また、ライブストリームイベント終了後も、Apple MusicとApple TV+の両方で、Apple Music Liveのパフォーマンスをオンデマンドでいつでもストリーミング視聴することができる。NYE Setsは12月31日（日）にApple MusicとApple TV+で配信されます。
俳優のライアン・ゴズリング(Ryan Gosling)が、バービーのサウンドトラックのヒット曲「I'm Just Ken」の3つの新バージョンを収録した「Ken EP」をリリースした。
オリジナルに加え、「In My Feelings Acoustic」、「Purple Disco Machine Remix」、そしてゴズリング、マーク・ロンソン、アンドリュー・ワイアットがスタジオで撮影した映像を使用したミュージック・ビデオ付きの「Merry Kristmas Barbie」が収録されている。以下からチェックしてほしい。
「I'm Just Ken」は、2024年グラミー賞の映像メディア部門最優秀楽曲賞にノミネートされている。バービー・サウンドトラックからの他の2曲、デュア・リパの「Dance the Night」とビリー・アイリッシュの「What Was I Made For?'」も同賞にノミネートされている。
バーンのプレイリストには、ポール・サイモンの「Getting Ready for Christmas Day」、ジェームス・ブラウンの「Santa Claus Go Straight to the Ghetto」、LCDサウンドシステムの「Christmas Will Break Your Heart」、ティエラ・ワックの「feel good」など、彼の優れた幅広いセンスをさらに証明するような選曲が並んでいる。
ゲッツは、2021年に発表した『Conflict Of Interest』がUKオフィシャル・アルバム・チャートで1位を獲得し、MOBO賞、マーキュリー・ミュージック・プライズ、ブリット・アワードにノミネートされたのに続き、アルバム『On Purpose, With Purpose』をワーナーから2月2日にリリースする。
元オアシスのフロントマンと元ストーン・ローゼズのギタリスト、マンチェスター出身で最も成功した2人のミュージシャンには、長年の交流がある。スクワイアはオアシス、そして後にギャラガーと壮大なサイケデリック・バラード『Champagne Supernova』のライヴで共演し、1997年にはギャラガーがスクワイアと共作した『Love Me and Leave Me』という曲が、オアシスのツアーをサポートしていたスクワイアのバンド、シーホースによってレコーディングされた。しかし、2人がデュオとして音楽をレコーディングするのは、この新しいプロジェクトが初めてである。
最初のシングル『Just Another Rainbow』は、ストーン・ローゼズの『Waterfall』を彷彿とさせ、スクワイアのファンキーで元気なソロが印象的な曲で、1月5日にリリースされる。スクワイアは、この曲は「失望について歌ったもので、本当に欲しいものは決して手に入らないという感情だ。でも、僕は曲を説明するのが好きじゃなくて、それはリスナーの特権だと思うんだ」と語る。
インディー・ポップ、サイケデリック・ロック、ダンス・ミュージックを融合させた彼らは、90年代初期のマッドチェスター・シーンを代表するバンドとなった。しかし、このバンドはわずか2枚のアルバムで解散し、シーホースは1枚しかレコーディングしていない。それ以来、スクワイアの音楽活動は断続的になり、近年はビジュアル・アートに専念している（『Just Another Rainbow』のスリーブ・アートでコラボレーションしている）。
2009年にストーン・ローゼズの再結成は「絶対にない」と言っていたにもかかわらず、バンドは2年後に再結成を果たした。再びライヴを行うのみならず、バンドは2016年にも『All for One』と『Beautiful Thing』の2曲をレコーディングした。スクワイアはまた、2002年と2004年に2枚のソロ・アルバムをリリースしている。
大象体操の最大の特性は、KT Changのスラップ奏法、そして彼女の涼しげなボーカルラインにある。これが変拍子の多い目眩くような曲構成の中でファンクやジャズ、フュージョン、ラウンジの要素と合致を果たすことで、しなやかなサウンドが生み出される。シカゴやルイヴィルのポスト・ロック/マス・ロックのサウンドとは異なり、日本のLITE、Mouse On The Keysに近いポピュラーミュージックの影響を交えたアーバンなスタイルが大象体操の醍醐味となっている。
