MUSIC TRIBUNE: Pop

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・Olivia Rodrigo announce new album "GUTS” via Geffen

Olivia Rodrigo（オリヴィア・ロドリゴ）は、今週初めに発表されたアルバム『GUTS』からの最初の新曲「vampire」のミュージックビデオを公開した。｛シングルのストリーミングはこちら）このアルバムは、プロデューサーのダニエル・ニグロと共にレコーディングされ、9月8日にGeffenからリリースされる。ペトラ・コリンズが監督したビデオは以下からご視聴下さい。

この曲について、ロドリゴはプレスリリースでこう語っている。「ある状況に動揺していて、ひとりでスタジオに行き、グランドピアノの前に座った。混乱して傷ついた気持ちを歌った曲で、最初はピアノ・バラードにするつもりだった。でも、ダンと私がこの曲を作り始めたとき、歌詞を大きなドラムとクレイジーなテンポの変化と並置したんだ。だから今は、踊れる失恋ソングみたいになっている」

「vampire」

この曲は、最初はソフトに始まり、大音量のギター・リフにエスカレートし、ロドリゴが裏切りの歌詞を口ずさむ。曲の一部はエレクトリック・レディ・スタジオで書かれたが、実際にはニグロのガレージで生まれた。

「『SOUR』を制作していた頃は、制作のプロセスも初めてだったし、とても傷心していた。何時間もピアノの前に座って、表現しなければならないことに打ちひしがれていた」とロドリゴは言う。「でも、このアルバムは、曲作りの技術に集中することに重点を置いていて、それは時に、自分自身をそれほど深刻に受け止めず、歌詞にもう少し皮肉を込めることを意味した。ライティングに対する様々なアプローチで多くの実験を行い、最終的には、私がこれまでやってきたことよりもずっとロックに影響されたものに仕上がった」

この曲は、これからの『GUTS』の制作のペースを決定づけた。オリヴィア・ロドリゴは怒っている。そして私たちはそのすべてを聞くことになる。ニグロはこの曲をロドリゴと共作した。

2021年にリリースされたロドリゴのデビュー・アルバム『SOUR』は、史上最高のデビュー・アルバムとして全米最多ストリーミング数を記録、最優秀新人賞を含む複数のグラミー賞を受賞した。

・「bad idea right?」

オリヴィア・ロドリゴがニューシングル「bad idea right?」をリリースしました。この曲は、近日発売予定のセカンド・アルバム『GUTS』に収録される。先行シングルとして「vampire」がリリースされています。

"私にとって、このアルバムは成長痛と、人生のこの時点で自分が誰なのかを見極めようとすることについて歌っているの "とオリヴィアはアルバムについて説明する。「18歳から20歳までの間に10年成長したような気がする。それはすべて成長の自然な一部だと思うし、このアルバムにはそれが反映されているといいなと思っている」

「bad idea right?」

アルバムレビューは以下よりお読み下さい:

OLIVIA RODRIGO　『GUTS』/ REVIEW

・New York Times Interview

数週間後、世界的なポップ・スーパースター、オリヴィア・ロドリゴ（Olivia Rodrigo）が待望の2ndアルバム『Guts』をゲフィン・レコードからリリースする。前作でグラミー賞を獲得しており、PitchforkのBest New Tracksを獲得するなど、今年最大の話題作となるのは間違いない。

本日オンラインにアップされたニューヨーク・タイムズのプロフィールの中で、ロドリゴはニュー・アルバムを取り巻くプレッシャーについて語り、またメンターとなった意外な人物についても触れている。

オリヴィア・ロドリゴは、ニューヨーク・タイムズ紙のキャリン・ガンツ記者に、彼女のヒーローであるジャック・ホワイトにアドバイスを求めたと語っている。ロドリゴは、「彼は、私が初めて彼に会ったとき、"君の唯一の仕事は、ラジオで聴きたいと思うような音楽を書くことだ "と書いた手紙をくれたの」と言う。「でも、ラジオで聴きたいと思うような曲を書くのは、実際とても難しいことなんだ」

ロドリゴはまた、セント・ヴィンセント（St.Vincent)の首謀者であるアニー・クラークをメンターとして挙げており、クラークとは最近一緒にトーリ・エイモスのライヴに行ったと記している。ニューヨーク・タイムズ紙のインタビューの中で、アニー・クラークは次のように語っている。「あんなに若くて、すんなりと自己を確立している人には会ったことがない......（ロドリゴは）自分が何者であり、何を望んでいるのかを知っていて、それを声に出すことを恐れていないようだ。そして、本当に愛らしい女の子でもある。彼女が誰かを悪く言うのを聞いたことがないよ」

オリヴィア・ロドリゴが敬愛するもう一人のアーティストは、ビキニ・キルとル・ティグレのキャスリーン・ハンナであり、その気持ちはお互い同じである。タイムズ紙の記事の中で、ハンナはロドリゴがどれほど好きなのかを語っている。「この若い女性たち、特にオリヴィアはソングライターとしてとても進んでいて、本当に複雑な方法で自分自身を表現しているように見えるから」ロドリゴがライオット・ガールについて言及していることについて、ハンナはこう言う。「このアンダーグラウンドな音楽スタイルが、実際に音楽愛好家である人物によってメインストリームでグラフィカルに言及されているのを見るのは、とても素晴らしいことです」

ロドリゴはさらにキャリン・ガンツ記者の取材に対して、「いつもロックが大好きで、それを自分らしく、女性らしく、それでいてストーリーを語り、傷つきやすく親密な何かを語れるような方法をいつも探していた」と語っている。ロドリゴはまた、Snail Mail、Sleater-Kinney、Joni Mitchell、Beyoncé、No DoubtのReturn Of Saturn、Sweetなど、お気に入りの曲を列挙した。「今日は『Ballroom Blitz』を10回も聴いたわ。なんでか全然わからない」とも話している。

Olivia Rodrigo　『GUTS』

Label: Geffen

Release: 　2023/9/8

Tracklist:

1.all-american bitch

2.bad idea right?

