らのジャスパー・ルウェリン、キャスパー・ヒューズ、マイク・オマリーがプロデュースし、シド・ケンプがエンジニア、ジェイソン・エイジェルがミックス、ヘバ・カドリーがマスタリングを担当した。 コールドプレイのカバー」、「ソング2」、「ビューティフル・エンディング」といった曲名がついている。
"前作はコンピレーションだったが、今作は宣言なんだ "とルウェリンはコメントし、"前作では8人程度のバンドだったが、今はちゃんとした8人バンドになった"と付け加えた。
「Tell me I never knew that ft. Caroline Polachek」
Caroline 『Caroline 2』
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Label: Rough Trade
Release: ２０２５年５月３０日
Tracklist:
1. Total euphoria
2. Song two
3. Tell me I never knew that
4. When I get home
5. U R UR ONLY ACHING
6. Coldplay cover
7. Two riders down
8. Beautiful ending
Pre-order: https://caroline.ffm.to/caroline2
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NYCのインディーロック・バンド、Frankie Cosmosが６作目のアルバム『Different Talking』の知らせを引っ提げて復帰を果たした。今作はサブ・ポップから６月２７日に発売予定。またレーベルの説明によると、現時点のバンドのベストアルバムであるという。
断片的な記憶、思い出の場所、再解釈された感情が、明晰でハミングするような全体像に集約されている。年齢と時の流れをテーマにした骨太で世俗的なインディー・ロックでありながら、鋭く今を感じさせる。
フランキー・コスモスの現在のメンバーは、グレタ・クライン、アレックス・ベイリー、ケイティ・ヴォン・シュライヒャー、ヒューゴ・スタンレー。
クラインは唯一不変の存在だが、スタンリー、ベイリー、フォン・シュライヒャーは重要なコラボレーターだ。「グレタ・クライン」と「フランキー・コスモス」という名前を使い分けるのは正しくないだろう。クラインが主要なソングライターであることに変わりはなく、『ディファレント・トーキング』の楽曲はバンド全体がアレンジしているが、このアルバムは外部のスタジオ・プロデューサーを起用せず、ユニットがセルフ・トラッキングした初のアルバムである。
リード・シングル 「Vanity」は、プロダクションとソングライティングに対する完璧主義者のアプローチを例証している。
フォン・シュライヒャーはこの曲を「クソみたいなポップ・アンセム」と表現しているが、ポップ・アンセムにここまで細部にこだわった曲があるだろうか？
「Vanity」は余裕と忙しさを同時に感じさせる曲で、初期のフランキー・コスモスのテープを思い起こさせるようなミニマルな好奇心のパッセージの間に、セカンドアルバム『Strokes』のコーラスが花を咲かせている。
「ある晩、トンプキンス・スクエア・パークからサンセット・パークまで（約6.5マイル）歩きながら、宇宙に直接語りかけ、宇宙から配慮してもらえるよう嘆願しながら書き始めた」とクラインは言う。「大人と子供、政府と被統治者、惑星と草の葉の間の押し引きを包括しているように感じる」
ディファレント・トーキングのレコーディング中に編集され、フランキー・コスモスのメンバーであるグレタとアレックスが撮影した映像を使用した「Vanity」の公式ビデオをご覧ください。