「Flowers」は、平成時代のFlippers Guitarの渋谷系を彷彿とさせる小野リサのボサノヴァ、フレンチ・ポップ、ジャズ、日本のポップスを掛け合わせたトラックを背に、KT Changの涼し気なボーカルで始まる。しかし、その後に続くのは実験的な音楽で、主旋律的なベースラインとパーカッションである。この曲は、ベースがメインのメロディーを形成し、ビートを意識した器楽的なチャンのボーカルとパーカッションが装飾的な役割を果たしている。さらに、その後に続く「Name」では、Mouse On The Keysのシンセサイザーの演奏を交えたポスト・ロックの影響下にあるサウンドを繰り広げる。東アジアの都会の夜景を思わせるアーバンな空気感を持つサウンドという側面では、Mouse On The Keysとほとんど同じであるが、この曲における大象体操のサウンドは、さらにラウンジとフュージョン、ファンク寄りである。そして、以前よりも静と動に重点を起き、楽曲の中盤では静謐なピアノのシンプルなフレーズが夜空に輝くかのようだ。
今回、もう一つ、大象体操はより高度な試みを行っている。それがオーケストレーションとロックの融合である。この手法は、すでにオーストラリアのDirty Three、カナダのGod Speed You Emperror!、それからアイスランドの Sigur Ros、スコットランドのMOGWAIが示してきたものだが、大象体操が志すのは、キャッチーで掴みやすいサウンドだ。木管楽器のミリマリズムの範疇にある演奏を配し、ボサノヴァのようなスタイリッシュな空気感を生み出し、それらを旧来のバンドのポストロック/マスロックの技法と結びつけようとしている。しかし、時折、カラオケに近いサウンドになるのが欠点であり、これはおそらく別録りをしているらしいという点に問題がある。もしかすると、オーケストラと同時に演奏すれば、さらにリアルなサウンドになったかもしれない。続く「Light」も同じように、ジョン・アダムスやライヒのミニマル・ミュージックの要素を継承し、それをポピュラリティの範疇にあるポスト・ロックサウンドに仕上げている。特に、中盤のボーカルのコーラスの部分に、バンドとしてのユニークさ、演奏における楽しみを感じることが出来る。こういった温和な雰囲気に充ちたサウンドは前作には見られなかったものである。あらためてバンドが良い方向に向けて歩みを進めていることが分かる。
アルバムの収録曲のなかで、最も心を惹かれるのが、洪申豪がゲスト参加した「Ocean In The Night」のオーケストラバージョンだ。この曲は再録により旧来の楽曲が新しく生まれ変わっている。エモに近いギターラインにマリンバの音を掛け合せて、そこにモダンジャズの雰囲気を添え、精妙なサウンドを生み出している。中国語のボーカルも良い雰囲気を生み出し、曲の途中では、このアルバムで最も白熱した瞬間が到来する。このバンドの最大の長所である素朴さと情熱を活かしつつ、最終的にローファイな感じのあるロックサウンドという形に昇華される。
スウェーデンの現代音楽家/実験音楽家、エレン・アルクブロ（Ellen
Arkbro)は2019年に、パイプオルガンの音色を用いたシンセサイザーとギターのドローン音による和声法を対比的に構築した2015年のアルバム『CHORD』で同地のミュージック・シーンに台頭し、続く、2017年の2ndアルバムでは本格派の実験音楽に取り組むようになり、パイプオルガンとブラスを用いた「For Organ and Brass」を発表。スウェーデンにはドローン音を制作する現代音楽家が多い印象があるが、気鋭のドローン制作者として注目しておきたいアーティストである。
このアルバムはエレクトロニックによる超大な交響曲とも称すべき壮大な作風に挑んでいる。実際に、交響曲と称する必要があるのは、すべてではないにせよ、ストリングの重厚な演奏を取り入れ、電子音楽とオーケストラの融合を図っている曲が複数収録されているから。また、旧来の作品と同様、ボーカルのコラージュ（時には、YAMAHAのボーカロイドのようなボーカルの録音）を多角的に配し、武満徹と湯浅譲二が「実験工房」で制作していたテープ音楽「愛」「空」「鳥」等の実験音楽群の前衛性に接近したり、さらに、スティーヴ・ライヒの『Different Trains/ Electric Counterpoint』の作品に見受けられる語りのサンプリングを導入したりと、コラージュの手法を介して、電子音楽の構成の中にミニマリズムとして取り入れる場合もある。
アーサー・ラッセルのオリジナルスコアの中には、いかなる魅力が隠されていたのか？ 考えるだけでワクワクするものがあるが、彼は、実際にスコアを元にし、ピアノ/木管楽器を中心としたフランスのアンサンブルと二人三脚で制作に取り組んだ。Peter Broderick & Ensemble 0による『Give It To The Sky』は、純正なクラシカルや現代音楽に真っ向から勝負を挑んだ作品と称せる。
プロデューサーである彼は、Vultureとのインタビューに応じ、自身の作品を再現することの難しさについて明かした。パッチ・メモリー・ストレージを持たないMoog Model D、Roland Juno-6のようなクラシックなアナログ・シンセを使用していたため、レコードで使用されたシンセ・パッチを即座にダイヤルすることができなかったことを回想した。