3.vampire

4.lacy

5.ballad of a homeschool girl

6.making the bed

7.logical

8.get him back!

9.love is embarrassing

10.the grudge

11.pretty isn't pretty

12.teenage dream

・Stephen Colbert

オリヴィア・ロドリゴは12月18日（月）夜、『ザ・レイト・ショー・ウィズ・スティーヴン・コルベア』の音楽ゲストに登場し、自身のシングル「vampire」をストリングス・アシストで演奏した。

今月初め、ロドリゴは『サタデー・ナイト・ライブ』でも「vampire 」をピアノ弾き語りで披露している。今回は、ピアニストとオーケストラのストリングスセクションをバックに、ステージに立った。ある識者の話によると、曲のヴォーカルに集中するあまり、ロドリゴの歌声はヴァンパイア的ではなかったとのこと。

・Saturday Night Live

オリヴィア・ロドリゴは、アダム・ドライヴァーが司会を務めた昨夜の『サタデー・ナイト・ライブ』に音楽ゲストとして出演しました。

さて、彼女は2ndアルバム『GUTS』から2曲、ピアノ・ソロで演奏した「Vampire」のストリップダウン・バージョンと「All-American Bitch」を演奏しました。

2回目のパフォーマンスでは、ドレス姿でディナーテーブルに座り、ケーキのひとつをナイフを刺したり踏みつけるなど、狂気をあらわにし、その後すぐ正気に戻るという名演技を見せた。彼女はまた、『Tiny Ass Bag』というスケッチにも出演しました。以下からクリップをご覧ください。

ロドリゴのSNL出演はこれが2度目となります。2021年5月に同番組でデビューし、「drivers License」と「good 4 u」を披露した。

ロドリゴは2024年、GUTSをサポートする大規模なワールド・ツアーを開催する。チャペル・ロアン、ピンク・パンテレス、レミ・ウルフ、ブリーダーズなどがオープニングを飾る予定です。

©︎ Shervin Leinz

Best CoastのBethany Cosentinoは、7月28日にソロ・デビュー・アルバム『Natural Disaster』をリリースします。彼女は、そのセカンド・シングル、アルバムのオープニング曲 "Easy" を公開しました。この曲は、Sam HalleenとAaron Preuschが監督したビジュアライザー・ビデオで公開されています。以下よりご覧ください。

Cosentinoは、プレスリリースで "Easy "について次のように語っています。

「私は、脳がオーバードライブすることなく、長い間じっと座っていられる人間ではありませんが、車の中で一人で座っていると、平和を感じるのです。35歳になって自分の人生がどうなっているのか、自分が描いていたところとどう違うのか、いろいろ考えていたんです。

　私は本当に長い間、ラブソングを書いてきましたが、この曲は今まで書いた中で初めて、...健康的だと感じたラブソングです。

　自分自身や自分の人生の選択を疑い、世界の暗さにトリップして空回りしているとき、パートナーの無条件の愛を思い出すと、現実に引き戻され、実際に重要なことを思い出させてくれる。健康的で尊敬に値する愛に慣れていないと、それを受け入れるのが難しく、時にはそれを押し退けようとしている自分に気づくこともある。この曲は、自分の人生にその愛を受け入れることを歌っていて、愛について書くということに関して、これまでで最も自分に許しを与えた曲なんだ。愛はあなたを良い気分にさせるものであるべきだ、そう聞こえるかもしれないけれど！」

以前、コセンティーノはアルバムのファーストシングル「イッツ・ファイン」をミュージックビデオで公開しました。また、ベストコーストが無期限の活動休止に入ることも以前に発表されています。

Natural Disaster』は、Sheryl CrowやLilith Fairに並ぶアーティスト、Bonnie Raittなど、90年代の女性シンガーソングライターに影響を受けた楽曲を収録しています。ブッチ・ウォーカーがこのアルバムをプロデュースした。

「私が最も影響を受けたと思う全てのアーティストを見ると、共通しているのは、彼らはリスクを取り、自分自身の異なるバージョンを探求し続けているということです」

Cosentinoは以前のプレスリリースでこう語っています。「私の目標は、自分自身を成長させ、挑戦し続け、あらゆる枠にとらわれない生き方をすることで、アーティストとして、また一人の人間として進化しつづけることです。そして、もし停滞を感じている人がいたら、このレコードを聴いて、人生に何があるのか見てみたいと思ってもらえたらうれしい。リスクを冒して人生を大きく変えるのは本当に怖いことだけど、その反対側で見つけるものはとてもマジカルなものなんだ」

ソロアーティストになる決断について、彼女はこう語っています。「人間として、そしてアーティストとしての私のアイデンティティは、10年以上にわたってベストコーストに包まれてきました。このプロジェクトを無期限で休止し、自分の新たな側面を探るという決断は、とても難しいものでしたが、私にとっては必要なことだと感じました。人生はあまりにも短いので、自分が必要だと思うもの、欲しいと思うものを自分に与えないわけにはいきません。しばらくはベサニー・コセンティーノとして、長い間生きてきた「ベストコーストのベサニー」という枠にとらわれない自分を見つけることに興奮しています」

ニューヨークのLætitia TamkoのプロジェクトであるVagabon（ヴァガボン）は、2019年のセルフタイトルアルバムに続く作品を発表しました。2ndアルバムのタイトルは『Sorry I Haven't Called』で、Nonesuch Recordsから9月15日にリリースされます。

Vagabonは、ウェイズ・ブラッドをサポート・アクトに迎え、アルバムの記念リリースツアーを今年の秋に開催します。その日程の中には、ピッチフォーク・ミュージック・フェスティバルも含まれています。