「Vanity」
Frankie Cosmos 『Different Talking』
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Label: SUB POP
Release： ２０２５年６月２７日
Tracklist
1. Pressed Flower
2. One of Each
3. Against the Grain
4. Bitch Heart
5. Porcelain
6. One! Grey! Hair!
7. Vanity
8. Not Long
9. Margareta
10. Your Take On
11. High Five Handshake
12. You Become
13. Joyride
14. Tomorrow
15. Wonderland
16. Life Back
17. Pothole
Mamalarky 『Hex Key』
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Release： ２０２５年４月１１日
Review
ロサンゼルスのMamalarkyは米国のパンクの名門レーベル、Epitaphと契約を結んで『Hex Key』を発表した。カルテットはおよそ８年間、LA、オースティン、アトランタに散らばって活動してきた。いつも一緒にいるわけではないということ、それこそがママラーキーのプロジェクトを特別なものにしたのか。ママラーキーのドラマーを務めるディラン・ヒルは次のように述べています。「私達は互いに大きな信頼を持っている。しかし、プロフェッショナルな空気感はありません。文字通り、四人の友人がブラブラして、なにかの底にたどり着くという感じです」
結局、ママラーキーの音楽の魅力は、雑多性、氾濫性、そして、クロスオーバーにあると言えるでしょう。ネオソウル/フィーチャーソウル、そしてパンクのエッセンスを込めたインディーロック、サイケ、ローファイ、チルウェイブなどなど、ベイエリアらしい空気感に縁取られている。
かしこまりすぎず、開けたような感覚、それがMamalarkyの一番の魅力である。これは、1960~70年代のヒッピームーブメントやフラワームーブメントのリバイバルのようでもある。ロックソングとしては抽象的。ソウルとしては軽やか。そして、チェルウェイブやローファイとしては本格的……。ある意味では、ママラーキーは、これまでにありそうでなかった音楽に、アルバム全体を介して挑戦している。明らかにロンドンっぽくはないものの、新しいカルチャーを生み出そうという、ママラーキーの独自の精神を読み取ることが出来るはず。これらは、異なる地域から集まった秀逸なミュージシャンたちのインスタントな音楽の結晶とも言える。
アルバムのオープニングを飾る「Broken Bones」はママラーキーの挨拶代わりの一曲である。サイケデリックな風味を持つインディーロックソングで、ベネットのボーカルは明らかにこの曲に新鮮なテイストを付け加えている。ハードロック、ポップ、プログレッシブ・ロック、いずれでもない宇宙的な壮大な感覚を持つボーカルを提供し、バンドサウンドの中に上手く溶け込んでいる。必ずしも歌をうたうというのではなく、ベネットのボーカルはごく稀に器楽的な役割を果たすことがあり、ジャズのスキャットをロック的に解釈した「ラララ〜」などのボーカルは、このアルバム全体のリスニングをする際に強烈な印象を残すかもしれない。これはママラーキーが音楽を難しく考えすぎず、ゆるく構えるというスタンスを持つことの証立てとなる。
しかし、アンサンブルとしては、プロフェッショナルで、高い演奏力を誇る。専門的ではないからこそ、インスタントなスタジオのジャムなどで高いレベルを追求してきたことが分かる。というよりも、楽しんでいたら、いつの間にか高いレベルに到達していたということかもしれません。これらはバンドとしての存在感を示すにとどまらず、ライブアクトとしても一定のエフェクトを及ぼしそうな雰囲気が出ている。つまり、バンドとしてのスター性は十分と言える。
''インディーロックバンド''と単に紹介するのは、Mamalarkyに礼を失するかもしれない。特に、このバンドは、Funkadelicやジョージ・クリントン界隈のファンク/ソウルの音楽性が強まることがある。序盤に収録されている「Won’t Give Up」、そして後半に収録されているメロウでアーバンな雰囲気を持つソウルバラード「Take Me」などは、アルバムの隠れたハイライトとなりえる。