本日突如、先行配信SG「永遠少女」を各音楽配信サイトでリリース。同時にApple Music、Spotify、amazon music、YouTube musicではアルバム「らんど」の事前予約もスタート。併せてチェックしてほしい。ニューシングルは、向井秀徳の代名詞となるコアなカッティングギター、狂気と正気の狭間をさまよう生々しいリリック、圧倒的なバンドアンサンブルにより、どのような曲の結末を迎えるのかに着目してもらいたい。今週のBest New Tracksに認定。
更に現在、開催中の「ZAZEN BOYS TOUR MATSURI SESSION 2024」の追加日程も発表された。ツアーは４月５日に新潟で始まり、向井秀徳にとって思い入れの深い札幌Penny Lane 24の公演で幕を閉じる。約12年ぶりのアルバムリリースに向け、精力的に活動するZAZEN BOYSに注目して頂きたい。
「永遠少女」
リリース詳細
・先行配信シングル アーティスト ZAZEN BOYS タイトル 永遠少女 Label MATSURI STUDIO 配信日 2023年12月20日
ダーク・ミュージックのレコード・レーベル、The FlenzerがLowのトリビュート・アルバム『Your Voice Not Enough』を2024年にリリースすると発表した。発表文にはこうある。
『Your Voice is Not Enough』は、Planning For BurialのThom WasluckとThe Flenserとの会話から生まれたプロジェクトであり、Lowへの心からのトリビュートである。ローのディスコグラフィーのニュアンスに富んだ美しさに触発され、好きなアルバムのランキングを話し合うことから始まったこのプロジェクトは、私たちFlenserの緊密なアーティスト・グループと友人を集めた共同作業へと花開いた。
このトリビュート・アルバムには、Cremation Lily、Holy Water、Midwife and Amulets、Drowse featuring Lula Asplund、Kathryn Mohr、Planning for Burial、Have A Nice Life、Allison Lorenzenなど、フレンザーのアーティストや友人たちによる8曲のカバーが収録されている。
公開された最初の曲は、アリソン・ロレンツェンによる、ローの1994年のデビュー・アルバム『I Could Live In Hope』の象徴的なオープニング曲「Words」の心を揺さぶる素晴らしいカバーだ。試聴は以下から。
Part.3 ーThe Power to Turn Minus into Positive: The Rise of Overseas Japanese Artistsー
One thing that caught my attention when I looked at the press release information and artists' comments for the 2023 albums was that many of the artists and bands were turning the difficulties that befell their lives into something positive through the creative aspect of their music. For example, Slow Pulp vocalist Massey, who released a dramatic album while caring for his parents after their car accident, weaves his endless anguish into the form of indie rock. From other interviews I've read, the artist must have had a truly accomplished and emotionally exhausting year. Squirrel Flower, who is also a member of Polyvinyle, is also working on the sidelines between tours and releasing a new album. It is true that not all artists can amass such a huge fortune as Taylor Swift, and we saw many bands and artists struggling to come to terms with the commercial aspect and music as a consistent form of expression.