タムコはロスタムとの共同プロデュースでこのレコードを制作した。このアルバムには、先にリリースされたシングル「Carpenter」と、Zac Dov Wieselが監督したミュージックビデオが付属する新曲「Can I Talk My Shit?」については下記より。

「このアルバムは、私が友人と話す方法、そして恋人と話す方法です」とタムコは説明します。「正直で会話的な曲作りは詩になると思う。比喩もなく、華美なイメージもなく、素直に話すことに美しさがある」

『Sorry I Haven't Called』は、タムコが2021年に親友を亡くした悲しみと闘っているときに作られました。自分が大切だと思っていたことが、もう気にならなくなった。

自分の身に降りかかるものすべてをしっかりと感じなければならないという気づきがあった。悲しみに直線的な道筋はなく、人それぞれ扱い方が違いますが、人生を根底から覆すことは、まさに私がやらなければならないことのように感じました。私は、個人的に不快感を感じながらも、自分の人生に感じている新しさや緊急性を探るため、考え、通過する場所が必要だったのです。

このレコードは、私が目指してきたもののように感じられる。このアルバムについて考えるとき、私は遊び心を思い浮かべます。完全に多幸感なんだ。物事が暗かったからこそ、このアルバムは生命力とエネルギーに満ち溢れている。当時経験していたことへの反応であって、出来事を記録したものではないんだ。

「Can I Talk My Shit?」

ニューヨークのSSW，Vagabon（ヴァガボン）が、今年末にリリース予定のニューアルバムからの新たなカットを公開した。

「Do Your Worst」は、レティシア・タムコのニューアルバム「Sorry I Haven't Called」（ノンサッチ・レコードより9月15日発売予定）の第3弾シングルとなっている。前作「Carpenter」、アルバムのオープニング曲「Can I Talk My Shit?」では、タムコがロスタム・バトマングリイとテオ・ハルム（SZA、ロザリア、FKA Twigs）と組んでプロデュースを担当した。

「クラブ・ミュージックを聴いていたので、ドイツやイギリスのアンダーグラウンド・クラブで聴けるような、それでいてヴァガボンの音楽的な辞書に載っているようなインストゥルメンタルを作ろうと思った。1年後、アメリカに戻ったとき、ロスタムを巻き込んだんだけど、彼はドイツのセッションのブレイクビーツに生ドラムを重ねるという素晴らしいアイデアを出してくれた」

「Do Your Worst」

Vagabon-ヴァガボン（レティシア・タムコのプロジェクト）は、今週金曜日にノンサッチから3rdアルバム『Sorry I Haven't Called』をリリースする。ニューヨークの注目のシンガーです。アルバムの最終プレビュー「Lexicon」のミュージックビデオが公開された。ビデオを監督したのはキャスリーン・ダイカイコ。

プレスリリースの中でレティシア・タムコは、アルバムの共同プロデューサーであるロスタム（ヴァンパイア・ウィークエンド、HAIM）がこの曲の最終的なヴィジョンを実現する手助けをしてくれたと語っている。「この曲は、詩もコーラスもブリッジも全部書いたんだけど、サウンド的にレコードに入れる場所が見つからなかったの。LAでロスタムと一緒にアルバムを見直したとき、彼は "ちょっと時間をくれ "と言ってくれた。

『Sorry I Haven't Called』は、タムコの親友の死（2021年）にインスパイアされた。しかし、タムコはその悲しみをより高揚感のあるものに変えようとした。「このアルバムは、私が目指してきたもののように感じるわ。「このアルバムについて考えるとき、私は遊び心を思い浮かべる。完全に多幸感よ。物事が暗かったからこそ、このアルバムは生命力とエネルギーに満ちている。このアルバムは、当時私が体験していたことに対する反応であって、それを記録したものではないの」

「Lexicon」

『Sorry I Haven’t Called』は後日、アルバムレビューでご紹介しています。こちらからお読みください。

Vagabon　『Sorry I Haven’t Called』

Label: Nonesuch Records

Release: 2023/9/15

Tracklist:

1. Can I Talk My Shit? 

2. Carpenter 

3. You Know How 

4. Lexicon 

5. Passing Me By 

6. Autobahn 

7. Nothing To Lose

 8. It’s a Crisis 

9. Do Your Worst

 10. Interlude 

11. Made Out With Your Best Friend

 12. Anti-Fuck

Vagabon 2023 Tour Dates:

Jul 12 – New York City – Hudson Yards 

Jul22 – Chicago, IL – Pitchfork Music Festival 

Oct 20 – Chicago, IL – Lincoln Hall 

Oct 21 – Detroit, MI – El Club 

Oct22 – Toronto, ON – Velvet Underground 

Oct 26 – Boston, MA – Crystal Ballroom at Somerville Theatre

 Oct 27 – Philadelphia, PA – Underground Arts 

Oct 28 – Hamden, CT – Set Space Ballroom 

Oct 29 – Washington, DC – The Atlantis Oct 31 – Barcelona, ES – Sala Apolo ^ 

Oct 2 – Lyon, FR – Le Transbordeur ^ 

Nov 3 – Milan, IT – Alcatraz ^ 

Nov 4 – Lausanne, CH – Les Docks ^ 

Nov 6 – Berlin, DE – Astra Kulturhaus ^ 

Nov 7 – Utrecht, NL – TivoliVredenburg – Grote Zaal ^ 

Nov 8 – Paris, FR – Pitchfork Music Festival Nov 9 – Antwerp, BE – De Roma ^ 

Nov 11 – Glasgow, UK – Old Fruitmarket ^ 

Nov 12 – Leeds, UK – O2 Academy ^ 

Nov 13 – London, UK – Pitchfork Music Festival 

Nov 14 – Nottingham, UK – Rock City ^ Dec 6 – San Francisco, CA – The Independent 