そんな中で、チルウェイブやダンス・ミュージックの影響を絡めたスペシャルな音楽性も目立つ。そして、ロックソングという全体的な枠組みの中で、西海岸の幻想的で魅力的な光景を思い起こさせる曲も収録されている。心地よいヨットロック風のギターで始まる「The Quiet」は、その好例であり、テキサスのKhruangbin（クルアンビン）の音楽性をわずかに彷彿とさせる。しかし、このバンドの場合は、アフロソウルの要素は少し薄く、サザンソウルの渋さが漂う。これが近年のロックバンドとは異なる、''ビンテージに根ざしたモダン''という新しい要素を示唆するのである。もちろん、かっこよさや渋さという側面でも音楽全体に奥行きを与えている。
サイケデリックな要素が強まるタイトル曲「Hex Key」を聴くと、このアルバムの楽曲の多くはママラーキーの一面が表れ出たものに過ぎないと思わせる。ドラムに深いフィルターをかけ、ダンスミュージック的なサウンド処理を施し、その中でハイパーポップのようなトリッピーな音楽が展開される。 その中で、ボーカルは、ドリームポップに近づいたり、バロックポップに近づいたりと、まるで海の中を漂うかのように、音楽性を変貌させていく。例えば、海を泳いでいると、地上から降り注ぐ太陽によって海の中の景色が変わったりする。ママラーキーの音楽は、そういった類のもので、決め打ちをせず、バリエーションに富んだ音楽を展開させていく。
ベッドルームポップ風のインディーロックがお好きなリスナーには「Anhedonia」がおすすめ。軽妙なインディーロックソングを本曲では堪能することが出来る。しかし、先にも行ったようにソウルやファンクの要素が強い、この曲では特に、アフロソウルを反映させ、奥行きのある音楽に仕上げている。ビンテージレコードのようなアナログライクなプロデュース方法によって。
先行シングル「＃１ Best of All Time」はママラーキーの魅力を体現している。ローファイ、チルウェイブといったベイエリアらしい音楽性に加え、 ママラーキーとしては珍しくドライブ感のあるパンキッシュなサウンドを展開させる。ミュージックビデオもユニーク。ロサンゼルスのストリートをオープンカーでバンドメンバーが疾走するという構成である。おそらく、現在、最も新しい西海岸の音楽を確立しようとしているのは、このバンドなのではないか。そのほか、アルバムの終盤もかなり聴き応えがあり、ママラーキーのポテンシャルの高さを伺わせる。
「＃１ Best of All Time」
「Take Me」は、4/8のバロックポップを下地にし、ソウル/ファンクバンドの性質が強まる。ボーカルも本格派のソウルで、聞き入らせる何かがあるかもしれない。ベースのヌーラ・カーンの演奏はファンクの跳ねるようなリズムをもたらし、そして、その上にローズ・ピアノの同音反復が続く。ドラムのしなやかな演奏もバッチリで、全体的なカルテットの演奏が傑出しているため、ボーカルが安心して遊び心のある歌唱を披露出来る。この曲ではインスタントな録音のバンドでは体験しえない、バンドとしての演奏の深さを堪能することが出来るはずである。
アンサンブルとして変拍子を組み込む場合があるのに注目したい。「MF」はフレーズごとに拍子を変え、カクカクとしたプログレッシヴなロックを提示している。そして、この曲の面白さは、ミルフィーユのような構造性にある。一つの音楽を捉えると、その向こうに別の音楽がまた一つ現れるということ。全体的にはサイケなプログレということも出来るでしょうが、曲のイメージとしてはドリーミーでファンシーな感覚に満ちている。こういった''体感的な音楽''という論理性だけで語り尽くせぬママラーキーの特性を掴むのには最適なトラックとなるかもしれません。
続いて「Blow Up」は、Deerhoofの最初期を想起させるローファイなインディーロック性に縁取られている。拡張器を思わせるボーカルのエフェクトをかけたりと、プロデュースの側面でもユニークさが際立ち、全体的な音楽の構造は入り組んでいるが、その中にはライブセッションからもたらされるルーズな感覚やラフな感覚に満ち溢れている。これらの''かっちりしすぎない''という要素はロックソングの醍醐味。７０年代のロックにはあった魅力、それをママラーキーはきわめて感覚的に習得し、それらを現代のレコーディングで再現している。非常にお見事。
アルバムの後半では、インディーロックやプログレッシヴなロックの影に隠れていた本格派のビンテージソウルバンドとしての一面を見せる。「Blush」、「Nothing Lasts Forever」はロンドンのソウルやリトル・ドラゴンのような北欧のフューチャーソウルのバンドの完成度に肩を並べている。また、後者の楽曲は、Clairoの最新アルバムの音楽的なアプローチと重複する部分もある。特に、ファンクの文脈の中で繰り広げられるワウのギターが凄まじい。これらはジミ・ヘンドリックスが洗練された新しいモダンなサイケロックの一つの形とも言えるかもしれません。