This, on the other hand, was evident among artists in the rap scene. For example, as Detroit hero Danny Brown told The Gurdian, he wove his struggles into his collaborative album with JPEGMAFIA and "Quaranta" while working on his sobriety rehab. The former, in particular, depicts a struggle with something demonic within. Mick Jenkins, another Chicago alternative hip-hop darling who also weaves jazz and soul into his work, says that while he had a big vision for a decade, things didn't turn out as well as he would have liked in terms of production costs until he signed with BGM, a major German label. He says the production cost side of things didn't turn out as well as he would have liked. This is reflected in the title "Patience''. Jenkins' torrent of frustration holds tremendous agitation and scratches the listener's heart.
Another thing to note, even without any prejudice, is the increasing number of Japanese artists who have been active overseas in recent years. In particular, for some reason, there has been an increase in the number of female artists active in London. Following the breakthrough of Sawayama last year, we are seeing more and more examples such as Hatis Noit and Hinako Omori, who are making their presence felt in the experimental music and electronic fields in London. Look out for Chai in the U.S., of course, and Sen Morimoto, who headed to the U.S. for a fresh start after high school graduation, incorporating local modern jazz influences and working with the CIty Slang team to bring a new breeze to Chicago. Just a decade or so ago, it was a dream come true for a Japanese artist to be active overseas, except in Southeast Asia, but now it seems to be more than just a pipe dream.
What kind of artists and albums will we see in the coming year? In the end, I'd like to think that most people involved with labels, media, and commercial magazines are really looking forward to the arrival of good music, artists, and bands, and that all other fun and promotion is just a side effect.
The best albums list will continue, but for now, this is the end of our main picks: the first notable album of 2024 is the second Smile album by Thom Yorke, Jonny Greenwood, and Tom Skinner. They will surely show us the unknown fascination of music. （MT-D）
Laurel Halo 『Atlas』 -Album Of The Year
Label: Awe
Release: 2023/9/22
Genre: Experimental Music/ Modern Classical/Ambient