Dec 8 – Seattle, WA – Madame Lou’s

 Dec 9 – Vancouver, BC – Biltmore Cabaret

 Dec 10 – Portland, OR – Mississippi Studios 

Dec 13 – Los Angeles, CA – Lodge Room

^ with Weyes Blood

Laufey ©Gemma Warren

Laufey(レイヴェイ)は、アイスランドと中国、両方のルーツを持ち、現在はLAを拠点に活動するシンガー・ソングライター、さらにマルチ奏者でもあり、ポピュラー・ミュージック、ジャズ、オーケストラを結びつけ、清新な音楽性で世界中の多くのファンを魅了しつづけています。今年、レイヴェイは、自身初となるワールド・ツアーを敢行。瞬く間にチケットがソールドアウトとなり、さらに、先日6/5(月)に行われたブルーノート東京での初来日公演も2ステージとも5分で即完。日本での注目度も上昇している気鋭のシンガーソングライターです。

レイヴェイは、セカンドアルバム『Bewitched』のリリースを発表しました。本作は『Everything I Know About Love』に続く作品。デビューアルバム新作は９月８日に発売されます。さらに、本日、新作アルバムの2ndシングル「Promise」が公開されました。詳細は下記よりご覧下さい。

ファースト・シングル「From The Start」に続く「Promise」は、アデルの「Someone Like You」や、ザ・チックス「Not Ready to Make Nice」の共同制作を手がけ、グラミー賞にノミネートされた経験をもつ米国のソングライター、プロデューサー "Dan Wilson" とレイヴェイにより制作された。レイヴェイの深みのある歌声が最大限に生かされたナンバー。ロマンティックで大掛かりなサウンドと絶妙にマッチしたバラードは、涙を誘うような切ない情感に溢れている。

デビュー作『Everything I Know About Love』(2022年)では、ビルボードのオルタナティブ・ニューアーティスト・アルバム・チャート1位、ヒットシングル「Valentine」もSpotifyジャズチャート1位、さらに、Spotifyで最もストリーミングされたジャズ・アーティストとなり、全プラットフォームで4億2500万回再生を記録した。ポテンシャルを存分に発揮し、一気に世界中のリスナーの注目を集めたレイヴェイ。次作アルバムでも多数のファンを魅了しそうだ。

『Everything I Know About Love』は絶望的なロマンチストなアーティストの私生活の一面を表現していたが、続くセカンドアルバム『Bewitched』は、デビューアルバムの延長線上にテーマが置かれつつも、より深い側面が表されている。恋に恋している瞬間を捉えたことには変わりないものの、ミュージシャンがより成熟した人間としての展望を持つようになったことを表している。

「友人や恋人、人生に対する愛であれ、これは愛のアルバムです」とレイヴェイは語った。

ファースト・アルバムは、幼い頃に住んでいた家を出て、新しい街に引っ越し、初めて大人になったというようなことを歌ってました。けれど、今回のアルバムではそのようなことを少しずつ経験した上で、若さゆえの愛の魔法について書いているんです。

デビュー作の発表から大きな間隔を経ずにリリースされる2ndアルバム『Bewitched』は、新曲「Promise」をはじめ、発表後、1時間で100万回の再生数を記録した「From The Start」など珠玉の14曲が収録される。

クラシックやスタンダードジャズからインスピレーションを得て、オリジナルの音楽スタイルにますます磨きをかけるレイヴェイ。二作目のアルバムには、ソングライターとしての深化の瞬間が現れるはずだ。アイスランドから世界に羽ばたこうとするレイヴェイから今後も目が離すことが出来ない。

Laufey　「Promise」 New Single

Label: Asteri Entertainment

Release: 2023/6/14

Tracklist:

1. Promise

楽曲のストリーミング：

https://asteri.lnk.to/promise

Jayda G　『Guy』

Label: Ninja Tune

Release: 2023/6/9

Review

Ninja Tuneから発売されたJayda Gのニュー・アルバム『Guy』は、Jack Peñate(SAULT、David Byrne、Adeleを手がける)と共同プロデュースし、IbeyiのLisa-Kaindé Diaz、Stormzy、Nia Archives、Jorja SmithのEd Thomasらが参加している。グラミー賞にノミネートされ、多くの優れた作品をリリースし、忙しい数年をすごした後に渾身の最新作は発表となった。
 

その間、アーティストはグラミー賞にノミネートされ、テイラー・スウィフトやデュア・リパのリミックスをリリース、グラストンベリー、コーチェラなどの世界最大のフェスティバルやステージをこなし、DJ KicksシリーズやAlunaとのコラボレーションのコンピをリリースし、さらに、BBCの「Glow Up」のゲスト審査員として出演、多忙な日々を送った。また故郷のグランドフォークスで幼なじみの恋人と結婚した（数十年前に両親が結婚したのと同じ家で）。気候の危機に焦点を当てた没入型インスタレーション「Undercurrent」（21年6月、ニューヨーク）では、クルアンビン、ノサジ・シング、マウント・キンビー、ボン・イヴェールらと参加することに。

Jayda Gの3rdアルバムは、ある意味では、グラミーの受賞を視野に入れて制作が行われた作品である。本家のビルボートも注目しているので、ノミネートは既に規定路線といえるか。元々は、2019年のデビュー・アルバムの時代からハウス、テクノ、及び、1990年代にロンドンで発生したジャングルのジャンルを元に、低音の強いダンスミュージックに取り組んできた。コアなDJとしてのアーティストの姿は、2ndアルバム『DJ Kicks』で求めることが出来る。ロンドンのダンスミュージックの影響に加え、ネオソウルの影響を加味した刺激的な作品である。既に同レーベルから発売された2作を見て分かる通り、その才覚は世界的なシーンを見渡したかぎり、傑出したものがある。例えばビヨンセのサポート・アクトを務めたNia Archieveと比べて遜色がないアーティストで、潜在的なスター性に関してはこれらのアーティストよりも強いものを感じる。