ポップソングと８０年代のディスコソウルを結びつけた「Feels So Good」もハイレベルに達している。ジョージ・クリントン周辺のバンド、あるいはカーティス・メイフィールドのバンドのようなコアなグルーヴを体感することが可能である。ママラーキーのアンサンブルの能力は、圧倒的に高いレベルにあるが、それらはすべて感覚的な表現としてバンドの演奏に定着している。
頭で考えてそれをやるというよりも、演奏を通じて自然に新しいものが溢れ出てくるというのは、彼らがインスピレーションを元にして音楽を制作している印象である。「バンドメンバーの目をしっかりと見つめて、次のテイクを信じられないものにしよう」というリヴィ・ベネットの言葉は、「Feel So Good」に明確に反映されている。この曲では、ボーカルの持つメロディーの良さに加えて、バンドアンサンブルとしての最も刺激的な瞬間を味わうことが出来ます。
レコーディングを体験のように捉えているのが『Hex Key』の音楽をアグレッシヴにしている理由なのでしょう。たぶん聴くたびに印象が様変わりするようなユニークな風味を感じ取ることが出来るはず。本作の最後を飾る「Here's Everything」も海岸のムードたっぷり。ヨットロックを彷彿とさせるディレイとリバーヴをてきめんにきかせたイントロで始まり、サイケソウル風の音楽へ変遷していく。と、同時に、次のアルバムに向けた伏線を残しているような気がします。”含みがある”といえば、少し誇張になるかもしれませんが、次の作品にも期待が持てますね。
88/100
「Nothing Lasts Forever」
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ブライアン・イーノ（Brian Eno）とビーティー・ウルフ（Beatie Wolfe）は、二作のコラボレーション・アルバム『Luminal』と『Lateral』を6月6日にVerveからリリースすると発表した。
それぞれのアルバムから1曲ずつ、Luminalのスペクタルでポップな「Suddenly」とLateralのアンビエント作品「Big Empty Country (Edit)」が本日公開された。
ブライアン・イーノとビーティー・ウルフは、2022年にSXSWでアートと気候変動について講演した際に出会い、ロンドンでアート作品を展示中に再会した。 「音楽とは感情を起こすことだ。 その感情の中には馴染みのあるものもあれば、そうでないものもあり、あるいはいくつかの異なる感情が複雑に混ざり合ったものもある。 「他の言語や文化には、そのような感情を表す美しい言葉がたくさんあります。 感情に名前をつけることで、私たちはその感情をより感じやすく、より具体的にすることができる。 アートは、私たちがこれまで感じたことのないような感情や、感情の混合を引き起こすことができる。 このように、アート作品はある種のフィーリングの "母 "となり、そのフィーリングを見つけ、再体験するための場所になり得るのです」
「Suddenly」
「Big Empty Country (Edit)」
Beatie Wolfe & Brian Eno 【Luminal】
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Tracklist:
1. Milky Sleep
2. Hopelessly At Ease
3. My Lovely Days
4. Play On
5. Shhh
6. Suddenly
7. A Ceiling and a Lifeboat
8. And Live Again
9. Breath March
10. Never Was It Now
11. What We Are
Beatie Wolfe & Brian Eno【Lateral】
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Tracklist:
1. Big Empty Country – I
2. Big Empty Country – II
3. Big Empty Country – III
4. Big Empty Country – IV
5. Big Empty Country – V
6. Big Empty Country – VI
7. Big Empty Country – VII
8. Big Empty Country – VIII
こちらの記事でもブライアン・イーノの名盤をご紹介しています: アンビエントの名盤 黎明期から現代まで
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韓国のインディー・ロックバンド、Say Sue Meが、4月30日にDamnablyからリリースするEP『Time Is Not Yours』を発表した。 このニュースと共に、Silica Gelのキム・ハンジュとのコラボ曲「Vacation」が公開された。 以下よりチェックしてほしい。