アルバムの中では、「Last Night Drive」、「Sick Eros」の2曲の出来が際立っている。ドローン・ミュージックやエレクトロニックを始めとする現代音楽の手法を、グスタフ・マーラー、ウェーベルンといった新ウィーン学派の範疇にあるクラシックの管弦楽法に置き換えた手腕には最大限の敬意を表します。もちろん、アルバムの醍醐味は、「Belleville」に見受けられる通り、コクトー・ツインズやブライアン・イーノとのコラボレーションでお馴染みのHarold Budd(ハロルド・バッド）のソロ・ピアノを思わせる柔らかな響きを持つ曲にも求められる。
オープニング曲「i don't use a trash can」での綺羅びやかなギターラインとヒーリング音楽を思わせる透明なウィリアムズの歌声は本作の印象を掴むのに最適である。一方、インフレーションのため仕方なくフルタイムの仕事に就かなければならない思いをインディーロックという形に収めた「Full Time Job」は、一般的なものとは違った味がある。Snail Mail（スネイル・メイル）の作風にJ Mascisのヘヴィネスを加えた「Stick」もグラヴィティーがあり、耳の肥えたリスナーの心を捉えるものと思われる。その他にも、ポップ・パンクの影響を絡めた「intheslatepark」もハイライトになりえる。さらに「Finally Rain」では、シャロン・ヴァン・エッテンに匹敵するシンガーソングライターとしての圧倒的な存在感を見せる瞬間もある。
『Lahai』は、ネオソウル、ラップ、エレクトロニックを網羅するアルバムとなっている。特に、ミニマル・ミュージックへの傾倒が伺える。それは「Dancing Circle」に現れ、ピアノの断片を反復し、ビート化し、その上にピアノの主旋律を交え、多重的な構造性を生み出す。しかし、やはりというべきか、その上に歌われるサンファのボーカルは、さらりとした質感を持つネオソウルとップホップの中間に位置する。サンファのボーカルとスポークンワードのスタイルを変幻自在に駆使する歌声は、大げさな抑揚のあるわけではないにも関わらず、ほんのりとしたペーソスや哀愁を誘う瞬間もある。アルバムの終盤に収録されている「Can't Go Back」に象徴されるように、聞いていると、ほんのりクリアで爽やかな気分になる一作である。
「Can't Go Back」
Hinako Omori 「Stillness, Softness...」-Album Of The Year
「ロイヤル・アルバートホール」でのキャット・パワーの公演を収録した『Cat Power Sings Bob Dylan』は、ボブ・ディランの1966年5月17日の公演を再現した内容。このライブはディランのキャリアの変革期に当たり、マンチェスターのフリー・トレード・ホールで行われたディランのライブ公演を示す。
ニューアルバム『Cousin』では、アメリカーナの音楽性を踏襲した上で、２０００年代のアート・ロックを結びつけた作風を体現させている。ウィルコのジェフ・トゥイーディーは、「世界をいとこのように考える」という思いをこの最新アルバムの中に込めている。本作には、インディーフォークバンドとしての貫禄すら感じさせる「Ten
Dead」、「Evicted」、及び、『Yankee Hotel Foxtrot』の時代の作風へと回帰を果たした「Infinite
Surprise」が収録されている。
ニューヨークの新世代のインディーポップトリオ、Nation
Of Language（ネイション・オブ・ランゲージ）は清涼感のあるボーカルに、Human League，Japan、Duran
Duranといったニューロマンティックの性質を加えた音楽性を3rdアルバム『Strange Disciple』で確立している。
ライブは、ロック・バンド寄りのアグレッシヴな感覚を伴うが、少なくとも、このアルバムに関していうと、イアン・カーティスのようなボーカルの落ち着きとクールさに象徴づけられている。ラフ・トレードは、このアルバムをナンバー・ワンとして紹介していますが、それも納得の出来栄え。シンセ・ポップの次世代を行く「Weak
In Your Light」、さらに、The
Policeの主要曲のような精細感のあるポピュラー・ミュージック「Sightseer」も聞き逃すことが出来ません。
「Nos
Pieds（Un Animal）」、「Demi-Lune」、「Pierre-Yves Begue」、「Tomate De
Mer」等、遊び心のあるアヴァン・フォークの秀作がずらりと並んでいる。アルバムの終盤に収録されている「Jeu de des
pipes」では、オーケストレーションのアヴァンギヤルドな作風へと転じている。
ケイト・マッキノンが司会を務めた『サタデー・ナイト・ライブ』に、ビリー・エイリッシュが音楽ゲストとして登場した。グレタ・ガーウィグがこのシンガーを紹介するためにサプライズで登場し、彼女のバービー・ソング「What Was I Made For?'」と「Have Yourself a Merry Little Christmas」を披露した。このエピソードのクリップは以下からご覧ください。
What Was I Made For?'のパフォーマンス中、エイリッシュは幼少期のホームムービーのクリップや、エイリッシュとSNLの現・元女性キャストたちの個人的な写真を使って、映画のワンシーンを再現した。彼女はまた、マヤ・ルドルフ、クリステン・ウィグ、ポーラ・ペル、マッキノン、そしてガーウィグと一緒に出演し、マッキノンと一緒に猫の保護シェルターを題材にした寸劇にも出演した。
エイリッシュは、2019年のデビューと2021年の司会と音楽ゲストのダブル出演に続き、今回がコメディ・スケッチ番組への3度目の出演となった。「What Was I Made For?'」は、年間最優秀レコード賞と年間最優秀楽曲賞を含むグラミー賞5部門にノミネートされており、最近ではゴールデングローブ賞にもノミネートされた。