グラミーでの栄冠を手にするため、今作でJayda Gはジャングルやディープハウスの要素に加えて、より大掛かりなテーマを織り交ぜている。彼女は父親の黒人としてのルーツを探り、それを音楽性の中に取り入れようとしたのだった。

このアルバムは、「Intro」、「Interlude」を始めとする楽曲で、実際に彼女の父親を思わせるヴォイスが文学のモノローグのように展開される。そこには、米国中西部のカンザス州の荒れた地帯で育ち、近所のいじめっ子や警察、地元当局との様々な交流を描いた「Scars」、「Circle Back Around」、18歳で結婚しベトナム戦争に入隊し、帰国すると妻には別の男がいたことを明らかにする「Heads Or Tails」、「Lonely Back In O」、ワシントンD.C.に移り住んでから、妻との結婚生活に悩まされ続けたこと。夜間のラジオDJとして副業をしていたが、1968年の人種暴動にうっかり巻き込まれてしまう時代を描いた「Blue Lights」等、彼女の父親の人生が複数の観点から緻密に描かれている。これらは例えば、ケンドリック・ラマーが昨年「Mr.Morale~』の中で自分と架空の人物をミックスして独創的な音楽のストーリーを組み上げた手法、あるいは、ラナ・デル・レイの最新作『Did You Know〜』に見られたストーリー風のポピュラーミュージックの手法に近い内容である。音楽の中に文学的な要素を取り入れること、これは最近のミュージック・シーンのトレンドとなっているのである。こと、Jayda Gの場合は、それは家族の歴史をたどりながら紡がれるルポルタージュを意味するのだ。

確かに、大掛かりなテーマやイデアを取り入れ、それがもし実際の音楽と分かちがたく結びついた時には「To Pimp~」やカニエ・ウェストのヒット作のような世紀の傑作が生み出される可能性がある。しかし、問題は、そのテーマが実際の音楽と深く結びついているかどうかに注意を向ける必要がある。Jayda Gの『Guy』に関しては、序盤から重苦しい雰囲気に充ちている。父親のモノローグはたしかに注意を向けさせるものがあり、その言葉に聞き入らせるものもあるのだけれど、他のジャングルやディープハウス、ネオ・ソウルの楽曲の中にあって、むしろアーティストの楽曲の楽しさを損ねているという気がする。このアルバムを通して聴いて時に、むしろ、父親のモノローグが音楽自体を苦しくしているような感じがあり、スムーズな流れを断ち切ってしまっているように感じられる。せっかく素晴らしい楽曲がたくさんあるのにも関わらず、それはまた心楽しい雰囲気に充ちているのに、イデオロギーやポリティカル・コネクトネスにより、これらの音楽は雁字搦めにされ、少し重苦しい雰囲気に満たされている。本当にこれらのモノローグが必要だったのか、きわめて疑問点があるとここまでは思っていた。

それでも、アルバムには聴き応えのある良曲が多い。そして、それは2ndアルバムから引き継がれたアーティストの才覚が遺憾なく発揮された瞬間とも言える。「Blue Light」はディープ・ハウスとしてうねるようなビートと、セクシャルなJayda Gのボーカルがマッチし、清涼感すら感じさせるトラックとなっている。ここにデビュー・アルバムや2ndに比べると、よりポピュラーなものをというアーティストやレーベルの意図が伺える。そしてそれは実際多くのリスナーの心を惹きつけるものがあると思う。そして、ビートのはね方については、ソングライターではなくDJとしての覇気のようなものも込められている。エネルギッシュなナンバーで大きな賞にノミネートされてもおかしくないような一曲である。他にも気分を高揚させ、そして気持ちを浮き立たせるナンバー「Scars」も聴き逃がせない。ジャングルを基調にして、ハウス/テクノの影響を交え、弾けるようなポップ・ミュージックが生み出されている。ＤＪセットを交えると、クラブやスタジアムの双方で光り、多くのオーディエンスの共感を獲得しそうな一曲である。

その後には、Rosaliaを中心とするレゲトンやアーバン・フラメンコを意識したナンバーが中盤を占める。単なる音楽として聴くと、純粋に楽しめる一曲である。しかし、これらの音楽に父親のベトナム戦争であるとか、私生活に纏わるエピソードが上手くマッチしているかといえば甚だ疑問点が残る。むしろ、そういったエピソードを考えると、何かこれらの純粋なナンバーに暗い影が落ちるような気もする。そしてそれは確かに制作者の思いが複雑にないまぜとなっていることも感じ取れるが、それが何らかの情感や説得力を持ち、胸を打つものがあるのかといえばそうではないように思える。そういったことを考えると、シンプルであるはずのものが複雑になっている気もするのである。観念により音楽に魅力が少しよわめられてしまっているという感じもあった。アルバムの中盤までは良い曲も多いけれど、首を撚ることが少なくなかった。

しかし、アルバムの最後に至ると、なんとなくアーティストが考えていることが少し理解でき、より身近に感じられる瞬間もあった。それは、ネオソウルの影響を加味した大人な雰囲気を持つ「Mean To Be」に至ると、そういった売れることへのプレッシャーがすっと消えて、また表面上の見栄や体裁が消えて、Jayda Gというシンガーの持つ本来の魅力が出てくるようになる。これらのネオソウルの影響を交えた楽曲は一聴の価値があり、時代に古びない普遍性が込められている。そして軽快なダンサンブルなナンバーである「Circle Back Around」を経た後、「When She Dance」は同じように、ソウル・ミュージックに依拠した一曲ではあるが、このあたりになると、少しだけ重苦しくかんじられたシンガーの父親の声が楽しげな印象に変化してくる。