「現代人はすべてを考えすぎ、常に急いで生きている。 でも、ちょっと立ち止まって、ただ息をする時なんだ。韓国のパワーポップバンド、シリカゲルのヴォーカリスト、キム・ハンジュが「Vacation」に声を貸してくれた」
「私たちは2022年に日本で開催されたフェスで初めてつながり、そこで彼は私たちとのコラボレーションの希望を表明した。 彼の言葉が印象に残り、「Vacation」をレコーディングすることになったとき、彼の声が完璧にフィットすると確信した。 彼の貢献のおかげで、この曲はより豊かで生き生きとしたエネルギーを帯び、トラックに全く新しい色を加えることができた」
「Vacation」
Say Sue Me 『Time Is Not Yours』 EP
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Label: Damnably
Release: 2025年４月３０日
Tracklist:
1. Time Is Not Yours
2. Vacation [feat. Kim Hanjoo]
3. In This Mess
4. Mexico
5. Bone Pink
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ジョニが「痛みとは、誰かを愛するために支払う代償」と言うのは、彼女自身の深い経験に依るものだ。 このシンガー・ソングライターは、長年のパートナーであり、最も親しい音楽的コラボレーターとともにLAからロンドンに移り住んだが、しかし、突然、深く不安にさせるような別れに直面した。
彼女の印象的なニュー・アルバム『Things I Left Behind』は、その前と後の旅の記録であり、そのスナップショットが示唆するように、深く個人的で力強い感動を与えてくれる。 10曲の新曲で構成されたこのアルバムは、ファイスト、スパークルホース、ダニエル・ジョンストンなどの影響を受けながら、その不完全さを受け入れている。
ニューヨークとロサンゼルスの両方で、20代の大半を他のアーティストのためのソングライティングに費やしてきたジョニは、パンデミックによって共作セッションが不可能になったとき、自分の音楽に焦点を戻した。 ロンドンでは、ローラ・ヴィアーズ、アクアラング、オールド・シー・ブリゲード、ダン・クロールなどのツアーに参加し、成功の片鱗を見せた。
ルーク・シタル＝シンとのツアー中、ついに事態は収束に向かった。 「以前の交際中、レコーディングのプロセスはとても不健康なものだった」
「私の音楽が良いのは、元彼のプロダクションと彼の極端な仕事のやり方によるものだと信じていた。 レコーディング・セッションのほとんどは涙で終わった。 影から抜け出すには時間がかかった。 ある晩、ルークと一緒にツアーをしていたとき、心が折れてしまって、自分がどれほど迷っているかを彼に話してみた。彼は、一緒にレコーディングしてみないかと言ってくれた」
彼らが最初に取り組んだ曲は「Still Young」で、アルバムの最後を飾る曲であり、後にLP『Things I Left Behind』となる作品のキッカケとなった瞬間だった。 この4分間の "Still Young "は、ジョニが放つ魅力、告白的な歌詞、疲れた心を、愛らしく説得力のあるポップ・ハートで昇華させたことを示している。
皮肉なことに、ルーク・シタル＝シンと新しいレコーディングで一緒に仕事をし続けることを誓ったジョニは、ルークが住んでいたLAに戻って次の章を始めることになった。 「元カレと住んでいた場所に戻るのはシュールだった。 昔の生活について書いていたら、突然そこに戻ってきたの」
潜水艦乗りの娘であるジョニの幼少期は、アメリカ、ヨーロッパ、アジアを転々とした。 そして今、失恋と喪失の新鮮な鋭さを胸に、彼女はその感情を自由かつ鋭く、心の底から書き始めた。
アルバムのファーストシングルである「Avalanches」は、アルバムのトーンや感触を音で表現するのに適した入り口であると同時に、その鼓動の中心をテーマ的に要約している。 「この曲は、人間関係の終わりという痛みと傷心について歌っている。 "痛みとは、誰かを愛するために支払う代償"。 光り輝く3分弱の珠玉のこの曲は、夢のような空間を切り開く彼女のコツを象徴しており、常に何か半分埋もれたもの、水面下の暗い陰謀の波紋をほのめかしているようだ。
これはタイトル・トラック「Things I Left Behind」で前面に出てくるもので、成長することの多くがいかに人や場所やものを失うことに集中しているか、前進するにつれていかに自分自身の断片を置き去りにしてしまうかを魅惑的に語っている。 シャッフルするようなドラム・ビートに支えられながら、曲は永遠に前進を続け、ジョニの歌声は、微妙に渦巻くギターと様々な音色の変化に対して適切に魅力的に感じられ、この曲に妖艶なエッジを与えている。
他にも、「ストロベリー・レーン」では、明らかに痛ましいスライドドアのような瞬間が詳細に描かれている。 この曲は、ジョニが当初想像していたように彼女の関係が続き、2人が一緒に年をとり、すべてがうまくいく理想的な場所をフィクションとして垣間見せている。
しかし、ご存知の通り、人生にはそれなりの計画があることが多く、全体として見れば、『Things I Left Behind』は、そのようなものへの痛烈で喚起的な頌歌である。 揺れ動く始まりから、ジョニは片足を前に出し、自分自身に戻るだけでなく、アーティストとしても個人としても成長できる新しい道を見つける方法を見つけたのだ。
アルバムのエンディングを飾る "PS "は、このアルバムのために書かれた最後の曲でもあり、ジョニがある種の解決、ある種の勝利に辿り着けたと確信した瞬間でもあった。 「なぜか、物語が一区切りしたような気がして、私はふいにそこに安らぎのような感覚を見出したのです」とジョニは言う。 「もしあの日、すべてが変わるとわかっていたら、私はレコードを聴かせていただろうに。 私は戦わず、あなたを手放し、あなたを愛したことを喜んだだろうに」
Joni 『Things I Left Behind』- Keeled Scales
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ニューヨーク、ロサンゼルス、アジア、そして現在はロンドンというように、音楽の主要な文化都市を渡り歩いてきたシンガーソングライター、Joniはデビューアルバム『Things I Left Behind』をテキサスのインディペンデントレーベル、キールド・スケールズからリリースした。
このレーベルはソロシンガーの発掘に特化しており、Why Bonnie、Meerna，Will Johnsonなど良質な才能を見出してきた。ポピュラー、ロック、フォークなど、音楽的には幅広く、それほど画一的ではないものの、ポピュラーシンガーの才能を上手く引き出すようなレコーディングを幾つも残している。Joniに関しても、ロックシンガーというよりもポピュラーシンガーの性質が色濃い。デビュー・アルバムということで、溌剌とした印象を持つインディーポップソングがオープニングを飾るが、その後は意外な音楽の変遷を辿る。まるでそれは、何らかの音楽的な壁に突き当たるごとに、少しずつその音楽性を変貌させてきたことを暗示するかのようである。
Joniの音楽活動は最近始まったというわけではなくて、２０１５年から断続的にシングルのみをリリースしてきた。デビュー・アルバムをリリースするまでに実に１０年もの歳月を費やした。
アルバムは表向きには、ルーシー・ローズのようなインディーポップソングの印象が強い。しかし、同時に１０年の月日が録音作品全体に音楽的な奥深さをもたらしている。このアルバムでロンドンのシンガーソングライターは、過去の自分を振り返り、回想するが、そこには深い憂いが漂う。旅の記憶というモチーフで制作された本作は、ジョニの人生の流れを反映させている。聞き手は映画さながらにシンガーの人生の転変のトランジションを垣間見ることになるだろう。
このアルバムは映画やアニメのシナリオなどにもよくあるように、 転変の多い人生を表している。映画などでは、そのなかで主人公は何らかの経過を通して、その停滞を打開しようとする。首尾よく行けば、ハッピーエンドとなるが、ところが、実際の人生はそのようにいかない場合もある。映画のエンディングのようにスカっとはせず、何らかの気持ちの落とし所がつかず、もやもやすることがある。それは心の中の凝りのようなものとしてわだかまりつづける。このアルバムは実際的に、その心残りのようなものを解消するための”魂の内在的な旅路”である。
楽しい思い出、悲しい思い出といった、いくつかの出来事を回想しながら、それらにさりげない別れを告げる。アルバムの音楽は一見すると、後ろ向きのように思える。しかしながら、いくつかの音楽を経て、それらがまったく最初のモチーフやテーマから印象が転化する瞬間がある。それを何らかの形で感じとれるかどうかが、アルバムの評価を分け隔てる。悲観的な考えを出発点とし、その出発点からどれだけ遠ざかることができるのか。そしてあるとき、後ろを振り返ったとき、まったく違う地点にいることに気がつく。それが人間の成長であり、同時に音楽の進化でもある。自分でも信じられない存在に生まれかわることも出来る。それがソロのシンガーソングライターの魅力なのであり、歌や音楽というのはそのための媒体の意味を持つ。