父の苦難多き人生をほのかな明るさで彩ってみせようというのが、このアルバムの意図であるらしいことが最後になってようやくわかる。であるとするなら、このアルバムの本質はアーティストの父親への愛や優しさという感情の表出なのかもしれない。そして、言ったように、アーティストの最大の魅力は、レコードの一番最後になって滲み出てくる。「15 Foot」では名声を得るという重圧から解放され、純粋な感覚に満ちている。聞き手も、最後の曲で癒やされるようなカタルシスに出くわす。その時、少し重苦しいイメージもあった序盤の印象は立ち消え、温い感情で満たされる。愛情や優しさ・・・、つまりこれがこのアルバムの本質であるとわかると、少なくとも、モノローグは多少冗長さを感じるものの、必要であったとも考えられる。

８１/１００

Featured Track「15 Foot」

©︎Jay Soba

Dirty Hit所属の注目のイギリスのシンガーソングライター、The Japanese House（ザ・ジャパニーズ・ハウス）は、ニューアルバム「In the End It Always Does」のエンディングトラック「One for sorrow, two for Joni Jones」を公開しました。サックスとヴァイオリンの演奏に合わせてアンバー・ベインがピアノの演奏をしながら弾き語りをするしとやかなポップスナンバー。

アンバー・ベインは、この曲をMUNAのケイティ・ギャビンと共作し、クロエ・クレーマーと共同でプロデュースしました。タイトルは、アンバー・ベインが飼っている愛犬の名前にちなんでおり、その犬の名はジョニ・ミッチェルにちなんでいます。以下、チェックしてみてください。

「私のお気に入りの曲です。私がピアノを弾いていたとき、（プロデューサーの）クロエは、私の膝の上に私の犬を持つピアノの負荷を再生する私を記録していた古い作品として、それを作り上げたんです」ベインは声明で説明しています。「そして、MUNAのケイティがスタジオにやってきて、ジョニ・ミッチェルのような方法で、とりとめのない歌詞を音楽に乗せてくれた」

「『ラブ・アクチュアリー』（ロマコメ映画）でエマ・トンプソンがCDを手にして涙を流すときのような感覚を表現してます。歌詞は、私の関係が死んでしまったという確認についてのもので、今まで一度もなかったボーカルテイク中に泣いた唯一の曲なんだ」

以前、「Sunshine Baby」、「Sad to Breathe」、「Boyhood」が先行シングルとして公開されています。『In the End It Always Does」は6月30日にDirty Hitからリリースされる予定です。

「One for sorrow, two for Joni Jones」

イギリスのシンガーソングライター、PJ Harveyは新作アルバム『I Inside The Old Year Dying』のタイトル曲を公開しました。

このシングルの以前に、リード・シングル「A Child's Question, August」が公開されています。同時に、Cristóbal LeónとJoaquín Cociñaが監督したアニメーションミュージックビデオを公開が公開されています。下記よりご視聴下さい。

「I Inside the Old I Dying」についてのハーヴェイのコメントは以下の通りです。

この繊細で美しい曲は、スタジオでの最後の日まで、私たちを悩ませました。それまでの5週間、私たちは何度もこの曲を捉えようとして失敗していたのですが、ジョンがこのギター・パターンのフィーリングを作り直したのです。
コントロール・ルームでデモンストレーションをしているときに、フラッドが私にマイクを渡して録音を押し、私はジョンの隣でそれに合わせてどう歌うかを考えていました。

その結果、私が求めていた幽玄でメランコリックな憧れを表現することができた。歌詞の中では、誰もが救世主の再登場を待っています。誰もが、そしてすべてが、愛と変容をもたらすこの人物の到着を待ち望んでいます。そこには、性的な憧れと目覚め、ある領域から別の領域へと移動する感覚、つまり子どもから大人へ、生から死へ、そして永遠への移動があるのです。

「I Inside the Old I Dying」

監督のCristóbal LeónとJoaquín Cociñaは、この作品のビデオについて次のように述べています。

愛、死、復活をテーマにしたショートストーリーを想定しています。このビデオは、小さなおとぎ話のようでもあり、また親密な儀式のようでもあると考えました。私たちが見る要素は、キャラクターや小道具ではなく、儀式の一部である工芸品やお守りであるかのように、アニメーションを風景的かつ物質的な生の状態に保ちたかったのです。

PJ Harveyは昨年にB面の楽曲とレアトラックを収録した『B Sides, Demos And Rarities』を発表しています。新作アルバム「I Inside the Old I Dying」はPartisan Recordsより7月7日に発売されます。

ピーター・ガブリエルは、近日発売予定のアルバム「i/o」からの最新シングル「Road to Joy」をリリースした。以前、「Playing For Me」、「The Court（Dark-Side Remix)、「Panopticon」、「i/o」、「Four Kind of Horses」が先行シングルとして公開されています。

この曲はブライアン・イーノとの共同プロデュースで、バースのReal World Studios、ロンドンのBeehiveとBritish Grove、南アフリカ・ヨハネスブルグのHigh Seas Studiosで録音されました。ソウェト・ゴスペル・クワイア、ジョン・メトカーフのストリングス・アレンジ、ガブリエルのツアー・バンドのメンバーであるベーシストのトニー・レヴィン、ギタリストのデヴィッド・ローズ、ドラマーのマヌ・カッチェをフィーチャー。Road to Joy [Bright-Side Mix]」は下記よりご視聴ください。