音楽が徐々に変遷を経ながら、曲がりくねったり、まっすぐになったり、伸びていったり、しぼんだり、一筋縄ではいかないのが、ジョニのポップソング。しかし、それが音楽性に説得力を付与し、派手ではないが、音楽に一貫性と聴きごたえをもたらす。そして全般的には過去の自分をオルゴールの子守唄のような音楽で包み込む。それは過去の自己や恋人の関係との決別を意味するが、同時に、悲しい経験や痛み、それらを容認したり許容する音楽でもある。これが同じような状況にある人々の心にシンパシーをもたらし、癒やされるような瞬間を生み出す。
このアルバムはスターへの憧れを示すというような一般的なポピュラーアルバムで取り上げられるようなものではなく、名も無いシンガーソングライターのささやかな日記のような内容である。にもかかわらず、その音楽は、一般性があり、そして普遍的な感覚に満ちている。もちろん、言語圏をえらばず、広く聞かれるべき要素をもたずにはいられないのである。
ジョニは、例えば、デル・レイ、ミツキやザウナーのように圧倒的なスター性に恵まれたシンガーではないかもしれない。 ところが、等身大のソングライティングとも称すべき彼女の作曲は、個人的な趣旨と内容に縁取られ、普遍的な魅力に満ちあふれている。アートワークに連動するように、歌手は孤独というレンズを通し、もちろんそれを恐れず、自己に向き合い、それらを幻想的な眼差しで捉えようとする。そして、ぼんやりとした霧の向こうに憧れと容認を見い出す。しかし、その核心は音楽の彼方に存在し、非常にかすかに鳴り響くにとどまっている。音楽的な方向性がロック、インディーポップにいたろうとも、その中には淡い静けさがある。
シンガーソングライターの音楽が最も輝かしい瞬間を得るのは、個人的な出来事を歌っているのに、それが一般的な意味を持つような場合である。個人性と一般性の並立は、矛盾しているように思えるが、音楽としては併存することが可能である。そして個人的な営みに思える音楽も、聞き手側との共感というルートを通して何らかの通じあうような瞬間がある。これがポップソングの最大の強みである。
そして意外なことに、それが一般的ではないように思える歌の方が共感性をもたらすことがある。これは例えば、旧来の日本の歌謡曲のヒット・ソングなどを聴けば痛感出来る。聞き手に対して、共感性を及ぼすのは、一般的なシチュエーションではないような出来事が歌われ、それが音楽というある種の装置を通して濾過され、普遍性を獲得する瞬間なのである。そしてこれが形骸化していく音楽とそうでない音楽の別れ目ともなりえる。
『The Things I Left Behind』を制作するために、ジョニは数年を費やして音楽性に磨きをかけてきた。本作の冒頭を飾る「Your Girl」で、その成果ははっきりと見えている。現在の洋楽のトレンドでもあるドリームポップに属する甘美なメロディーを元にし、プロデューサーの魔法のようなサウンド処理を通じて心地よい音楽性を作り出す。
この曲は、リングモジュラーのシンセサイザーで作り出したオルゴールのようなアルペジオで始まり、ファンシーな歌声で甘いメロディーを歌い、独自のポピュラー・ワールドを構築していく。
ルーク・シタル＝シンのプロデュースは、この曲にダンス・ポップ/シンセ・ポップの要素をもたらし、The Japanese Houseを彷彿とさせるようなモダンなポップソングの印象へと変遷していく。アルバムの中では、最近のイギリスのミュージックシーンの影響を感じさせる。続く「Strawberry Lane」は、ベッドルームポップのソングライティグをベースにして、ファンシーな風味のポップソングを書いている。
「Your Girl」
アルバムの序盤ではポップソングの”軽さ”という側面を強調し、それらが現代のミュージックシーンとどのように連動するのかを探る。その中で、ニューヨークのPorchesやロサンゼルスのローファイなどの影響を上手く活かし、「Avalanches」が作り出された。これらは現代のレコーディングシステムから見て、チープな感覚のある音質を強調させ、ローファイなポップソングを作り出す。全体的には、ドリーム・ポップの範疇にあるサウンドアプローチもギターの演奏が入ると、ロックの印象に様変わりし、ソングライターの動きの多い人生を上手く反映している。全てを語らずとも、その人間性の一端を感じさせる。それがこのポップソングの魅力なのだ。そしてスペーシーなシンセを導入し、この曲の持つ世界観はだんだんと広がりを増していく。
本作の音楽は、ジョニが暮らしてきたロンドン、ニューヨーク、ロサンゼルスをクロスオーバーするかのように進んでいく。ロンドン風の音楽が登場したかと思えば、ニューヨーク風の音楽が出てくる。タイトル曲はニューヨークの２０１０年代のベースメントのロックの影響を感じさせ、DIIV、Beach Fossilsの系譜にあるスタイリッシュなロックソングとしてたのしめる。こういった2010年代のインディーロックはストリートの雰囲気を吸収し、ロックソングをヒップホップの音楽と劇的に融合させて登場したが、それを改めておさらいするような内容である。新しい要素としては、これらを男性的な観点ではなく女性的な観点から再考していることだ。軽快なドラミングに支えられるようにしてジョニのボーカルが最も溌剌とした印象を持つ瞬間。
アルバムの前半部では一貫してインディーポップシンガーとしてのイメージを打ち出しているが、後半になると印象が一変する。また、プレスリリースでも示されるように音楽の旅というモチーフが明らかになる。明確には、場所や地域などはタイトルに付けられていないが、それらの体験のようなものを、人生の出来事を通して音楽的なジャンルに制限されずに体現させていく。
「Castle」では音楽の印象が一変し、アンティークなピアノの演奏を通したピアノバラードが登場する。伴奏となるピアノのシンプルなアルペジオをオルゴールのように見立て、ジョニは癒やしのポップソングを提供する。ポスト・クラシカルのような音楽とも連動しているが、ジョニの曲の場合はジャズボーカルの音楽の気配が強い。''ファーザー・ジョン・ミスティの女性版''とも言えるジャズの古典的なボーカルの雰囲気を受け継いで、それらをディズニー的な雰囲気を持つバラードに仕上げている。さらに、シンセサイザーによって作り出されたコントラバスのピチカートを伴奏に配することにより、この曲を現代的なジャズ・ボーカルへと接近させる。この瞬間、部分的にデル・レイ、ミツキのようなシンガーの持つ夢想的な領域へと近づく。
ジョニは次の曲でアコースティックギターを用いた、ささやかなフォークソングを披露している。「Birthday」は過去の誕生日を思い起こさせ、ケーキのろうそくを吹き消すというシーンをレコーディングにより実際に表現している。二曲目の「Strawberry Lane」のようなローファイな録音性を活かし、どこまでもパーソナルでささやかなフォークバラードを書いている。この曲はビートルズのデモソングのような気楽な雰囲気を生み出し、アルバムの癒やしの瞬間をもたらす。
こういった遊び心のある音楽性はシンガーソングライターのアルバムを聴くときに、近づきやすさをもたらすに違いない。フラットな感覚を持つ「Bucket List」が終盤の収録曲とのつなぎ目や連結のような役割を担う。エレアコの心地よいギターが、ジョニの持つ幻想的な音楽性と結びついて、アートワークに表されるような、牧歌的な音楽性が生み出されている。この曲では、歌手の浮き立つような気持ちが軽やかなアルペジオを配したギターソングにより表現される。
アルバムの終盤では、リバプールの同名の川の流域で流行った懐かしき「マージー・ビート」を登場させる。「The Tide」では、彼女のルーツともいえる港の舟歌のような音楽性に挑戦し、ブルースやパブロック、The La's、オアシスはもちろん、ビートルズの最初期の音楽性でもあるマージービートをゆったりとしたテンポで縁取っている。アルバムの序盤では、キュートなポップソングのイメージを打ち出しているが、シンガーの持つ渋い一面がこの曲以降で明らかに。
「The Tide」は、波の雄大さを港から見守るようなかっこよさを体現させている。このアルバムはロンドンに始まり、そして、ロサンゼルス、ニューヨークを経て、その後、リバプール経由でマンチェスターにたどり着く。遠い船旅を試みるようなこのアルバムは、インディーポップという音楽性を塗り替えるような意味合いが込められている。「Still Young」は、オアシス、リアム・ギャラガーのソロ、ビートルズの直系の一曲である。こういった曲は、今、女性のシンガーが積極的に歌う時代に到来しているのだろうか。ある意味、お約束ともいえる音楽も、ジョニのファンシーかつドリーミーな感覚に包まれると、優しげなキャラクターを持つようになる。
クローズを飾る「PS」は、ジョニがみずからに当てた手紙なのか。ギターのローファイなレコーディングを活かし、デモソングの延長線上にある、ささやかなバラードで本作は終わる。音楽の持つ世界を去るのが名残惜しいが、さっぱりとしている奇妙なアルバム。しかし、その音楽の余韻はとても心地良く、子守歌のような慈しみと温かいエモーションに満ち溢れている。
８４/１００
「Still Young」
▪Joniのニューアルバム『The Things I Left Behind』はKeeled Scalesから本日より発売中です。ストリーミングはこちらから。
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