この曲について、ガブリエルは声明の中で次のように述べています。

私は今、脳と物事の捉え方に焦点を当てたストーリーのあるプロジェクトに取り組んでいて、この曲はそれにつながるものです。

この曲は、臨死体験や、コミュニケーションや移動ができなくなる閉じ込め症候群の状況を扱っている。驚くほどフラストレーションのたまる状態です。このテーマについては、素晴らしい本や映画がありますが、この物語の時点では、主人公を見守る人たちが、彼を目覚めさせる方法を見つけることに成功しています。だから、この歌詞は、自分の感覚を取り戻し、人生を取り戻し、世界を取り戻すということに尽きるんだ。

この曲は、i/oレコードの最後の曲のひとつですが、以前のプロジェクトのDNAを受け継いでいて、実はこの曲にたどり着いたのは、制作段階のかなり後半でした。音楽的には、確かOVOプロジェクトの頃に始めた「Pukka」という曲があったんです。この曲とはまったく違うものでしたが、実はこの曲がこの曲に戻る出発点だったんです。ブライアン・イーノと一緒に仕事をしているときに、リズムを使った何か別のものが欲しいと思い、いくつか試してみたんだ。この曲の興奮とエネルギーは、私が興奮するものでした。今回のアルバムでは、それが足りないと感じていた。

「Road To Joy」

Noel Gallagher's High Flying Birds　『Council Skies』

Label: Sour Music

Release:2023/6/2

Review

今に始まったことではないが、例によって兄弟間の間接的な激しい舌戦が収まらぬうち、そしてオアシスの再結成の話が空転する中、今年の年末に来日公演を控えているノエル・ギャラガーズ・ハイ・フライング・バーズのアルバムがついに発売となった。いや、このアーティストに対してきわめて複雑な感情を抱くファンにとっては「発売されてしまった」というべきなのか。

アルバムのオープニングを飾る「I'm Not Giving Up Tonight」を通じてわかることがある。今作において、ノエル・ギャラガーはスタンダードなフォーク・ミュージックとカントリーの要素を交えつつも、ポピュラー・ミュージックの形にこだわっている。微細なギターのピッキングの手法やニュアンスの変化に到るまで、お手本のような演奏が展開されている。言い換えれば、音楽に対する深い理解を交えた作曲はもちろん、アコースティック/エレクトリックギターのこと細かな技法に至るまで徹底して研ぎ澄まされていることもわかる。どれほどの凄まじい練習量や試行錯誤がこのプロダクションの背後にあったのか、それは想像を絶するほどである。このアルバムは原型となるアイディアをその原型がなくなるまで徹底してストイックに磨き上げていった成果でもある。そのストイックぶりはプロのミュージシャンの最高峰に位置している。

#2「Pretty Boy」もこのアーティストらしい哀愁と悲哀を交えたお馴染みのトラックであるが、旧来のオアシス時代のファンに媚びようとしているわけでもなく、もちろん楽曲自体も時代に遅れをとってはいるわけでもない。最新鋭のエレクトロやダンスミュージックの影響を交えながら、やはりノエル・ギャラガーは自分なりのアーティストとしての美学を貫き通すのだ。そして必ずといっていいほど、メロに対比する楽曲のピークとなるサビを設けている。これはアーティスト自身が言うように、かつてジョン・ピールがホスト役を務めたBBCのTop Of The Popsの時代の「夢のある音楽」を再び現代の世界のミュージックシーンに復刻したいという切なる思いがあるからこそ、こういったスタンダードな作曲スタイルを取り入れているのかもしれない。

#３「Dead To World」はタイトルこそドキッとするが、繊細な情感を少しも失うことなく、良質なフォークミュージックの見本を示している。繊細なストロークから織りなされるアコースティック・ギターの巧みな演奏は、時代を忘れさせるとともに、音楽そのものに没入させる力を持っている。そしてそのギターの上に乗せられるギャラガーの歌声はやさしく、慈しみがあり、さらに情感たっぷり。もちろん、トラックの上に重ねられるオーケストラのストリングスの重厚なハーモニーは、彼のボーカルの抑揚が強まるとともに、そのドラマティック性を連動するように引き出している。高揚したテンションと落ち着いたテンションを絶えず行き来するノエル・ギャラガーの老練とも称するべき巧みなボーカルは、潤沢な音楽経験と深い知識に裏打ちされたもので、そしてそれは一つの方法論であるのとどまらず、ポピュラーミュージックとして多くの音楽ファンの心を魅了する力をそなえている。音楽のパワーをノエル・ギャラガーは誰よりも信じている。実際、それは本当の意味で人の心を変える偉大な力を持っているのだ。

オアシスの名前は出さない予定であったが、続くアルバムの最終の先行シングルとして公開された#4「Open The Door，See What You Find」では明らかにオアシスに象徴される９０年代のブリット・ポップの音楽の核心に迫ろうとしている。この時代、宣伝文句ばかりが先行し、ブリット・ポップという言葉が独り歩きしていた印象を後追いの世代としては覚えるのだが、しかし、その本質をあらためて考えなおしみると、ポスト・ビートルズということが言えると思う。そしてこの曲を聴いて分かる通り、９０年代のリアルタイムに多くのリスナーがインスパイラル・カーペッツ（ノエル・ギャラガーはデビュー前にバンドのローディーをしていたと思う）やハッピー・マンデーズやザ・ストーン・ローゼズの後の時代の奇妙な熱に浮かされていたために、聴きこぼしていたもの、その本質を曲解していたものをあらためてノエル・ギャラガーは２０２０年代に抽出し、その本質を真摯に捉えようとしている。ノエル・ギャラガーは、オーケストラのベルやストリングスを効果的に用い、ビートルズの時代のチェンバーポップやバロックポップへの傾倒をみせながら、晴れやかなポピュラー・ミュージックをこのトラックで示そうとしている。アルバムタイトルには混乱した次の時代への道標ともなるべき伝言が込められているが、それは聞き手に対し一定の考えを押し付け、その考えに縛りつけつおこうとするのではなく、最後はその目で見届けなさい、というメッセージが込められているのである。

その後、このアルバムは比較的、ゆったりとした寛いだ感じのあるフォーク・ミュージックへと舵を取る。それは長い長い航海の中で行き先も知れず、広々とした大海を上をぼんやりと揺蕩うかのようでもある。この曲でも、旧来のOASISの最初期の音楽性を踏まえ、現代の英国のフォーク・ミュージックとの距離感を計りながら、普遍的なポピュラーミュージックの「終着点」を探している。しかし、それは９０年代の「Wonderwall」のように孤独や孤立に裏打ちされた感覚ではなく、ワイルドなアメリカン・ロックのような雄大さが重視されている。これはミュージシャンの近年顕著になってきている傾向でもある。９０年代を通じて英国を代表するロックミュージシャンでありつづけたノエル・ギャラガーではあるものの、この曲を見るかぎり、世界音楽の最大公約数を探し求めようとしている。そして、歌詞はやはり情感たっぷりに歌われ、ドラマティックなストリングスがその歌詞やボーカルの情感を徐々に引き上げるのである。

さらにノエル・ギャラガーは表向きの音楽の軽薄さにとどまることなく奥深い感情表現の領域へと足を踏み入れていく。つづく「Easy Now」は、このアルバムの収録曲の中で最もビートルズの影響下にあり、イントロダクションでは、マッカートニー/レノンの音楽性の最も見過ごし難い部分である瞑想性を再現させようとしている。苦悩や憂いといった感覚が先立つようにして、うねるような感覚が内面にうずまき、それが外交的とも内省的とつかない、すれすれの部分でせめぎ合いながら、後の展開へと引き継がれる。これまでアーティストが書いてきた曲の中で最も感情的なこのトラックは、近年それほど感情をあらわにしてこなかった印象のあるフライング・バーズのイメージを完全に払拭するものとなっているが、しかしながら、サビに至るや否や、アーティストらしさが出て来て、「Standing On The Shoulders Of Giants」の「Sunday Morning Call」のようなアンセミックなフレーズに繋がっていく。その後には哀愁に充ちたこれまでとは一風変わった展開へと続いている。これはアーティストが自身のソングライティングの癖を捉えつつ、旧来のイメージから脱却しようと試みた瞬間であるとも解釈出来るかもしれない。

更に旧来のイメージを覆すのが続くタイトル曲である「Council Skies』で、ここでは飽くまでポピュラー・ミュージックを主体にしながら、トロピカルな要素やラテン系のリズムを取り入れた画期的な作風へと挑んでいる。やはりボーカルのフレーズには哀愁が立ち込めているが、ブラジルのボサノヴァ風の陽気なリズムと旋律を付け加え、特異なポップスとして仕上げている。旧来のファンとしては最も面白さを感じる一曲で、基本的にはメジャーコードの性質が強いけれど、移調の技法を巧みに取り入れ、短調と長調の間をせわしなく横断している。しかし中盤にかけて、ロックンロールの要素が強まり、ボサノヴァとロックの要素が絡み合うようにして、いくらか混沌とした瞬間を迎える。これを刺激的な瞬間と捉えるかどうかは聞き手次第ではあるけれど、少なくともこのトラックはこれまでノエル・ギャラガーが書いてこなかったタイプの珍しい内容で、アーティストが新たな境地を切り開いた瞬間とも称すことができるのではないだろうか。

続く、#8「There She Blows!」は90年代のUKポップのファンをニヤリとさせる曲で、明らかにThe La'sの傑作「There Shes Goes」に因んでいる。（以前、アーティストは、オアシスとして日本で公演を行った時、ちょうど偶然、同時期に来日していたThe La'sの公演を仲良く兄弟で見ていたと記憶している）無類のUKポップスファンとしての矜持と遊び心が感じられるナンバーである。また、旧来のオアシスファン心を安堵させるものがあるとおもう。ノエル・ギャラガーはリー・メイヴァースに対するリスペクトを示した上で、渋さのあるメイヴァーズのリバプール・サウンドをこの時代に復刻させようと試みている。ミュージシャンとしてではなく、音楽ファンとしての親しみやすいノエル・ギャラガーの姿をこのトラックに垣間見ることが出来るはずだ。

以上のように、ノエル・ギャラガーズ・ハイ・フライングバーズは、近年の作風の中で最も多彩味あふれるアプローチを展開させていくが、アーティストのロックンロールに対する一方ならぬ愛着もこの曲に感じとられる。「Love Is a Rich Man」ではスタンダードなロックの核心に迫り、Sladeの「Com On The Feel The Noise」（以前、オアシスとしてもカバーしている)グリッターロックの要素を交え、ポピュラー音楽の理想的な形を示そうとしている。ロックはテクニックを必要とせず、純粋に叫びさえすれば良いということは、スレイドの名曲を見ると分かるが、ノエル・ギャラガーはロックの本質をあらためて示そうとしているのかもしれない。

「Think Of A Number」では渋みのある硬派なアーティストとしての矜持を示した上で、アルバムのクライマックスを飾る「We're Gonna Get There In The End」は、ホーンセクションを交えた陽気で晴れやかでダイナミックな曲調で締めくくられる。そこには新しい音楽の形式を示しながら、アーティストが登場したブリット・ポップの時代に対する憧れも感じ取ることも出来る。

９０年代の頃からノエル・ギャラガーが伝えようとすることは一貫している。最後のシングルの先行リリースでも語られていたことではあるが、「人生は良いものである」というシンプルなメッセージをフライング・バーズとして伝えようとしている。そして何より、このアルバムが混沌とした世界への光明となることを、アーティストは心から願っているに違いあるまい。

８６/１００

『Council Skies』- Live At BBC 　(アルバムの収録バージョンとは別です)